Elementos morfológicos de la imagen

Michelle Andrea López

Comunicación y Cultura
33220032
Título: Laocoonte y sus hijos
Medidas: 2,42 m
Autores: Agesandro, Polidoro y Atenodoro
Estilo: Probablemente Helenístico
Localización actual: La obra que fue descubierta en 1506 y acabada su
restauración por Bernini, se encuentra en los Museos Vaticanos.
Tipología: Grupo escultórico.

Laocoonte y sus hijos intentan liberarse del ataque de las serpientes

marinas que les han enviado los dioses. El grupo escultórico está
formado por tres figuras: la gran figura de Laocoonte con una pierna
adelante y la otra atrás como si fuera a levantarse; se destaca así la idea
de esfuerzo y tensión mientras lucha por desenroscar las serpientes que
atenazan los cuerpos de sus hijos, sujetando su cabeza intentando evitar
que el animal muerda. Al igual se observa que el personaje de la izquierda
parece ya desvanecido, mientras que el de la derecha levanta el brazo y
tiene aspecto de pánico.
• Signo y tipos de signo:
La imagen personifica una obra destacada entre la historia del arte
helenístico, lo cual, resulta complejo identificarlo o saber de qué trata a
plena vista, por que no todas las personas poseen un conocimiento
extenso de temas como las diferentes épocas pasadas.

En este caso, la imagen representa la obra llamada “El Laocoonte” la

cual fue descubierta en el siglo XVI, en los terrenos donde estuvo
situado una villa de Nerón, se cree, que la escultura tuvo una función
decorativa en la villa del emperador, y simplemente se dedica a narra la
escena de la Eneida, sin que se derive ningún otro significado
metafórico del relato virgiliano.
✓ Colores: El color que aquí se representa es el del mármol con
contextura pálida, característico de la visión de lo que se cómo una
escultura.

✓ Gestos: Son otra característica base para entender que fue lo que paso
en el momento en que se plasmó. Aquí se evidencia sentimientos de
tortura, desolación e intranquilidad, que hacen que refleje que el
momento en sí, no era muy bueno.

✓ Animal: Serpiente: En este caso, la serpiente tiene un significado de

pecado, peligro y así mismo de muerte, al ver que, entre ella, los
personajes han perdido sus brazos.

✓ Físico o caracterización de los personajes: Acá es importante

observar cómo y de qué forma están los personajes para lograr
identificar la escena de la obra, en este caso, están desnudos, lo que
ejemplifica junto con el modo de la forma del peinado; una acción y
una cultura identitaria.

✓ Los efectos de luz y sombra: La luz incide especialmente en

Laocoonte y menos en su hijo menor y en las ondulantes serpientes,
creando mayor tensión en el centro de la escultura.
• Comunicación directa: Significado y significante:

-Significado: Se emplea un significado religioso, simbolizando la lucha

entre los hombres y la voluntad de los dioses dispuestos al castigo ante
la libre acción de los hombres. Lo inexorable del destino. Al igual, las
serpientes tan frecuentes en la iconografía y en la religión simbolizan
peligro o la muerte.

-Significante: Obra de carácter Helenístico - Laocoonte y sus hijos.

•Rasgos indíciales: Aquella escultura transmite información sobre la
mitología griega donde el fuerte es la expresividad hasta llegar al
patetismo y lo dramático, con composiciones dinámicas de líneas
sinuosas como características propias del Helenismo y posteriormente
del Barroco.

•Mensaje mediatizado: Esto impacta en el espectador mediante la

empatía emocional y las características de lo barroco que contrasta con
el arte más racional del clasicismo. Es decir, que la obra de arte en este
sentido expresa más claramente su deseo de trascendencia, un deseo
originariamente humano, que podemos encontrar en nosotros y que se
refleja en la obra de arte que ha conseguido el uso valioso del momento
fértil.
• Narrativa icónica:
✓ Estilo: Es una imagen cinética ya que es una escultura abstracta que emplea
las respectivas fuentes físicas de movimiento.

✓ Movimiento: En primer lugar, el encuadre es en forma de pirámide.

