ARTE GÓTICO VISIONES GLORIOSAS

ORDENACIÓN:

1-Maneras de ver el gótico (principio y evolución hasta nuestros días):

El gótico como término aparece en el Renacimiento con la connotación de que era una
arquitectura ‘’bárbara’’ ya que representaba el hundimiento de lo clásico. El gótico no fue
visto bien hasta finales del siglo XVIII, momento en que los románticos gracias a las ideas
nacionalistas vuelven a poner en auge aquello relacionado con su pasado glorioso. Los
escritores románticos se referían a la misma como una gran época de fe; los críticos
ingleses decían que era la edad de oro “socialista” de los artesanos antes de la
industrialización; y los críticos y artistas expresionistas alemanes decían que las últimas y
torturadas formas del gótico parecían prefigurar su propia angustia.

Camille dice que en la actualidad hay dos enfoques para el estudio:

-Racionalista y laico de Viollet-le-Duc (las catedrales eran productos del progreso

tecnológico y de la ingeniería funcional). Esta visión reduce los objetos de investigación en
plantas y alzados.

-Místico y literario dirigido a la iconografía de Emile Male (las catedrales se tienen que leer
como ‘’libros de piedra’’). Esta visión reduce los objetos a textos y programas escritos.

Sin embargo, el arte gótico se podría entender mejor intentando imaginar cómo
sus contemporáneos lo comprendieron (por ejemplo los franceses hablaban del ‘’opus
francigenum’’). Camille expone que el arte y la arquitectura deben verse como una parte
integrante de las amplias transformaciones que estaban remodelando la cultura y la
sociedad. La arquitectura gótica nació de la armonización de elementos que existían antes
pero ahora están puestos al servicio de otras ideas. El gótico es un arte vertical y diáfano.

Destaca la importancia en el gótico del crecimiento de las ciudades y del comercio, algo que
rompía con las divisiones de la sociedad, pasando a una forma de organización más
compleja ya que incluían a los mercaderes y a los artesanos. Gracias a las construcciones
del gótico, crecieron las redes de comunicación, lo que estimuló la circulación de bienes, y
por lo tanto, la producción artística. Mediante las imágenes, se hizo un compromiso más
íntimo con lo espiritual y la Iglesia buscaba un mayor control sobre la mentalidad medieval.
En este momento también se produce una expansión territorial de las monarquías inglesa y
francesa, que fue de la mano con la construcción de castillos. Estos castillos, igual que las
iglesias, evolucionaron dando importancia a su apariencia externa mediante estructuras
simbólicas como arcos apuntados, arbotantes, pináculos, también otros elementos que
empezaron siendo simplemente funcionales como las torres circulares, el sistema de fosos
y las almenas dentadas. El castillo de Conwy es un ejemplo de la dinámica espacial de la
autoridad real, contando con puntos de observación privilegiados y vistas al exterior.

Camille llega a comparar las catedrales medievales con los ordenadores (ambos se
construyeron para contener toda la información para aquellos que conocían los códigos) y
así dice que a la sociedad medieval le gustaba proyectarse en sus imágenes y compararse
con los pasajes bíblicos.

Camille dice que artistas como Giotto fueron los primeros en experimentar la ‘’realidad
virtual’’ pero este lo hacía mediante sus pinturas murales. Camille concluye de que es
posible el tratar de experimentar las imágenes y edificios desde el punto de vista de la
persona para quien fue realizada ya que es una manera de evitar el pasado de forma total y
así poder situar nuestra visión en un tiempo y lugar concretos.

Modos de visión

Las formas abstractas y las líneas onduladas eran los medios a través de los cuales los
artistas medievales distinguían entre los distintos niveles de realidad dentro de una pintura.
Ricardo de San Victor, prior de la abadía del mismo nombre en París, escribió un
comentario en el que formulaba 4 distintos modos de visión:

-Los niveles de visión corpóreo:

a. Abrir los ojos a las figuras y colores de las cosas visibles en la simple percepción de la
materia
b. Observar la apariencia externa pero también su significado místico

-Niveles de visión espirituales.

c. Descubrimiento de la verdad escondida de las cosas por medio de las formas y figuras, y
por la similitud de las cosas
d. Contemplación pura y simple de la realidad divina.

