Historia 2 Cuatri 2

CONTEXTO SIGLO XIX
El siglo XIX fue una época con bastantes cambios con respecto al siglo anterior, las
guerras napoleónicas y la Revolución Industrial cambiaron el modo de vida de las
personas, lo que hizo que los intelectuales veían que el pensamiento ilustrado dejaba
de ser concebible, por lo que empezó a teorizar acerca de la Sehnsucht, término
alemán sin definición exacta que representa el deseo de colmar un todo incolmable,
una brecha entre el yo y el infinito. Con este contexto empiezan a surgir durante este
siglo los nacionalismos como consecuencia de un sentimiento patriótico que surge
postguerra que afectará sin duda a la música. En cuanto a la música en el
romanticismo, que llegó más tarde que en la literatura, se desarrolla el Diletantismo,
es decir, la música empieza a tomar una función de entretenimiento en el ámbito del
hogar, de modo que las personas tocan o cantan de forma amateur. Los
compositores empiezan a componer para expresar sus sentimientos a través de la
música.
Durante el siglo XIX hubo gran cantidad de cambios en relación al siglo anterior. LAs
guerras napoleónicas y la revolución industrial cambiaron el modo de vida de las
personas, y por lo tanto, la forma de pensar de estas, llevando a los intelectuales a
teorizar sobre la Sehnsucht (término alemán sin definición exacta que representa el
constante anhelo de no contenerse con nada)
Comienzan a surgir los nacionalismos, sentimiento de pertenencia a una nación, tras
la guerra, afectando enormemente en la música.
En la música además se desarrolla el diletantismo, cumpliendo esta una función de
entretenimiento en el ámbito doméstico, aumentando el número de músicos
amateur.
1. Coro de cazadores de Der Freischütz (acto III, 15) de Carl Maria von Weber
https://www.youtube.com/watch?v=LW4m4NGaWqE
1. La ópera romántica alemana fue establecida con la obra Der Freischütz de
Weber.
2. En esta ópera se sitúa al pueblo ordinario en el centro de la escena, cantando
sobre sus preocupaciones, amores y temores.
3. En el libreto de esta obra se ejemplifican las características de la ópera
romántica alemana:
● El argumento está extraído de una leyenda o de cuentos de hadas
● Este argumento incluye seres y acontecimientos sobrenaturales sobre
un ambiente misterioso.
● Estos acontecimientos sobrenaturales no son decorativos, sino que
intervienen en el destino de los protagonistas humanos.
● El triunfo del bien era una forma de redención de los pecados mediante
el sufrimiento.
Esta difiere de la ópera francesa e italiana en la importancia que se le da a lo
espiritual, además de emplear melodías sencillas y folclóricas alemanas.
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1. Carl Maria von Weber (1786-1826) fue un compositor del inicio romántico
alemán, siendo varios miembros de su familia músicos, como era su prima
Constanze, la esposa de Mozart.
2. Nació con una salud frágil con problemas en las caderas, sin embargo,
comenzó sus estudios musicales muy joven debido al deseo de su padre de
que fuera un prodigio como Mozart.
3. Este comenzó sus estudios con el hermano de Haydn, siendo en 1803
nombrado como director de orquesta de Breslau, obteniendo gran cantidad
de conocimientos escénicos, mas debido a un accidente perdió la capacidad
de cantar.
4. Durante los siguientes años tuvo diversos empleos y compuso distintas obras,
ninguna siendo exitosa. En 1813 estuvo 3 años como director en la orquesta
de Praga, componiendo grandes obras para piano y siendo exitosa.
5. Su ópera más famosa fue ``Der Freischütz'', acabada en 1820 y estrenada al
año siguiente en Berlín y Viena, siendo en ambas ciudades un gran éxito.
6. Este falleció poco después de componer su tercera gran ópera: Oberon.
Además de sus óperas también destacaron sus obras para piano, tanto solo
como con orquesta.
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1. Esta audición pertenece al coro de cazadores del tercer acto de “Der
Freischütz” de Weber, basándose esta obra en una leyenda folclórica
alemana.
2. Esta ópera trata de MAX, un joven guarda forestal. Este ama a Agatha y con el
fin de obtener su mano en matrimonio necesita ganar una prueba de
puntería. Para ello, Max se dirige a la Cañada del Lobo en busca de balas
mágicas junto a su amigo Caspar, quien vende su propia alma al diablo
creando una bala destinada a matar a Agathe, sin embargo, al disparar esta
bala, Agatha es protegida por su corona matando a Caspar en su lugar. Esta
finaliza cuando el ermitaño defiende a Max por haber pecado, condenandolo
a un año de penitencia y permitiéndole casarse con Agathe tras su castigo.
3. Weber durante esta obra hace en reiteradas ocasiones uso del tritono,
acordes de séptima disminuida y trémolos de cuerda para evocar al misterio,
peligro y a lo sobrenatural
4. El coro de cazadores interviene antes del duelo final de puntería. Este
comienza con las trompas, evocando a un cuerno de caza, seguido por un coro
de hombres cantando en un estilo
2. Quinteto de cuerda en do mayor, D. 956, op. post. 163 (mov. II Adagio, del
minuto 15’12’’ al 29’33’’) de Schubert
https://www.youtube.com/watch?v=T0GOv95iDf0
1. Los habituales cuartetos de cuerda se comenzaron a ampliar a finales del

clasicismo-inicio del romanticismo. Mozart y Beethoven optaron por ampliar
esta formación añadiendo una viola, sin embargo, Schubert optó por añadir
un violoncello a la formación.
2. En el quinteto con dos cellos se logra una mayor variedad de texturas y siendo
recurrente el enfrentar los instrumentos por parejas frente al resto del grupo,
por ejemplo, que la melodía la lleven los dos cellos y el resto de voces
acompañen.
3. Aunque la combinación e instrumentos varió, la organización de movimientos
se mantuvo igual en la mayoría de casos
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4. Franz Schubert (1797-1828) fue un compositor romántico muy prolífico y el
primer gran maestro del Lied romántico.
5. Schubert vivió su infancia rodeado de música, mostrando un gran talento que
le permitió estudiar gratuitamente en un prestigioso internado de Viena.
Trabajó durante unos años dando clase en la escuela de su padre, más tras su
primera publicación de música en 1818, se dedicó exclusivamente a
componer.
6. Desde 1821 su música era ampliamente interpretada en Viena, ganando
considerables sumas de dinero debido a esto y contando con una enorme
independencia del sistema de mecenazgo
7. En la década de 1820 comenzó a centrarse en la composición de obras más
extensas como sinfonías o música de cámara, sin embargo, la mayoría no se
interpretaron hasta después de su muerte.
8. Su última etapa se vio marcada por una enfermedad contraída en 1823,
componiendo casi mil obras durante su breve vida (31 años), una cantidad
pasmosa.
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1. Esta audición pertenece al segundo movimiento del quinteto de cuerda D.
956, op. post. 163. Este fue compuesto en 1828, dos meses antes de que
Schubert falleciera y es considerada como una de sus obras maestras dentro
de la música de cámara.
2. ESte segundo movimiento es un movimiento lento y en compás ternario,
donde empleó un estilo que él asoció con los gitanos de hungría
3. Las últimas obras de cámara de Schubert tuvieron una concepción distinta,
buscando ser piezas dramáticas más que piezas para entretener a aficionados.
4. Este quinteto cuenta con la adición de un segundo cello, atrayendo la
sensibilidad romántica
5. Entre los distintos movimientos y dentro de los mismos se ven fuertes
contrastes de carácter y estilo, desde el profundo movimiento lento hasta el
juguetón final
3. Sinfonía nº 9 en do mayor “La grande”, D. 944 (mov. I, hasta el minuto

13’00’’) de Schubert
https://www.youtube.com/watch?v=TPpvJnwf5BU
1. La orquesta ocupaba una posición central en la vida concertística
2. Durante el romanticismo el número de orquestas se multiplicó por cien,
habiendo una orquesta profesional en la mayor parte de ciudades de Europa y
América. Hubo muchos avances en los instrumentos de viento, permitiendo
una digitación más rápida y que están más afinados.
3. Debido a esto hubo mayor variedad de instrumentos, logrando así una mayor
variedad de timbres y permitiendo enfrentar la sección de vientos con la de
cuerdas. Además, se comenzaron a usar los instrumentos con ámbito
extendido de forma más frecuente (corno inglés, flauta piccolo…etc)
4. La sinfonía se mantuvo como una de las formas principales.
5. Schubert mantiene la estructura exterior de la sinfonía incluyendo elementos
del nuevo estilo romántico, como una mayor cantidad de melodías cantables
o fuertes contrastes. Además, los “románticos” hacían mucho énfasis en los
temas, concibiendo los como el elemento más importante de la forma
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1. Franz Schubert (1797-1828) fue un compositor romántico muy prolífico y el
primer gran maestro del Lied romántico.
2. Schubert vivió su infancia rodeado de música, mostrando un gran talento que
le permitió estudiar gratuitamente en un prestigioso internado de Viena.
Trabajó durante unos años dando clase en la escuela de su padre, más tras su
primera publicación de música en 1818, se dedicó exclusivamente a
componer.
3. Desde 1821 su música era ampliamente interpretada en Viena, ganando
considerables sumas de dinero debido a esto y contando con una enorme
independencia del sistema de mecenazgo
4. En la década de 1820 comenzó a centrarse en la composición de obras más
extensas como sinfonías o música de cámara, sin embargo, la mayoría no se
interpretaron hasta después de su muerte.
5. Su última etapa se vio marcada por una enfermedad contraída en 1823,
componiendo casi mil obras durante su breve vida (31 años), una cantidad
pasmosa.
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1. Esta audición pertenece al primer movimiento de la sinfonía número 9, D.
944, conocida como la grande. Esta fue compuesta entre 1825 y 1828, dónde
aúna su lirismo romántico con el dramatismo de Beethoven
2. Ese primer movimiento comienza con una melodía coral sin acompañamiento,
presentada por las trompas y repitiéndo en numerosas ocasiones y con
distintos acompañamientos, asemejándose a variaciones.
3. Esta sección lírica no es más que una introducción a un allegro con forma
sonata,con temas rítmicos (influencia de Beethoven) Como era habitual en
Schubert, la exposición presenta tres tonalidades.
4. El tema inicial reaparece durante este allegro, como en el desarrollo o en la
coda
4. “D’amor sull'ali rosee ... Miserere ” de Il Trovatore (atto IV, scena 1) de Verdi
(desde 1:39:02 hasta 1:47:47)
https://www.youtube.com/watch?v=FNcxmuC0XzY
5. Durante el romanticismo, en la primera mitad del siglo XIX , debido a diversos

factores, la ópera se encontraba en su época dorada, erigiéndose nuevos
teatros por Europa occidental y expandiéndose hasta Estados Unidos,
pasando a ser un elemento de estatus social entre las clases altas.
6. Además, conforme avanzó el siglo se le otorgó una mayor importancia a la
figura del compositor, la cual durante el clasicismo se vio eclipsada por el
libretista y los cantantes.
7. La ópera de la segunda mitad del siglo XIX se vio asociado a la ideología del
nacionalismo y hubo una tendencia a reinterpretar obras exitosas del pasado
más que apostar por óperas nuevas. Como consecuencia los compositores
dedicaban más tiempo a componer cada ópera.
8. La ópera italiana se centró en el canto bello a diferencia de la francesa o
alemana donde se le dio mayor importancia a la orquesta
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1. Giuseppe Verdi (1813-1901) fue la figura dominante de la música italiana tras

