LA MÚSICA DEL

CLASICISMO
1.INTRODUCCIÓN

ÍNDICE:

-Definición y cronología
-Contexto histórico
-Contexto cultural
-Contexto artístico
 DEFINICIÓN Y CRONOLOGÍA

El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el

Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de
J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que
marca la transición de la Edad Moderna a la Edad Contemporánea.

El clasicismo es también el estilo musical de los 3 grandes maestros vieneses;

Haydn, Mozart y Beethoven.

Viena 1780
 CONTEXTO HISTÓRICO
Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder
político y económico, lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y
de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de
acontecimientos históricos importantes y reformas sociales que darán lugar a
violentos movimientos de masas, destacando entre ellos "La Revolución
Francesa" de 1789, hecho que romperá con las monarquías absolutas.

El lema revolucionario
de "Libertad, Igualdad
y Fraternidad" será
llevado a todos los
contextos, también al
de la música.

E. Delacroix, La Libertad
guiando al pueblo,1830
 CONTEXTO CULTURAL
El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido
por la burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La
Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias
capas de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se le
denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la Revolución Francesa.

Diderot D’Alembert

L'Encyclopédie ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts

et des métiers es una enciclopedia francesa editada entre los
años 1751 y 1772 en Francia bajo la dirección de Denis Diderot y
Jean d’Alembert. Es considerada una de las más grandes obras
del siglo XVIII, no sólo por ser la primera enciclopedia francesa,
sino también por contener la síntesis de los principales
conocimientos de la época, en un esfuerzo editorial considerable
para su tiempo.
Los músicos, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por
apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas
y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las obligaciones
de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una
mayor independencia creativa pero contando con el reto de tener que
depender del público para rentabilizar sus ingresos.

La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para

desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
 CONTEXTO ARTÍSTICO
En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica
grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza
(dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes
se conoce a este periodo como "Neoclasicismo".

No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos
porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la
belleza y la perfección formal.

Entre los precursores de la música de este

periodo podemos nombrar a dos de los hijos
de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero
los tres compositores que se van a
convertir en las grandes figuras de este
periodo son Haydn, Mozart y Beethoven,
que trabajarán en Viena, ya que ésta es
considerada la ciudad más importante
Estatua de Mozart
dentro del contexto musical. en un parque de Viena
 2. LA MÚSICA
RELIGIOSA
La música religiosa va a estar en declive en esta época, ya que tanto la
música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más
solicitados por el público en general.

En este terreno musical no cabe señalar grandes cambios musicales

respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos
géneros, dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial
que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.
 EL RÉQUIEM
El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia
católica. Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se
prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.

En este género, podemos destacar "El Réquiem

de Mozart“, obra maestra de la música clásica.
Esta obra, según una leyenda, le fue encargada
por un desconocido. Mozart, que ya estaba muy
enfermo, creyó que se trataba de un encargo del
“más allá” para su propio funeral y murió componiendo la séptima parte de la obra
que lleva por título Lacrimosa.
Esta parte termina con la palabra Amén,
palabra que se utilizaba al final de la misa, algo
extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le
quedaba la mitad del réquiem por componer.

La obra sería completada, siguiendo las

instrucciones que el compositor dejó escritas,
por su alumno Süsmayr.
Manuscrito Mozart: el Lacrimosa
3. LA ÓPERA SERIA
El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el
género operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos
aristocráticos, experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se
eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y
acercamiento del argumento al público.

Además, los teatros se

multiplicaron, el público
aumentó bastante y los
compositores encontraron
en la ópera una de las
formas favoritas de
expresión.
A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había
alcanzado una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas
mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender, los cantantes
se inventaban partes enteras debido a la complejidad de las arias,... Esto hacía
que el público cada vez estuviese más descontento con este tipo de ópera.

En 1752 se produjo un cambio, ya que una

compañía ambulante de ópera se instaló
en París y presentó la famosa ópera bufa
de Pergolessi "La serva padrona". Su
éxito fue muy grande, hasta tal punto
que se crearon dos bandos, uno que va a
defender este tipo de ópera y otro que
va a estar en contra.

