COMEDIA

Las tres noches de Eva

La escena de la cena de gala en el salón transatlántico, cuando Gene utiliza su espejo, la podemos considerar
como “directora” de la escena, es ella quien dirige el espejo en la dirección que ella considera oportuno mostrar
en cuento a lo que va relatando, siendo cierta “narradora” a su vez, que expresa que hacen y que quieren todas
aquellas mujeres que buscan llamar la atención de Charles. Asimismo, esta escena podría considerarse
autorreflexiva, haciendo alusión a la producción del film, deja en evidencia el acto de dirigir esa película y esa
historia.
La mujer acá aparece como un personaje atrevido, que busca lo que quiere, toma acciones, decide y lleva
adelante la acción. En estas comedias, tanto el hombre como la mujer ocupan el lugar protagónico y no se
evidencia una “lucha” de poder o protagonismo entre ambos, lo comparten sin problema. En esta comedia en
particular, hasta se puede ver cierta ridiculización en el personaje masculino de Charles, que es torpe e ingenuo,
mientras que Gene es la atrevida, firme, astuta, lo engaña y se sale con las suya. Es como si ella estuviese por
encima de él, y esto se representa en la escena del camarote. Gene sentada en un sillón, mientras Charles esta
sobre el suelo, poniéndole los zapatos. Posteriormente, Gene acostada en ese sillón, mientras que Charles
intenta ocupar un lugar al lado de ella pero cae al suelo y allí queda, por debajo de ella. Además en la escena
podemos ver como Gene juega con este hombre, ilusionándolo, y este, justamente, “cae” enamorado de ella.
(falta pregunta de la serpiente, para ella el miedo de la teoría, para el su son su vida) El espera a una mujer ideal,
pero no dice nada sobresaliente que la destaque. Ella plantea un hombre común y corriente “bajo y rico”, más
que un hombre ideal es un hombre “practico” ya que seria fácil de encontrar. Pero espera un hombre que la
tome por sorpresa.
Existen otras escenas autorreflexivas mediante la utilización de los espejos, es donde se desdobla la imagen de
los personajes que se preguntan cosas sobre la verdadera identidad, la mentira, la desconfianza sobre lo que se
ve y quienes son realmente. Para empezar, Charles afeitándose, se puede ver su reflejo en espejo. En este
momento, su amigo le habla de sus sospechas sobre Harry y Gene, que son ladrones jugando una doble
identidad. La presencia del espejo reafirma la idea del desdoblamiento de los personajes que no son realmente
lo que dicen ser. También una escena de Jean preparándose para ver a Charles. Se ma ve reflejada en el espejo
mientras habla con Harry. Habla de su amor hacia Charles y que realmente está enamorada, pero debe confesar
su verdadera identidad. Mediante el espejo, vemos la dualidad de este personaje, que ahora se encuentra en
una lucha entre su engaño y sus verdaderos sentimientos. Por último, cuando Charles se viste para la fiesta,
nuevamente vemos su reflejo en el espejo, mientras habla de Eve y su gran parecido a Jean. Este reflejo
representa esta dualidad en el personaje de Charles que sospecha que es la misma mujer, pero que a su vez, se
lo niega a sí mismo, tratando de convencerse de que es otra.
Con la aparición de Eve, en Connecticut, una fiesta de gala, elegante, ella aparece en ese hermoso y elegante
vestido blanco, con las plumas. En esta fiesta lleva a cabo su engaño, y ante las sospechas se inventa la historia
de la hermana gemela. Esto también es autorreflexivo, ya que deja en evidencia el hecho de estar ante una
película. Mediante este ridículo engaño que Charles cree, se lleva al ridículo a las convenciones del género, en los
personajes desdoblados, las mentiras y secretos. Pero más que nada pensarlo como ese ingenuo Charles que
cree esa historia sin sentido, en relación a los espectadores, que creen cualquier tipo de historia como real al
momento de ver una película. Por otro lado, en esto de poner en ridículo las convenciones del género, se puede
ver también en la escena en la que Charles y Eve están con los caballos, en ese “mundo verde”. Charles le
expresa su amor a Eve de la misma manera que lo hizo con Gene. Ella se ríe por el hecho de que a las dos les diga
lo mismo. La declaración metafórica, ese atardecer al aire libre, con los caballos, típico de la comedia romántica,

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acá es ridiculizado con el hecho de sea la misma declaración, los caballos que molestan a Charles, “arruinando”
ese momento que debería ser el perfecto y el más romántico.

It happened one night

A Ellie aparece en su camarote, enojada, haciendo una huelga de hambre. Se ma ve como una mujer firme y
decidida, que enfrenta la autoridad de su padre, pero a la vez puede parecer medio caprichosa. La vemos
discutiendo con su padre porque este no la deja estar con su marido. Cuando el padre intenta convencerla de
comer, Ellie tira toda la comida, así que su padre le pega. Esto hace que salga corriendo, salte del bote y escape.
Por otro lado, Peter se lo ve, lo que pareciera borracho, enfrentando por llamada a su jefe, mientras muchos
hombre a su alrededor lo alientan. Es despedido, pero hace de cuenta que la situación es al revés, que su jefe me
pida que vuelva. Esto muestra a un personaje también firme y decidido que enfrenta a la autoridad. Pero
posteriormente se muestra que es un hombre responsable y honesto.
Se lo puede pensar como un Road film, porque la mayor parte de él desarrolla en viaje que emprenden Ellie y
Peter para llegar a Nueva York. Además todo este viaje construye la idea del viaje de aprendizaje y educación que
va a recibir Ellie por parte de Peter, que se vuelve como una figura paterna para ella. Y esto se puede ver cuando
en el micro no la deja comprar los chocolates, y le dice que debe cuidar su dinero, o en la cabaña, cuando le
arregla la ropa, le prepara el desayuno. Cuando busca comida para ella que tiene hambre o le prepara una
“cama” con la paja para que este cómoda.
En la escena del desayuno en la que llegan los detectives, se la puede pensar como autorreflexiva ya que hace
alusión a los estereotipos de matrimonios de la época, burlándose un poco de eso, y a su vez, podría pensarse
como los personajes que están “actuando” interpretando el rol de marido y mujer, dejando en evidencia lo que
se hace en el cine, actuar e interpretar un papel.
En la segunda noche en la cabaña, Peter describe a su mujer ideal, y a ese lugar ideal, esa isla, que representan el
mundo verde. Es esta película no hay un mundo verde físico, sino ese especial que plantea Peter. A este lugar
remiten los créditos de apertura, esas imágenes que pueden ser esa isla, ese espacio verde perfecto para
nuestros personajes. En esta secuencia vemos que Ellie pasa la manta, es decir, transgrede el límite, y esto pasa
porque dejó de ser una niña y se convirtió en una mujer. Su proceso de aprendizaje y educación ya terminó. Ya
está lista para estar con Peter. Asimismo, cuando la cruza, se puede ver una plano subjetivo de Peter viendo a
Ellie, quien se ve difuminada, es esa mujer ideal de sus sueños, a la cual debe ver bien para reconocer que la
mujer con la que soñaba es real y está enfrente de él.