Donizetti, componiendo 26 óperas. la primera fue un éxito, dedicándo tras
esta a componer una o dos óperas cada año hasta 1851. En 1871 se retiró de
la composición, componiendo tras muchos años sus dos óperas finales
2. En las primeras óperas de Verdi se aprecia que están fuertemente
influenciadas por Donizetti. Más adelante, durante su época madura Verdi, el
cual contaba con mucho apoyo, optó por escribir menos óperas pero
buscando una mayor excelencia.
3. A pesar de que Verdi apoyo el Risorgimento italiano, el nacionalismo no fue
un componente de sus óperas
4. La popularidad de Verdi era en parte por su capacidad para captar el carácter
y sentimiento de una situación en melodías, sin embargo, no se limitaba a las
melodías sino que tenía una estricta formación en contrapunto y armonía.
5. Verdi solía escoger la trama de sus óperas, y gracias a la colaboración con sus
libretistas fue capaz de asegurar que cada cantante tuviera oportunidades
para brillar.
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Esta audición pertenece al cuarto acto, denominado ``El castigo de Il trovatore, ópera
estrenada en 1853. En esta ópera Verdi logra alcanzar nuevos niveles de dramatismo
y es considerada como una de sus óperas más célebres.
Verdi utiliza a menudo motivos reminiscentes (al igual que Donizetti) para recordar
en momentos cruciales temas de escenas anteriores, reforzando las conexiones y
haciendo más profundo el impacto
En esta ópera, Verdi opta por reemplazar la obertura por un breve preludio en el que
se ambienta la escena y se introducen algunos de los temas que se escucharán
durante la ópera.
5. Preludio del acto I de Tristán e Isolda de Wagner

https://www.youtube.com/watch?v=g6HmBkSwg1Y
más que apostar por óperas nuevas. Como consecuencia los compositores
dedicaban más tiempo a componer cada ópera.
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1. Richard Wagner (1813-1883) fue un compositor alemán, que destacó en la

composición de óperas alemanas y fue una figura central en la cultura de su
siglo, ya que tuvo un gran impacto sobre todas las artes, llegando a publicar
escritos sobre otras artes.
2. Todas sus composiciones más importantes fueron dirigidas a la escena,
incorporando a la ópera el resto de artes, buscando reforzar el dramatismo ,
aunando todas las artes en lo que se conoce como gesamtkunstwerk (obra de
arte total), considerando la música y el drama como una única idea.
3. Wagner destaca por el uso de los Leitmotiv como principio organizativo y fue
una enorme influencia para los compositores de ópera posteriores a él.
4. Wagner concibió que la música instrumental había llegado a su culmen con la
9º sinfonía de Beethoven, y considero que cualquier obra instrumental
después de esta sinfonía sería “esteril”.
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1. Esta audición pertenece al preludio del primer acto de Tristán e Isolda de

Wagner, compuesta entre 1857 y 59, y siendo de las primeras obras de
Wagner que se vieron influenciadas por el filósofo Arthur Schopenhauer y su
visión pesimista.
2. Tristán e Isolda está basada en una novela del siglo XIII donde el amor de una
pareja solo se puede consumar en la muerte.
3. El deseo se presenta desde este preludio, dónde Wagner aprovecha armonías
cromáticas y las resoluciones para crear una sensación de anhelo, ya que, la
música tonal se basa en el deseo de que las disonancias se resuelvan en una
consonancia, intensificando este deseo posponiendo la resolución, empleando
el conocido como “acorde tristán”.
4. Durante el acto 1, motivos del preludio aparecen como Leitmotiv y durante
toda esta obra se ven características de la GESAMTKUNSTWER Wagneriana
5. Tristán e Isolda es una de sus mejores óperas, donde se aprecia la concepción
wagneriana de que la música es un elemento conductor, siendo las palabras y
la acción las encargadas de transmitir el argumento
6. “Liebestod” [Muerte de amor] de Tristán e Isolda de Wagner

https://www.youtube.com/watch?v=fJJanIGFbjU
Género y compositor igual que arriba xdDd
1. Esta audición pertenece al trágico final, denominado muerte de amor de

Tristán e Isolda de Wagner, compuesta entre 1857 y 59, y siendo de las
primeras obras de Wagner que se vieron influenciadas por el filósofo Arthur
Schopenhauer y su visión pesimista
2. Tristán e Isolda está basada en una novela del siglo XIII donde el amor de una
pareja solo se puede consumar en la muerte
3. Finales similares ya se habían visto en obras como Romeo y Julieta, sin
embargo, Wagner logra llevarlo al limite musical y dramático
4. En el momento de su composición, Wagner vivió un romance ilícito y
platónico, inmortalizando esta imposibilidad en este trágico final.
5. Durante este final, Wagner reutiliza distintos motivos empleados durante la
obra con pequeñas variaciones, como el acorde tristán, a modo de leitmotiv.
6. Tristán e Isolda es una de sus mejores óperas, donde se aprecia la
concepción wagneriana de que la música es un elemento conductor, siendo
las palabras y la acción las encargadas de transmitir el argumento
7. Les préludes (poema sinfónico) de Franz Liszt

1. El poema sinfónico fue inventado por Liszt. Franz compuso “Poemas
sinfónicos”, una serie de trece obras orquestales, de donde surge el concepto
de poemas sinfónicos en su búsqueda por expandir las obras de un único
movimiento, atribuyéndole el origen de este género a él.
2. En este tipo de piezas se toma un referente ajeno a la música, como un poema
y el cual se intenta evocar o describir con música, siendo similar el concepto a
la música programática pero difiriendo en que los poemas sinfónicos pueden
incluir lecturas.
3. Suelen constar de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque
también existen ejemplos compuestos para piano
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1. Franz Liszt (1811-1886) fue el pianista virtuoso más grande de su época. Se
trasladó con 12 años a París con el objetivo de estudiar en el prestigioso
conservatorio que allí se encontraba, pero no pudo ya que no era considerado
ciudadano francés, estudiando con diversos profesores privados.
2. Entre 1839 y 1847 dio más de mil conciertos como solista, dando giras por
toda Europa. Con él surge el término “recital”.
3. En 1848, interrumpió las giras para centrarse en la composición, viendo en sus
obras distintas influencias, cómo húngaras o vienesas.
4. Uno de los músicos que más le influenció fue el violinista Nicolo Paganini, de
quien escuchaba sus proezas y quería lograr lo mismo con el piano, llevando a
sus límites la técnica al piano, tanto en su interpretación como en su
composición
5. Gran parte de la música para piano suya eran arreglos de dos tipos
principalmente:
Paráfrasis operísticas (fantasías sobre fragmentos de óperas famosas)
Transcripciones de obras de grandes compositores algo desconocidas o de
obras conocidas cargadas de virtuosismo
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1. Esta audición pertenece a “Les préludes”, 3º poema de su ciclo compuesta en
1854 de Liszt, siendo ésta un poema sinfónico, dónde emplea el método
conocido como transformación temática. un motivo de tres notas que actúan
como preludio, se modifica y expande, asumiendo caracteres distintos (lírico,
excitado o tormentoso…), habiendo un tema que actúa como contratante el
cual también se transforma
2. Liszt vínculo esta obra a un poema del mismo nombre, del cual extrae la
secuencia de estados anímicos: introductorio, amoroso, pesimista, pastoral,
belicoso y un regreso al estado inicial,
8. Sinfonía nº 4 en mi menor, op. 98 (mov. IV, a partir del minuto 29’40’’) de
Johannes Brahms https://www.youtube.com/watch?v=7QLuYj2jxoc
4. La sinfonía se mantuvo como una de las formas principales.
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1. Johannes Brahms (1833-1897) maduro como músico en un entorno donde

