AUDICIONES HISTORIA III 10 NOVIEMBRE

Gaetano Donizetti (1797-1848) fue un prolífico compositor italiano del período belcantista, conocido
principalmente por sus óperas. Aquí hay una breve biografía y una visión general de su trayectoria:

Biografía:

Gaetano Donizetti nació el 29 de noviembre de 1797 en Bergamo, Italia. Comenzó su formación

musical en su ciudad natal y luego estudió en Bolonia con el compositor Padre Mattei. Su primera
ópera, "Enrico di Borgogna," se estrenó en 1818, pero fue con "Anna Bolena" (1830) que alcanzó el
reconocimiento internacional y se consolidó como un compositor operístico destacado.

Donizetti vivió en una época de gran efervescencia artística en Italia, siendo contemporáneo de otros
compositores destacados como Gioachino Rossini y Vincenzo Bellini. A lo largo de su carrera,
compuso más de 70 óperas, abarcando tanto el género cómico como el trágico. Entre sus obras más
conocidas se encuentran "L'elisir d'amore," "Lucia di Lammermoor," "Don Pasquale," y la trilogía de
las óperas Tudor, que incluye "Anna Bolena," "Maria Stuarda," y "Roberto Devereux."

Trayectoria:

Donizetti fue un maestro del bel canto, un estilo operístico que pone énfasis en la belleza y la fluidez
vocal. Sus óperas son conocidas por sus arias expresivas, duetos y ensembles líricos. A lo largo de su
carrera, experimentó con diferentes géneros y estilos, adaptándose a las demandas del público de la
época.

A pesar de su éxito, la vida personal de Donizetti estuvo marcada por tragedias, como la muerte de
su esposa Virginia Vasselli en 1837 y su hija Virginia en 1839. Además, en la década de 1840,
Donizetti comenzó a mostrar signos de enfermedad mental, lo que finalmente resultó ser sífilis y
trastornos cerebrales. Pasó sus últimos años en un asilo en París, donde falleció el 8 de abril de 1848.

El elixir de amor (también, El elíxir de amor; título original en italiano, L'elisir d'amore) es un
melodramma giocoso operístico en dos actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano
de Felice Romani, basado en el libreto Le philtre (1831), de Eugène Scribe, para la ópera de Daniel-
François Auber.

Acto I

Preludio y Coro de introducción: Bel conforto al mietitore (Qué comodidad para el agricultor)
(Giannetta, Coro)
Cavatina: Quanto è bella, quanto è cara (¡Oh, qué encanto, oh qué hermoso!) (Nemorino, Giannetta,
Coro)

Escena y Cavatina: Benedette queste carte... Della crudele Isotta (¡Qué fascinante historia! ... El amor
por la cruel Isolda) (Adina, Giannetta, Nemorino, Coro)

Marziale

Cavatina: Come Paride vezzoso (Paris guapo, en la historia) (Belcore, Adina, Giannetta, Nemorino,
Coro)

Recitativo: Intanto, o mia ragazza (Mientras tanto, mi encantadora dama) (Belcore, Adina, Coro)

Escena y Dúo: Una parola o Adina... Chiedi all'aura lusinghiera (Escúchame un momento, Adina. ...
Pregúntele a la brisa caprichosa que vaga) (Nemorino, Adina)

Coro: Che vuol dire codesta sonata? (¿Qué es lo que la trompeta está sonando?) (Coro)

Cavatina: Udite, udite, o rustici (Atención, atención, oh, aldeanos) (Dulcamara, Coro)

Recitativo y Dúo: Ardir! Ha forse il cielo mandato... Voglio dire, lo stupendo elisir (¡Sé valiente! Podría
ser el cielo ha respondido ... Solicité ese estupendo encanto de amante) (Nemorino, Dulcamara)

Final I

Recitativo: Caro elisir! sei mio! (Poción de amor, te tengo!) (Nemorino)

Escena y Dúo: Lallarallara... Esulti pur la barbara (Lallarallara ... Mi sufrimiento y miseria) (Nemorino,
Adina)

Terceto: Tran, tran, tra. In guerra ed in amor (Tran, tran, tran. Tanto en el amor como en la guerra)
(Belcore, Adina, Nemorino)

Escena y Cuarteto: Signor sargente, di voi richiede la vostra gente... Adina credimi (¿Dónde está el
sargento, quieren el sargento, sus hombres están llamando, dicen que es urgente. ... Adina, confía en
mí) (Giannetta, Belcore, Nemorino, Adina, Coro)