La rubia del camino

Al personaje de Betty se la puede ver por primera vez en su habitación en aquel hotel de lujo (que representa
esa clase social y el mundo al que pertenece Betty, en el cual todavía es una niña), vistiéndose de manera
elegante y propia de su clase social alta, hablando con su criada, a la cual trata mal y le da muchas órdenes. Se la
muestra como un personaje atrevido, mal educada, firme y molesta. Justamente sus padres dicen que es
insufrible, a lo que el abuelo contesta que es su propia creación. Justamente, el rol de los padres acá es muy
distinto al de las películas americanas. Para empezar, esta la presencia de la madre, y el padre no tiene ningún
rasgo de autoridad. Más bien este lugar lo ocupa el abuelo, que es quien la enfrenta con muchas verdades sobre
su mal carácter y la lleva a hacer algo de su vida y aprender de ello. Por otro lado, el personajes masculino de
Julián aparece en su camión, vestido de gaucho, un hombre de campo, que se ofrece llevar a Betty, para que no
quede en la calle insegura y corriendo peligro. Se puede ver a un hombre de la clase más popular, con buenos
valores y trabajador.

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Justamente este personaje marca la contradiciendo entre él y Betty. Clases sociales y valores opuestos. La idea
de la contraposición entre el campo y la ciudad, que se ve muy marcada en las diferencias entre este hotel de
lujo donde está Betty, y este viaje por el campo que ambos realizan, que representa el espacio de Julián. Como la
mayor parte del film es en estos exteriores, la idea del mundo verde está presente casi todo el tiempo, pero se
hace más evidente en la escena donde ambos están desayunando, preparándose para emprender nuevamente
viaje. Betty acepta el mate que Julián le da, y con esto está aceptando esa clase social, esos valores y al mismo
Julián. Esto es muy similar a algunas cuestiones de la película de Capra. Para empezar este viaje que ocupa la
mayor parte del film y que simboliza el viaje de aprendizaje y educación que le ofrece Julián a Betty, que empieza
siendo una niña y termina siendo una mujer. Podemos ver esta transformación, por ejemplo, cuando se viste de
“campesina”. Se despoja de su vestido elegante de lentejuelas y se viste con aquel otro simple vestido. También
cuando ayuda a la mujer a dar a luz. No sabía hacer nada, pero es capaz de realizar ese acto. Después quiere
tener al bebé en brazos todo el tiempo, y es la única capaz de cambiar los pañales. Es justamente en este
momento en el que Betty termina su educación, ya es una mujer, que incluso está preparada para ser mamá. Y
esto se refuerza am final, cuando espera a Julián con el bebé en brazos, haciendo alusión a que ellos están listos
para formar una familia.

Arroz con Leche

El personaje de Mónica es un personaje supersticioso, pero también es astuta, atrevida, firme y decidida, capaz
de crear todo ese engaño y hacer lo posible para mantenerlo. Tiene padre y madre. El padre se acerca en
algunos aspectos al padre de ma comedia americana. No se opone a los deseos de su hija ni se posiciona del
lado de la ley. Mónica realiza todo su engaño y al padre no parece importarle. No se enfrenta a su hija por sus
acciones o decisiones. Inclusive acepta que se quede con el doctor a pesar de todos los malentendidos que
habían tenido lugar, como el de los muebles. En esta película podemos ver dos personajes masculinos. El de
Raúl, del cual Mónica está enamorada, que se lo presenta como un buen hombre, honesto, de buenos valores,
pero también algo ingenuo al caer en los engaños de ella. Y por otro lado, el doctor Byron, un hombre firme, con
un temperamento más serio, que no aprueba el engaño en él que quedó involucrado, pero, sin embargo, le sigue
el juego a Mónica, a la cual parece no poder detener.
En esta película está la figura de los niños, pero no como la idea de la proyección de formar una familia, sino
como herramientas del engaño de Mónica, que únicamente los usa para mantener su mentira.
Podría decirse que es una comedia de Rematrimonio, pero sus convenciones son llevadas a los límites. No hay
una reconciliación, una pareja que se separo y volvió a estar junta, pero podría pensarse desde el lado del
engaño. Si bien Mónica y Byron no estaban juntos en la vida real, si lo estaban en la mentira de ella, en la cual
estaban peleados. Pero finalmente terminan juntos de verdad y a partir de acá se podría hablar de una
reconciliación. Además de que resuelven todos los malentendidos que tuvieron durante el engaño. Pero no
podría decirse que hubo una propia reconciliación como la que se espera de este tipo de comedia.

MELODRAMA
La ley que se olvidaron
En esta película se pueden ver personajes prototípicos según la clasificación de Monterde. Para empezar, el más
claro es el personaje de María, que va a encarnar a la víctima. Una figura inocente y la virtud, que puede llegar a
los límites de la estupidez. Se presenta como una virginal muchacha huérfana, pero a su vez, como una madre
abnegada. Sufre la separación con aquella niña que consideraba como hija, y debe ir presa y sufrir el juicio por su
deseo de ser madre. Por otro lado, tenemos a Alberto, como el personaje del héroe. Es la figura que hace
triunfar al bien y que protege la inocencia y virtud de la víctima, al defender a María y a la maternidad. Con esta

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idea de la maternidad que el defiende, encarna un personaje bueno con un gran sistema de valores. También en
un segundo plano se puede hablar del personaje del cómico, que es Belindo, aparece como la figura que causa
gracia, rompiendo las macetas, mirando por el cuadro. Es un personaje que vive ahí y busca ayudar a las mujeres
de la casa, pero siempre con una presencia cómica y divertida. Y por último, se podría considerar a las dueñas de
la pensión y esa familia como los traidores. Tal vez no de una manera tan explícita, pero si son las que le van a
poner obstáculos y problemas a María, la víctima. Al principio la usan para su beneficio, dejan que toda la
sociedad la juzgue, y posteriormente quieren arrebatarle a la niña, que es lo único que ella amaba y me
importaba. Se pueden ver como “villanas” que hacen la vida de María más difícil.
La acción principalmente se desarrolla en aquella pensión donde María es sirvienta. Es un lugar muy típico del
melodrama, porque representa el encierro del personaje en ese lugar. Al ser la sirvienta huérfana, está
posicionada en el estrato más bajo de la sociedad, por lo que esa casa significa su encierro y la no posibilidad de
ascender más. Justamente cuando escapa de ese lugar con la niña es cuando empieza a sufrir las consecuencias
de ese acto: ir presa, ser juzgada, pero lo más importante, perder a la niña. En este sentido, de la imposibilidad
de cumplir sus deseos de ser madre y vivir con la niña, se puede ver una fuerte característica de las mujeres del
melodrama. Su incapacidad de ascenso y el fracaso de sus deseos. Sin embargo, en esta película se puede ver
cierta vuelta de tuerca de las convenciones del género al final. María termina volviendo a la casa, donde es bien
recibida y puede seguir estando con la niña. No tiene aquel final trágico o de fracaso que tienen otras mujeres
del melodrama americano trabajadas. Además de que María es un personaje inocente, infantil pero a su vez
maternal, y sumamente buena. Solíamos ver personajes más ambiciosos que priorizaban sus deseos ante sus
hijos, en este caso la maternidad está en un primer plano. (El hombre se pone del lado de la ley que coincide con
el deseo de María). Esta el amor imposible entre María y Alberto. No pueden estar juntos porque María es como
una niña, inocente. Al final está aprendiendo al lado de la niña, resaltando la idea de que son igual de infantiles e
inocentes. Esto no le permite está con Alberto, porque el es un hombre ya maduro.
En el film están presentes canciones que reflejan la situación y las emociones de María. Cuando sale a pasear con
el bebé, canta sobre María. La triste María, María la hija de Dios. Mientras canta se la ve caminando de noche,
todo está oscuro, dedos que la señalan, criticando, juzgando. Es una María sufrida, que se encuentra en la
oscuridad de la sociedad, porque es mal vista. Pero a su vez es la bendecida de Dios, la protege por su inocencia,
la bendijo con una hija. Y todo esto permite poner en relación a esta Maria con Maria la madre de Jesús. Una
mujer virgen e inocente, a la que se le encargo el cuidado de un bebé, y finalmente termina con una toma de
una estatua de María cargando a Jesús, para que esto quede bien en claro.
Es que esta película trabaja muy claramente la idea de la maternidad. Mediante el personaje del Alberto, aquel
hombre que se posiciona del lado de la ley, se realiza una crítica sobre el tema. Aquellas mujeres presas se
encuentran en aquella situación justamente porque rechazan la maternidad y llenan ese espacio con la
delincuencia. En cambio María, presa por querer ser madre, es digna del respeto y ayuda de Alberto, porque la
maternidad es los correcto y honrado. Además la idea de que el simple hecho de parir no hace a una mujer
madre, sino el cuidado y el amor. Cuando la defiende en el juzgado, da mención al título de la película, donde la
ley olvidada es la ley del corazón, esa ley del amor, que defiende a la idea mencionada.

