Universidad Autónoma de Santo Domingo

(AUSD)

Historia Del Arte

(Asignatura)

Ana Mirabal Rosario

(Profesora)

Arte unidad 6.1

(Tema)

Claribel Regalado Martínez

(Estudiantes)

100450787

(Matricula)
El arte Barroco, el Rococó y el arte Neoclásico.

El Arte Barroco comenzó como una continuación del Renacimiento. Sin embargo,
los eruditos de la época comenzaron a ver las diferencias drásticas entre los dos
estilos, y también, como el estilo del renacimiento dio paso al arte barroco.
Igualmente, tanto la arquitectura barroca, como la escultura y pintura tienen un
carácter dramático. Por lo que, fueron herramientas poderosas en manos del
absolutismo religioso y secular que floreció al servicio de la iglesia católica y las
monarquías católicas. De allí que, los artistas barrocos se centraron particularmente
en las formas, espacios, colores y luces naturales. Así como también, en la relación
entre el observador y el sujeto literario o retrato para producir una fuerte, casi
enmudecida experiencia emocional. Te invitamos a leer y conocer más de este
importante arte a continuación.
En la actualidad, el arte barroco se considera una de las mayores declaraciones
artísticas que abarcaba diversos movimientos, tanto el político y religioso como el
social. Como la gran mayoría sabrá el arte barroco es una continuación de un
movimiento artístico denominado manierismo italiano que abarca hasta la mitad del
siglo XVI.
El barroco como movimiento artístico, es reconocido como uno de los estilos artísticos
más complejos que abandona toda aquella serenidad clásica, que por otro lado
caracterizaba al manierismo, y comienza a manifestar en sus obras la agitación y el
movimiento de todos los sentidos. Por esta razón, al arte barroco se le considera una
tendencia de ostentación y exageración.

Características del Arte Barroco:

Representación de sentimientos y emociones más que por la mera imitación de la
realidad que rodeaba a los artistas de la época.
Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas de
lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera altamente expresiva.
Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.
Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos
cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.
Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis,
martirios y apariciones milagrosas.
La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas;
tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus
obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se
representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera
individualizada, con su personalidad propia.
Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y
los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de
él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
Los edificios solían construirse con materiales pobres, pero resaltando la
majestuosidad y la monumentalidad de la obra.