Acto II
Coro de Introducción: Cantiamo, facciam brindisi (Vamos a cantar una canción de beber y brindar por
el par de tal nobleza) (Belcore, Dulcamara, Giannetta, Adina, Coro)

Recitativo: Poiché cantar vi alletta (Dado que el canto te da placer) (Dulcamara, Belcore, Giannetta,
Coro)

Barcarola: Io son ricco e tu sei bella (Soy rico y eres bonita) (Dulcamara, Adina, Coro)

Recitativo: Silenzio! È qua il notaro (¡Atención! Aquí está el funcionario) (Belcore, Dulcamara, Adina,
Giannetta, Coro)

Recitativo: Le feste nuziali (Estas celebraciones de boda) (Dulcamara, Nemorino)

Escena y Dúo: La donna è un animale stravagante... Venti scudi (Una mujer es una criatura ... ¡Veinte
escudos!) (Belcore, Nemorino)

Coro: Saria possibile (¿Puede ser posible?) (Coro)

Cuarteto: Dell'elisir mirabile (Elixir tan milagroso) (Nemorino, Giannetta, Adina, Dulcamara, Coro)

Recitativo y Dúo: Come sen va contento... Quanto amore (¡Cómo puede parecer tan feliz! ... ¡Cómo
me amaba!) (Adina, Dulcamara)

Romanza: Una furtiva lagrima (Suavemente una lágrima furtiva cayó) (Nemorino)

Recitativo: Eccola. Oh! qual le accresce beltà (Ahí está ella ... ¡Oh! ¡Cómo ha crecido su belleza!)
(Nemorino, Adina)

Aria (Dúo): Prendi, per me sei libero (Tómalo, te doy libertad) (Adina, Nemorino)

Final II

Recitativo: Alto! Fronte! (¡Todo detenido! Frente a la cara) (Belcore, Adina, Dulcamara, Nemorino,
Giannetta, Coro)

Aria final: Ei corregge ogni difetto (Embellecerá las características) (Dulcamara, Adina, Nemorino,
Belcore, Coro)

La partitura de Donizetti prevé el uso de:

2 flautas (II también flautín), 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes

2 trompas, 2 trompetas, 3 trombones

timbal, bombo y platillos

arpa

Cuerdas
Para los recitativos:

pianoforte (violonchelo y contrabajo ad libitum)

En el escenario:

Corneta, tambor, banda (no especificada)

G. Verdi: La Traviata

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi fue un compositor italiano del siglo XIX, conocido
principalmente por sus óperas y considerado uno de los más grandes exponentes de la ópera
romántica.

Nacimiento y Primeros Años:

Giuseppe Verdi nació el 9 de octubre de 1813, en Le Roncole, una pequeña aldea cerca de Busseto,
en el Ducado de Parma, que formaba parte del Reino de Italia.

Mostró un interés temprano por la música y comenzó a recibir lecciones de música a una edad
temprana. Ingresó al Conservatorio de Milán en 1832, pero abandonó pronto debido a diferencias
con sus profesores.

Primeras Óperas:

La primera ópera de Verdi, "Oberto, conte di San Bonifacio," se estrenó en La Scala de Milán en 1839.
Aunque no fue un gran éxito, marcó el comienzo de su carrera como compositor de ópera.

Éxito con "Nabucco":

El gran avance de Verdi llegó con "Nabucco" en 1842. La ópera fue un éxito rotundo y estableció a
Verdi como un compositor destacado en Italia. El coro "Va, pensiero" se convirtió en un himno
patriótico y un símbolo de la unificación italiana.

Periodo de Éxito:

Durante la década de 1850, Verdi produjo una serie de óperas exitosas, incluyendo "Rigoletto"
(1851), "Il Trovatore" (1853) y "La Traviata" (1853). Estas óperas son fundamentales en el repertorio
operístico y se representan con frecuencia en la actualidad.

Compromiso Político:

Verdi también estuvo involucrado en la política y la lucha por la unificación italiana. Su nombre se
convirtió en un acrónimo utilizado como lema por los partidarios de la unidad italiana: "Viva VERDI,"
que también podía interpretarse como "Viva Vittorio Emanuele Re D'Italia" (Viva Víctor Manuel, Rey
de Italia).

Madurez y Óperas Posteriores:

En la década de 1860, Verdi continuó produciendo óperas notables como "Un ballo in maschera"
(1859), "La forza del destino" (1862), y "Don Carlos" (1867).

Su última ópera completa, "Falstaff," se estrenó en 1893 y fue aclamada por su innovadora
composición y tratamiento humorístico.