La puerta cerrada
Este film comienza en la cárcel de mujeres. Ya de por sí es un claro ejemplo de lugar típico del melodrama. El
lugar de encierro de nuestra protagonista del cual no puede salir. Cuando aparece se la ver triste,
completamente derrotada y fracasada (como las mujeres del melodrama). Cuando sale de la cárcel, hay una
toma donde la puerta se abre y su cara se ilumina por el sol, ve el cielo y sonríe. Finalmente salió del lugar y es
libre, pero unos instantes después de dirige a una casa, donde nuevamente unas rejas le prohíben el paso.

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Nuevamente vemos su cara tras los barrotes. Sigue siendo presa de su felicidad y deseos. Justamente esa es la
casa de su marido. A la cual nunca tuvo acceso y no lo va a tener, prohibiéndole conocer a su hijo. Nuevamente
el personaje de Nina es la víctima. Una mujer inocente a la cual se le prohíbe la felicidad y la maternidad, es
poder estar con su hijo y cuidarlo. (Los amigos de ella medios cómicos, héroes no se).
A través de una ventana abierta puede ver un cuadro donde ella está pintada, y esto permite introducir el
flashback. Ese cuadro pintado por el marido antes de casarse. Y acá está la diferencia entre su pasado y su
presente. En el presente tras las rejas de la casa, triste, en el pasado feliz, en ese gran parque, con el hombre que
amaba. Sin la actitud de derrota. En su pasado era una actriz que contaba en el teatro. Esta profesión no siempre
era bien vista en el pasado, y esto lleva a que el amor entre Nina y Raúl sea prohibido, ya que sus tías, dueñas de
la fortuna y la casa, no la querían. Sin embargo, él renuncia a esa fortuna para estar con ella. Pero no era un
matrimonio aprobado por la familia. Como Raúl debe decidir entre el dinero y el amor, Nina deberá hacerlo
entre el Amor y el trabajo, pero principalmente por la maternidad. Renuncia a su trabajo para estar con él. Esto
la diferencia de otros personajes del melodrama trabajado, que priorizaban sus deseos de ascenso sobre los
maternales. Como Lora de Imitation of life elige su carrera de actriz por encima de su hija.
Como todas las mujeres del melodrama, Nina transgrede la norma. Ante la desaparición de Raúl vuelve a los
escenarios (cosa que había prometido al hombre que no iba a hacer) pero vuelve cantando un tango, que era
mal visto debido a los lugares donde circulaba, como prostíbulos y cabarets. Mediante el personaje del amigo,
que viene a persuadirla de no hacerlo, se deja explicitada la norma social y moral transgredida, que es
inmediatamente castigada. Esa presentación de ella lleva a la discusión con su marido que termina en su
accidental muerte y la detención de Nina.
Volviendo al título, la puerta cerrada es la puerta de la casa de las tías que nunca le permitieron entrar.
Solamente es capaz de entrar cuando muere, cuando se sacrifica por su hijo. Es un personaje que tiene un final
trágico, pero el único que le permite el perdón por sus transgresiones. En sus últimos momentos se reúsa a
confesarle a su hijo que es su madre, y en esto podemos ver relación con Stella Dallas. Una madre que se
sacrifica para darles un mejor futuro a sus hijos y que puedan vivir aquella vida que siempre quisieron pero que
fueron incapaces de conseguir para ellas mismas. Nina realiza ese sacrificio también, no solo el morir por su hijo,
sino también si identidad pata que el hijo viva con aquella mentira sobre su madre, que reflejaba una madre
buena y amorosa.

Madre
Gran parte de la acción de esta película se desarrolla en la casa de la familia, donde posteriormente van a
construir y abrir la lavandería. Como lo dice en título, la madre es una figura muy importante en este film. Su
primera aparición es barriendo la casa. Ya desde un principio se la muestra limpiando y manteniendo el hogar, es
aquella que sostiene y mantiene a la casa y la familia. Nunca la vamos a ver en otro lugar que no sea la casa,
porque esta funciona gracias a la madre. La casa se modifica, se construye la lavandería que representa la
prosperidad de esa familia que tiene problemas económicos. Al igual que la casa, la madre se modifica, cambia,
debe adaptarse a su situación para poder prosperar y brindarle lo mejor a su familia.
Por otro lado tenemos al personaje de Toshiko, la hija, la que ocupa en lugar de narradora. Mediante su
narración se nos presentan los miembros de esa familia, acompañados de las valoraciones de la protagonista.
Cuando presenta al padre lo llama Popeye, debido a sus músculos, su fuerza por ser un trabajador. Esto es una
ejemplo de la occidentalización que vivía el Japón de aquella época. La invasión de la cultura de occidente y
comienza a llegar al país, y se ve más presente en las generaciones jóvenes. Por ejemplo, son los hijos los que
visten de maneras más occidentales y no con los quimonos, como la madre. Además el personaje del “novio” de

