LA MÚSICA EN EL

ROMANTICISMO.
SITUACIÓN CRONOLÓGICA
Situamos el Romanticismo entre los años 1800 y 1890. Aunque no hay un línea divisoria
estricta entre el clasicismo y el romanticismo, sino una transición poco definida.

CONTEXTO HISTÓRICO
En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas
europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán
patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en
todos los lugares con sus enormes consecuencias económicas, sociales y culturales.
Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa, que
exalta la libertad del ser humano por encima de todas las cosas.

CONTEXTO CULTURAL
Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan
nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador. En
esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a
crear obras para un público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en
comprenderle. El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la
exaltación de las pasiones en todas sus obras.
Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin
condicionantes y sin tener que respetar todas las normas formales y estructurales que
se habían impuesto en el periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores que
son reconocidos como tales por el resto de la gente.

CONTEXTO MUSICAL
El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que, por
primera vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del
resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas.
En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución
Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios
gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.
El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los
músicos románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente implicándole
emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano,
que se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una
atmósfera íntima.
En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobre todo en la
primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que
sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo.
PERIODOS MUSICALES
En este periodo podemos hablar de tres etapas:
ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830): Beethoven será la figura que sirva como
puente entre las dos épocas. Surgen las primeras manifestaciones que combinan
innovación y continuidad con el Clasicismo. En esta etapa destaca, Schubert.
ROMANTICISMO PLENO (1830-1850): El movimiento romántico se extiende por toda
Europa. París se convierte en un centro importante de cultura musical. Es la época del
virtuosismo instrumental con autores como Listz (piano) o Paganini (violín).
ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890): Los grandes operistas de la época, Wagner
y Verdi, escriben sus mejores obras. Destacan compositores de la talla de Brahms.
Aparecen las nuevas corrientes: Postromanticismo y Nacionalismo.

CARACTERÍSTICAS
• Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y
más relacionado con los editores de partituras, lo que le permite mayor libertad
de expresión y composición.
• Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama
musical (ópera de Wagner)
• Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo en el
oyente.
• La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas melodías ya no
serán tan regulares como en el Clasicismo y estarán cargadas de contratiempos y
síncopas, ritardandos y cambios de dinámica,...; todo ello con la finalidad de
expresar en mayor medida los sentimientos.
• La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para
ello usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.

LOS ESCENARIOS ROMÁNTICOS

CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes salas, propiedad del Estado o de

empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran el marco
ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet,...
SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos empresarios
burgueses se realizaban conciertos privados. Normalmente eran salones no demasiado
grandes. Su ambiente era selecto y restringido a unos pocos privilegiados. La música
más demandada en estos escenarios era la de cámara. Fueron famosas las
Schubertiadas, veladas musicales lideradas por Franz Schubert.
MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con familiares o amigos
para celebrar fiestas en las que la música era el ingrediente principal. Era, para la gran
mayoría de los compositores románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo
y personal.
 EL GENIO ROMÁNTICO
Muchos de los compositores románticos van a cumplir las siguientes
características:
• Tienen como modelo de creación a Beethoven; sobre todo los músicos de la
primera época.
• La música para ellos es un medio de liberación del alma, en un mundo materialista y
cada vez más consumista.
• Son "genios" creadores, verdaderos artistas. Los intérpretes simplemente llevan a
cabo una ejecución mediante un ejercicio mecánico. Sin embargo, el compositor
es quien crea, quien hace música de la nada.
• Muchas veces, su talento no es comprendido por la sociedad, por lo que se aíslan y
sufren continuamente enfermedades psicológicas o físicas. Muchos acaban
arruinados.
• Escriben obras sin encargo, según lo que les dicte su corazón. Esto les llevará en
ocasiones a sufrir penurias.
• Crean música para la eternidad, ya que aun sabiendo que durante su vida la gente
no va a comprender sus obras no cesan en el intento, pensando que el día de
mañana (seguramente cuando hayan muerto) alguien se dará cuenta de su
talento.
• Normalmente pertenecen a la clase media ilustrada.

LA ÓPERA
La ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y
se convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por
toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al
lucimiento vocal de sus arias.