A este enfrentamiento se le conoce como

"La querella de los bufones".
 “LA QUERELLA DE LOS BUFONES”
En un lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria
francesa, mucho más elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de
frívola y superficial. Encabezaba este grupo Rameau. En el otro bando,
estaban los defensores de la nueva ópera bufa que había llegado desde
Italia, la cual consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del
Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de entender para
todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos al
pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de
este grupo estaba Rousseau y algunos otros enciclopedistas.

Rameau

Rousseau
 W.C. GLUCK
En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck,
que buscó la reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma
de la ópera seria para que se acercase más a lo que el público pedía.
En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios
de la reforma que la ópera seria debía adoptar, que se resumen en
los siguientes puntos:

 Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado

la ópera seria.

 Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y
los recitativos más expresivos.

 El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos

fantásticos y artificiales de Barroco.

 La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.

Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa.

4. LA ÓPERA BUFA
A finales del Barroco y principios del Clasicismo, la ópera bufa va a
ganar importancia gracias, sobre todo a la llegada de la burguesía al
poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos cómicos entre
los diferentes actos de las óperas serias. Estos fragmentos se fueron
desarrollando y acabaron independizándose, dando lugar a un género
nuevo llamado ópera bufa.

Esta ópera se convirtió pronto en el

género preferido del público, que
tomará el modelo de “la Serva Padrona”
de Pergolesi y alcanzará su máximo
esplendor en las óperas de W.A.
Mozart. A pesar de utilizar las mismas
características musicales que la ópera
seria, la ópera bufa contaba con algunas
particularidades.
CARACTERÍSTICAS DE LA ÓPERA BUFA

 Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter

cómico y en ocasiones sentimental.

 Utiliza el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por

partes habladas.
 Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más
habituales.
 En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de
forma que la tensión iba en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al
final.
 El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandilocuencias.

Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria.
Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de
entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales
 OBRAS
Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de
este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro)
como en Alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a toda Europa.
En Alemania se denominó Singspiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.

Singspiel en Alemania
Ópera bufa en Italia

Ópera Cómique en Francia

 5. LA MÚSICA
INSTRUMENTAL
En el Clasicismo la música instrumental continúa su camino independiente
de la vocal, acentuándose sus diferencias. Es la época dorada de la música
absoluta, música sin referencias externas, cuyo interés reside únicamente
en sí misma: en la belleza y variedad de sus melodías, los contrastes de
carácter, la creación de tensión musical y su forma de resolución, la
variedad de su textura y ritmo, etc.

La música instrumental del Clasicismo va a girar en torno a dos

agrupaciones:

 La música de Cámara

 La música de Orquesta
 LA MÚSICA DE CÁMARA
Llamamos así a la música compuesta para un reducido grupo de instrumentos, en
contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que
ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento.
A esas habitaciones, no muy grandes, se les llamaba cámaras.

Relegada hasta entonces a los salones de la

aristocracia, la música de cámara comenzará
poco a poco a difundirse en pequeñas salas de
concierto y en casas particulares. Esto viene
provocado por el acceso de la burguesía a la
práctica instrumental y a los conocimientos
musicales y también porque económicamente una
agrupación de cámara era mucho más rentable que
una orquesta.

Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera
ser interpretada por aficionados.
Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la
guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo),…; pero sin
duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron en favoritas fueron el
cuarteto de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a
esos instrumentos del cuarteto un instrumento de viento).

Cuarteto de cuerda interpretado

en una casa privada.
Cuarteto: 2 violines, viola y violonchelo.
 LA MÚSICA DE ORQUESTA
Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los
medios de expresión más utilizados por los compositores.