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Toshiko, es el que mayor trae ma cultura occidental al film. Lee con Toshiko un libro francés, en el festival canta
una canción francesa/italiana, y hornea un pastel al que llama Picasso.
El film experimenta elipsis temporales. Las más evidentes son las muertes de los familiares. Estas quedan fuera
de la vista del espectador. De una escena a otra ya no están, y mediante el diálogo se informa que fallecieron.
Pero también hay otras escenas, con en cartel del puesto de Toshiko, que pasa de vender pasteles caliente a
helados, demostrando así que paso un tiempo y cambio la estación. También la elipsis la vemos al final, con el
aprendiz. Llega inexperto, pero en la escena siguiente se dice que ya aprendió y es completamente capaz de
trabajar en la lavandería. Entonces las elipsis se presentan de una manera muy sutil, pero a la vez muy clara. No
necesita de un gran cambio en la escenografía o en los personajes para que la historia avance.
Una de las escenas que es dramáticamente fuerte es cuando la madre debe dar en adopción a su hija Chako y
ella parte. Comienza con la niña terminando de prepararse, mientras todos alrededor de ella la miran hacerlo.
Un plano a la cara de la niña la muestra sería y triste por tener que partir, pero predispuesta a hacerlo. Tetsu, el
primo le da un regalo de despedida, y luego la niña vuelve corriendo al interior de la casa y toma el dibujo de la
madre, para poder tenerla con ella siempre. La madre ve esto y su expresión se entristece, sin embargo, no llora,
es una mujer fuerte capaz de resistir cualquier cosa. Todos están tristes, pero saben que es lo mejor y realizan
ese sacrificio. La niña acepta irse para ayudar a la familia, y la madre acepta dejarla ir para poder mantener el
hogar. Esta escena es el claro ejemplo de la fortaleza de la madre. Deja partir a una hija por el bien del resto de la
familia, y para que Chako pueda tener una mejore vida con sus tíos. Además, este momento remarca los valores
y la cultura del Japón. Los tíos que adoptan a la niña para ayudar, la madre que lo acepta al igual que Chako, pero
sobre todo el hecho de que debe dejar partir a una hija por su situación económica, pero sigue cuidando a su
sobrino. En lugar de devolvérselo a su hermana o dejar que los tíos se lleven a Tetsu, da a su hija, porque el
cuidar a Tetsu era una promesa que habían hecho con su marido, y debían cumplirlo.
Toda esta situación demuestra la situación de la familia. Una familia con problemas económicos, una mujer que
pierde a su marido, a su hijo, y debe dar a su hija en adopción, demuestran el contexto de posguerra de ese
Japón que quedó en decadencia. Mujeres que perdieron sus maridos y a sus hijos en la guerra. Un país que
perdió a sus hombres, a ciudadanos, y que quedó con una economía en descenso, que amenazaba la vida de su
población. La madre es ese país que a pesar de todo debe mantenerse fuerte pera salir adelante, que busca los
mejor para sus hijos, para los jóvenes, que son los que deben salir adelante y llevar a delante al país con ellos.
Todos los personajes realizan sacrificios, (la madre todo, Toshiko la escuela, el quimono. Chako el irse a vivir con
los tíos) sufren las pérdidas y su situación económica, pero ninguno demuestra esa debilidad o dolor. Son
personajes fuertes que siguen adelante con esos tristes sentimientos, pero no lo demuestran.
Escena autorreferencial, el fin de la película que ver Noriko y Toshiko.
Justamente la idea del pasado está presente, y se puede poner en relación con el Japón antes de la guerra. Hay
un flashback donde la madre y el padre recuerdan cuando eran jóvenes, se habían casado, tenían ya dos hijos y
su lavandería era la mejor y única que había. Tenían una gran prosperidad económica. Este contexto anterior a la
guerra demostraba alegría, prosperidad y juventud, que se vio modificado con la guerra que dejo muertos,
cuerpos cansados, enfermedad, decadencia económica y un ambiente desesperanzador y Derrotado.

La mujer del rumor (la de más geishas)

La acción se desarrolla en la casa de geishas. Se podría decir que es un espacio típico del melodrama debido a
que es un espacio en el cual viven todas aquellas mujeres que no pudieron ascender económicamente y se
vieron obligadas a dedicarse a esa profesión para poder mantenerse a ellas mismas, y en muchos casos, a
familiares también. Claramente está la idea de ese destino trágico e imposibilidad de ascenso característico del
melodrama. En cambio, los personajes que vienen de afuera, como Yukiko y el doctor, se los presenta como

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personajes con educación y carreras realizadas, posicionándose en un nivel social más “favorable” o al menos
como más oportunidades que las geishas.
Se puede ver que una de las geishas está muy enferma, y sabemos que trabaja de eso porque tiene una familia
que mantener. Finalmente ella muere, demostrando que el destino de estos personajes es ajeno a su ascenso
pero si relacionado con su descenso.
La influencia del occidente está muy presente en Yukiko, tanto en su vestimenta como en cierta negación por el
oficio de su madre y todas aquellas mujeres, que en sí son una parte fundamental de la cultura japonesa. Existe
una contraposición justamente entre ella y las otras mujeres, y se ve representado con el lugar donde duermen.
Yukiko tiene si propio cuarto, mientras que las geishas todas comparten el mismo espacio, y para llegar a él a que
descender por las escaleras, subrayando la idea de que estas mujeres se encuentran en un nivel social muy bajo.
Además está presente la idea de los romances no correspondidos típicos del melodrama. La madre de Yukiko
enamorada del doctor, aunque este último esté enamorado de Yukiko, quien corresponde a su amor. Se
construye un triángulo amoroso donde finalmente todos fracasarán, ya que nadie se quedará con nadie. Porque
Yukiko prioriza a su madre, no hay que dejar de lado que trabajamos melodramas de madre, donde el amor de
madre e hija vencerá cualquier obstáculo y prevalecerá sobre todo.
El personaje de Yukiko está destinado a ocupar el lugar de su madre, y esto se ve en la escena final cuando ocupa
el lugar de su madre, quien le cuenta que ya cuando estaba embarazada de ella ocupaba ese lugar en la casa de
geishas, por lo que de alguna manera Yukiko ya había estado sentada en ese lugar y estaba destinada a él.
Por último el espacio se presenta como una cárcel para las mujeres, no pueden salir de él porque son incapaces
de conseguir algo mejor. Es un lugar cerrado, donde sus paredes están llenas del líneas verticales similares a los
barrotes de las cárceles. Pero también es una especie de cárcel para Yukiko, pero en él sentido de aquel lugar del
que no puede salir porque era parte de su destino, el cual no puede modificar, al igual que ninguna mujer del
melodrama.

POLICIAL AMERICANO
El Halcón Maltés
En esta película, mediante el personaje de Sam Spade, se nos muestra el caso del Halcón Maltés. Esta película
incorpora al cine negro el personaje del detective privado, que es aquel que trabaja de manera independiente. A
diferencia de los detectives clásicos que se posicionan en un lado, el del “bien”, este detective privado no trabaja
ni representa a ninguna institución. Se puede ver en Sam, que se encuentra en el “medio” de ambos lados, el de
la ley y el de la delincuencia. A lo largo de la película se lo puede ver simpatizar y negociar como los “malos”, los
delincuentes, pero a su vez haciendo lo correcto, lo que ley demanda, ayudando a las policía al final al resolver
los casos y atrapar a los criminales. Es un personaje que tiene conocimiento de la calle y de ese mundo violento y
de delincuencia, pero sus valores y actitudes están del lado de las fuerzas del orden y lo correcto. Cabe destacar,
que en estas películas se hace una crítica a las instituciones policiales, dejándolos como incompetentes e inútiles,
mientras que el personaje de Spade, él sólo, es capaz de resolver los casos, debido a su gran capacidad e
inteligencia. Esta crítica se da por el contexto en el que este cine surge y se desarrolla, que es el de la segunda
guerra y la posguerra. El cine comienza a mostrar el contexto de desilusión y desesperanza que se vivía, los
sistemas corruptos y la violencia de las calles y de la sociedad. Volviendo a Sam como intermediario entre los dos
mundos, al final se refleja claramente esta característica mencionada. Lo vemos tratar con los criminales,
negociar con ellos, pero finalmente los entrega a todos, incluyendo a Brigid O’Shaughnessy, la mujer a la que,
podría decirse, había empezado a amar. Esta mujer representa a la característica mujer fatal, pero no tanto como
en otras películas, si bien está mujer involucra a Sam y Miles en el caso, posteriormente matando a Miles, y
dejando a Sam más involucrado, e inclusive, sospechoso en la investigación, no lo lleva a un final trágico, como lo