La Escultura Barroca:
En el arte barroco los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el
desnudo adquiere particular importancia, la escultura se vuelve urbana, aparecen en
las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.
La escultura en el periodo barroco toma una gran importancia decorativa, esa
importancia se debe al gran dinamismo y movimiento que sufre. Las obras de arte
representan pasiones lentas, violentas y exaltadas, con estas representaciones se da
gran importancia a los temas heroicos y además se introduce nuevos temas como los
temas morales y religiosos. Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su
movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, en sus
composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa. Igualmente,
el principal material para la escultura será la madera policromada y además se
caracteriza por un gran realismo, aunque los principales clientes de los artistas serían
las Iglesias y es por eso por lo que predominan los temas religiosos.
En este sentido, la escultura barroca, se destaca también, por su complicada
estructura y su dramática vivacidad. Igualmente, la escultura barroca tiene como
principal característica su gran movimiento. Así mismo, en las imágenes se ponen en
evidencia las pasiones violentas, lentas y exaltadas. Por lo que, en la escultura
barroca, se evidencia la valorización de lo heroico de la cultura renacentista como
resultado de la contrarreforma, la pintura del Greco y de Caravaggio, que introdujeron
nuevos contenidos religiosos y morales. Lo que contribuyó a una renovación radical
de la expresión figurativa.
Seguidamente encontrarás una breve descripción de sus más notables
representantes.
Miguel Ángel: Fue un gran escultor del alto renacimiento. Su obra más resaltante, está
compuesta por el David y aún antes por las batallas de Goliat. Miguel Ángel formó
parte del auge del Renacimiento italiano. Por lo que, en el Renacimiento se defendía
la perfección, la armonía de las proporciones, la razón. Igualmente, era un arte
basado en la ciencia, la lógica y la contemplación de la escultura, desde el cual se
crea el Arte Barroco.
Gian Lorenzo Bernini: Fue un notable escultor del Barroco, quien también elaboró un
David barroco sorprendido en el acto de lanzamiento de una piedra, resaltando en
esta magnífica escultura la expresión del rostro del David. En esta escultura se ve
evidenciado el Arte Barroco que fue significado para evocar la emoción y la pasión en
lugar de la calma y la racionalidad que había sido apreciada durante el renacimiento.
Bernini fue uno de los mayores representantes de la producción Barroca de Italia. Por
lo que, en sus obras, se manifiesta el Barroco que primaba por los excesos, las
distorsiones, las emociones, la creación artística libre y la interacción del espectador
con la obra. Así, el David de Bernini que solo tiene 1 metro y 70 centímetros de altura
(es una escultura en tamaño real), fue producido para ocupar la sala de un palacete,
y posee sus músculos (principalmente los faciales) totalmente contraídos para
acompañar a su movimiento de lanzamiento de la piedra. Su cuerpo se tuerce en una
espiral impensable para los patrones clásicos (que siempre optaron por la frontalidad
de la imagen).
La Pintura Barroca:
Los artistas del barroco plasman la realidad tal como la ve con sus límites imprecisos,
sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los
escorzos y las posturas violentas, las composiciones diagonales que dan a la obra
gran dinamismo. Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos,
mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo
el bodegón. Por lo tanto, en el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo
y el eclecticismo.
En el tenebrismo, se da un fenómeno que consiste en el choque violento de la luz
contra la sombra, quedando el fondo en penumbra, mientras que la escena queda en
primer plano.
El eclecticismo se diferencia porque se trata de salvar el gusto clásico dentro de la
nueva norma, siendo una estética decorativa efectista y teatral.
Características de la Pintura Barroca
La pintura barroca se caracterizará por una gran expresividad en cuanto a las figuras
mostradas y por la intensa diferencia claroscuro. Recurrirá a la intensidad de los
colores y al uso de las sombras y luces que genera una distinción potente en los
espacios, a las figuras complejas y hasta caóticas, a la intensa expresión de las
miradas. La pintura tomó un papel importante y homogéneo que se fue desplazando
a diferentes países y con esta extensión se dio lugar a la manifestación de dos ideas
contrarias. Con esas ideas contrarias encontramos al barroco cortesano, teatral,
lujoso y católico y la segunda idea sería el barroco burgués que en sus obras
manifestaría una vida normal y real.
Artistas más destacados en la Pintura Barroca:
José de Ribera: nacido en el 1591. Sus temas preferidos son las escenas de martirio
y penitentes con un estilo tenebroso muy dramático con un gran realismo. Sus obras
toman un gran realismo con un dominio del dibujo y el color extraordinario, como
ejemplo tenemos la Piedad. Más tarde tendrá un estilo iluminista, como ejemplo se
tiene a la Inmaculada. Ver biografía de José de Ribera
-Diego Velázquez: nació en el 1599. Su primera etapa fue tenebrista y realizó
bodegones de gran realismo como la Vieja friendo huevo, El aguador. Felipe IV le
nombra pintor de cámara y se dedica a pintar retratos, temas mitológicos, cuadros
históricos y paisajes. Tiene un dominio magistral de la perspectiva aérea, de la luz,
del dibujo y el colorido brillante con pinceladas sueltas. Como ejemplo tenemos Los
borrachos, La Venus del Espejo, Las hilanderías, pero su obra maestra fue Las
Meninas. Puedes ver la biografía de Velázquez
-Francisco de Zurbarán: nacido en el 1598. Su estilo es tenebrista y pintó temas
religiosos de composición simple y estática, usa un dibujo firme con un gran estudio
del volumen y con un rico colorido. También pinta bodegones ascéticos, místicos y
retratos a lo divino de santas, como ejemplo tenemos la Santa Casilda y Santa
Margarita. Puedes ver aquí la biografía de Francisco de Zurbarán
-Bartolomé E. Murillo: nació en el 1617. Tuvo una primera fase juvenil tenebrosa, con
un estilo luminoso. Tiene gran éxito como pintor de temas religiosos llenos de gracia,
delicados y dulces, de rico colorido, de factura suelta y vaporosa. Tenemos como
ejemplo obras destacadas como sus Inmaculadas, Los Niños de la Concha, Niños
comiendo fruta. Puedes ver aquí la biografía de Murillo.
-Michelangelo Merisi Caravaggio: Considerado uno de los mejores y grandes pintores
del barroco, de origen italiano. Este pintor realizó obras en Roma, Sicilia, Nápoles y
Malta entre 1592 y 1610. Lo notable de sus pinturas, es que son una combinación de
una observación realista del estado humano, tanto emocional como físico.
–Peter Paul Rubens. Este pintor fue muy prolífico y posiblemente el más famoso, del
arte de la pintura barroca. Su estilo refleja su gran influencia y relación con Caravaggio
y sus obras representan figuras religiosas. Lo que más diferenció el arte de Rubens
fue la expresión de la emoción extrema, pero con el mínimo detalle. No obstante, se
debe reconocer su inclinación por la pintura de la figura femenina, curvilíneas.
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn. Se cree que este pintor barroco, tuvo una gran
rivalidad con el famoso Rubens y es considerado el principal artista de Holanda. Fue
un pintor penetrante del dibujo, la pintura al óleo y el grabado. Por lo que, las pinturas
barrocas de Rembrandt representan escenas bíblicas, historia y autorretratos. Pintó
también paisajes e historias de vida de sus contemporáneos.