Estos conceptos estaban relacionados con el tipo de imágenes que los patronos querían
ver. Un elemento cada vez más presente era el de San Juan, que servía de mediador entre
el espectador y la experiencia visionaria. Este personaje es el que marca la diferencia
entre nuestra noción actual de la visión, que pensamos como algo pasivo; y la de la Edad
Media, que expresaba una respuesta activa a lo que se veía. Las imágenes adquirían un
papel fundamental tanto en la vida religiosa como en las cortes de Europa, como en la
tradición cultural (novelas amor cortés, caballeras...). No existían modos de visión
religiosos y profanos, sino diferentes grados mediante los que conducir a diferentes niveles
espirituales a través de los sentidos.

No todo era la visión en la sociedad del siglo XIII ya que la experiencia mística tenía gran
importancia ya que al ser la mayor parte de la población analfabeta todo estaba decorado
con imágenes que tenían una finalidad didáctica en relación a la palabra de Dios. La vista
tenía gran fuerza para los filósofos (Santo Tomás creía que el ojo era un órgano potente que
podía dejar su huella tangible sobre la materia). Pero esto es algo difícil de entender según
Camille ya que en un mundo cargado de presencias, visibles e invisibles, las imágenes de
las cosas eran mucho más poderosas de lo que lo son hoy en día. En la Edad Media había
dos teorías para entender la visión:

-La “extraversión”, propuesta por Platón, en la que se considera el ojo como una lámpara
que emitía rayos visuales que se posaban sobre un objeto y lo hacía visible, algo que no
explicaría el por qué no somos capaces de ver en la oscuridad.
-Y la otra teoría, defendida por Aristóteles, la “introversión”, que afirmaba que era la imagen
y no el ojo la que proyectaba los rayos hacia fuera.

2-Nuevas visiones del espacio (como se quería construir de acuerdo a unos ejemplos base)

El objetivo de los arquitectos góticos eran las nuevas visiones del espacio. Para la gente de
esta época el espacio era el intervalo tangible que podía medirse, y como ejemplo toma la
Catedral de Laon, donde la intención era que se pareciera a la Jerusalén Celestial
(considerada la ciudad como el centro del mundo) intentando hacer creer a sus
espectadores que el cielo y la tierra se complementaban en ella.

El auge de la construcción gótica está ligado a la renovación y reconstrucción de viejas

estructuras que habían sido destruidas por el fuego, como en el caso de Canterbury, de
Chartres o de Reims. La imagen de la Virgen fue esencial en la construcción de capillas y
catedrales góticas. Pero el primer edificio gótico, Saint-Denis, fue una respuesta a la
necesidad de contar con más espacio para acomodar al creciente número de peregrinos
(Suger consideró la nueva iglesia gótica no como un corte con el pasado sino como algo
que emergió del mismo). Las grandes dimensiones pretendían impresionar pero también
buscaban acoger al máximo número de peregrinos, ya que las catedrales se construyeron
para albergar también reliquias.El gótico no era un estilo uniforme pero su impacto se
apreció sobre todo en las pequeñas iglesias parroquiales (todo se integra en la arquitectura
y la catedral es el edificio más representativo). Entre 1180 y 1270 habían 18 catedrales en
Francia y esto demostraba riqueza.

Mientras que el Románico se desarrolló en monasterios, el gótico se desarrolla en las

ciudades ejerciendo influencia en la estructuración de nuevas formas de espacio público y
privado (la puerta Parisus Paradisus o los frescos del Palazzo Pubblico de Siena). La luz en
este período cobró una mayor importancia ya que, por ejemplo en Chartres, al suprimir la
galería y ampliar los ventanales del cuerpo de luces con ayuda de los arbotantes, todo el
interior se convirtió en un marco deslumbrante, algo que al final del siglo XIII será algo
característico en el gótico francés, la predominancia del vano, a través de cristaleras, sobre
el muro. Sin embargo en Italia no se desarrolló así, pues la luz las otorgaban las pinturas
murales como podemos ver, según el ejemplo de Camille, en la capilla de la Arena llevada a
cabo por Giotto, en la que parece abrir el espacio a la luz del día (la luz cobra significados
simbólicos relacionados con la santidad). Los cistercienses introdujeron el gótico en Italia y
la influencia bizantina también se nota en el dorado. La luz pasará de una más filtrada
(azulada/rojiza) a una más blanquecina relacionada a Dios.