alrededor de tres quintas partes de la música interpretada en conciertos era
de compositores fallecidos del clasicismo, por lo que optó por componer
piezas semejantes (con los suficientes cambios como para ser atractivas).
sintetizo todo tipo de música, desde el renacimiento hasta los primeros
románticos, unida con elementos folclóricos.
2. En 1870 aclamo que jamás compondría una sinfonía ya que eso supondría
intentar alcanzar el nivel de Beethoven, sin embargo, tras la composición de
su primera sinfonía y el éxito que tuvo compuso tres más.
3. Destacó enormemente en el ámbito de la música de cámara, dónde compuso
24 obras en total siendo muchas de estas auténticas obras maestras.
4. Brahms tomó a Schubert como modelo a la hora de componer Lieder,
componiendo 260 y muchos siguiendo la forma estrófica. El piano
acompañante presente una textura muy variada, modificando la figuración
cada dos compases
5. Debido al valor que le dio a músicos pasados se le ha considerado como un
conservador, sin embargo, fue pionero en distintos ámbitos. Fue el primero en
apoyarse en la música del presente y del pasado, introduciendo elementos
nuevos en las formas tradicionales.
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1. Esta audición pertenece al último movimiento de la 4º sinfonía de Brahms,
compuesta en 1885. Este movimiento es una chacona, reflejando el aprecio de
Brahms a la música barroca.
2. Este movimiento se desarrolla con variaciones sobre un bajo ostinato y un
esquema armónico (se cree que tomó un motivo de una cantata de Bach).
3. El uso de un movimiento con variaciones como último movimiento recuerda a
la 3 sinfonía de Beetgoven.
4. Todas estas alusiones al pasado era algo habitual en su música, logrando
fusionar elementos de distintas épocas en una música que suena original y
nueva
13. Cuarteto con piano en do menor, op. 60 (mov. III, Andante) de Brahms
https://www.youtube.com/watch?v=tCk xXjVQ
1. La clásica formación de cuarteto de cuerdas con dos violines, una viola y un

violonchelo se vio alterada en ocasiones con el cambio de un violín por un
piano, resultando en la formación conocida como cuarteto con piano.
2. La primera obra de la que se tiene constancia para esta formación es de
Mozart, K. 478.
3. Esta formación no fue muy popular durante el clasicismo, teniendo una
creciente popularidad durante el romanticismo, dónde podemos destacar las
composiciones para esta formación de Beethoven, Schumann o Brahms, quien
compuso 3 cuartetos de una enorme calidad.
4. Al igual que los cuartetos de cuerda tradicionales, presentan 4 movimientos
en una distribución similar a las sinfonías
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románticos.
3. Destacó enormemente en el ámbito de la música de cámara, dónde, además
de componer 24 obras en total, muchas de estas son auténticas obras
maestras.
cada dos compases
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1. Esta audición pertenece al cuarteto con piano n.3, op. 60 de Brahms. De este
se conservan esbozos de 1856, sin embargo, no fue finalizado hasta 1875, y
publicado al año siguiente con Brahms al piano.
2. El esbozo pertenece a la época en la que Brahms empleaba el estilo sturm und
drang, además, se cree que sobre esa época (20 años) se enamoró de Clara
Schumann, apreciándose una sensación de “amor imposible” en todo el
cuarteto.
3. También denominado Cuarteto «Werther». Werther, en la obra de Goethe,
es un joven sensible, de una naturaleza creativa, pero que se hunde en la
depresión cuando la mujer a la que ama se casa con otro
14. “Wie Melodien zieht es mir”, op. 105 nº 1 de Brahms

https://www.youtube.com/watch?v=ZXvLPsJwP8s
1. La canción alemana (lied) buscaba ser simple y expresiva, con música que se
adecuara bien al poema y sin buscar crear asombro como lo hacía la ópera,
sino que agradará tanto al oyente como al intérprete.
2. La popularidad del Lied romántico creció después de 1800. Estos lieds se
basaban en poesías, siendo un tema muy frecuente la confrontación con las
grandes fuerzas de la naturaleza (empleadas en ocasiones como metáfora) o
la sociedad, mostrando el individuo vulnerable.
3. Muchos de estos lieder eran agrupados en colecciones con alguna
característica unificadora, como un mismo tema o que sean del mismo poeta.
4. El lied romántico se aprecia en las canciones de Franz Schubert, siendo este
considerado el primer gran maestro de los lieder e influyendo enormemente
en la composición de lieds venideros
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románticos.
3. Destacó enormemente en el ámbito de la música de cámara, dónde, además
de componer 24 obras en total, muchas de estas son auténticas obras
maestras.
cada dos compases aproximadamente
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1. Esta audición pertenece al Lied “Wie Melodien zieht es mir” op 105, nº1 de
Brahms.
2. Esta es la primera de sus “cinco canciones”, compuestas durante su estancia
en Suiza en 1886.
3. Como era habitual en los lieder de Brahms, el acompañamiento del piano
cambia la figuración cada pocos compases, diferenciándose así de Schumann
o Schubert
4. Brahms optaba por textos dónde había cierta contención emocional o un
estado anímico introspectivo, consiguiendo transmitir una pasión muy
efectiva gracias a tenerlo “bajo control”.
15. Concierto para violonchelo y orquesta en si menor, op. 104 (mov. I, hasta el
minuto 15’00’’) de Antonín Dvořák https://www.youtube.com/watch?v=4gs-
vhwBrD0

3. El concierto para solistas es un género que se ha mantenido popular desde su
aparición. Mantenían la estructura de rápido-lento-rápido, con una
alternancia entre el solista y los tuttis orquestales, aunque durante el
romanticismo,algunos compositores se tomaron mayor libertad con la
estructura. Durante el romanticismo se fomenta la figura del virtuoso.
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1. Antonín Dvorák (1841-1904) fue un compositor de finales del románico de
origen Bohemi. Compuso 12 óperas, sin embargo, fue popularmente conocido
en Europa occidental por su música instrumental.
2. Dentro de su obra instrumental nos encontramos con una gran variedad: 9
sinfonías, cuatro conciertos, numerosas danzas o gran cantidad de piezas de
cámara.
3. Dentro de sus obras para orquesta más destacables nos encontramos con la
sinfonía del nuevo mundo o su concierto para violonchelo.
4. Muchas de sus piezas emplean un estilo internacional, basándose en
Beethoven, Brahms o Wagner o elementos de la música folclórica checa. A la
hora de componer su 9 sinfonía tomó elementos de tribus indias y de los
afroamericanos.
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1. Esta audición pertenece al primer movimiento del concierto para violonchelo

y orquesta de Dvorak, op. 104. Este fue el último concierto que compuso,
compuesto entre 1884-1895, terminando durante su estancia en Nueva York,
dedicado a un amigo violonchelista suyo.
2. Fue estrenado en 1896 en Londres, siendo un gran éxito y reconocido por
grandes como Brahms.
3. Este presenta una estructura habitual en tres movimientos en un orden
rápido-lento-rápido. Este primer movimiento es un allegro y comienza con
una introducción orquestal con dos temas, uno marcado por los clarinetes y
otro por la trompa, seguido por el cello interpretando ambos temas. El
movimiento se desarrolla siguiendo el esquema clásico de forma sonata
4. En este concierto hay una pequeña evocación a un amor no correspondido
suyo, su cuñada Josefina. Esta enfermó durante la composición del concierto,
por lo que decidió homenajearla insertando un fragmento de su canción
favorita.
16. El Moldava de Bedřich Smetana https://www.youtube.com/watch?

v=l6kqu2mk-Kw
incluir lecturas.
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1. Bedrich Smetana (1824-1884) fue un compositor y director del teatro nacional

checo. Compuso 8 óperas, formando parte estas del núcleo del repertorio
operístico checo y desarrollando enormemente el estilo conocido como
“nacional checo”.
2. Al igual que sucede con Dvorak, fuera de su país es más conocido por su
repertorio instrumental que por el vocal y fue muy influenciado por Liszt
3. Procuro componer música nacional, tanto en su cuarteto de cuerda como en
su ciclo de poemas sinfónicos, dónde pertenece El moldava (más conocido) o
el “Tábor”, siendo muy sorprendente. Esta pieza se divide en dos secciones,
una introducción lenta y un allegro característico de un primer movimiento
sinfónico
4. A los 50 años de edad, se quedó completamente sordo, liberándose de sus
funciones en el teatro y dedicándose al completo a la composición.
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1. Esta audición pertenece al segundo poema sinfónico del ciclo Má Vlast (mi
patria) de Smetana. Estos poemas fueron compuestos entre 1874 y 1879, y
aunque se suele representar todos los poemas, estos fueron concebidos para
ser obras individuales.
2. En este ciclo combina el género creado por Liszt con los ideales del
nacionalismo de finales del siglo XIX. Cada poema representa un paisaje,
historia o una leyenda de Bohemia
3. El moldava fue compuesto en 1874 y evoca a un río con el mismo nombre.
4. Durante esta pieza, Smetana usa una técnica conocida como figuralismo para
evocar los sonidos y pasajes que aparecen en el curso de un gran río, desde su
nacimiento en dos pequeños manantiales, pasando por distintas escenas
hasta desembocar finalmente en el río Elba
5. En este poema aparece una de sus melodías más famosas, siendo esta una
adaptación de “la mantovana”
17. Capricho español de Rimsky-Korsakov https://www.youtube.com/watch?

v=X_HSpn3tE_A
El género capricho surge en torno al siglo XVI para denominar una pieza musical, con
una forma libre y un carácter vivaz y animado, predominantemente instrumental
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1. Rimski-Korsakov (1844-1908) comenzó a dar clases en un conservatorio en
1871, dónde se percató de la falta de conocimiento que tenía, por lo que se
esforzó en estudiar toda la teoría de la música. Fue un miembro del Grupo de
los cinco, un grupo de compositores centrados en la música rusa
2. ESte edito y completó obras rusas, contribuyendo a su conservación y al
desarrollo de esta escuela, demostrando un enorme interés por la música
nacional
3. En occidente se le conocía por sus obras instrumentales, dónde destacan su
obras orquestales programáticas aunque compuso 15 óperas.
4. Un elemento clave de sus composiciones era el uso de la escala de tonos
enteros o la escala octatónica
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Esta audición pertenece al capricho español de Korsakov, compuesta en 1887. Esta

muestra el exotismo, basada en temas españoles.
Esta se divide en cinco movimientos
En primera instancia, korsakov quería que fuese una obra virtuosa para violín y
orquesta, pero conforme fue componiendo fue agregando pequeñas secciones
virtuosismos para distintos instrumentos, resultando en una pieza muy bien
compuesta, con constantes cambios de timbres y diseños melódicos
Este virtuosismo era algo habitual en los caprichos
18. “Escena de la coronación” del Boris Godunov de Mussorgsky