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será en el caso de “Los asesinos”. Sin embargo, le causa problemas y lo obliga a tomar riesgos, hasta casi podría
haber ido preso. Pero con este personaje se comienza a formar el carácter de la mujer fatal, que es ambiciosa,
astuta y peligrosa, la cual actúa en su propio beneficio, y esto si se puede ver en el personaje de Brigid. Ya desde
el inicio miente para llegar a su objetivo. Además está nueva mujer le da un rol más importante a las mujeres en
el cine, que convencionalmente eran más sumisas.
Por otro lado, esto mencionado sobre hechos que se presentan y luego se desmienten, rompen con las
convenciones del cine clásico, en las cuales se debía dar la información correcta y precisa al espectador sin
engañarlo, y en esta película, la mentira y engaño al espectador es recurrente. Otras convenciones que se ven
modificadas podrían ser las de la iluminación. Ya no es una luz que ilumina todo el espacio y completamente a
los personajes, sino que el juego de sombras estará muy presente. Los personajes ya no sobresalen del espacio,
todo se ilumina de “la misma manera”. Son personajes con sombras, fragmentados por la oscuridad, sosteniendo
está idea de la desesperanza y pérdida de valores, de hombres y mujeres ambiguos, que no se mueven por el
bien o por el mal, sino que ambos ya están mezclados en el interior del individuo.
Hay que destacar que si bien está presente el juego de luces y sombras, en esta película los interiores suelen
estar bien iluminados y casi en su totalidad. En las calles es donde estará más presente la oscuridad. Las calles
son de ciudad, allí se llevan a cabo las persecuciones o las investigaciones más que nada. Las relaciones, los
vínculos y negociaciones se dan más en los interiores. Lugares cerrados que demuestran que los personajes no
pueden salir de esa situación en la que se encuentran.

Los asesinos
En esta película, mediante el personaje Reardon, un empleado de una compañía de seguros, se nos muestra
quien fue el sueco y porque es asesinado. Su muerte se muestra en un principio y deja el enigma durante toda la
película. Podemos ver que la figura de “detective” no es necesariamente un detective. Esto sostiene una de las
características del cine negro, la del ciudadano común y corriente. El personaje no es ni un delincuente ni un
policía, no está posicionado en ningún lado en particular, sino que es un hombre que comienza a investigar de
manera independiente, y es capaz de recolectar toda la información de la vida del sueco y finalmente descubrir
el porqué fue asesinado. En esta película, a diferencia de “El Halcón Maltés”, la mujer fatal está más “marcada”.
También es ambiciosa, astuta y peligrosa, pero además, es un cuerpo erotizado y usa la sexualidad para
conseguir sus objetivos, y lleva al sueco a la muerte por su ambición. En esta película queda bien subrayado la
idea de la razón y el deseo. No hay amor entre los personajes de Kitty y el sueco, sino más bien deseo por parte
de él, lo que le lleva a perder la razón y terminar muerto. Justamente, Kitty se aprovecha de este deseo. Se
presenta en el piano, cantando, sola, deseada, con una sombra que atraviesa su rosto, representando la
ambigüedad y dualidad del personaje, que se encuentra entre el bien y el mal, o mejor dicho el apartar ser una
mujer buena e inocente, cuando en realidad es ambiciosa y no le importa las consecuencias que sus acciones le
traigan a los demás.
A diferencia de otros policiales negros, la historia comienza y transcurre en un pueblito, no en la ciudad. Sin
embargo, lo matones vienen de la ciudad, sosteniendo la idea de que el mal viene de afuera, y más
específicamente, de la ciudad. Igualmente esta presente en los flashbacks de la vida del sueco. Los flashbacks
son importantes debido a que la complejidad y desorden temporal el característico de este cine. Como sostiene
Schrader “la manipulación del tiempo se instrumentaliza, a menudo, para para reforzar el principio noir: el Cómo
es más importante que el qué”. Al comenzar con el asesinato del sueco, la pregunta no va a estar en lo que
proceda, sino más bien en el Cómo se llegó a esa situación y cómo podrá solucionarse. Esto a su vez es
característico del noir, la idea del pasado y el presente, que ganan más importancia que el futuro. Uno siempre
se concentra más en los acontecimientos previos que llevaron a la situación presente, dejando un poco de lado
lo que pasará en el futuro. Además los detectives trabajan con los hechos pasados y en el día a día.

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Por otro lado, en relación a lo mencionado, el héroe del cine negro no mira hacia el futuro sino que vive el dia a
día. Muchas veces se lo presenta como figuras derrotadas, con nostalgia y sin prioridades claras. Esto se puede
ver en el personaje del sueco. Al inicio lo vemos completamente en la oscuridad, resignado a su muerte. No hace
nada para detenerla, no quiere y sabe que no puede. Era boxeador, los cuales son derrotados cuando caen y
quedan acostados en el suelo incapaces de seguir actuando, y de esta manera se lo ve al inicio, recostado sobre
su cama, incapaz de cambiar su destino, ya fue vencido.
Este accionar del personaje le da un carácter pasivo. Un personaje que no hace nada ante la situación, porque es
incapaz de cambiar su futuro/destino. Esto se puede relacionar con el melodrama. Aquellas mujeres que a pesar
de accionar y buscar un ascenso y cumplir sus sueños, están condenadas a la derrota y el fracaso, en el cual su
felicidad no es completa y deben aceptar su trágico destino porque no pueden modificarlo.
(En cuanto a la iluminación y los espacios, lo mismo que la anterior.)
El usar a un hombre de seguros en lugar de un detective sirve para reflexionar la idea mencionada del hombre
común. Podríamos decir también que es una crítica al sistema e instituciones corruptas, como en “El Halcón
Maltés” debido a que deja una idea de que cualquier persona inteligente y capaz de investigar puede resolver un
caso mejor que la policía.

POLICIAL FRANCES
Pepe le moko
Texto
• Uno de los títulos más célebres de la época, es Pepe le moko. Es una traslación de los argumentos y personajes
del noir americano a los ambientes de un subgénero tan característico del cine francés como son las películas
coloniales. Encontramos en ella a un gánster que lidera una banda de ladrones, un policía a la caza y una mujer
no tan fatal como sus colegas yanquis pero igual de destructiva para el protagonista. Sin embargo, la trama
genuinamente pulp se contagia de las exóticas miasmas de la ambientación del filme y termina siendo otra cosa,
un mórbido y enrarecido melodrama donde las secuencias de acción y el suspense se difuminan entre pesimistas
diálogos y brumosas escenas de pasión y celos.
• El personaje de Pepe se mueve con insólita indolencia y pasividad por las callejuelas de un territorio que su
reino, pero también su prisión. Sabe que en el momento en que abandone el seguro Refugio de la casbah será
arrestado por la policía. Si los gangsters americanos caen víctimas de su ambición y su naturaleza impulsiva, Pepe
es derrotado por un inaprensible e inevitable ennui. Su Idilio con Inés es producto del hastío, y su alocada
infatuación con Gaby parece simple excusa con la que poner fin a una situación vital que se ha vuelto Absurda e
insoportable.
• En el film la trama importa mucho menos que la alucinada descripción de un Casbah infernal y El retrato de un
personaje que vaga sin rumbo por las calles, no hay grandes peleas, ni espectaculares robos, las escenas de
acción se reducen a un tiroteo en unos callejones en penumbras donde los participantes disparan con una
especie de desidia ante lo que se consideran un juego sin sentido, y el suspense se torna inoperante, en cuanto
que, en la atmósfera de fatalismo que impregna el film, sabemos que el policía terminará capturando a Pepe, tal
y como se previene constantemente con la lucidez de un oráculo mitológico.
• Pepe le Moko es un film muy notable por su tensión nunca resuelta entre realismo y fantasía, entre mimesis y
diegesis. Al inicio de la cinta, un policía explica por qué el gánster no puede ser capturado por la policía en el
laberinto del Casbah. Su narración es acompañada por una cámara de sorprendente agilidad que nos muestra
desde arriba la entre en cada red de callejones y viviendas que conforma esa Barriada infernal.
• Hay en ese montaje una Clara vocación documental que nos muestra un Crisol de razas y culturas desde una
perspectiva casi etnográfica. Pero una vez que la cámara nos muestra ese mundo desde abajo la realidad se
transforma en un decorado irreal y vaporoso, en un escenario de cuento cruel y expresionista.