La Arquitectura Barroca:
En el arte barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. Hay
diferentes construcciones muy destacadas como el palacio, un típico edificio de
vivienda urbana para las familias poderosas; el hotel que era un tipo de vivienda
unifamiliar libre y burguesa, rodeada de jardines; el templo que era un lugar del
sermón y la eucaristía.
El arte barroco desarrolla un estilo claramente recargado y detallista, opuesto en gran
modo a la simpleza del estilo renacentista. La característica principal de la
arquitectura de este periodo son las líneas curvas que crean un efecto de expresividad
y de dinamismo, buscando la utilización de todo el espacio disponible con elementos
como la curva y la contracurva, además de las increíbles decoraciones escultóricas
que no dejaban espacio sin rellenar. Con esta nueva característica en esta etapa las
fachadas toman el papel principal en la arquitectura y con ello aparecen numerosas
columnas y cornisas. De forma que en esta etapa la arquitectura se podría considerar
un estilo de decoración arquitectural. Por ello, en este periodo la arquitectura destaca
por sus superficies de forma ondulada, sus conexiones interrumpidas y sus plantas
ovaladas.
El arte Rococó se comienza a reflejar en el cambio que da el papel de la mujer ya
que se convierte en la principal organizadora de reuniones para hablar sobre juegos,
literatura, política o para bailar. Además, el arte Rococó intenta reproducir los
sentimientos que había en la vida aristocrática y las preocupaciones que tenían,
además de figuras religiosas o batallas heroicas. El concepto de Rococó tiene un
origen francés, “rocaille (piedra)” y “coquille (concha)”, ambos elementos de cual
procede la palabra rococó son importancias para la ornamentación de los interiores.
Es por ello por lo que en el periodo del Rococó destacaba la decoración que era
completamente asimétrica y libre, además tenía preferencia por formas irregulares y
onduladas y un gran gusto por los materiales naturales como por ejemplo las piedras
marinas, las formas vegetales o las conchas.
Características del Arte Rococó:
En general, el arte Rococó está definido como un arte cortesano, antiformalista e
individual, que se caracterizaba por los colores suaves, claros y muy luminosos
Todas sus obras se caracterizaban por estar inspiradas en los cuerpos desnudos,
el arte oriental, la naturaleza y la mitología además también se pueden observar
representaciones de temas amorosos y galantes.
El arte Rococó es mundano, es decir, no tiene ninguna influencia religiosa ya que esta
modalidad de arte representa temas de las relaciones entre humanos y de la vida
cotidiana,
Intenta encontrar un estilo que sea exótico, sensual, refinado y agradable.
En la pintura hay grandes obras con representaciones de fiestas campestres y
galantes, con aventuras cortesanas y amorosas y sobre todo con historias pastoriles.
Todas las representaciones poseen una composición alegre, fresca y sensual.
El Arte Rococó convierte en un foco de inspiración a la mujer, la cual representa de
manera sensual y muy bella.
Arte rococó y la pintura:
La pintura llegó a su máximo esplendor en la década de 1730. Llamada Pintura
Galante y no pintura rococó ya que este término engloba el contexto estético en que
se encontraba. Los artistas usaron colores claros y delicados y formas curvilíneas,
con temas como los querubines y mitos de amor y paisajes con fiestas galantes y
pastorales, comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras
amorosas y cortesanas. También tenían temas de personajes mitológicos que se
entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura, siendo
el retrato un tema elegido por los pintores del arte rococó, representando personajes
elegantes y amables.
Artistas destacados de esta clase de arte:
Watteau, Jean-Antoine: nacido en el 1684, pintor francés considerado uno de los
principales artistas del periodo rococó y precursor del impresionismo del siglo XIX. En
el 1702 fue a París donde vivió como pintor de sus trabajos de copias y amanerados