https://www.youtube.com/watch?v=2RGzcPfLcks
más que apostar por óperas nuevas, como consecuencia los compositores
optaron por dedicar más tiempo a cada ópera en lugar de intentar componer
una o dos cada año.
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1. Modest Musorsky (1839-1881) fue uno del grupo de los cinco, conocido como
el más original de todos. Una de sus principales obras fueron las óperas Boris
Godunov, concluida por Korsakov tras la defunción de Mussorgsky
2. Su individualismo se refleja claramente en cada aspecto de su música
3. La armonía de Mussorgsky es esencialmente total, aunque en algunos
aspectos es bastante original y revolucionaria, yuxtaponiendo armonías
distantes entre sí
4. La literatura rusa del siglo XIX seguía el realismo, logrando Mussorgsky este
realismo imitando el discurso ruso
5. Algo destacable tanto de la música rusa como de Mussorgsky es que muchas
veces está compuesta en grandes bloques de materia, uniendo los distintos
episodios mediante una ilación epica
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1. Esta audición pertenece a la “escena de la coronación” de Boris Godunov de
Mussorgsky(finalizada por Korsakov). En esta escena se muestra la primera
declaración de Boris sobre el escenario al ser aclamado como nuevo zar,
acompañando el discurso con música de una forma muy natural, siguiendo el
ritmo mientras que el discurso dispone las palabras acentuadas en la parte
fuerte del compás
2. Como consecuencia, su música vocal tiende a carecer de líneas melódicas
líricas, logrando así evitar las convenciones del recitativo, acercándose más a
las canciones folclóricas rusas
3. La yuxtaposición se aprecia claramente en esta escena, cambiando cada pocos
compases la figuración y la tonalidad.
4. Esta ópera presenta distintos episodios, logrando Mussorgsky mantener
cohesión con la figura del zar como elementa ilador
19. “Mariposa” del Libro III de Piezas líricas para piano, op. 43, nº 1. Eduard Grieg
https://www.youtube.com/watch?v=YPflFE_d50M
Liszt tuvo un papel crucial en el desarrollo del concepto de recital, atribuyéndole a él
el origen de este concepto: un concierto interpretado exclusivamente por un pianista
solo y por lo tanto, interpretando piezas íntegras para piano solo, sin
acompañamiento de ningún tipo
La música instrumental, y en especial la pianística, sufrió un profundo desarrollo a lo
largo del siglo XIX, gracias a las contribuciones de pianistas que dedicaron parte de su
carrera tanto a la pedagogía pianística como a la ampliación de dicho repertorio.
Algunos de dichos músicos fueron: Franz Liszt, Anton Rubinstein, Modest Musorgsky
y Chopin. Las nuevas técnicas armónicas y rítmicas obligaron a los compositores a
diseñar texturas pianísticas cada vez más complejas, de acuerdo a las nuevas
necesidades musicales.
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Edvard Grieg (1843-1907) fue un compositor noruego. que compuso muchas piezas
con ritmos de danzas de noruega
En sus canciones sobre textos noruegos se aprecia un carácter etnico, viéndose esto
claramente en su suite “peer Gynt”
En sus composiciones para piano se aprecia cierta influencia de cHopin, en el uso de
notas veloces y mordentes, pero la influencia omnipresente en sus obras son las
canciones y danzas noruegas, viéndose esto en los frecuentes bordones, uso del
registro bajo-medio o la combinación de ritmos en ¾ y 6/8
No toda la música de Grieg fue nacionalista, ya que al estudiar en Leipzig, aprendió
los metodos de Mendelssohn y Schumman, llegnado a componer un concierto para
piano bastante famoso
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Las piezas líricas eran una colección de piezas cortas para piano solo, compuestas por
Edward Grieg, y hay un total de 10 volúmenes y 66 piezas
Esta audición pertenece a la “mariposa” del 3º libro de piezas líricas para piano de
Grieg. Estas piezas fueron compuestas durante 34 años, y muestran el ámbito de su
estilo.
En esta mariposa hace un constante uso de cromatismos intentando imitar el
revoloteo de una mariposa
20. Concierto para violín y orquesta nº 2 en re menor, op. 22 de Henryk Wieniawski

(mov. I, hasta el minuto 13’09’’) https://www.youtube.com/wNatch?v=pSXJ2gIxI10
8. El concierto para solistas es un género que se ha mantenido popular desde su
aparición.Mantenían la estructura de rápido-lento-rápido, con una
alternancia entre el solista y los tuttis orquestales, aunque durante el
romanticismo,algunos compositores se tomaron mayor libertad con la
estructura. Durante el romanticismo se fomenta la figura del virtuoso.
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Henryk Wieniawski (1835-1880) fue un músico polaco muy importante del siglo XIX.
Fue un gran violinista, quizás uno de los más admirados después de Pagani. Estudió
en París, y se estableció en 1860 en Petersburgo para dedicarse a la música
plenamente, siendo el violinista del zar y el profesor de violín del
conservatorio,Influyó mucho en el origen de la tradición violinística rusa
Viajaba frecuentemente interpretando sus propias piezas, diseñadas para exhibir sus
facultades. Se conservan 24 piezas suyas, todas para violín con distintos
acompañamientos, siendo su obra má destacable su segundo concierto para violín y
orquesta
Este estuvo unos años de gira por Estados Unidos donde tuvo mucho éxito
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Esta audición pertenece al primer movimiento del segundo concierto para violín y
orquesta, op. 22 de Henryk Wieniawski. Fue estrenado en 1862, durante su estancia
en Petersburgo.
durante este primer movimiento se puede apreciar cómo el género ha evolucionado,
habiendo ciertos cambios en la estructura formal, dando una visión mas “romantica”,
presentando ester primer movimiento una medio forma sonata, ya que ónde estaría
el desarrollo, este introduce el segundo movimiento.
Este primer movimiento se caracteriza por su tema sombrío, presentado por un solo
de trompa y por lo demandante que es técnicamente para el solista, usando diversas
técnicas como glissandos cromáticos o notas staccato con el arco ascendente, entre
otras técnicas complicadas.
No hay pausa entre el primer y segundo movimiento, sino que están conectados por
un solo de clarinete
CONTEXTO SIGLO XX
El inicio del siglo XX fue una época de rápidos cambios en la tecnología, la sociedad y
en las artes, afectando esto también a la música. Las nuevas tecnologías de
grabación de sonido, la fotografía, el cine, la televisión y la informática han
conseguido otras formas de conservar la música, no como antes que sólo podía
conservarse a través de la notación. Es por eso que, en esta época la música se
diversifica mucho más que anteriormente, apareciendo así nuevos géneros como la
música de cine, el jazz, el rock y otros tipos de música popular. En el ámbito clásico
algunos compositores intentan hacerse hueco en los programas de concierto como
los clásicos del pasado, para ello, aportaron un estilo y una perspectiva únicos que
equilibrase la tradición con elementos nuevos. Sin embargo, otros concibieron
nuevos sistemas de organización de los tonos cómo la atonalidad, politonalidad y el
método dodecafónico, representando la música de vanguardia. Este proceso de
diversificación de la música aceleraría durante todo el siglo XX hasta nuestros días.
Durante el siglo XX hay gran cantidad de innovaciones tecnológicas, como la

invención de aparatos de grabación, permitiendo nuevos métodos de conservación y
propagación de la música. Como consecuencia, la música se diversifica
enormemente, surgiendo nuevos géneros como el jazz, rock o música para cine.
Con respecto a la música tradicional, si bien algunos buscaron componer música que
equilibrarse la tradición con elementos nuevos, otros compositores se decantaron
por la innovación, llevandoles a nuevos sistemas de organización de tonos, como la
atonalidad, el dodecafonismo o a la creación diversas corrientes vanguardistas (como
el minimalismo)
La música del siglo XX se puede dividir principalmente en tres etapas, una primera
etapa (1900-18) conocida como la etapa de experimentación, rompiendo con el
sistema tonal, una segunda etapa (1918-45) dónde se forjan vínculos con la música
del pasado (neoclasicismo) y una última etapa (1945-actualidad) dónde hay gran
variedad de corrientes como el serialismo o la aleatoriedad
1. “Jokanaan ich bin verliebt an deinen Leib” [¡Jokanaan! Estoy enamorada de tu

cuerpo], de Salomé de Richard Strauss
https://www.youtube.com/watch?v=MJ1kHi1HjQE
9. Durante el siglo XX, la ópera mantuvo vigente el repertorio anterior,
componiendo nuevas óperas de gran calidad, sin embargo, muchos
compositores buscaron introducir innovaciones, no siendo muy exitosas
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1. Richard Strauss (1864-1949) fue una figura dominante en la música alemana.
Fue célebre como director de orquesta, ocupando puestos en los teatros con
más prestigio del mundo.
2. En su faceta como compositor es principalmente recordada por sus poemas
sinfónicos, sus óperas y sus lieder
3. Muchas de sus obras están basadas en la literatura, como Don Juan o Don
Quijote. Don Juan fue su primera obra completa y madura, consolidando su
reputación
4. Fue una gran influencia en ambos siglos, pero su trayectoria fue distinta
después de 1900, enfocándose más en la ópera que en los poemas sinfónicos.
En 1905 estreno Salome, siendo un enorme éxito
5. Al igual que Wagner, Strauss hizo uso de Leitmotiv para realzar la coherencia
musical
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1. Esta audición pertenece a una fragmento de la ópera Salomé de Strauss,
estrenada en 1905. Esta ópera está basada en la obra de un solo acto de Oscar
Wilde, adaptando el libreto él mismo, siendo una narración bíblica
“decadente”.
2. La historia y emociones estimularon a Strauss a componer música
armónicamente compleja y disonante.
3. Aprovecha las expectativas del oído tonal de que las disonancias necesitan
resolver, creando un deseo similar al creado por Wgner en Tristan Und Isolde
4. ESta musica tan disonante inspiró a futuros compositores, llegando al punto
de abandonar por completo la tonalidad, sin embargo, no toda la obra es
disonante, hay cantidad de pasajes consonantes y melódicos
(Versión con subtítulos en castellano: del minuto 24’23’’ al 32’37’’)