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• Pepe le moko recrea una casbah de la imaginación, una materialización pétrea del retorcido destino de su
protagonista. La casbah nos pertenece y habita en cada uno de nosotros. Una vez que Pepe la abandona llega el
enfrentamiento con el mundo real y su definitivo exilio de él gracias a la muerte.

Los personajes masculinos aparecen como los “poderosos” manejan el lugar y son respetados por los habitantes
de la Casbah. Las mujeres, en cambio, presentan un papel más sumiso. No hay mujeres fatales como en el cine
americano, sin embargo si llevan a la muerte del hombre protagonista. Por un lado está el personaje de Gaby,
una mujer turista que se vuelve el objeto de deseo de Pepe. Podría decirse que es un principio llama su atención
las joyas y riquezas de esta mujer, pero después Pepe de “enamora” de ella. A diferencia de la mujer fatal, ella no
tiene ninguna ambición, ni lleva directamente al protagonista a la muerte, ni siquiera sabe que Pepe fue por ella.
Por otro lado, tenemos al personaje de Inés, más representativo de la mujer del cine francés, sumisa ante Pepe y
capaz de perdonarle algunas actitudes por el amor que siente por él. No obstante, ante los celos de que la
abandone por otra lo entrega a la policía. En este sentido podría llegar a hablarse de un carácter correspondiente
a la mujer fatal. Si bien no actúa por ambición, sino más bien por celos, de todas formas lleva directamente a la
caída de ese hombre. A que sea arrestado, pero también a su suicidio. Existe además, la una diferencia en estas
mujeres en relación a la clase. Gaby es de una clase alta, que viaja y recorre el mundo, es libre. Mientras que Inés
está presa en su amor por Pepe que implica que sea presa de es Casbah también. Una mujer que se sacrifica por
su amor.
Se puede ver la característica del cine negro en relación a la ambigüedad de los personajes. Por un lado tenemos
Slimane, es un policía que se encuentra con un pie de cada lado. Del bien, porque es parte del cuerpo policial e
intenta atrapar a los delincuentes, pero también del mal, debido a que simpatiza con los criminales y tiene una
buena relación con ellos. No obstante, hay que resaltar que esto lo hace porque es la única manera de
asegurarse algún día tener éxito en la captura de estos hombres. Algo similar sucede con el personaje de Regis,
amigo de los delincuentes pero informante de la policía. Al ayudar a la policía podría decirse que es una buena
persona, sin embargo, Lo mueve la ambición de la recompensa que le ofrecen por la captura de Pepe. Este deseo
económico lo lleva a la muerte. Y por último, un personaje ambiguo es el de Pepe, es un criminal, su accionar es
malo, pero igual es una persona respetada y apreciada por los miembros de la Casbah, que lo ven como una
figura heroica y admirable. Es un hombre que actúa fuera de la ley, con actos ilegales, pero a su vez tiene ciertos
valores y formas de relacionarse que son encantadoras. Esto se puede ver en su relación con Pierrot, lo quiere
como a un hijo e intenta protegerlo siempre, mostrando un hombre sensible y protector.
Se puede ver en el film la tensión entre estilización y realismo en la escena final, cuando Pepe sale de la Casbah.
Mientras camina se puede ver la puesta en escena claramente irreal. Esto es de esta manera porque se busca
una lectura más metafórica del momento y no tan realista y literal. Mientras Pepe anda, se muestran imágenes
de la Casbah y del mar. La idea es mostrar como poco va saliendo de ese lugar, de esas calles, después de tanto
tiempo, y el mar como un símbolo de la libertad, no sólo salir de la Casbah, sino también poder ir a otros lugares
y países. El se dirige feliz a esa posibilidad de escape, de finalmente salir de esa cárcel en la que vivía, y poder
emprender nuevos caminos a nuevos sitios.
Se puede establecer una relación con el melodrama. Por un lado más notorio, la relación que Pepe tiene con
pierrot, como si fuesen padre e hijo. Intenta protegerlo y enseñarle a ser un hombre. Busca darle lo mejor de sí.
Pero por otro lado, el melodrama puede reflejarse en la idea del fracaso del ascenso del protagonista. Es un
personaje que falla, no es capaz de cumplir su deseo de salir de la Casbah. Y además, su felicidad nunca es
completa. En la casbah es libre, pero está preso en ella, y en la ciudad es libre, pero es un preso legalmente. Es
un personaje que jamás podrá ser libre por completo y vivir una felicidad completa. Es incapaz de modificar su
destino y su fracaso.

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LE JOUR SE LEVE (AMANECE)
Para empezar se puede analizar el espacio en relación al personaje de François. Es una habitación ordenada y
prolija, que poco a poco se irá destruyendo. Comienza con las balas que rompen la ventana y el espejo.
Posteriormente la pared y el ropero. Finalmente vemos al personaje terminar de destruir los objetos y el espejo.
Este espacio representa el interior del personaje. Un hombre bueno, trabajador y querido por todos, pero que al
cometer el asesinato, comienza a decaer. Un hombre que entra en conflicto consigo mismo y demuestra una
destrucción en sus valores y en su moral. Esta lenta y progresiva destrucción de la habitación demuestra también
la destrucción de aquel hombre. Constantemente se mira al espejo, o podemos ver su reflejo sobre él,
representando la dualidad de François, un hombre bueno y honesto, pero a su vez un asesino. Justamente este
espejo con agujeros de balas, está destrucción en la superficie repercute en el reflejo de él, resaltando una vez
más que esa destrucción exterior representa la interior del personaje. Cuando finalmente François lo rompe con
la silla, es porque definitivamente ese hombre ya no existe, está completamente destruido y fragmentado.
Mismo cuando grita por la ventana sostiene está idea de que no conoce a François, y que ya no existe. Podemos
ver como a lo largo del film el personaje cae cada vez más en la locura, podría decirse, por haber cometido ese
acto criminal. Porque es precisamente ese asesinato el que da lugar al conflicto interno que vivía el personaje.
Esa violencia guardada en su interior escondida tras su encanto. Sin embargo, esta idea de la caída del personaje
se sostiene también con la iluminación. Es espacio de la habitación tiene un gran contraste entre sombras y
luces, y muchas veces se ve en el rostro del personaje, mitad en luz mitad en oscuridad, subrayando el hecho de
un hombre del bien que poco a poco cae en el mal y en una oscuridad que constantemente lo atraviesa hasta
apoderarse de él.
Por otro lado, como es característico del policial, se puede ver una ruptura temporal, el relato parecería avanzar
hacia el pasado que hacia el futuro. Lo importante no es lo que viene, sino el como se llegó a esa situación. Los
flashbacks se introducen como recuerdos de François, que va rememorando todas aquellas situaciones que lo
llevaron a este punto. Si bien se deja explicitado que son recuerdos por la toma de realizan de él, inmóvil con la
mirada perdida demostrando que está recordando, al inicio de la película se deja bien en claro que se va a
mostrar a un hombre recordando como llego a cometer ese asesinato.
La figura del héroe en el policial francés tiende a diferenciarse del americano. En este caso vemos a un obrero,
un trabajador de la fábrica, un hombre bueno, equilibrado, pasivo y sensible. En el francés vemos héroes que no
tienen más solución que la huida de su realidad y de su vida. El personaje de François es un personaje Derrotado,
que no tiene fuerzas para levantarse y reaccionar, que no puede modificar su destino, y prefiere acabar con su
propia vida que rendirse ante la policía, que aunque si pueda ser quien controla su vida en el final de ella.
También existe la figura femenina, pero no como la mujer fatal americana. En este caso tenemos a Clara, podría
ser un personaje un poco más erotizado y más “libre” no tan sumiso como las mujeres de la época. Ella toma sus
decisiones y vive según sus deseos. Sin embargo, no lleva a la muerte o la caída del protagonista. Por otro lado
tenemos a Françoise, una mujer que se presenta como algo sumisa o inocente, pero que, por el contrario, es la
que lleva al protagonista a la muerte, no de una forma tan directa, pero es por causa de su relación con el
domador que François conoce a ese personaje y se forma la “rivalidad” entre ambos, que luchan por una misma
mujer. El domador será la figura del villano. También es muy diferente a la del policial americano. Ya no son los
ricos empresarios o políticos, sino hombres que se encuentran entre las clases altas y la trabajadora. El domador
no tiene ninguna influencia económica que influya en el conflicto entre él y François, sino que es más bien un
personaje mentiroso y manipulador que mediante estas actitudes busca conseguir sus objetivos y a su vez
producen molestia en el protagonista, que finalmente reaccionará y lo asesinará.
La reconciliación entre François y Françoise se da en un vivero, lleno de plantas y flores, similar al mundo verde
de la comedia en el cual los protagonistas se reconciliaban, un lugar donde se alcanza la renovación en la