3-Nuevas visiones del tiempo (pasado, futuro y presente)

Algo característico del arte gótico son las nuevas visiones del tiempo, ya que pasado,
presente y futuro coexisten simultáneamente en la iconografía usada en las portadas de
las catedrales. Así aunque los personajes viniesen del pasado bíblico, los artistas los
representaban como si existieran en su presente y ellos se veían como participantes de la
historia bíblica. Esto lo podríamos “explicar” con una de las citas que menciona el autor, de
San Agustín: “la memoria es el presente de las cosas pasadas”, siendo la mayoría del arte
medieval un arte de la memoria, ya que esta se consideraba un proceso físico y material.
Las imágenes de los artistas debían ser atrayentes y organizadas si se querían almacenar
convenientemente, y no solo pasaba con temas religiosos, ya que los reyes y los nobles
deseaban dejar constancia de las hazañas de sus antepasados porque era un modo de
traer el pasado al presente y consolidar su propio poder. Los puntos de vista profano y
religioso compartían la concepción de las imágenes como lugares de la memoria pasada y
de estímulo de acción del presente. En cuanto al tiempo futuro, la gente de esta época solo
veían un final, el día del Juicio, cuando Cristo vendría a juzgar a los vivos y a los muertos,
por lo que la concepción futura no estaba tan determinada como las dos anteriores, y con
las obras artísticas que se hacían lo que buscaban era satisfacer a Dios, quien realmente
tenía y controlaba el tiempo. La portada de Chartres muestra la unificación del tiempo
(pasado: creación; presente: gracia; futuro: Cristo juez)

4-Nuevas visiones sobre Dios (distinciones privadas, públicas y místicas)

Se irá creando un desarrollo de las edades del hombre, gracias a este estudio del tiempo,
ya que la mirada de Dios abarcaba todo el pasaje de la vida del hombre. Las edades del
hombre se combinaban con las edades del mundo (la sociedad se refería al mundo como
un anciano decadente que esperaba el fin de sus tiempos). De este modo, la historia del
arte gótico no debería separarse nunca de la historia de la ciencia y la tecnología, ya que la
aparición del reloj mecánico en el siglo XIV fue una revolución llegando a cambiar la
percepción del tiempo y del mundo. Durante este período artístico los objetos relacionados
con la muerte de Cristo, como la cruz o la corona de espinas, adquirieron un gran valor para
los creyentes cristianos. Camille nos habla de que Santa Elena descubrió la Cruz hacia el
300, pero sus fragmentos empezaron a llegar a occidente a partir de 1204, cuando los
cruzados saquearon Constantinopla. Esto supuso un desarrollo distinto de la religión según
los diferentes sitios, es decir, en oriente se veneraban a los iconos, pero en occidente
tomaron gran importancia las reliquias. La presencia en las catedrales de estas reliquias,
tenían el fin de ser mostradas al peregrino, pero no de una forma directa, sino que tenían
que ser enmarcadas en relicarios. También las reliquias pretendían establecer una relación
más directa entre el creyente y Dios, ya que en esta época era fundamental imitar a Cristo
para lograr una mayor experiencia religiosa y las reliquias ayudaban a esa mimesis.

-Visión pública:

San Francisco no buscaba ir más allá de lo corpóreo, sino que ponía el acento en el poder
de la vista ordinaria como un medio de concebir lo divino. Por este motivo, muchas
imágenes no se presentan como una mera representación de los Evangelios, sino que
fueron creadas para mostrar la humanidad de Cristo.

-Visión privada:

Otra transformación en esta cultura de las imágenes fue el aumento de las imágenes de
propiedad privada. El significado de esta crecida sería el tener una supuesta recompensa
en el cielo, por lo tanto, hasta las joyas podían contener reliquias en su interior. Las
características principales de estas imágenes privadas, es que eran de un tamaño pequeño
para un mejor transporte.
-Visión mística:

También querían participar en la experiencia mística (contemplación pero también

participación en los acontecimiento de la Pasión de Cristo a través de la posesión de los
objetos empleados en su muerte y por eso la gente buscaba tener versiones en miniatura).
Según Camille, cualquier imagen podía convertirse en el centro de una experiencia mística,
por este motivo la Iglesia se veía en la obligación de controlar la posesión de las reliquias.
Las monjas, probablemente eran uno de los grupos de la sociedad con una gran destreza
visual ya que cada aspecto de sus vidas se vivía en presencia constante de imágenes. La
espiritualidad femenina se centró en Cristo como objeto de la mirada de su madre, primero
como niño en la Natividad, y en segundo lugar como cadáver en la Piedad. En definitiva, la
imagen gótica ofrece y retira algo a la visión, representando una visión prometida que el
espectador finalmente solo verá después de la muerte. La Iglesia sancionó a menudo los
excesos de los místicos por su reflejo en la historia de la salvación.