2. Preludio a la siesta de un fauno de Claude Debussy
https://www.youtube.com/watch?v=Y9iDOt2WbjY

incluir lecturas.
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1. Claude Debussy (1862-1918) fue un compositor francés, quien tomó una
dirección distinta a la de Mahler y Strauss, buscando el placer del momento.
2. Su admiración por Wagner iba acompañada de aversión hacia su
grandilocuencia, y al intento de incorporar la filosofía en la música. Debussy
optó por continuar la tradición francesa por el gusto y la sensibilidad
3. Comenzó sus estudios a los 10 años con el piano y comenzando a componer
poco después. Su música es llamada frecuentemente impresionista, sin
embargo, se encuentra más próxima al simbolismo. Una característica que
comparten ambas tendencias es que la música buscaba evocar un estado de
ánimo
4. Su música orquestal muestra las mismas características que su música para
piano (creando imágenes musicales mediante motivos o escalas exóticas), con
la adición del timbre de los distintos instrumentos. A menudo asocia un
instrumento en particular a un motivo en concreto
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1. Esta audición pertenece al preludio a La siesta de un Fauno, un poema
sinfónico compuesta entre 1891 y 1894, abordando esta pieza al igual que los
poetas simbolistas, buscando evocar un estado anímico mediante la sugestión
2. En primera instancia, debussy compuso este preludio con el fin de cumplir su
función de preludio: introducir una pieza musical, aunque finalmente optó por
dejarla como un breve poema sinfónico
3. Esta obra comparte muchas similitudes con el preludio de tristán e Isolda, por
ejemplo, uno de los primeros acordes es un acorde semidisminuido que
resuelve de forma irregular sobre una séptima de dominante, o el hecho de
que ambos siguen la estructura A B A’, con un pulso “flexible” en las secciones
A y más exacto en la sección central
3. Juegos de agua de Maurice Ravel
https://www.youtube.com/watch?v=jnKFIp7CahY
y el cual se intenta evocar o describir con música, siendo un claro exponente
de la música programática.
7. La música instrumental, y en especial la pianística, sufrió un profundo
desarrollo a lo largo del siglo XIX, gracias a las contribuciones de pianistas que
dedicaron parte de su carrera tanto a la pedagogía pianística como a la
ampliación de dicho repertorio. Algunos de dichos músicos fueron: Franz Liszt,
Anton Rubinstein, Modest Musorgsky y Chopin. Las nuevas técnicas armónicas
y rítmicas obligaron a los compositores a diseñar texturas pianísticas cada vez
más complejas, de acuerdo a las nuevas necesidades musicales.+
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1. Maurice Ravel (1875-1937), fue un compositor francés y al igual que Debussy,

es considerado impresionista,ya que muchas de sus obras se adecuarán a esa
etiqueta sin embargo, destaca por la cantidad de influencias que se aprecian
en su música.
2. Fue alumno de Gabriel Fauré y dio clases a Vaughan Williams, ambos músicos
muy destacables.
3. En su obra “Juegos de agua” se aprecia claramente el lado impresionista de
Ravel y las diferencias con Debussy, con quien se le comparaba numerosas
veces. En esta toma técnicas pianísticas de liszt .
4. También toma elementos de la tradición barroca francesa, como las danzas o
las suites. Además, lograba mostrar los acentos naturales del francés
5. No solo se limitó a francia, también tomó tradiciones de valses vieneses, el
estilo de los gitanos zíngaros, elementos del jazz o temas hispanos
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1. Esta audición pertenece a la pieza para piano solista Juegos de agua, 1901 y es
considerada como una de sus primeras piezas impresionistas.
2. En el momento de su composición, su profesor era Gabriel Fauré, a quien
dedica esta obra
3. Durante esta pieza Ravel usa muchas texturas innovadoras, como acordes
paralelos disonantes acompañando raudas escalas o figuras arpegiadas, que
reflejan las quintas abiertas. A diferencia de Debussy. Ravel busca resolver las
disonancias de los tonos enteros, mediante una compleja cadencia tonal
4. Este declaró que buscaba evocar el ruido del movimiento del agua, en
cascadas, arroyos…
4. “Nacht”, no. 8 de Pierrot lunaire, op. 21 de Arnold Schoenberg

https://www.youtube.com/watch?v=1gafF5sbnB0
5. La canción alemana (lied) buscaba ser simple y expresiva, con música que se
adecuara bien al poema y sin buscar crear asombro como lo hacía la ópera,
sino que agradará tanto al oyente como al intérprete.
6. La popularidad del Lied romántico creció después de 1800. Estos lieds se
basaban en poesías, siendo un tema muy frecuente la confrontación con las
grandes fuerzas de la naturaleza (empleadas en ocasiones como metáfora) o
la sociedad, mostrando el individuo vulnerable.
7. Muchos de estos lieder eran agrupados en colecciones con alguna
característica unificadora, como un mismo tema o que sean del mismo poeta.
8. El lied romántico se aprecia en las canciones de Franz Schubert, quien escribió
más de 600, estrenados la mayoría en las reuniones privadas conocidas como
“schubertiadas”.
9. Durante el siglo XX, compositores como Schonberg, Berg y Webern
experimentaron con los límites del lied, llegando a aplicar el dodecafonismo.
La selección de textos durante esta etapa se vio fuertemente influenciada por
el simbolismo
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Arnold Schoenberg (1874-1951) fue un compositor alemán, cuyo objetivo era

la evolución de la música alemana, llevando esto hacia la atonalidad y
posteriormente al método dodecafónico. Sus innovaciones le hicieron tanto
famoso como “repudiado”, debido a lo disonante que suena su música para
un oido “clasico”
Este comenzó componiendo música tonal en un estilo tardorrománico,
basando sus grandes obras en composiciones de otros grandes compositores.
Más adelante en su carrera, se centró en la música de cámara, y por lo tanto,
en Brahms. 1 etapa
En 1908, Comenzó a componer piezas que evitaban establecer una nota como
centro tonal. Este se vio inspirado por las disonancias desde tristán. Este
concibió progresiones novedosas y evito usar las cadencias convencionales,
aunque con el uso de armonías cromáticas era confuso saber qué notas
resolver, llamando él a esto la “emancipación de la disonancia”, liberando la
necesidad de la disonancia de resolver. Una vez concibió esta idea la
atonalidad fue inevitable 2 etapa
También usó la no-repetición, usando temas y motivos que no reaparecen en
toda la obra y alejándose de las formas tradicionales.
Shonberg encaró un problema, con sus métodos atonales no podía igualar la
coherencia formal de la música tonal, encontrando la solución en el método
dodecafónico
En este método, los tonos se relacionan entre sí en lugar de con una tónica y
podían emplearse de muchas maneras; sucesivamente, simultáneamente, de
forma contrapuntística, etc… 3º etapa
Tuvo una cuarta etapa de tonalidad libre
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1. Esta audición pertenece a “Nacht” canción nº8 del ciclo Pierrot Lunaire,
compuesto en 1912. Este ciclo está formado por 21 canciones extraídas de un
ciclo poético mucho más extenso. Schmberg puso música al texto para voz
femenina y un grupo de cámara de 5 miembros, que tocan 9 instrumentos en
total, con una combinación de instrumentos distinta en cada movimiento.
2. La voz es hablada, acercándose a los tonos escritos con el tono del discurso,
siguiendo con exactitud el ritmo escrito. Los tonos inexactos generan una
atmósfera fantasmagórica que necesita el texto.
3. Esta canción en concreto (noche), es un passacaglia aunque un poco inusual
ya que el motivo unificador aparece durante todo el movimiento,tratado en
ocasiones como un canon.
5. Variaciones para orquesta, op. 31 (Introducción y tema) de A. Schoenberg

(hasta el min. 3’23’’)
https://www.youtube.com/watch?v=yHHUxoa1DDs
9. Un tema con variaciones son una serie de piezas que se interpretan de forma
ininterrumpida, dónde se presenta un tema, el cual es transformado,
formando así las diferentes variaciones. Estas variaciones se pueden
componer de diversas maneras e involucrando distintos elementos del tema
principal
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Arnold Schoenberg (1874-1951) fue un compositor alemán, cuyo objetivo era

la evolución de la música alemana, llevando esto hacia la atonalidad y
posteriormente al método dodecafónico. Sus innovaciones le hicieron tanto
famoso como “repudiado”, debido a lo disonante que suena su música para
un odio “clasico”
Este comenzó componiendo música tonal en un estilo tardorrománico,
basando sus grandes obras en composiciones de otros grandes compositores.
Más adelante en su carrera, se centró en la música de cámara, y por lo tanto,
en Brahms. 1 etapa
En 1908, Comenzó a componer piezas que evitaban establecer una nota como
centro tonal. Este se vio inspirado por las disonancias desde tristán. Este
concibió progresiones novedosas y evito usar las cadencias convencionales,
aunque con el uso de armonías cromáticas era confuso saber qué notas
resolver, llamando él a esto la “emancipación de la disonancia”, liberando la
necesidad de la disonancia de resolver. Una vez concibió esta idea la
atonalidad fue inevitable 2 etapa
También usó la no-repetición, usando temas y motivos que no reaparecen en
toda la obra y alejándose de las formas tradicionales.
dodecafónico
En este método, los tonos se relacionan entre sí en lugar de con una tónica,
garantizando que todas las notas tengan la misma importancia 3º etapa
Tuvo una cuarta etapa de tonalidad libre
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Esta audición pertenece a Variaciones para orquesta Op.31 de Schoenberg, a la