La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las posibilidades

económicas y de la disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las orquestas poco
a poco se fueron uniformizando, de manera que hacia finales del siglo XVIII ya
podemos hablar de un modelo de orquesta clásica con una sección de cuerda (violines,
violas, violonchelos y contrabajos), una de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagots,
trompas,…) y una de percusión (timbales, platillos,…)
 En esta concreción de la orquesta hubo un personaje que influye en gran medida:
Johann Stamitz. Este hombre fue promotor y director de “La Escuela de
Mannheim”, una escuela de música situada en esa localidad alemana que en su
época contó con la mejor orquesta del mundo.

Dentro de las novedades que Stamitz introduce en el

mundo de la orquesta podemos destacar las siguientes:
 Disciplina en el estudio: a su orquesta se le
conocía con el sobrenombre de “Ejército de
generales”
 Trabajo por secciones instrumentales: antes de
comenzar con los ensayos generales.
 Búsqueda y desarrollo del color orquestal: la
orquesta se debe comportar como un solo
Johann Stamitz instrumento, no como un conjunto de instrumentos.
 Incorporación de nuevos recursos que aumentan las posibilidades tímbricas de
la orquesta como el Crescendo y el Diminuendo.

Muchas de estas y otras innovaciones que Stamitz introduce en el mundo de la

orquesta siguen vigentes hoy en día.
 6. LAS FORMAS
MUSICALES
Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables formas
musicales, que adaptaban a las necesidades de sus pedidos o a sus gustos.
Algunas formas que destacaron fueron el divertimento, la serenata o la
casación. Sin embargo, las tres formas más importantes de la época fueron: la
sonata, la sinfonía y el concierto para instrumento solista y orquesta.

Serenata Don Giovanni

(Mozart) El divertimento en el siglo XVIII estaba compuesto
para pequeñas agrupaciones.
 LA SONATA
Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el
Clasicismo en el principal modelo de composición para la música instrumental de la
época. Se trata de una obra musical compuesta para teclado solista o para otro
instrumento con acompañamiento de teclado.

La sonata consta de cuatro partes denominadas movimientos. Cada uno de esos

movimientos se distingue por su tempo y por su estructura, distinta de los demás.

1. Rápido (Allegro). En la tonalidad principal

2. Lento (Andante o largo). En una tonalidad vecina.

3. Ligero (suele ser un Minueto). Tonalidad libre.

4. Rápido (Allegro o presto).Tono principal.

 LA SINFONÍA
Podemos decir que es una sonata construida para una orquesta completa
aunque de manera más compleja. Tenía, en principio, tres partes o movimientos
que luego se convertirán en cuatro. Se considera a Haydn como el compositor
que dio la forma definitiva a este género, aunque los músicos de la Escuela de
Manheim también desarrollaron este género en gran medida.
Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran
concebidas para interpretar sinfonías.
Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito.
Por eso hablamos de la 5º sinfonía de Beethoven o la 83 de Haydn. Muchas de
ellas también tienen un sobrenombre; por ejemplo, la tercera de Beethoven se
conoce como “La Heroica” y la 101 de Haydn se conoce como la “Sinfonía del
reloj”.
Entre los mejores compositores de sinfonías podemos nombrar:
• Haydn: que compuso más de 100.
• Mozart: que compuso 41.
• Beethoven: que creó 9 sinfonías.
 CONCIERTO PARA INSTRUMENTO
SOLISTA Y ORQUESTA

Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y

toda la orquesta. Generalmente, la forma del concierto es la misma que la de la
sinfonía pero prescinde del tercer movimiento. Este tipo de obras se convirtió
en uno de los favoritos de los compositores del Clasicismo, ya que va a aunar en
una sólo forma los nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y
novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.

En un principio, el instrumento que más

utilizaban los compositores para
realizar el papel de solista era el
violín. Sin embargo, poco a poco se
fueron escribiendo conciertos para
otros instrumentos (violonchelo, flauta
travesera, trompeta, clarinete).
7.LOS INSTRUMENTOS
 Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios
notables. Si bien la mayoría ya existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian
y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la
época: así, los de viento aumentan el número de agujeros y llaves para adaptarse
a las tonalidades con muchas alteraciones.