También hacen presencia unas líneas dominantes: La diagonal de Laocoonte
del pie al brazo. Contrarrestan esa diagonal:
- La flexión del brazo derecho.
- El giro de la cabeza en el mismo sentido que el brazo.
- Las líneas ondulantes de las serpientes.
Las figuras laterales se abren en forma de otras diagonales una hacia atrás en
el mismo sentido que el padre y otra para contrarrestar en sentido contrario
hacia adelante. De esta manera se establece un equilibrio compositivo. Así
mismo, se produce un contraste entre los cuerpos de los hijos: uno ya
desfallecido se vence hacia atrás, mientras que el otro se lanza hacia adelante
luchando aún con las serpientes. Al igual, las líneas sinuosas curvas y
contracurvas de las serpientes enlazan y rodean a los personajes creando la
unidad del drama y también sentido del espacio centrípeto.

✓ Proceso: En la escultura se dimensiona el movimiento dentro de la imagen

fija, ya que es solo la demostración de un suceso de tensión, que
respectivamente tiene consigo una alteración de sentimientos.
✓ Síntesis narrativa: Hay dos versiones identitarias de la escultura: Una
versión viene de una tragedia perdida de Sófocles, donde Apolo castiga a
su sacerdote porque éste había profanado el honor sacerdotal casándose y
procreando a dos hijos. Además, ha profanado el templo del Apolo
timbraíco acostándose con su esposa allí. Esto enfadó tanto a Apolo que
envió las serpientes mortales del mar.

La segunda versión, mucho más conocida, es la de Virgilio en el segundo

canto de la Eneida y fue también descrito en las Fábulas de Hygin. Según
esta versión Laocoonte estaba junto con los troyanos al lado del mar y vio
que los griegos no habían dejado nada salvo un caballo de madera. Avisó
a su gente con palabras insistentes, entre otras la famosa frase “Quídquid
id ést, timeó Danaós et dóna feréntes”. Mientras el habla de Laocoonte,
Atenea envía las dos serpientes marinas que ahogan a Laocoonte y a sus
hijos. Después, los griegos invaden la ciudad y esta cae en sus manos y va
a ser destruida. Porque, según el mito, los dioses del Olimpo habían
tomado partido en la guerra de Troya; Apolo apoyó a los troyanos y su
hermana Atenea a los griegos. Después las serpientes desaparecieron en el
templo de Atenea, lo que interpretaron los troyanos como una señal de su
victoria sobre los griegos. Virgilio usa este medio literario para mostrar la
obcecación de los troyanos ebrios por la victoria aparente.
✓ Proceso: Los elementos que la imagen emplea son característicos de
una época a examinar para conocer la procedencia de la obra.

✓ Selección: La imagen referencia un momento identitario de una

época que abarca diversidad de cuestiones como los mitos,
pensamientos y creencias que hacen parte del relato de lo que pasa en
ese suceso impuesto en la escultura.
• Proporción Áurea /Divina Proporción / Número áureo:
Si se hace el arco, se logra evidenciar que el punto de referencia es lo
que queda del brazo de uno de los hijos de Laocoonte, de lo cual se
puede inferir que, este es uno de los puntos bases para observar a fondo
la imagen, y entender los brazos incompletos como el punto de impacto
de la escultura.
•Color y forma:

Por un lado, el color manifiesta la interacción entre la luz y la materia

creando una creación de espacio tridimensional, es decir que, se
evidencia una claridad de matiz con valor tonal, entre lo claro y lo
oscuro resaltando cada uno de los contornos de la figura y es así que se
logra captar con más centro de atención en ella, pues su color infiere una
estructura rítmica que se encuentra en movimiento acompañado de
sentimientos de tristeza, dinamismo, sumisión, una referencia no
estática, pero si una perspectiva cromática.

Así mismo su forma identifica el fácil reconocimiento del animal que

allí se encuentra, a la vez se reconoce a simple visita que quienes se
encuentran allí son personas, por la estructuración de cada uno de los
cuerpos, pero, de por sí, también debe verse esta cuestión desde otra
perspectiva, como es la de la forma tan alargada y extensa del animal, lo
que posiblemente logre confundirse con un enredijo de sabanas, al igual
que es fácil reconocer que son personas las que están allí, pero como tal
no se sabe verídicamente y con certeza quienes son.
 Puntos de
Puntos de fuga
atención

•Punto:
Lo primero que se puede decir de esta imagen con respecto al punto, es
que aquí se evidencia la presencia de lo que son los puntos implícitos
los cuales no tienen una presencia figural en la composición pero que
desempeñan en ésta un papel importante como estímulos de conducta,
por lo que se observan a detalle el centro geométrico como el personaje
del centro, dimensionando el impacto de sentimiento de toda la escena
en él. Por otro lado, los puntos de fuga resultan siendo la línea que
dirige a la observación e interpretación de la imagen, y por ultimo los
puntos de atención son aquellos elementos que dan a plena vista una
simulación de lo que puede estar sucediendo.
•Líneas:

En esta cuestión hacen parte diferentes tipos de líneas como lo son:

1. Las líneas aisladas: Creando dinamismo y el ritmo sinuoso y envolvente.
1.2 La línea curva en la apariencia del animal que ahí se encuentra.