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relación. En relación con el melodrama esta la idea del fracaso. La pasividad de un personaje que es incapaz de
modificar su destino y alcanzar la felicidad. François desea el amor de Françoise y poder estar con ella, y aunque
el luche por eso, no va a poder conseguirlo y deberá aceptar esa derrota.
Crítica social, tal vez en relación a la represión que hay en la clase. Gente que busca ayudar a un buen hombre,
pero que es atacada por el sistema que no los deja intervenir y actúan es pos de asesinar a François. También la
fábrica, se puede ver que los obreros trabajan en condiciones muy precarias y peligrosas. La imagen de las flores
muriéndose por estar expuestas solo unos segundo en aquella fábrica, y el comentario ante el gas, que es
incapaz de afectar a François debido a que está acostumbrado a respirar esos gases peligrosos, permiten criticar
a los empresarios y las clases altas que se aprovechaban a los proletarios que trabajaban y vivían en condiciones
inhumanas. Asimismo podría pensarse en personaje del domador, esa clase media que tampoco ayuda al
ascenso de la clase obrera, sino todo lo contrario, ayuda a su descenso y a empeorar su situación.
Por último, muere cuando amanece, creando una contradicción. El amanecer es visto como un nuevo comienzo,
algo bello y alegre, pero para el protagonista será el momento de su final.

POLICIAL JAPONES
El ángel ebrio
En la película se pueden ver dos héroes masculinos. Por un lado, el doctor, un hombre dedicado a curar a sus
pacientes y cuidar de ellos, sobre todo en relación a la tuberculosis. Es un hombre común y corriente que se
posicionan del lado del bien. Trata con criminales, a pesar de no estar de acuerdo con sus acciones, su deber es
salvar a las personas sin importar quien sea. Además, en estas relaciones, vemos que es un hombre valiente que
no se deja intimidar por los demás. No importa cuan peligrosos sean, el siempre habla de forma honesta y con
firmeza. Sin embargo, como es característico de los personajes del policial, es un personaje ambiguo. Porque es
un alcohólico que muchas veces reacciona de maneras muy violentas. Se puede ver que a lo largo del film evita
que Matsunaga beba, y trata de protegerlo de la bebida, cuando él es el primero en beber grandes cantidades de
alcohol sin dejarlo aunque los personajes de su entorno le digan que pare por su salud. Por otro lado, el otro
héroe es Matsunaga, él es un criminal, posicionado del lado del “mal”, y si bien es temido, también es respetado.
Algunos personajes dejan en claro que lo consideran buena persona y que no pertenece a ese grupo de
delincuentes. Asimismo, se puede observar en su conducta la cuestión del honor. El respeto por su jefe, en un
principio, pero en él enfrentamiento cara a cara con él en el final. No quiere acudir a la policía, ya que sería
humillante y sin honor, es por eso, que a pesar de que no estaba en condiciones, decide enfrentarse
personalmente con Okada. Esto podría relacionarse con el conflicto del giri, las obligaciones contraídas por la
sociedad, y el ninjo, que son los sentimientos personales. En Matsunaga este se ve en esta pelea final que le
cauda la muerte. En lo mencionado anteriormente, tiene que respetar a su jefe y obedecerlo, es una cuestión de
honor y códigos, pero sus sentimientos personales se ven involucrados al enterarse que Okada no le da
importancia a su situación, sino que se aprovecha de que va a morir, y a su vez, ya tiene pensado su reemplazo.
Esto lleva a enfurecer a Matsunaga, quien enfrentará a su jefe y buscará matarlo. La actitud de Okada no es muy
honorable, y es por eso de Matsunaga actúa de esa manera. Además, volviendo al tema de la policía, el decide ir
él para mantener el honor, muy importante en la cultura japonesa, y con esto realiza un sacrificio, ya que sabía
que el mantener ese honor, lo llevaría a la muerte debido a la condición en la que se encontraba.
Se pueden distinguir 3 personajes femeninos, la primera es Miyo, asistente del doctor. Se la presenta como una
mujer amable y sumisa, también temerosa por Okada, su ex novio, que es muy peligroso y está suelto
nuevamente. El personaje de Nanae, como una trabajadora del cabaret. No es sumisa, es más bien una mujer
firme y decidida, una trabajadora que maneja su propia vida y decisiones. Y por último, si bien no aparece tanto,
es la joven paciente del doctor, una niña inocente y optimista que lucha contra su enfermedad e intenta
recuperarse. Este personaje representa el lado bueno de Japón, esa juventud que es el futuro, pero que primero