cuadros devocionales que le compraba un marchante; en el 1708 comienza a trabajar
con el artista decorativo Claude Audran y tuvo la oportunidad de estudiar el ciclo de
cuadros barrocos de Petrus Paulus Rubens sobre La vida de María de Medici; en
1709 ganó el segundo premio del codiciado concurso Prix de Rome, recibiendo
después importantes encargos y en 1717 fue es elegido miembro de la Academia
Francesa en París. Sus lienzos reflejan la influencia de los grandes pintores
flamencos, con un estilo que puso de manifiesto una sensibilidad en el tratamiento de
la luz y el color, una sensualidad, una delicadeza y un lirismo hasta entonces
desconocidos. Su estilo fue imitado por otros pintores rococós y en sus temas
destacan las reuniones de galantes al aire libre, siendo su obra maestra, Embarque
para la isla de Citerea creada en el 1717. Otro tema muy utilizado fueron las
representaciones de payasos, arlequines y los cómicos italianos.
Fragonard, Jean-Honoré: nacido en el 1732, es un pintor francés del periodo rococó,
uno de los artistas favoritos de la corte de Luis XV y Luis XVI gracias a sus escenas
amorosas de delicados colores, situadas a menudo en jardines. Fue discípulo durante
tres años del pintor francés Carle Van Loo, más tarde estudió y pintó durante seis
años en Italia, donde recibió la influencia del maestro veneciano Giovanni Battista
Tiepolo. En un principio desarrolló un estilo con temas religiosos e históricos, pero en
el 1765 siguió el estilo rococó, estilo de moda en Francia. Sus obras de esta época
reflejan la alegría, frivolidad y voluptuosidad del periodo, obras con fluidez de líneas,
destacando las vaporosas flores en medio de un suave follaje y las figuras con poses
llenas de gracia y elegancia de damas con sus amantes o de campesinas con sus
hijos.
François de Cuvilliés: arquitecto francés-alemán, quien desplegó todo su talento en el
rococó bávaro. Un gran ejemplo de su arte es el Pabellón de Casa ubicado en el
Palacio de Nymphenburg, una residencia de verano que se posa al oeste de Munich
en Alemania.
Jean Antoine Watteau: pintor francés en sus obras expresaba un arte que reflejaba
diseños de erotismo líricos. Entre sus obras más destacadas encontramos a
“Embarkation for Cythera” del año 1717, cuadro que se ubica en el Museo del Louvre
y “Pierrot Alegre” el cual se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Jean-Baptiste Simeón Chardin: nació en el 1699, se centró en la pintura flamenca y
holandesa del siglo XVII, inspirando su gusto por la poesía de los pequeños episodios
cotidianos, eligiendo tonalidades apagadas y sus temas elegidos eran los afectos de
las familias burguesas, obras importantes fueron sus “Naturalezas muertas” creadas
en 1728.
El Arte Rococó se puede observar sobre todo en la arquitectura, la pintura y la
escultura. Hay diversos artistas que han sido destacados en este periodo, aunque los
principales fueron: François Boucher, Jean Honoré Fragonard y Giambattista Tiepolo,
estos artistas destacaron sobre todo en la pintura he hicieron pinturas asombrosas
como “Diana después del baño”, “Los felices azares del Columpio”, entre otros. Si
hablamos de los artistas más famosos de la arquitectura podríamos hablar de Joseph
Emanuel Fischer von Erlach, François de Cuvilliés y Johann Balthasar Neuman, entre
otros. Por último, en la categoría de escultura podemos observar diversos escultores
entre todos ellos podemos destacar a Giovanni Battista Bernero, Jacques Roettiers,
Jean- Antoine Houdon y Innocenzo Spinazzi. Evidentemente en todas las categorías
hay diversos artistas destacados, pero los principales serían los comentados
anteriormente.
El Arte Neoclásico es una corriente artística y estética que surge en Europa a
mediados del siglo XVIII coincidiendo con el nacimiento de la edad contemporánea,
hasta el siguiente siglo ante la caída de Napoleón Bonaparte en el año de 1815, donde
surge la corriente del romanticismo.
Esta corriente abarcó la arquitectura, la escultura y la pintura, surgiendo con el
pensamiento de oponerse a la estética ornamental y recargadísima del movimiento