Muerte:

Giuseppe Verdi falleció el 27 de enero de 1901, en Milán, a la edad de 87 años. Su legado perdura en
su música, que sigue siendo esencial en la escena operística mundial, y su contribución a la
unificación italiana le otorga un lugar destacado en la historia de su país.

"La Traviata" es una ópera en tres actos compuesta por Giuseppe Verdi, con un libreto de Francesco
Maria Piave. La ópera está basada en la novela "La Dama de las Camelias" de Alexandre Dumas hijo y
se estrenó por primera vez en el Teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853.

Trama:

"La Traviata" cuenta la trágica historia de amor entre Violetta Valéry, una cortesana parisina, y
Alfredo Germont, un joven noble. Violetta, a pesar de su vida disipada, se enamora sinceramente de
Alfredo. Sin embargo, su felicidad se ve amenazada por las convenciones sociales y la intervención
del padre de Alfredo, Giorgio Germont, quien le pide a Violetta que renuncie a su amor para proteger
la reputación de su familia. Violetta, a pesar de su sacrificio, muere de tuberculosis, y la ópera
culmina en una tragedia.

Arias Famosas:

"La Traviata" es conocida por sus arias emocionales y melodías memorables. Algunas de las arias más
famosas incluyen:

"Sempre libera" (Acto I): Cantada por Violetta, esta aria es un brillante y virtuoso escaparate para la
soprano. En ella, Violetta expresa su deseo de libertad y placer sin restricciones.

"Brindisi" (Acto I): Esta es la famosa brindis (brindis o brindisi en italiano) en la que los personajes
celebran el placer y el amor en un animado coro y dúo.
"Di Provenza il mar" (Acto II): Giorgio Germont canta esta emotiva aria, instando a Alfredo a volver a
la casa y la familia que está dejando atrás.

"Addio del passato" (Acto III): Violetta canta esta conmovedora aria mientras se enfrenta a su
inminente muerte, recordando momentos felices del pasado.

Recepción y Legado:

A pesar de que "La Traviata" fue inicialmente recibida con críticas mixtas en su estreno, se ha
convertido en una de las óperas más populares y ampliamente representadas en el repertorio
operístico. La emotiva música de Verdi y la poderosa narrativa han asegurado su lugar en la historia
de la ópera. La obra ha sido adaptada en numerosas películas, ballets y otras formas artísticas a lo
largo de los años.

Acto I:

Escena 1: La ópera comienza en la casa de Violetta Valéry, donde está celebrando una fiesta. Durante
el brindis ("Brindisi"), Alfredo Germont le declara su amor a Violetta.

Escena 2: Después de la fiesta, Violetta reflexiona sobre su vida y el amor en el aria "Ah, fors'è lui,"
seguido por "Sempre libera," donde expresa su deseo de vivir libremente.

Acto II:

Escena 1: La acción se traslada a la casa de campo de Violetta, donde ella y Alfredo viven felices.
Giorgio Germont, el padre de Alfredo, llega para pedirle a Violetta que renuncie a su relación con su
hijo por el bien de la reputación de la familia.

Escena 2: Violetta sacrifica su amor por Alfredo y deja una carta explicativa mientras se dirige al
público en el aria "Dite alla giovine." Alfredo, desconociendo las razones de la partida de Violetta, se
entera de la verdad y jura venganza en el aria "Di Provenza il mar."

Acto III:
Escena 1: Violetta está gravemente enferma y vive en la pobreza. Alfredo, ahora consciente de la
verdad, corre hacia ella para reconciliarse. Sin embargo, la tragedia ya está en marcha.

Escena 2: En las últimas escenas, Violetta y Alfredo se reencuentran en un emotivo dúo, pero la salud
de Violetta empeora rápidamente. La ópera culmina en la muerte de Violetta, quien canta el
conmovedor aria "Addio del passato."

Características:

Bel Canto: Verdi fue un maestro del bel canto, un estilo operístico que enfatiza la belleza y la fluidez
vocal. "La Traviata" presenta líneas vocales melódicas y expresivas, especialmente en las arias y
ensembles, que permiten a los cantantes lucir sus habilidades vocales.

Arias Emotivas: La ópera está llena de arias emotivas que expresan los sentimientos y las luchas
internas de los personajes. Ejemplos notables incluyen "Ah, fors'è lui" y "Sempre libera" de Violetta,
así como "Di Provenza il mar" de Giorgio Germont.

Ensembles Poderosos: Verdi utiliza ensembles (duetos, tríos, coros) de manera efectiva para crear
momentos impactantes y dramáticos. La escena del segundo acto donde Giorgio Germont confronta
a Violetta es un ejemplo de un ensemble poderoso.