1.3 La línea recta, abarcando como tal también:

1.3.1 Línea Vertical: Representando la línea para llegar al objeto a
observar.
1.3.2 Línea Horizontal: Bases de la escultura
1.3.3 Línea Quebrada: Connotan un movimiento discontinuo,
dinamizando la composición.

2. Línea Figural: Hace presencia las líneas de contorno en los rostros u

objetos, creando así una organización del espacio y una separación de cada
uno de los planos.

3. Líneas implícitas:
3.1 Línea de asociación: Estas forman aquí un agrupamiento
direccional, asociándose entre sí.
3.2 Por intersección de planos: Esto se evidencia en la contextura del
animal.
•Plano y textura:

Como tal aquí se dimensionan las principales funciones plásticas del

plano estando relacionadas con la organización del espacio, su
compartimentación, la articulación en diferentes subespacios, su
superposición para crear sensación de profundidad.

Con respecto a su textura, es claro que se debe decir que es una

escultura y por tanto es material con dimensión de percepción y pesa
visualmente con una codificación del espacio en profundidad y con
movimiento.
•La temporalidad:

1. Orden temporal y función representativa:

La imagen define un esquema donde resulta ser una cuestión temporal
concedida en algo que incluye a la realidad, por tanto, se puede decir
que esta hace parte de la secuencialidad, ya que el encuadre de la
escultura cumple a la vez con los factores que aportan a su
temporalidad:
 Formula de Representación espacial: La imagen o mas bien,
escultura, en este contexto se observa de forma vertical, por lo que,
la organización del encuadre crea una profundidad donde se alarga
el espacio y es en el intermedio donde a la vez se contempla la
sintaxis.
 El ritmo: Se puede decir que aquí se evidencia un tipo de relaciones
rítmicas en la composición, pues en esta cuestión también se habla
de:
 Los contrastes: Se observa que aquí llevan lugar los contrastes
independientes a que sean de algún tipo de color, aquí se hace
evidente es la concepción de oscuros y claros, contribuyendo esto a
un tipo de significación de realismo o interacción en la escultura.
 Los crescendos: Aquí la acumulación de elementos con dirección
hacen que se identifiquen relaciones plásticas en varias zonas de la
composición, es decir que, aquí el trabajo es del animal que aquí se
observa, pues es quien crea una secuencia significativa de un lado a
otro de la escultura.
 Las direcciones: Aquí este concepto lo compone la estructura del
animal y el movimiento captado de los personajes con respecto a
una direccionalidad de la imagen, dinamizándose así la
composición y donde predomina un vector que da indicios para la
lectura de la imagen.

Por tanto y en conclusión, la escultura induce a:

Orden temporal-Secuencia
Función Representativa- Narrativa
Clase de imagen- Tipo secuencial
•Elementos dinámicos de la imagen:

Es importante aclarar que la escultura dispone de un espacio y a la vez

predomina y hace participe el movimiento, que a la vez se sensibiliza el
espacio que compone su espacio, aquí se hace participe entonces

• La tensión: Se describe una dirección y un sentido de estado natural

del elemento que se conforma o se da a la vista.
• El ritmo: esta contiene una intensidad, elementos fuertes y a la vez
débiles, un tiempo y un espacio. Por lo que la composición es
continua de una progresión de un espacio y con movimiento,
creando como tal el dinamismo en la imagen
•Preiconografía- lo fáctico y lo expresivo:

Aquí se analiza la obra dentro del campo estilístico ubicándose en el

periodo propiamente artístico que el tratamiento de sus formas y su
estructura indican; al igual se reconocen las formas, los colores y líneas
sin importar a que constituyen, como tal y en resumidas cuentas, es
lograr sintetizar una descripción denotativa.

Por lo que la historia del estilo de esta escultura, se entabla en aquel

estilo helenístico, donde es participe la ultima etapa de la escultura
clásica griega.