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debe luchar para recuperarse del malestar que vive el país en aquel contexto de posguerra. Ninguna de estas
mujeres de acerca a aquella mujer fatal americana. Son más cercanas a las mujeres francesas, en cuanto a
sumisas o sin actitudes sobresalientes para la mujer de esa época. Si se acercan más en el sentido de que no son
mujeres que lleven a la muerte o final trágico de los protagonistas. No obstante, se puede ver en Nanae, de una
manera muy sutil, algunas características de la mujer fatal. Trabaja en un cabaret, por lo que está asociada a la
idea del deseo y la figura erotizada. Pero también en su ambición, elige a Okada por sobre Matsunaga debido al
dinero. Okada tiene muchos más dinero y poder, por lo que decide quedarse con él.
En cuanto al espacio, la mayor parte del film se desarrolla entre el cabaret y el bar, donde está el alcohol y “las
malas influencias”, la ciudad, siempre llena de mucha gente, y la casa/consultorio del doctor, visto como aquel
lugar del “bien” donde se curan personas. Es esa característica del policial, que más que casa es el lugar de
encuentro y reunión de los personajes. En su exterior se puede ver el charco podrido. Esta contraposición del
lugar limpio y sano que cura, ante un agua podrida que causa la enfermedad. Aquel mal que asecha al bien que
constantemente lucha por hacerle frente. Esto se resalta cuando el doctor reta a los niños jugando en el charco.
El doctor busca proteger a los niños porque son el futuro. Lo bueno que queda de Japón debe preservar al bien
en el futuro, y protegerlo de aquel charco podrido y su enfermedad. Con esto se realiza una crítica social, lo que
se vive en Japón después de la guerra. Un país Derrotado y destruido, donde los valores y el honor se están
perdiendo y “enfermando”, y esto está empezando a afectar a los más jóvenes, a los cuales hay que proteger,
porque salvarlos a ellos significa salvar el futuro del país. Además, esta presente la idea de la ciudad y el
insoportable calor, haciendo referencia a ese infierno insoportable que no se puede evitar. La ciudad tiene ese
carácter típico del policial, de representar el mal. Cuando a Matsunaga le proponen dejar esa vida atrás, lo
invitan al campo. Finalmente sus restos irán al campo. Con esto se subraya la idea de la ciudad como un lugar
perdido y el campo, o el exterior de ella, es un lugar de paz y refugio, y de bien.
La función del guitarrista es, por un lado, traer todas aquellas melodías nuevas occidentales, pero, por otro lado,
darle lugar a Okada cuando sale de la cárcel de tocar su canción favorita. A partir de ese momento todos
empezarán a bailar su música, es decir, a seguir sus reglas. Pero volviendo a la idea de occidentalización, está
presente en esto, pero también en el espacio del cabaret, donde se toca un tango, en la vestimenta de algunos
personajes. Esto permite mostrar la influencia de América sobre el Japón. No sólo Derrotado en la guerra, sino
que también ve su cultura amenazada e invadida por el occidente que avanza apoderándose de todo.
Por último, podemos ver características del melodrama. En primer lugar, en la relación del doctor y Matsunaga, a
pesar de que este último se resiste a los cuidados del doctor y lo agrede, finalmente lo acepta, y justamente el
doctor, a pesar de estar en contra del estilo de vida del criminal y de su trato hacia a él, igual se preocupa por él y
pone todo su esfuerzo en cuidarlo, sanarlo y sacarlo de ese grupo criminal. Esto construye cierta relación
paternal, un padre temeroso del bienestar de un hijo, quien rechaza estos cuidados pero que reconoce que vela
por su seguridad. Por otro lado en el personaje de Matsunaga vemos la idea del fracaso y la imposibilidad de
modificar su destino. Es un personaje que sabe que va a morir y está idea lo atormenta hasta en sus sueños. Ante
la imposibilidad de salvarse debido a su actitud y su entorno que no lo deja mejorar, se termina convirtiendo en
un personaje derrotado y pasivo que fracasa en sus deseos.

El perro rabioso
En este film se presenta la figura del policía y del delincuente. Si bien son personajes opuestos en cuanto valores
y moral, Kurosawa al finalizar el film los ubica a ambos en el mismo lugar. Ambos son perros rabiosos. Una
escena de la película es utilizada para explicar este título. Este recurso podría ser autorreflexivo. Hacer hincapié
en el título le deja en evidencia al espectador que está ante una película debido a que lo lleva a ponerlo en
relación, la explicación del título en correspondencia a toda la película. Se explica que el perro rabioso es aquel
que solo ve y busca una sola cosa. Lo más común es atribuírselo a Yusa, el delincuente que solo quería un

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ascenso económico por lo que robaba dinero para mejorar su situación. Sin embargo, Murakami también es un
perro rabioso, si bien sus intenciones son buenas esta tan encerrado en la culpa de que le hayan robado el arma,
que pone todo su esfuerzo en una única cosa: encontrar su pistola. También se va obsesionar con esto y hará
todo lo que este a su alcance por ello. Esto queda en evidencia en la pelea final, ambos peleando, sucios,
cansados y tirados en el piso, jadeando como aquel perro de los títulos de apertura. Ambos tomados en un
mismo plano cenital que los muestra como iguales.
El personaje de Murakami es honorable, con valores y moral. Es un hombre que quiere hacer lo correcto y hace
todo lo posible por arreglar su error. En la escena inicial se muestra como pide un castigo, y hasta presenta su
renuncia. Es un hombre que reconoce y acepta su error, y está dispuesto a afrontar las consecuencias de sus
actos.
Por otro lado tenemos a los personajes femeninos. Esta la mujer a la que Murakami persigue al inicio. Una mujer
que está en el lado del mal, es una criminal. Se la muestra como una mujer firme que no se deja intimidar por el
policía. Es más, únicamente lo ayuda, no por una responsabilidad moral y ética, sino por lástima. Después está la
mujer cómplice de la venta de las armas. También no se la ve asustada, habla con confianza a la policía y con
seguridad. Pero la que más se destaca es Humari Namiki, baila en los clubes, se la presenta como un cuerpo
erotizado, podría decirse, una mujer con ambición y aspiración a un ascenso económico, por eso está con Yusa,
que le regala aquel vestido que ella deseaba. Ninguna de estas mujeres representa a la característica mujer fatal.
Si bien no aparecen como personajes completamente sumisos, tampoco se destacan por encima de los
personajes masculinos. Además ninguna lleva al hombre a su muerte o destino trágico. Tal vez, Humari brinda
algo de información que le permite a los policías llegar a Yusa y atraparlo. Pero no es únicamente gracias a ella el
que lleguen a Yusa, por lo que no Humari no tiene ese “poder” que lo lleva a su fracaso.
También va a estar la figura del detective Sato. Un hombre mayor que tiene mucha experiencia en el oficio. Se va
a presentar como la figura que ayuda y guía a Murakami en la búsqueda del criminal. Es aquel que le enseña el
oficio y le brinda conocimientos. Es un personaje que le enseña a nuestro protagonista, que deberá aprender
mucho sobre el ser policía. Y este aprendizaje que Sato le brinda a Murakami, lleva a que se construya una
relación paternal entre ambos. Sato como un padre que intenta darle todos sus conocimientos a su hijo ingenuo
y novato Murakami que los necesita.
Hay que destacar que se hace mucho énfasis en los pies que caminan por la calle, la idea de “patear la calle”
policías que se toman en tiempo y el trabajo de andar por las calles, por la ciudad, investigar, no sólo desde el
interior de una comisaría detrás de un escritorio, sino que se involucran.
Esta presente la idea de la guerra. Un país que está destruido y debe recuperarse. Se plantea en la hermana de
Yusa, y en un diálogo entre Murakami y Sato, la idea de los hombres que fueron a aquella violenta guerra y
trajeron con ellos esa violencia y ese “mal” a país. La idea de un país habitado por el mal se sostiene con el
insoportable calor que atormenta a esa ciudad. Un calor insoportable como si fuese en mismísimo infierno
(obviamente no sólo por el calor sino también por el mal). No obstante, muchas veces son hombre empujados a
la delincuencia por el mismo sistema destruido de la posguerra. Finalmente hay una lluvia, suaviza ese calor
infernal pero también el mal. Es cuando la película llega a su clímax, el bien que finalmente le gana al mal.
Murakami atrapa a Yusa. La idea de que eventualmente, aunque las cosas sigan siendo malas, los crímenes
siempre van a existir, de todas formas siempre habrá buenos luchando contra eso, intentando ponerles un final.
Esta película deja “en buen lugar” a la institución policial. Policías que trabajan en grupo y se preocupan por los
crímenes e intentan detenerlos involucrándose en las calles y en el asunto, y que finalmente terminan
triunfantes.

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