introducción y al tema y se divide en doce secciones. En esta obra, se toma un tema
el cual transforma creando distintas variaciones y es su primera composición
empleando el método dodecafónico para un gran conjunto
En esta pieza aparece motivo Bach (Bb- A- C-B)
En una de las variaciones utilliza en la melodia 4 series, utilizando las misma en
espejo para la armonía
6. “Und ist kein Betrug in seinem Munde erfunden worden” [Y en su boca no fue
hallado engaño], Wozzeck (acto III, escena 1) de Alban Berg
https://www.youtube.com/watch?v=trp-Du6p2no
4. Strauss fue un compositor que desde 1900 contribuyó enormemente en el
desarrollo de la ópera
5. Durante el siglo XX, la ópera mantuvo vigente el repertorio anterior,
componiendo nuevas óperas de gran calidad, sin embargo, muchos
compositores buscaron introducir innovaciones, no siendo muy exitosas
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1. Alban Berg comenzó a estudiar con Schnberg a los 19 años, de quien tomó el
método atonal y dodecafónico pero logrando ser más accesible para la
mayoría del público
2. Alcanzó una gran popularidad, en particular su ópera Wozzeck
3. Este infundio en su música post tonal no solo las formas y procedimientos de
la música tonal, al igual que Shonverg, sino también gestos expresivos que
creaban en el oyente significado y sentimiento
4. Poco después de su ópera wozzeck, este adoptó los métodos dodecafónicos,
manipulandolos, usando a menudo series que contenían acordes tonales,
uniendo la música vanguardista con el pasado y logrando así que cualquier
persona pudiera entender superficialmente su música, aunque realmente sea
mucho más compleja que lo que aparenta
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1. Esta audición pertenece al 3º acto de Wozzeck, una ópera compuesta por
Berg. Esta es una opera expresionista, cuyo libreto arreglo el propio Berg, y
donde se presenta al soldado Wozzeck, victima de un cruel enterno,
despreciado por sus compañeros, traicionado en el amor, cobaya de
experimentos medicos que lo llevan al suicidio
2. Esta obra es atonal pero no dodecafónica y hay breves interludios orquestales
entre los cambios de escena
3. Organiza la música mediante el uso de leitmotivs e identificando distintos
tonos con los protagonistas.
4. Durante el tercer acto se presentan seis invenciones sobre distintos
elementos para reflejar la obsesión de Wozzeck, siendo la más destacable la
invención sobre una tonalidad
(Versión con subtítulos en castellano: del minuto 1:17’07’’ al 1:22’12’’)
7. Variaciones para piano, op. 27 de Anton Webern (mov. II)
https://www.youtube.com/watch?v=by1OlFqIQxI
10. Un tema con variaciones son una serie de piezas que se interpretan de forma
ininterrumpida, dónde se presenta un tema, el cual es transformado,
formando así las diferentes variaciones. Estas variaciones se pueden
componer de diversas maneras e involucrando distintos elementos del tema
principal
11. La música instrumental, y en especial la pianística, sufrió un profundo
desarrollo a lo largo del siglo XIX, gracias a las contribuciones de pianistas que
dedicaron parte de su carrera tanto a la pedagogía pianística como a la
ampliación de dicho repertorio. Algunos de dichos músicos fueron: Franz Liszt,
Anton Rubinstein, Modest Musorgsky y Chopin. Las nuevas técnicas armónicas
y rítmicas obligaron a los compositores a diseñar texturas pianísticas cada vez
más complejas, de acuerdo a las nuevas necesidades musicales.
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1. Anton Webern comenzó a recibir clases de Schonberg en la misma época que
Berg. Este concibió el sistema dodecafónico de su profesor como “el camino
de la nueva música”, y que era el resultado de toda la evolución de la música
al combinar las doce notas cromáticas, uso de la dimensión melodica y
armonica y por combinar formas clásicas con procedimientos polifónicos.
2. Este tenía una confianza total en este método a pesar de la oposición tanto de
intérpretes como oyentes.
3. Concibió a los músicos como un investigador que realiza nuevos
descubrimientos, contrastando claramente con la concepción del músico que
busca satisfacer al público
4. Este buscaba componer música profundamente expresiva y a la vez
extremadamente concentrada, siendo sus piezas bastantes breves pero
cargadas de detalles
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Esta audición pertenece a las variaciones para piano de Webern, en concreto al 2

movimiento de los 3 que la forman. Estas fueron compuestas entre 1935-6 y siguen
estrictamente los procedimientos dodecafónicos.
A pesar del nombre de la pieza, aparentemente el único movimiento que presenta
variaciones es el tercero, siguiendo el 2 un forma binaria
Esta pieza carece de reguladores de dinámica, sino que los cambios dinámicos son
contrastes entre fortes y piano
Este segundo movimiento no solo sería la altura de las notas sino otros elementos
como las dinámicas o las articulaciones. PResenta una simetría estableciendo como
eje la nota A4
(del minuto 01’36’’ al 02’10’’)

8. “Danza de los adolescentes” de La consagración de la primavera de Igor
Stravinsky
https://www.youtube.com/watch?v=dvc7 lbEg
8. El ballet, durante mucho tiempo parte de la gran ópera, comenzó a triunfar a
finales del siglo XIX como arte independiente. Stravinsky innovó en distintos
aspectos como el ritmo,armonía y orquestación.
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1. Igor Stravinsky fue un compositor que comenzó como nacionalista ruso,
convirtiendose más adelante en un compositor cosmopolita, quien influyo
enormemente a todas las generaciones venideras
2. Creó un estilo propio combinando rasgos de distintos estilos, principalmente
de tradiciones rusas como el uso frecuente de “ostinati” o subvirtiendo el
compás con acentuación o silencios. Estos rasgos los empleó durante su etapa
“rusa”, aunque también se aprecian en su música posterior
3. Durante su primera etapa compuso sus obras más conocidas como el pájaro
de fuego, petrushka o la consagración de la primavera.
4. En 1919, se le encargó que orquestara algunas piezas clásicas, comenzando así
su periodo neoclásico, siendo considerado como su “líder”.
5. Tras la muerte de Schönberg, Stravisnky compuso algunas obras seriales,
conociéndose esto como su etapa serial.
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1. Esta audición pertenece a la “Danza de los adolescentes” de la consagración

de la primavera, basada en una “leyenda” de la Rusia prehistórica donde una
muchacha es elegida para ser sacrificada, teniendo que bailar hasta la muerte.
2. Muchas de las características del idioma maduro se aprecian en esta primera
escena. Aun con la irregularidad de los compases, cada pulso de los dos
primeros compases se interpreta con la misma fuerza, rompiendo la jerarquía
de partes fuertes y débiles del compás, desorientando al oyente pero sigue
siendo concebida para el ballet
3. Durante esta obra no hay desarrollo de motivos o temas, sino que los repetía
o variaba de forma impredecible
4. Esta obra el día del estreno fue un fracaso, rechazada por el público, teniendo
el mismo Stravinsky que salir de la sala, aunque más adelante se convirtió en
una de las piezas más interpretadas en su época
9. Música para cuerdas, percusión y celesta (III mov. Adagio) de Béla Bartók
https://www.youtube.com/watch?v=ymqRNY4K4NA
(del minuto 14:34 al 21:07)
Durante el Siglo XX, con toda la cantdad de innovaciones tambien se crearon nuevas
formaciones de itnrumentos o se crearon algunas bastante inusuales, como es el
caso de la musica para CPC de bartok
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1. Béla Bartók fue un compositor y pianista Húngaro, el cual creó su propio
estilo, combinando elementos de la música campesina húngara, rumana,
eslovaca y búlgara con elementos de la tradición clásica alemana y francesa,
llegando a esta síntesis tras un largo estudio de todos estos estilos
2. Comenzó su formación como pianista, componiendo poco después, teniendo
como referentes grandes del pasado como Bach, Mozrt o Beethoven
3. Durante su vida buscaba crear música autóctona húngara, llevandole esto a
estudiar la música campesina junto a su amigo, recopilando cerca de dos mil
piezas, considerando que la música campesina húngara representaba mejor a
la nación que la música popular urbana concebida como hungara
4. Con esta síntesis de estilos Bartók logró poner en relieve elementos que
ambos estilos tienen en común y destacar elementos distintivos de cada uno,
por ejemplo, de la música campesina hizo uso de lo compleja que era
rítmicamente y de los compases irregulares
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1. Esta audición pertenece al 3 movimiento de la “Música para cuerdas,

percusión y Celesta” de Bartók, compuesta en 1936. En esta pieza se aprecia
la síntesis de Bartok además de diversas características compositivas suyas
personales.
2. En esta pieza Bartok emplea la neotonalidad, estableciendo en cada
movimiento un centro tonal mediante métodos análogos.
3. En esta obra los temas se generan mediante la variación de pequeños
motivos, y hay constantes recursos tomados tanto de la tradición clásica,
como las formas complejas o los procedimientos contrapuntísticos, como de
las danzas campesinas, con melodías sobre bordones o compases de las
danzas búlgaras
4. Este tercer movimiento tiene como centro tonal el Fa#, con Do como polo
competidor, presentando una modificada forma de arco (ABC B’A’). Esta
forma de palíndromo está prefigurada en el solo inicial de xilófono, siendo
estas simetrías algo habitual en su música
DEFINICIONES
1- POEMA SINFÓNICO
El poema sinfónico, género creado por Liszt, es una obra orquestal (aunque puede
ser también para piano o pequeñas formaciones instrumentales) de carácter poético
literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir
una escena mediante la música. Los compositores tomaban una referencia y
componían la obra inspirándose en ella. Se demandaba, además, por parte de estos
compositores, un conocimiento previo del oyente de dicha inspiración antes de oír la
obra para que pudieran comprenderla correctamente, e incluso a veces realizaban
anotaciones adicionales para explicar su significado. Un poema sinfónico puede ser
una obra en sí misma, o formar parte de un ciclo de poemas sinfónicos a modo de
suite.
El poema sinfónico se encuentra dentro de lo que denominamos música
programática. El opuesto a este tipo de música sería la música absoluta, la cual no se
basa en asociaciones sino en la música misma. Franz Liszt fue el gran teórico del
poema sinfónico, y una de sus obras más destacables en este género es “Les
préludes”, inspirada en el poeta Alfonse-Marie de Lamartine.
2- FRANZ BRENDEL
Franz Brendel fue un crítico musical alemán que, en el año 1859, propuso el término
“Nueva Escuela Alemana”, englobando en ella a los compositores que, bajo su
criterio, eran los líderes de los nuevos desarrollos musicales del momento, entre los
que estaban Wagner, Liszt, Berlioz, Bruckner, Hugo Wolf y Strauss, y todos los
discípulos posteriores de estos. Brendel trataba a Liszt y Berlioz como alemanes, a
pesar de no serlo realmente, por el hecho de que, en su labor musical, habían
tomado como modelo a Beethoven.
El término creado por el alemán estableció una clara diferencia entre los
compositores alemanes (y los considerados como tal por sus influencias), los cuales
pensaban que era posible vincular la música a otras artes; y por otro lado, los
defensores de la música absoluta, como Brahms.
Los defensores de la idea de vincular la música con otras artes encararon un
problema, y es que el público estaba habituado a la tradición clásica de la música
absoluta, encontrando cada uno de estos músicos una solución distinta al dilema.
3- ANTON BRUCKNER
Anton Bruckner (1824-1896), conocido como “El sinfonista wagneriano”, asimiló el