Barroco, retomando en su lugar la forma clásica grecorromana.
El neoclasicismo fue un movimiento artístico y literario que surgió a mediados del siglo
XVIII y abarcó hasta el siglo XIX. Tenía como base la renovación de los valores
filosóficos y estéticos de la Antigüedad Clásica y el culto a la razón, interpretados
como modelos para la construcción de la modernidad.
El movimiento neoclasicista se originó en Francia, donde fue llamado simplemente
clasicismo. Desde allí se extendió hacia el resto de Europa y América, de la mano con
la expansión del Iluminismo o Ilustración, clave filosófica del movimiento neoclásico
en todas sus manifestaciones.
Características generales del neoclasicismo:
Aunque en apariencia el arte neoclásico transmite cierta frialdad, en realidad
pretendía ser un arte verdaderamente revolucionario en su intención al menos en su
primera etapa. Los artistas genuinamente deseaban participar en el nacimiento de
una cultura basada en la razón, la moral y el progreso.
Características de la pintura_
Predominio del dibujo sobre el color.
Uso de la luz clara y fría.
Contornos claros y bien definidos.
Superficies bien acabadas y uniformes que no permiten distinguir las pinceladas.
Eliminación de escenas secundarias.
Para el fondo predominó el uso de la arquitectura grecolatina o, incluso, el uso de
penumbras sobre el paisaje.
Supresión de lo decorativo y lo superfluo.
Preferencia por la composición ortogonal.
La anatomía sigue estrictamente el ideal del canon clásico de la antigüedad.
Gestualidad de los personajes contenida: no hay signos de dolor o de emociones.
Los objetos de la escena suelen ser referencias de los hallazgos arqueológicos.
Predominio de la pintura histórica (historia grecorromana, revolución francesa e
historia republicana), seguida por mitología grecorromana alegórica. Escaso interés
en la religión.
En cuanto a la técnica, uso mayoritario de la pintura al óleo (se usó también el fresco).
Algunos de los más importantes representantes de la pintura neoclásica fueron los
siguientes:
Jacques-Louis David: París, 1748 - Bruselas, 1825. Obras de referencia: El juramento
de los horacios, La muerte de Marat, La muerte de Sócrates, Napoleón cruzando los
Alpes, Madame Récamier.
Jean-Auguste Dominique Ingres: Montauban, Tarn-et-Garonne, 1780 París, 1867.
Obras de referencia: Napoleón en su trono imperial, Edipo y la esfinge, La bañista de
Valpinçon, La gran odalisca.
Rafael Mengs: Aussig, Bohemia, 1728 Roma, 1779. Obras de referencia: Parnassus,
Magdalena penitente, Triunfo de la historia sobre el tiempo.
Francisco Bayeu: Zaragoza, 1734 - Madrid, 1795. Obras de referencia: El paseo de
las delicias, La feliz unión de España y Parma impulsa las ciencias y las artes.
Angelica Kauffmann: Coira, 1741 Roma, 1807. Obras de referencia: Ariadna
abandonada, Telémaco y las ninfas de Calypso, Alegoría de la poesía y la pintura.
Mariano Salvador Maella: Valencia, 1739 Madrid, 1819. Obras de referencia: La
batalla de Aljubarrota, El embarque.
Francisco de Goya (pintor de transición al romanticismo): Zaragoza, 1746 Burdeos,
1828. Obras de referencia: La familia de Carlos IV, El quitasol.

Características de la escultura:
Abandono de la policromía.
Preferencia por el mármol, el cobre y el alabastro.
Exaltación de la belleza ideal.
Equilibrio formal.
Sutileza en la representación de la expresión emocional.
Escenas dinámicas poco frecuentes.
Aspecto general de pureza helada.
Algunos de los más importantes representantes de la escultura neoclásica
fueron los siguientes:
Antonio Canova: Possagno, 1757 Venecia, 1822. Obras de referencia: Las tres
gracias, Venus Victrix, Eros y Psique.
Lorenzo Bartolini: Savignano di Prato, 1777 Florencia, 1850. Obras de referencia:
Carità educatrice.
François Rude: Dijon, 1784 París, 1855. Obras de referencia: Hébé et l'Aigle de
Jupiter, Departure of the Volunteers of 1792 (La Marseillaise).
Jean Antoine Houdon: Versalles, 1741 París, 1828. Obras de referencia: George
Washington, Diana la cazadora, Napoleón Bonaparte.