Por tanto, su primaria natural (formas, los colores, líneas, significación y

técnica empleada) traducen lo que es el carácter general en que reside la
superioridad de las obras de arte griegas es el de una noble sencillez y
una serena grandeza, tanto en la actitud como en la expresión y es así
que la presencia del peso de los elementos que aquí se encuentran a la
vez los puntos de fuga y la formación de una única dimensión que es
relevante en cada uno de los personajes, los colores predominan en
similitud con la composición de luz y del material en que se realizo y la
técnica empleada como aquella como la fundición y el bronce ( talla y
mármol) dimensiona lo cotidiano, haciendo de la imagen un concepto
que todas las personas viven.
•Preiconografía- lo fáctico y lo expresivo:

• Lo fáctico: La significación fáctica se compone de la observación de

la escultura en cuanto a apreciar si en esta forman parte animales,
plantas o personas. Por tanto, es claro decir que la escultura es el
conjunto de tres personas y un animal que se extiende por todo el
espacio de esta.

Lo expresivo: Aquí se identifica la significación expresiva donde se

toma en cuenta la postura y el gesto que se evidencia en la escultura,
tanto así que la postura de los cuerpos son el ejemplo claro de que el
sufrimiento hincha cada uno de sus músculos y contraen los nervios,
al igual se evidencian los gemidos ahogados y el aliento retenido. El
personaje del centro y su fisonomía expresa las quejas y no los
gritos, sus ojos dirigidos hacia el cielo imploran la ayuda. No hay
parte alguna en reposo. El mismo toque del maestro contribuye a la
expresión de una piel entumecida. Y el dolor, que se manifiesta en
cada uno de los músculos y los tendones del cuerpo y la grandeza del
alma están repartidos, y en cierto modo compensados, con el mismo
vigor por la entera estructura de la figura.
•Iconografía: Significado secundaria o convencional

Acá se constituye una descripción y clasificación de la imagen y se

busca proponer una familiaridad con temas y diversos conceptos
específicos donde hay que acudir a la tradición cultural, principalmente
a las fuentes icónicas y a las fuentes literarias. En virtud de dichas
fuentes, se trata de identificar el asunto representado y de ponerlo en
conexión.

Es entonces que se aprehende que una figura de dolor dimensiona que

algo malo esta ocurriendo, a la vez la estructura del animal, acude a que
este es el peligro de la situación, también la estructura de lo peinados de
los personajes dejan a la observación un realidad y conceptualización de
la época que es presente en la escultura.

Desde un concepto bíblico católico, se puede decir que la serpiente es

heredero del mal o lo demoniaco, dimensionando el terror, temor y
miedo que se presencia en la imagen.
•Iconología: Significación intrínseca o contenido

Esta es la explicación del significado intrínseco o la dimensión profunda

de una obra de arte. Consiste en ahondar sobre el concepto o las ideas
que se esconden en los asuntos o temas figurados, y sobre su alcance en
un contexto cultural determinado. Para afrontar el análisis iconográfico
en este nivel, se hace precisa una amplia investigación de los textos
escritos y del contexto cultural relacionado con la obra de arte. Este
nivel supone en todos los casos gran complejidad.

Por tanto denota el pensamiento y la razón, al igual hace presencia la

historia de los síntomas culturales que procede mas bien de una síntesis
mas que de un análisis y se requiere entonces la identificación correcta
de las imágenes, las historias y alegorías que se esconden detrás de la
escultura.

Por lo que se puede decir que la escena no se concluye, queda abierta.

Quizá, sea un guiño de ojo a una de las versiones del mito, según la
cual, un hermano logra sobrevivir. Quizá no pero todo esto no es otra
cosa que la confirmación del abandono de los dioses.
La mirada de Laocoonte, inútilmente, busca una señal del cielo; su boca
se entreabre, pero no como quien grita, sino como quien se entrega a una
suerte inexorable con toda la dignidad de la que es capaz. El horror no lo
priva de su humanidad.

La conjunción de estos elementos compone un principio fundamental

del arte del período helenístico: el patetismo, es decir, la expresión de la
emoción, del sufrimiento y del sentimiento.

Quizá el interés estaría entonces en la exploración artística en sí misma,

en la valoración del arte como objeto autónomo, al que el contenido le
presta una excusa para encontrar la belleza en medio del horror.