estilo y espíritu de Wagner dentro de la sinfonía tradicional. Escribió 9 sinfonías
numeradas y 2 sin numerar; revisadas con frecuencia por lo que hay varias versiones
distintas. Todas tienen cuatro movimientos.
Bruckner consideraba la Novena Sinfonía de Beethoven como un modelo a seguir,

por lo que la mayoría de sus sinfonías empiezan con una vaga agitación en las
cuerdas, a partir de la que se va construyendo un tema, dando sensación de devenir;
y los movimientos finales reciclan con frecuencia motivos de movimientos anteriores
al igual que en la Novena de Beethoven.
La influencia de Wagner se aprecia a gran escala: gran longitud de sus sinfonías,

armonías exuberantes, y orquesta colosal. Su orquestación destaca por combinar y
oponer grupos de instrumentos mientras el órgano contrasta e improvisa.
Profundamente religioso, escribió música sacra que unía los recursos técnicos de la
música del siglo XIX con el concepto litúrgico de los textos sagrados y obtuvo
renombre internacional como virtuoso del órgano.
Bruckner diseñó su música sacra para que funcionase como parte de la liturgia o
como música de concierto.
4- HUGO WOLF doggy
Compositor austriaco (1860-1903), figura de transición hacia el s.xx, fue conocido por
adaptar al Lied alemán los métodos de Wagner. Aunque compuso varios géneros,
destacan sus 250 Lieder entre 1887 y 1897, componiendo hasta que quedó
incapacitado por la sífilis.
Publicó 5 colecciones de Lieder, cada una dedicada a un poeta o grupo de poetas. Al
concentrarse en estos poetas, creó un nuevo ideal de igualdad entre las palabras y la
música.
Aplicó al Lied el concepto wagneriano de obra de arte total y consiguió fusionar la
poesía y la música, sin subordinar ninguna de las dos.
Un buen ejemplo de su formulación es “Lebe wohl!”, donde la línea vocal se adapta
al estilo de Wagner y presenta un ritmo y melodía próximos al discurso. La
continuidad se mantiene más por la parte instrumental que por la voz.
En este lied transmite los sentimientos desesperados del personaje a través de
disonancias resueltas en otras disonancias, terminaciones de frase en acordes
disonantes y el uso del efecto denominado saturación cromática, entre otros
recursos.
5- RICHARD STRAUSS
Strauss (1864-1949) fue una figura dominante de la vida musical alemana y de
transición hacia el s.XX. Director de orquesta y compositor, es recordado
principalmente por sus poemas sinfónicos (la mayoría escritos antes de 1900), por
sus óperas y por sus Lieder.
Aunque influyó en ambos siglos, su música destacó en el siglo xx, específicamente en

la primera etapa, denominada período de experimentación (1900-1918),
caracterizado por una ruptura con el sistema tonal tradicional, la búsqueda de
nuevos enfoques compositivos y la revolución atonal.
Sus principales modelos de música de programa fueron Berlioz y Liszt. Se apoyó en la

orquestación colorida, en la transformación de los temas y en los tipos de programa,
algunos basados en literatura como Don Juan, Así habló Zarathustra (comentario
musical del poema de Nietzsche) y Don Quixote; mientras que otras obras se
basaban en experiencias personales. La música programática, donde ubicamos sus
poemas sinfónicos, abarca una amplia gama, desde representar acontecimientos
específicos hasta evocar ideas y estados emocionales.
Don Juan es la primera obra completa y madura de Strauss y su éxito consolidó su

reputación con apenas 20 años. En la música programática del siglo xix-xx, como en
la ópera, la sugestión de ideas ajenas a la música permite el uso de sonidos y formas
musicales nuevas, pero en la mayoría de los casos la música sigue teniendo sentido,
ya que presenta temas y motivos de un modo parecido a las formas de la música
anterior.
6- GUSTAV MAHLER
Mahler (1860-1911) fue el compositor austro-alemán de sinfonías más destacado,

después de Brahms y de Bruckner, y uno de los grandes maestros de la canción para
voz y orquesta. Se ganó la vida como director de orquesta, mientras que como
compositor terminó 9 sinfonías, dejó inacabada la 10ª y compuso 5 obras en varios
movimientos para voz y orquesta.
Heredó la tradición romántica de compositores como Berlioz o Wagner y la estirpe
vienesa de Haydn, Mozart o Beethoven; influyó en compositores como Schönberg o
Webern.
Fue compositor de canciones, utilizó las voces en cuatro de sus sinfonías, mientras
que otras de sus sinfonías incluyen melodías de su ciclo de doce canciones.
Amplió el concepto sinfónico de Beethoven;
1. sus sinfonías transmiten una sensación de experiencia vital, como si narrase
una historiar
2. Se apoyó en danzas folclóricas austriacas y las empleó para causar nostalgia.
3. Su instrumentación requiere un gran número de intérpretes.
4. Mahler fue uno de los primeros en ver la música como un arte no solo de
tonos, sino del sonido en sí.
5. Sus sinfonías llevaban a menudo un programa implícito. Música programática.
7) El mandarín maravilloso (Bartók)
Una vez Bartók había ganado una reputación como un destacado compositor de
música nueva en su natal Hungría y en el extranjero compuso su última y más grande
partitura escénica, el ballet de acción El mandarín maravilloso en 1918. Es una obra
que refleja la turbulencia y el caos de la Europa de posguerra en la que fue creada.
Bartók compuso esta obra durante un período de gran agitación social y política, y su
música captura perfectamente ese sentimiento de inquietud. La partitura está llena de
disonancias, ritmos asimétricos y contrastes extremos, lo que la hace una experiencia
auditiva impactante.
El mandarín maravilloso es la historia de tres hombres y una mujer que descubren no

tener dinero; los bribones le ordenan a la mujer que atraiga transeúntes a su habitación
para poder robarlos. Las primeras dos víctimas –un caballero de edad avanzada y un
estudiante- bailan con la mujer pero los mandan a volar porque tampoco tienen dinero.
La tercera persona que accede a los aposentos es el Mandarín, cuya extraña apariencia
repugna a la mujer. Tratando de sobreponerse de la desagradable impresión, ella baila
con él; cuando la abraza los compinches lo roban y pretenden matarlo. En un gran
sofoco lo apuñalan y tratan de ahorcarlo pero sin éxito; sólo después de que la mujer
ordene a los hombres que suelten al mandarín y le dejen satisfacerse sexualmente, al
momento del orgasmo sus heridas comienzan a sangrar y muere.
En resumen, "El mandarín maravilloso" es una obra maestra de la música del siglo XX
que combina una narrativa poderosa con una música innovadora y emotiva. Su
capacidad para evocar emociones profundas y su relevancia en el contexto histórico en
el que fue creada la convierten en una obra atemporal y universalmente relevante.
8- EL RETABLO DE MAESE PEDRO
El retablo de maese Pedro (1919-1923) es una obra para teatro de marionetas

compuesta por el compositor español Manuel de Falla.
Falla desarrolló un nacionalismo que rechazaba al mero exotismo; recopiló y arregló
canciones folclóricas tradicionales.
La obra fue compuesta para ser interpretada en los conciertos y representaciones
privadas que ofrecía en París la Princesa de Polignac, a quien está dedicada. Esta es
una de sus obras más importantes, basada en el capítulo XXVI de la Segunda Parte de
Don Quijote, obra del dramaturgo español Miguel de Cervantes.
La obra se estructura en un acto (con la participación de tres cantantes y

marionetas), que a su vez se divide en ocho breves fragmentos que se van
desarrollando sin interrupción. Combina elementos específicos nacionales con el
enfoque neoclásico de después de la Primera Guerra Mundial, resultando en una
música nacionalista, moderna y de más amplio alcance. Además, supone la primera
incursión del compositor en el neoclasicismo, corriente liderada por Stravinsky.
9- ERIK SATIE
Éric Alfred Leslie Satie (1866/1925) fue un compositor y pianista francés.

Precursor del minimalismo y el impresionismo, es considerado una figura
influyente en la historia de la música. Satie afirmaba que la música debía ser
simple, y un claro ejemplo de esto es las famosas pieza para piano:
Gymnopèdie, rompiendo con las nociones románticas de expresividad e
individualidad. Todas son ostentosamente sencillas y carentes de emoción,
utilizando el mismo tempo lento, el mismo esquema en el acompañamiento,
prácticamente el mismo ritmo melódico, así como similares armonías modales
y dinámicas desconcertantes.
Satie estaba en contra de los ideales de Wagner. Coetáneo de Debussy ,

influyendo enormemente el uno en el otro a la hora de componer. La mayoría
de sus obras surrealistas llevan comentarios simultáneos e indicaciones no
muy serias para el intérprete, del tipo «retira tu mano y métela en el bolsillo»,
«esto es maravilloso, siendo esto una sátira a las indicaciones escritas por
compositores de música programática.
Este compositor no tuvo mucho éxito en el conservatorio, sin embargo, a los

40 años de edad se inscribió en el Schola Cantorum, hecho que hizo que se
modificara su estilo compositivo. Tras estudiar en la Schola, su vida se aceleró,
formando parte de todas las corrientes vanguardistas que tuvieron lugar en
París. Una de sus mayores obras es su ballet realista, Parade, buscando
enfatizar el presente, usando objetos diaros, como silbatos o sirenas y
elementos del jazz
Claramente, Satie no sobresalió por crear obras maestras que obtuviesen un

lugar en la gran tradición; por el contrario, él estaba desafiando las bases
mismas de esa tradición.
10- INTONARUMORI
Los intonarumori o emisores de ruidos, enmarcados dentro de la música futurista