Brindis (Brindis o Brindisi): Una de las partes más conocidas de la ópera es el brindis en el Acto I,
titulado "Libiamo ne' lieti calici" ("Bebamos de las copas felices"). Es un animado brindis en el que los
personajes celebran el placer y el amor.

Uso de Coro: Verdi emplea el coro de manera efectiva para resaltar los aspectos sociales y las
tensiones en la trama. El coro participa en la escena de la fiesta en el Acto I y en otras partes clave de
la ópera.

Recitativos y Cavatinas: La ópera utiliza recitativos para avanzar la trama de manera hablada y
cavatinas para arias más líricas. Esta combinación de estilos musicales da fluidez a la narrativa.

Cambio de Estilo Musical: La música de "La Traviata" refleja los cambios en la fortuna y el estado de
ánimo de los personajes. Por ejemplo, la música festiva y animada del Acto I contrasta con la música
más melancólica y seria del Acto III.
Aida

"Aida" es una ópera en cuatro actos compuesta por Giuseppe Verdi con un libreto de Antonio
Ghislanzoni. La ópera se estrenó el 24 de diciembre de 1871 en el Teatro de la Ópera del Cairo,
Egipto.

Acto I:

Escena 1: En el palacio real de Menfis, Egipto, el comandante militar Radamés aprende que Etiopía
está planeando atacar a Egipto. Radamés, aunque secretamente enamorado de la princesa etíope
Aida, desea ser nombrado comandante del ejército egipcio para enfrentar a los invasores.

Escena 2: Aida, esclava etíope en el servicio de la princesa Amneris, está dividida entre su amor por
Radamés y su lealtad a su país. Amneris sospecha los sentimientos de Radamés y Aida.

Acto II:

Escena 1: En el templo de Vulcano, se celebra el triunfo de Radamés. Él es elegido como comandante

y se le concede cualquier deseo. Radamés desea la victoria, y el sumo sacerdote Ramfis revela a
Radamés el plan militar egipcio.

Escena 2: Amneris manipula a Aida para que revele su amor por Radamés, lo que confirma las
sospechas de Amneris.

Acto III:

Escena 1: En la frontera entre Egipto y Etiopía, Aida espera la llegada de Radamés, quien se ha
separado del ejército egipcio. Aida se debate entre su amor por Radamés y su lealtad a su país.

Escena 2: Amneris llega al lugar y descubre que Aida también ama a Radamés. Aparece el ejército
egipcio y Radamés es arrestado por traición.

Acto IV:
Escena 1: En una celda subterránea, Aida espera a que Radamés sea ejecutado. Planea morir a su
lado.

Escena 2: Amneris, en el templo, ruega por la paz y la redención. Se entera de la muerte de Radamés
y de la supervivencia de Aida, quien se ha escondido en la tumba para unirse a Radamés en la
muerte. La ópera termina con Aida y Radamés muriendo juntos.

Características:

Gran Orquestación:

Verdi utiliza una orquesta completa para crear una paleta sonora rica y variada. La instrumentación
es detallada y a menudo grandiosa, especialmente en momentos como la "Triunfal Marcha" en el
Acto II.

Arias Emotivas:

Las arias de "Aida" son expresivas y emotivas, revelando los sentimientos y las luchas internas de los
personajes. Ejemplos notables incluyen "Ritorna vincitor!" de Aida en el Acto I y "O patria mia" en el
Acto III.

Coros Impactantes:

Verdi utiliza coros de manera efectiva para resaltar los aspectos sociales y emocionales de la trama.
El coro triunfal en el Acto II es uno de los más conocidos y poderosos de la obra.

Dúos y Ensembles:

Los dúos y ensembles de "Aida" ofrecen momentos de gran intensidad dramática. La interacción
vocal entre los personajes, especialmente en situaciones de conflicto, se destaca en piezas como el
dúo entre Aida y Amneris en el Acto II.

Marcha Triunfal:

La "Triunfal Marcha" en el Acto II es una de las piezas más reconocibles de la ópera. Se presenta con
una majestuosidad y pompa que evoca el esplendor de la corte egipcia.

Recitativos y Cavatinas:

La ópera utiliza recitativos para avanzar la trama de manera hablada y cavatinas para arias más
líricas. Esta combinación de estilos musicales agrega fluidez a la narrativa.
Uso de Melodías y Leitmotivs:

Verdi utiliza melodías inolvidables que se entrelazan con la trama y resumen emociones específicas.
Estos leitmotivs contribuyen a la cohesión musical de la ópera.