Algunos instrumentos que surgen en este periodo son el pianoforte, el

arpegione, el clarinete, mientras pierden vigencia casi hasta su extinción la
viola de gamba, el clave, la flauta dulce (que volverá a renacer en el siglo XX)
y el laúd. entre otros. También hay instrumentos que alcanzan la madurez en
este periodo como el fagot, óboe y el contrabajo.

SURGEN:

Arpeggione
Clarinete

Pianoforte
VAN CAYENDO EN DESUSO:

Viola de gamba Clave

Laúd
Flauta dulce

ALCANZAN SU MADUREZ:

Fagot Contrabajo

Oboe
 Otro instrumento musical de esta época es la Celesta: de composición
similar al piano pero cuyos martillos activados por teclas percuten placas de
metal en lugar de cuerdas tensas. Estas placas al ser percutidas provocan una
resonancia sobre una caja de madera destinada a este fin, produciendo un
sonido muy dulce y bello.

Celesta

 Una de las grandes aportaciones del Clasicismo

fue la mejora e incorporación del clarinete a la
orquesta. Este instrumento de viento fascinó a
Mozart, que compuso para él uno de sus más
bellos conciertos.
8.LA DANZA CLÁSICA
 A finales del siglo XVIII se van a producir una serie de cambios muy
importantes para la evolución de la danza. Uno de ellos fue el acceso de las
mujeres a los ballets oficiales.

 Hasta ese momento sólo se permitía bailar a las mujeres en las fiestas
cortesanas. En las representaciones teatrales y operísticas los papeles
femeninos eran asumidos por hombres vestidos de mujer.

 Otro aspecto destacable fue que la danza se independizó de la ópera. A

partir de entonces, el ballet puso en escena una historia concreta, con ayuda
de música pero sin ayuda de cantantes que la explicasen.
 La danza del Clasicismo se irá complicando hasta convertirse en un arte
difícil y riguroso. Los bailarines tienen que realizar una serie de
movimientos complejos para los que necesitarán una gran especialización.
Nacerán así los bailarines profesionales, que dedicarán su vida al ballet.
Es lo que ha llegado hasta nuestros días como la Danza Clásica.

 En los salones de la nobleza francesa, se seguirán

realizando danzas de nobles, procedentes del barroco.
Estas danzas tendrán un carácter delicado, elegante y fino
al “estilo francés”, gracias a la influencia francesa, patente
en toda Europa
 9.PRINCIPALES
AUTORES CLÁSICOS
En el Clasicismo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica
grecorromana, basados sobre todo en el equilibrio, la sencillez y la
belleza. En lo referente a la música, los compositores también buscan
la belleza y la perfección formal. Entre ellos cabe destacar a tres:

 Joseph Haydn

 Wolfgang Amadeus Mozart

 Ludwig van Beethoven

que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más

importante dentro del contexto musical (La Primera Escuela de Viena).
 LUDWIG VAN BEETHOVEN
(1770-1827) Alemania

 Beethoven es un compositor alemán que nació en el

año 1770 en Bonn. Creció en el seno de una familia de
origen flamenco. Su padre, ante las cualidades para la
música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó
hacer de él un 2º Mozart, aunque con escaso éxito.

 La verdadera vocación musical de Beethoven no

comenzó hasta 1779, con el organista C.Gottlob Neefe,
quien se convirtió en su maestro. Él le introdujo en el estudio de Bach, músico al
que Beethoven siempre
. profesaría una gran devoción. Miembro de la orquesta de
la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer
viaje a Viena para recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y
posterior muerte de su madre le obligaron a regresar a Bonn pocos después.