ITALIA
En Italia, cuna de la ópera, es donde surgen las principales escuelas que marcarán el
desarrollo del género operístico en el resto de Europa. Podemos destacar dos
corrientes de este género que se van a dar a lo largo del Romanticismo:

* BEL CANTO: Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante
pasajes melódicos de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo
de la voz. Los cantantes, sobre todo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo
vocal ligado a una gran expresividad.

* VERISMO: Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y
naturalismo literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la vida
cotidiana, reflejando sus emociones de forma realista sin idealizaciones románticas.
FRANCIA
París se convirtió en el siglo XIX en una importante capital de la actividad operística
europea. En Francia también existen dos estilos de ópera:
LA GRAN ÓPERA: Caracterizada por sus grandes montajes escenográficos, profusión
de ballets, grandes coros y escenas multitudinarias.
LA OPERETA: Estilo de ópera en la que se intercalan fragmentos cantados con otros
hablados y normalmente sus argumentos son de carácter humorístico.

ALEMANIA
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolla en Alemania una ópera inspirada
en los ideales expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con
argumentos legendarios en los que la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un papel
protagonista. Destaca en esta época la obra de Weber, al que podemos considerar el
iniciador de la ópera romántica en Alemania. Su obra más conocida es "El cazador
furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una
primera época enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran
reforma del género de enorme trascendencia en toda la música posterior. La idea
de Wagner es crear un "drama musical" continuo y con ese nombre se conocerán
las creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características de su
drama musical son las siguientes:
• La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas
las artes (poesía, música, escenografía, acción,...) que se aglutinan de manera
inseparable en sus obras.
• Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente
para representar personajes, hechos, situaciones,...
• Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que
marque candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
• La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel
principal en el desarrollo y explicación de la acción.
• Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas
sin interrupciones.
Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán e Isolda",
"Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos", esta última es una tetralogía, es decir, es
un ciclo de cuatro obras juntas.

ESPAÑA
En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el
punto de que muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras en
las cortes y teatros de nuestro país. Pero hacia el segundo cuarto de siglo se intenta
revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido gran éxito: La Zarzuela.
Recordemos que la zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los
fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser
cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa
es también sencillo y asequible para espectadores sin grandes conocimientos musicales.
A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se
hace más simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se desarrolla
en un sólo acto, reduce el número de personajes y el despliegue de medios. En este
género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es por lo tanto una zarzuela
más económica que hizo furor entre las clases más populares.

EL LIED
Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió en una de las
principales formas vocales de la música romántica ya que normalmente era compuesta
para el disfrute en veladas musicales íntimas.
El lied significa canción en alemán. Es una forma breve escrita para voz y piano sobre
un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión entre el texto y
la música. Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F.
Schubert, que a lo largo de su vida realizó más de 600.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL
LA MÚSICA DE CÁMARA
La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en gran
parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para
interpretar en familia o entre amigos.
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara,
desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano,
violín y violonchelo),...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin
olvidar el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un
violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época. Muchas de estas
obras eran sencillas y así las podían interpretar grupos de aficionados en las reuniones
íntimas que realizaban en sus propias casas.

LA ORQUESTA ROMÁNTICA
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos
los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación. La
orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número
de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 instrumentos de las tres familias.
No es extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo obras que requerían 100 o
más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se
perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como
los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se
multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con
varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con una acogida
extraordinaria.
Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:

LA SINFONÍA:
Todos los grandes autores componen en este periodo numerosas sinfonías. Poco a
poco, los compositores se van a ir liberando de los esquemas formales clásicos
explotando con gran efectividad la riqueza técnica de los instrumentos.
Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el máximo
rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas sinfónicas de la época.
Entre los compositores más importantes de sinfonías destacamos a F. Schubert, F.
Mendelssohn, A. Bruckner, J Bramhms y como no, la figura protagonista,
L.V.Beethoven, que creó sus últimas sinfonías en las que deja ver un gran espíritu
romántico.

EL CONCIERTO SOLISTA
El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se
escribieron numerosos conciertos para solista y orquesta, en los que el solista podía
ser cualquier instrumento. Se conservan conciertos para clarinete, oboe, flauta,
violonchelo,...; sin embargo los instrumentos más destacados y para los que más música
de este tipo se compuso fueron el violín y el piano.

CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA: Los conciertos de piano destacan por los
extraordinarios momentos de lucimiento que se esperaban de la parte solista. Era el
preferido de los compositores románticos, ya que era capaz de aunar en una sola forma
la riqueza tímbrica de la orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el carácter
íntimo y expresivo del piano y las grandes posibilidades técnicas de este instrumento
polifónico. Entre los compositores del siglo XIX que escribieron conciertos para este
instrumento destacan L.V. Beethoven, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt o J. Brahms.

CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA: Aunque menos numerosos que los de piano,
también los conciertos para violín y orquesta ocuparon un lugar destacado. A partir de
la revolución técnica del violín, propiciada por N. Paganini, las exigencias de virtuosismo
del instrumento se multiplicaron. Como en el caso del piano, las obras para violín exigían
un gran lirismo en la interpretación de sus melodías además de una virtuosa técnica
instrumental. Entre los compositores que escribieron obras para este instrumento
podemos destacar a L.V. Beethoven, P.I. Tchaikovski, J Brahms o N. Paganini,conocido,
este último, por ser el mejor violinista de la época y en ocasiones el único capaz de
interpretar sus propias obras.

LA MÚSICA PROGRAMÁTICA
La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más adecuadas para la
expresión romántica, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva,
que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extra
musicales (novelas, historias,...).
Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo no es una
novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando
surge como género nuevo capaz de materializar ese poder de la música. Nacen así dos
nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el poema sinfónico.

LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que, en lugar de basarse en una

estructura formal, se desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento,
generalmente de carácter literario. El creador de este género es el compositor francés
H. Berlioz con su obra "Episodios de la vida de un artista. Sinfonía fantástica", en la
que narra su amor no correspondido hacia una actriz inglesa a la que convierte en
música. La sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos) y
normalmente el autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de
esta.

EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento basada en

elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es F. Liszt que en su obra
"Preludios" describe unos poemas de Lamartine titulados "Meditaciones poéticas". Este
nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial
nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, R.Strauss,
C. Saint-Säens o P. Dukas.

PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y de muchos de
los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones: La
burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era
frecuente que en los hogares de las familias con cierta cultura hubiese un piano puesto
que era sinónimo de elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar
música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez y
esto le permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara. Muy
pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el piano un
medio de comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la
música. A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación
pianística:

Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del

instrumento. Solían ser obras de larga duración que buscaban ante todo el lucimiento
del artista desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento. Se trata
generalmente de piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios
(piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres
formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación jugaba un
papel protagonista),...; algunos de los compositores más representativos de este género
fueron F. Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o F. Chopin,
que también abordará el piano lírico.

Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o

sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de
ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. Entre los
compositores más destacados de este género podemos hablar de F. Chopin o de R.
Schumann que crearon piezas que se denominaron momentos musicales, escenas de
niños, baladas, nocturnos,...
Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en
las que recurrían a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las
polonesas o las mazurcas.

LA DANZA
Durante el siglo XIX la técnica del ballet clásico del siglo anterior encontró su
definitiva formulación. A principios del Romanticismo, algunos maestros franceses se
instalaron en Rusia y crearon una escuela clásica de ballets rusos , cuyo prestigio e
importancia se han mantenido hasta la actualidad. Esta restauración está relacionada
con la llegada a San Petersburgo del bailarín y coreógrafo Marius Petipá. Hasta ese
momento, muchos de los ballets estaban constituidos y organizados a partir de la
yuxtaposición de diferentes escenas, que en la mayoría de los casos no guardaba
ninguna relación entre sí. Una de las grandes aportaciones de los ballets rusos fue la de
poner en escena una historia coherente con diferentes temáticas, tanto dramáticas
como cómicas.
María Taglioni se convertirá en la gran bailarina del siglo, participando en los estrenos
de los ballets de los principales compositores. Esta bailarina fue la primera que se puso
de puntillas a la hora de realizar sus danzas en el escenario. Con este gesto se
conseguía cierto sentido de ingravidez, convirtiendo a la bailarina en un ser etéreo.
Entre los bailarines destacados se encuentra el ruso V. Nijinski.
Otra de las novedades que se instalaron en los ballets rusos fue la utilización de
cables para que los bailarines realizaran grandes vuelos por el aire.
Entre los compositores más famosos de ballet ruso tenemos que destacar a P. I.
Tchaikovsky que dio un gran impulso a este género con obras como "El
cascanueces", "La bella durmiente" o "El lago de los cisnes".