5-Nuevas visiones de la naturaleza y su tratamiento en el arte

Otro elemento característico de gran importancia en este arte medieval será la naturaleza.
Junto a las imágenes humanas, también aparecerá un mayor naturalismo en las
representaciones de la naturaleza. Las descripciones de las catedrales que nos han llegado
a la actualidad, han sido como de grandes invernaderos donde creció la primera flora y
fauna naturalista de occidente, pero la naturaleza tiene distintas connotaciones para las
personas de la Edad Media. Los capiteles apenas sirven como soporte decorativo.

-Flores y jardines:

Los motivos naturales se relacionaban con lo local o los santos (más naturalismo en el
gótico clásico y mayor abstracción durante el flamígero). Las personas, al vivir en
proximidad con las plantas, su representación era algo importante ya que ayudaba a que se
identificaran de una forma más cercana con el significado del edificio. En el naturalismo del
arte gótico se daban diferentes estadios de lo natural, que un pintor o un escultor podía
desplegar y aplicar diferentes categorías de personas y cosas. El cuerpo humano se
estructura a partir de las formas esquemáticas del “divino geómetra”, nos afirma Camille,
por este motivo en este arte es un error equiparar lo que es natural con lo que es real, ya
que lo real reside más allá del aparente reino de los sentidos. Lo natural en la naturaleza
era algo demasiado salvaje, con demasiadas connotaciones negativas como para ser un
tema para los artistas, que siempre buscaban domesticar la naturaleza convirtiéndola en
algo artificial. (muy común la representación del ‘’hortus conclusus’’ como representación de
la Virgen). La invención de los anteojos ayudó también a mejorar la percepción.

-Animales y pájaros:

La mayoría de representaciones medievales eran copias de otras y algunos artistas ponían

frases a sus creaciones como ‘’copiado del natural’’ para darle más autenticidad. Esta
decoración también estará presente en los marcos de los manuscritos miniados, donde
encontraremos fauna y flora de todo tipo. En el siglo XIII se recupera el valor de la
experiencia sensible y los manuscritos miniados (visión más coherente de la naturaleza) se
consultaban para poner una figura que acompañase a un texto específico. La imagen es un
medio de transmisión de conocimiento ya que refleja la apariencia de las cosas. El grotesco
también será un elemento muy usado en el gótico.

-Cuerpos y márgenes

Algo característico es que el ser humano nunca se mezclaba con el cuerpo de un animal, ya
que lo verdaderamente monstruoso está relacionado con lo humano y no con lo animal.
Lo grotesco es un aspecto importante del arte gótico, ya que muestra de distintas formas
su continuidad con la tradición románica. Aquí, lo monstruoso, las bestias sobrehumanas,
los cuerpos deformes, son un signo de lo más bajo de la naturaleza humana, pero el
monstruo gótico es diferente, pues se convierte en algo emblemático del horror de la carne.
Cabe destacar que nos miran a nosotros directamente ya que están llevando a cabo su
función apotropaica de protegernos del mal. El cuerpo humano fue la última de las
creaciones de Dios en sucumbir a las tendencias naturalistas del arte gótico, siendo un
cadáver el primer cuerpo humano que se delineó con detalle. Puede que la peste tuviera
algo que ver con el surgimiento del interés por la naturaleza, ya que se pensaba que el
campo estaba cubierto de esta epidemia y se presentaba como un lugar seguro que
escapaba de la miseria urbana. Por esto la muerte fue un tema recurrente en las cortes
europeas, tanto que se celebraba en poemas cortesanos y desfiles (danzas de la muerte).
Esto podría deberse a que las personas de esta época, al no tener medicinas ni ninguna
otra forma de curación, preferían adorar a la muerte para llegar cuanto antes a la salvación.