 En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con

Haydn y Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto
que tuvo lugar en 1795 con gran éxito
 Su carrera como intérprete quedó Obras:
bruscamente interrumpida por la sordera • Hasta 1800, siguiendo a Haydn y
que comenzó a afectarle a partir de 1796 Mozart: Septimio y los dos primeros
y que desde 1815 le privó por completo conciertos para piano.
de la facultad auditiva. • De 1801 a 1814, periodo de
 Los últimos años de la vida de madurez: ópera Fidelio, ocho primeras
Beethoven estuvieron marcados por la sinfonías, tres últimos conciertos para
soledad y una progresiva introspección. piano y Concierto para violín.
Finalmente, falleció en el año 1827. • Hasta su muerte, obras muy
innovadoras: Sinfonía nº 9, Missa
solemnis, y los últimos cuartetos de
cuerda y sonatas. Su estilo sinfónico
influyó posteriormente.

Era perfeccionista e hizo múltiples

correcciones de sus manuscritos.
 FRANZ JOSEPH HAYDN
(1732-1809) Austria
 Compositor austríaco y una de las figuras claves del
Clasicismo. Se le considera el padre de la sinfonía, la
sonata y el cuarteto de cuerdas, porque desarrolló
estas formas con éxito.

 De origen humilde, estudió música con un pariente y

luego en Viena. Después tomó clases con Porpora, que le
acercó la obra de Gluck.

 Su mejor amigo fue el joven prodigio Mozart.

 Fue profesor de Beethoven, pero no llegaron a entenderse. Su talento maduró con el

tiempo y fue modelo de la evolución del lenguaje artístico. Su música se caracterizó
por su buen humor y astucia. También creó pasajes de estimable profundidad.

 La muerte de Haydn se produjo a los 77 años de edad, el 31 de mayo del año 1809,
en tanto, para ese tiempo, su figura era una de las más célebres de Europa en
términos musicales.
 El amplio catálogo de sus obras abarca 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda,
47 sonatas para piano, 26 óperas, algunas misas y un Stabat Mater.

 Entre sus obras más conocidas están La Creación, las Estaciones, la misa Nelson
o la sinfonía de los juguetes.
 WOLFANG AMADEUS MOZART
(1756-1791) Austria
 Compositor austríaco considerado el más grande genio de la música de todos los
tiempos. Con su corta vida, de sólo 35 años, cultivó con excelencia todos los
géneros, desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y la
música de cámara.
 Las dotes musicales de Mozart fueron
descubiertas por su propio padre, quien se
encargó de su educación musical. Fue un niño
prodigio que a los cuatro años ya era capaz
de interpretar al clave melodías sencillas y
de componer pequeñas piezas.

 En 1763 inició una gira europea; en París descubrió la ópera francesa y en

Londres frecuentó a Bach, de quien asimiló el equilibrio entre las escuelas italiana y
alemana. Del Padre Martini aprendió la técnica del contrapunto y de la fuga.
 En 1779 entró al servicio del arzobispo de Salzburgo, componiendo sobre todo
música religiosa como la Misa de la Coronación y otras importantes obras como
Concierto para piano en Mi bemol.
 El conocimiento de las obras de Haydn y de Johann Sebastian Bach, el estudio
de la fuga, la técnica contrapuntística y los oratorios determinan la madurez del
estilo de Mozart. Se estableció definitivamente en Viena donde compuso las
óperas El rapto del Serrallo (1782), Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni
(1787) Cosi fan tutte (1790) y La flauta mágica (1791); las sinfonías Haffner
(1782), Linz (1783), Praga (1786) y Júpiter (1788); la Pequeña serenata
nocturna (1787) y el Concierto para clarinete (1791). Pese a ello, su situación
económica se hizo precaria y acabó su vida prácticamente en la miseria. Su
última obra, Réquiem (1791) fue concluida después de su muerte por sus
discípulos.

LAS BODAS
DE FÍGARO

Libreto del estreno en 1786

 El 20 de noviembre de 1791, Mozart, quien según sus biógrafos padecía
problemas mentales, se ve obligado a guardar cama, debido a una dolorosa
hinchazón en los brazos y las piernas. Al cabo de 15 días, la vida de Amadeus
se extinguió.

Wolfang Amadeus Mozart Tumba de Mozart en Viena