Contrastes Dinámicos:

Verdi emplea contrastes dinámicos para resaltar los momentos de tensión y emoción en la historia.
Desde pasajes íntimos y líricos hasta secciones más potentes y dramáticas, la variedad dinámica es
una característica distintiva.
Nabucco Obertura y Coro Esclavos

Nabucco" es una ópera trágica en cuatro actos compuesta por Giuseppe Verdi. Su libreto fue escrito
por Temistocle Solera y se estrenó el 9 de marzo de 1842 en el Teatro alla Scala de Milán. La ópera es
conocida por su dramatismo, emociones intensas y su conexión con eventos y temas históricos y
bíblicos. Aquí tienes más información sobre "Nabucco":

Trama:

La historia de "Nabucco" se basa en eventos históricos y bíblicos. Se centra en Nabucodonosor

(Nabucco), rey de Babilonia, y su conflicto con el pueblo hebreo. La hija de Nabucco, Fenena, se
convierte al judaísmo, lo que enfurece a Abigaille, una esclava adoptada que había sido considerada
como la heredera legítima. La ópera explora temas de poder, amor, celos y redención.

Uno de los momentos más destacados es el famoso coro de los esclavos, "Va, pensiero," en el cual
los hebreos expresan su dolor por la opresión y anhelan la libertad en su tierra natal. Este coro se ha
convertido en un símbolo de resistencia y patriotismo, especialmente en el contexto italiano.

Personajes Principales:

Nabucco (Nabucodonosor): Rey de Babilonia.

Abigaille: Supuesta hija de Nabucco, en realidad una esclava adoptada.

Fenena: Hija de Nabucco.

Zaccaria: Sumo sacerdote hebreo.

Ismaele: Prisionero hebreo, enamorado de Fenena.

Anna: Hermana de Zaccaria.

Overtura de "Nabucco":

La obertura de "Nabucco" es una de las oberturas más famosas y emocionantes en el repertorio

operístico. Compuesta por Giuseppe Verdi, esta pieza instrumental establece el tono y presenta
temas que se desarrollarán a lo largo de la ópera. Aquí hay algunas características clave:
Introducción con Cuerdas:

La obertura comienza con un pasaje lírico y melódico interpretado por las cuerdas, estableciendo
una atmósfera emotiva.

Crecimiento Gradual de la Intensidad:

La intensidad de la música aumenta gradualmente a medida que se suman más secciones de la

orquesta, creando un sentido de anticipación y emoción.

Tema Nacionalista:

Uno de los elementos más destacados de la obertura es el uso del "Va, pensiero," el famoso coro de
los hebreos. Este tema, interpretado inicialmente por los violines, se convertirá en un potente coro
en el tercer acto.

Contrastes Dramáticos:

La obertura presenta contrastes dramáticos, desde secciones más suaves y melódicas hasta
momentos de gran fuerza y energía. Esto refleja la dualidad de las emociones y situaciones que se
desarrollarán en la ópera.

Climax y Coda:

La obertura alcanza un impresionante clímax antes de disminuir hacia una coda emocionante. La
coda prepara perfectamente el escenario para la entrada de los personajes y el desarrollo de la
trama.

Coro de los Esclavos ("Va, pensiero"):

El coro de los esclavos, también conocido como "Va, pensiero," es una de las piezas más icónicas de
"Nabucco" y se ha convertido en un símbolo de la lucha por la libertad y la identidad nacional. Aquí
hay algunas características destacadas:

Melodía Inolvidable:

La melodía del coro es extraordinariamente hermosa y conmovedora. Ha llegado a representar la

lucha y la esperanza del pueblo hebreo.

Texto Significativo:
El texto, en italiano, reflexiona sobre la tierra natal perdida y la esperanza de regresar a casa. La
repetición de las palabras "Va, pensiero" ("Ve, pensamiento") agrega un matiz de anhelo y deseo.

Armonías Conmovedoras:

Las armonías del coro son emotivas y expresivas, especialmente cuando se unen en poderosos
acordes que resaltan el deseo colectivo de libertad.

Crescendo Dramático:

El coro comienza suavemente y va construyendo gradualmente hacia un poderoso crescendo,

evocando las emociones y la fuerza del pueblo hebreo.

Uso de la Orquesta:

La orquesta acompaña magistralmente el coro, intensificando la emotividad de la música y

resaltando la importancia de este momento en la ópera.

El coro de los esclavos ha trascendido la ópera misma para convertirse en un símbolo de unidad y
resistencia. Su impacto y belleza musical lo han convertido en uno de los elementos más queridos de
la obra de Verdi.