6-Nuevas visiones del yo en cuanto a las distintas miradas entre espectador y artista

En las ciudades gracias a la división del trabajo se forman diversas corporaciones. El

número de artistas crece pero sigue habiendo obras anónimas por el escaso reconocimiento
social. El artista se consideraba un servidor de la voluntad de Dios, pero es siempre el
primer espectador de la obra de arte, observando su desarrollo hasta su finalización. La
idea del arte como una forma de trabajo manual comenzó a disminuir al mismo tiempo que
los artistas de mayor talento accedían a la corte. Fueron los arquitectos quienes a lo largo
del siglo adquirieron una condición social más elevada. Dicha elevación no significó que la
concepción romántica de artista se diera en este momento, sino que los artistas
consiguieron alcanzar una posición más elevada, asumiendo los adornos y símbolos de
esta vida cortesana. Los artistas poco a poco van fijando una residencia estable. Pintores y
escultores se independizan de las fábricas arquitectónicas gracias al establecimiento de
talleres y la burguesía se relacionaba mucho con estos solicitando obras más pequeñas por
la capacidad económica. El comitente era el que dirigía la manera de la obra, dejando poca
libertad para el artista. El maestro era ayudado por los discípulos ayudantes que se
encargaban mayormente de las tareas manuales y aprendían a base de copiar las obras del
maestro y luego ya colaborarían en algunas obras. Para convertirse en maestro, el discípulo
debía pasar un examen de realización de una obra maestra supervisado por el gremio. En
el gótico se desarrolla sobre todo la pintura sobre tabla ya que gracias a la
bidimensionalidad se consigue penetrar en lo psicológico. Los creadores expresaban in situ
sus ideas de construcción y los artistas de diferentes profesiones colaboraban entre sí.
(arquitectos, escultores, orfebres, vidrieros…)

El gótico presentaba a los personajes en relación a los estereotipos sociales. Las

representaciones de las personas en el arte gótico tenían unas implicaciones más
complejas que en la actualidad, ya que la idealización en las imágenes funerarias era
bastante empleada, debido a que cualquier tipo de deformidad era considerada como
pecado, de esta manera, al evitar estos defectos, se centran con mayor profundidad en
la espiritualidad del individuo. Sin embargo, existen ejemplos de retratos naturalistas en
la catedral de Reims, se trata de una serie de 162 máscaras de tamaño natural. También
desarrollaron unos sistemas de signos de mayor sofisticación; fue la heráldica cuyo objetivo
era destacar las diferencias sociales, la identidad personal, familiar y dinástica.

En el arte gótico la mirada de los amantes estructura las imágenes, las cuales se moverán
para un lujoso entorno cortesano. De este modo, las relacionadas con el amor cortés se
realizaban para el cortesano. Todos los juegos desde la caza, con o sin halcón, hasta el
ajedrez, se convierten en alegorías del deseo, por lo que el objetivo real que tiene el ajedrez
sería la conquista del cuerpo de la mujer. El espejo también tendrá una gran importancia, ya
que tradicionalmente había sido un emblema de la vanidad de la lujuria, a través del cual se
podía llegar al pecado de la idolatría, lo que indica cómo el espejo se asocia menos con la
idea del yo que con la creación de una realidad ilusoria o alternativa. El arte también cobra
un mensaje moralizante y los artistas adaptan visualmente las antiguas historias a algo más
conocido en el presente.

La pintura quedará reducida a la apariencia de las cosas; las proyecciones y fantasías que
se abrían a los espectadores quedan restringidas por la réplica de lo real. Es significativo
que la pintura sobre tabla ganase popularidad como medio que encarna la experiencia
visual. Significativo porque representa el triunfo de lo bidimensional sobre lo tridimensional.
De hecho, Camille concluye esta obra diciendo que “el propio arte se convierte en la
superficie del espejo, una superficie en la que, de ahora en adelante, no nos encontramos
reflejados o embebidos, sino excluidos. Hemos tenido que esperar a la llegada de la
producción de imágenes por ordenador y la realidad virtual para que las imágenes hayan
vuelto a ser una vez más tan dinámicas e interactivas como lo eran en las gloriosas visiones
del arte gótico”.

La historia de la arquitectura gótica se explica con frecuencia dividiéndola en varias fases:

>Los primeros experimentos que tuvieron lugar en París (1140-1200) es conocido como
GÓTICO TEMPRANO O PRIMITIVO
>GÓTICO CLÁSICO, son aquellos edificios erigidos entre el 1200-1260, incluyendo
catedrales como Chartres, Reims y Amiens
>GOTICO RADIANTE, comenzó en los alrededores de Paris entre el 1260-1300 y explotó
efectos más lineales y transparentes. Saint-Urbain.
> ESTILO FLAMÍGERO, fase final, finales del S XV. Por otro lado, el gótico inglés siguió su
propia evolución:
>EARLY ENGLISH, primer estilo inglés con características distintivas
>ESTILO DECORADO, 1250-1340
>GÓTICO PERPENDICULAR, uso de formas verticales, mediados del S. XIV