(italiana en su origen), fueron unas máquinas capaces, cada una de ellas, de producir
un tipo particular de ruido en un ámbito de al menos una octava y media. Fueron
ideadas por el pintor futurista Luigi Russolo, el cual las creó bajo el argumento de la
necesidad del mundo moderno de un nuevo tipo de música basada en el ruido, ya
que los sonidos musicales se habían quedado desfasados.
Compusieron piezas para estos instrumentos, solos o con instrumentos musicales
tradicionales, y fueron presentadas en concierto entre los años 1913 y 1921 en Italia,
Londres y París.
Ya que este tipo de música y de instrumentos se oponían a la arraigada tradición
musical clásica, la música futurista fue muy efímera, tanto es así que solo se conserva
algún fragmento de la música de Russolo y los intonarumori fueron destruidos
durante la 2ª Guerra Mundial.
11- PIERROT LUNAIRE
1. Ciclo Pierrot Lunaire, compuesto en 1912. Este ciclo está formado por 21
canciones extraídas de un ciclo poético mucho más extenso. Schmberg puso
música al texto para voz femenina y un grupo de cámara de 5 miembros, que
tocan 9 instrumentos en total, con una combinación de instrumentos distinta
en cada movimiento.
2. La voz es hablada ,Sprechstimme , acercándose a los tonos escritos con el
tono del discurso, siguiendo con exactitud el ritmo escrito. Los tonos inexactos
generan una atmósfera fantasmagórica que necesita el texto.
3. En estas canciones Schönberg usa muchos elementos tradicionales, tanto en
el uso de sonoridades cercanas a la música tonal, así como con el uso de
formas y géneros tradicionales (vals, serenata, aria sobre bajo continuo) en
algunas canciones del ciclo.
4. Una canción destacable de este ciclo sería la 8º, Nacht (noche), es un
passacaglia aunque un poco inusual ya que el motivo unificador aparece
durante todo el movimiento, tratado en ocasiones como un canon.
12- SERIE DODECAFÓNICA

dodecafónico
La serie dodecafónica consiste en el uso de los 12 tonos cromáticos, dispuestos en un
orden escogido por el compositor y que dan lugar a una secuencia particular de
intervalos. Los tonos de esta serie pueden usarse tanto sucesivamente, a modo de
melodía, como simultáneamente, a modo de armonía/contrapunto, en cualquier
octava y ritmo.
Cada serie puede usarse en su forma original o primaria, así como en inversión, en
orden retrógrado (hacia atrás) y en inversión retrógrada. Esto se aplica a cualquiera
de las 12 transcripciones posibles de cualquiera de las cuatro formas nombradas
anteriormente.
13- WOZZECK
1. Wozzeck, una ópera compuesta por Berg y que se divide en 3 actos. Esta es
una opera expresionista, cuyo libreto arreglo el propio Berg, y donde se
presenta al soldado Wozzeck, victima de un cruel enterno, despreciado por
sus compañeros, traicionado en el amor, cobaya de experimentos medicos
que lo llevan al suicidio
2. Esta obra es atonal pero no dodecafónica y hay breves interludios orquestales
entre los cambios de escena
3. Organiza la música mediante el uso de leitmotivs e identificando distintos
tonos con los protagonistas
4. En el primer acto se presenta una suite barroca de 5 movimimeintos, en el
segundo acto una sinfonia de 5 moivmientos.
5. Durante el tercer acto se presentan seis invenciones sobre distintos
elementos para reflejar la obsesión de Wozzeck, siendo la más destacable la
invención sobre una tonalidad
14- ANTON WEBERN
Anton Webern comenzó a recibir clases de Schonberg en la misma época que Berg.
Este concibió el sistema dodecafónico de su profesor como “el camino de la nueva
música”, y que era el resultado de toda la evolución de la música al combinar las
doce notas cromáticas, uso de la dimensión melodica y armonica y por combinar
formas clásicas con procedimientos polifónicos.
Este tenía una confianza total en este método a pesar de la oposición tanto de
intérpretes como oyentes.
Concibió a los músicos como un investigador que realiza nuevos descubrimientos,
contrastando claramente con la concepción del músico que busca satisfacer al
público
Este buscaba componer música profundamente expresiva y a la vez extremadamente
concentrada, siendo sus piezas bastantes breves pero cargadas de detalles, como
consecuencia, toda su obra musical dura menos de 4 horas.
15- LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA

La consagración de la primavera es un ballet escrito por el compositor nacionalista
ruso Igor Stravinsky, Stravinsky compuso este ballet en el primer periodo de su
producción, llamado periodo ruso
Basada en una “leyenda” de la Rusia prehistórica donde una muchacha es elegida
para ser sacrificada, teniendo que bailar hasta la muerte, logrando stravinsky crear
un “carácter primitivo” para reflejar a la perfección que está basada en una historia
prehistórica
Muchas de las características del idioma maduro se aprecian en esta primera escena.
Aun con la irregularidad de los compases, cada pulso de los dos primeros compases
se interpreta con la misma fuerza, rompiendo la jerarquía de partes fuertes y débiles
del compás, desorientando al oyente pero sigue siendo concebida para el ballet
Durante esta obra no hay desarrollo de motivos o temas, sino que los repetía o
variaba de forma impredecible
Esta obra el día del estreno fue un fracaso, rechazada por el público, teniendo el
mismo Stravinsky que salir de la sala, aunque más adelante se convirtió en una de las
piezas más interpretadas en su época

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CONTEXTO SIGLO XIX

1. Los habituales cuartetos de cuerda se comenzaron a ampliar a finales del

3. Sinfonía nº 9 en do mayor “La grande”, D. 944 (mov. I, hasta el minuto

5. Durante el romanticismo, en la primera mitad del siglo XIX , debido a diversos

1. Giuseppe Verdi (1813-1901) fue la figura dominante de la música italiana tras

5. Preludio del acto I de Tristán e Isolda de Wagner

1. Richard Wagner (1813-1883) fue un compositor alemán, que destacó en la

1. Esta audición pertenece al preludio del primer acto de Tristán e Isolda de

6. “Liebestod” [Muerte de amor] de Tristán e Isolda de Wagner

1. Esta audición pertenece al trágico final, denominado muerte de amor de

7. Les préludes (poema sinfónico) de Franz Liszt

1. Johannes Brahms (1833-1897) maduro como músico en un entorno donde

1. La clásica formación de cuarteto de cuerdas con dos violines, una viola y un

1. Johannes Brahms (1833-1897) maduro como músico en un entorno donde

14. “Wie Melodien zieht es mir”, op. 105 nº 1 de Brahms

1. Johannes Brahms (1833-1897) maduro como músico en un entorno donde

1. Durante el romanticismo el número de orquestas se multiplicó por cien,

1. Esta audición pertenece al primer movimiento del concierto para violonchelo

16. El Moldava de Bedřich Smetana https://www.youtube.com/watch?

1. Bedrich Smetana (1824-1884) fue un compositor y director del teatro nacional

17. Capricho español de Rimsky-Korsakov https://www.youtube.com/watch?

Esta audición pertenece al capricho español de Korsakov, compuesta en 1887. Esta

18. “Escena de la coronación” del Boris Godunov de Mussorgsky

20. Concierto para violín y orquesta nº 2 en re menor, op. 22 de Henryk Wieniawski

Durante el siglo XX hay gran cantidad de innovaciones tecnológicas, como la

1. “Jokanaan ich bin verliebt an deinen Leib” [¡Jokanaan! Estoy enamorada de tu

(Versión con subtítulos en castellano: del minuto 24’23’’ al 32’37’’)

1. El poema sinfónico fue inventado por Liszt. Franz compuso “Poemas

1. Maurice Ravel (1875-1937), fue un compositor francés y al igual que Debussy,

4. “Nacht”, no. 8 de Pierrot lunaire, op. 21 de Arnold Schoenberg

Arnold Schoenberg (1874-1951) fue un compositor alemán, cuyo objetivo era

5. Variaciones para orquesta, op. 31 (Introducción y tema) de A. Schoenberg

Arnold Schoenberg (1874-1951) fue un compositor alemán, cuyo objetivo era

Esta audición pertenece a Variaciones para orquesta Op.31 de Schoenberg, a la

Esta audición pertenece a las variaciones para piano de Webern, en concreto al 2

(del minuto 01’36’’ al 02’10’’)

1. Esta audición pertenece a la “Danza de los adolescentes” de la consagración

1. Esta audición pertenece al 3 movimiento de la “Música para cuerdas,

Anton Bruckner (1824-1896), conocido como “El sinfonista wagneriano”, asimiló el

Bruckner consideraba la Novena Sinfonía de Beethoven como un modelo a seguir,

La influencia de Wagner se aprecia a gran escala: gran longitud de sus sinfonías,

4- HUGO WOLF doggy

Aunque influyó en ambos siglos, su música destacó en el siglo xx, específicamente en

Sus principales modelos de música de programa fueron Berlioz y Liszt. Se apoyó en la

Don Juan es la primera obra completa y madura de Strauss y su éxito consolidó su

Mahler (1860-1911) fue el compositor austro-alemán de sinfonías más destacado,

7) El mandarín maravilloso (Bartók)

El mandarín maravilloso es la historia de tres hombres y una mujer que descubren no

8- EL RETABLO DE MAESE PEDRO

El retablo de maese Pedro (1919-1923) es una obra para teatro de marionetas

La obra se estructura en un acto (con la participación de tres cantantes y

Éric Alfred Leslie Satie (1866/1925) fue un compositor y pianista francés.

Satie estaba en contra de los ideales de Wagner. Coetáneo de Debussy ,

Este compositor no tuvo mucho éxito en el conservatorio, sin embargo, a los

Claramente, Satie no sobresalió por crear obras maestras que obtuviesen un

Los intonarumori o emisores de ruidos, enmarcados dentro de la música futurista

11- PIERROT LUNAIRE

12- SERIE DODECAFÓNICA

14- ANTON WEBERN

15- LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA