Antennae. The Journal of Nature in Visual Culture, 2024
Agnes Questionmark employs long-lasting performance as means of identity exploration and reconfig... more Agnes Questionmark employs long-lasting performance as means of identity exploration and reconfiguration of an unprecedented hybrid creature. Using some of these actions as examples, this essay explores how the artist has engaged with organic posthumanism, environmental issues, feminist and queer theories to propose her own vision of nature. Her interest in animals, biology or the relationship with water are, in fact, part of a research that questions the possible evolution of human beings, following the massive climatic changes in the Anthropocene. Moreover, the gender transition that she experiences contributes to thinning the fluid boundary between art, life and narrative practices.
Il contributo prende in esame alcune pratiche artistiche diffuse in anni recenti dove diverse tip... more Il contributo prende in esame alcune pratiche artistiche diffuse in anni recenti dove diverse tipologie di animali, tra cui insetti o vermi, proprio quelli che generalmente mal tolleriamo, consideriamo occupanti del nostro spazio domestico e dunque tentiamo di rimuovere o estirpare, vengono inseriti in articolate installazioni. Parossisticamente configurate come strutture abitative antropizzate, le opere in questione sono state accostate poiché presentano riferimenti a modelli di casa e domestici, o vengono pensate direttamente per essere collocate nel contesto abitativo, che più di ogni altro avvertiamo come di nostro possesso e dunque potenzialmente minacciato da ogni possibile tipo di invasione etero-specifica non controllata.
EDITORE
Mimesis Edizioni
SELVARIO.
GUIDA ALLE PAROLE DELLA SELVA
a cura di Andrea Pastorello
Il Selvario è una raccolta di parole urticanti,
una guida per orientarsi nei lemmi della contemporaneità, una selva ulteriore entro la quale perdersi, trovarsi, sbranarsi. Il volume restituisce gli esiti di una call for paper bandita nell’ambito del Prin «SYLVA» dall’unità di ricerca dell’Università degli Studi di Genova.
COLLANA SYLVA
Progetto dell’Unità di ricerca dell’Università Iuav di Venezia nell’ambito del PRIN «SYLVA. Ripensare la “selva”. Verso una nuova alleanza tra biologico e artefatto, natura e società, selvatichezza e umanità». Call 2017, SH2. Unità di ricerca: Università degli Studi di Roma Tre (coordinamento), Università Iuav di Venezia, Università degli Studi di Genova, Università degli Studi di Padova.
THE ITALIAN PRESENCE IN POST-WAR AMERICA, 1949-1972 Architecture, Design, Fashion Volume 2 Mediatori, itinerari intellettuali, usi e costruzioni dello spazio, 2023
In order to better understand the pre-eminence that Italian art of the 20th century has acquired ... more In order to better understand the pre-eminence that Italian art of the 20th century has acquired on the international stage, it is necessary to conduct an examination that questions both the way in which American art was received in Italy and the passage made by the latter in the United States. Especially since the second half of the twentieth century, artists, critics and gallery owners have moved between Italy and the United States, weaving a series of fruitful links. These connections have made it possible to broaden the attention on what was culturally relevant in our country, receiving and conveying creative stimuli in a crucial century for the redefinition of the idea of modernity. My intervention aims therefore to analyze one of the essential figures to this interchange, the art historian and critic Eugenio Battisti. Multifaceted and dynamic transnational receptor between Italy and the United States of America, in 1964 he moved from Rome to Pennsylvania, where he remained until 1970, after being called by the state university to occupy a chair of Art History. However on the other side of the ocean he continued to maintain profitable contacts with Italy and above all to direct the historical journal of contemporary culture "Marcatrè", which he had founded in 1963. Therefore in my contribution I will focus on the cultural influences that fell on Battisti's thinking in America, on his methodologies and his scientific research directions and on the consistency with which these elements came together in the journal "Marcatrè", with particular attention to the relationship with the contemporary artistic production. Battisti's stay in the United States of America in fact will be analyzed through a study of archival sources such as the more than ten thousand letters sent and received by the art historian and other types of documents kept in the Eugenio Battisti Archives at the Scuola Normale Superiore of Pisa. In according to this, the paper proposes to underline the institutional and professional relationships that he established with the United States of America, as well as the projects that he conducted in the American territory for the promotion of Italian artists and art scholars and, regarding "Marcatrè", the sponsorship strategies in the American territory to bring the local public closer to Italian culture. Occupying a privileged position as he was very close to the dynamic New York City, Battisti in fact tried throughout his career to act as a bridge between the two countries, aware of the importance of exchange as a means of cultural advancement.
The main subject of this paper is Allevamento di tarli a partire da un chilo di zucchero in forma... more The main subject of this paper is Allevamento di tarli a partire da un chilo di zucchero in forma di torrone (Breeding of woodworms from a kilo of sugar in the form of nougat), a peculiar artwork by Gianfranco Baruchello dated between 1974 and 1988, useful to clarify its relationship with the animal and minimal entities such as insects. Today the artwork appears as a modestly sized wooden box, covered on the front by a sheet of glass, inside which is another wooden box containing a packet of nougat and a sheet of paper with notes written by the artist. Actually, Baruchello had initially placed the sweets in the box in order to carry out an experiment focused on the mutation of the object in a given time lapse. Only later he realised the presence of unexpected guests: an autogenous community of anubids had begun to populate the reduced space of the container, as they were attracted by the source of nourishment found in it. This contribution aims therefore to reconstruct, through a study of the sources preserved in the Baruchello Foundation in Rome, the genesis and conformation of the aforementioned artwork, analysing more specifically the creative relationship that Baruchello entertained with the animal community.
The proposed contribution reconsiders a recent moment in the career of the artist Jimmie Durham, ... more The proposed contribution reconsiders a recent moment in the career of the artist Jimmie Durham, who has made transnational nomadism a life and operational practice. More specifically in the exhibition "God's Children. God's Poems" held in 2017 at the Migros Museum für Gegenwartskunst in Zurich, Durham presents a series of animal sculptures realized in his typical bricoleur style, inviting the viewer to reflect directly on the ways in which European populations have hunted down and nearly exterminated numerous species, now on the verge of extinction. In the era of the Anthropocene, where the dominant action and narrative are the human ones, the history written by the winners appears incontrovertibly marked by an anthropocentric paradigm. What voice can the animal, relegated to a role similar to that which the philosopher Gayatri Spivak would have defined as "subaltern", play in the critical conformation of a Western and European cultural identity? The essay aims therefore to highlight the relationship between the artist and the dynamism of European culture and to analyze the ways in which some recent experiments in the visual arts can question an aspect that is only apparently marginal, concerning relations of appropriationism and exclusion determined by European thought.
Mapping Animals in Global Spaces | Kunsthistorisches Institut in Florenz – Max-Planck-Institut, 2024
Bees are among the most affected insects by changing environmental conditions, acting like sentin... more Bees are among the most affected insects by changing environmental conditions, acting like sentinels capable of immediately intercepting pollutants that infect our ecosystem. Their bio- indicator function is directly detrimental to them: climate change can lead to the sudden depopulation of entire colonies, causing significant damage to the natural balance. Recently, we have witnessed the decline of many communities of Apis melifera, due to the altered conditions of our environment and the abuse of pesticides in agriculture. Preserving and fostering the relationship between bees and the ecosystem is therefore a matter of urgency. Moreover, bees build spontaneous communities in nature - being so-called superorganisms - and extremely sophisticated architectural structures. For all these reasons, they have been an enormous stimulus for cultural production. Even in the world of contemporary art, in fact, the particular conformation of bees has provided numerous points of reflection, ranging from consideration about the climate crisis to the fascination with their ethological peculiarities. Within this intervention, I therefore propose to structure an itinerary based on works of art that employ the collaboration of living bees, in order to establish creative spaces of interrelation. The examples examined come from different geographical locations, including Latin America, Europe, Oceania and artists such as Henrik Håkansson, Mark Thompson and Luis Fernando Benedit. The peculiarity of all the artworks presented is that they directly relate the space constructed by human beings with the space delimited by the insects themselves. Therefore, this provide an opportunity to configure a privileged exchange, that combines the aesthetic element with the possibility of rethinking our position in relation to these insects and, more generally, the nexus between human beings, interspecies spaces, science and nature.
La fine e altri inizi II: Oltre la catastrofe, 2023
Il modello scientifico illuminista basato sulla classificazione ha predisposto, anche da un punto... more Il modello scientifico illuminista basato sulla classificazione ha predisposto, anche da un punto di vista puramente visuale, una netta e divisiva percezione umana del mondo naturale. Attraverso una prospettiva strettamente teorica, già nel 1966 con Le parole e le cose Michel Foucault riesaminava criticamente le strutture tassonomiche, vagliando le ricadute con cui esse si manifestavano nelle organizzazioni della cultura occidentale, così come nella nostra concezione della realtà. La rinuncia all’antropocentrismo, inteso come impianto fondante l’ossatura del pensiero occidentale, è transitata attraverso un riesame che ha preso in causa i termini dell’epistemologia, del linguaggio e anche, nel caso dell’arte contemporanea, della visione. Se già in passato molti degli artisti vicini alla cerchia surrealista avevano introdotto, attraverso l’esaltazione del “curioso” e del “meraviglioso”, categorie operative con le quali smarcarsi dalle costruzioni sociali e dalle leggi naturali, l’idea di “un nuovo modo di connettere le cose” di cui discute lo stesso Foucault sembrerebbe alla base di ricerche più recenti, che a partire dagli anni Novanta hanno contributo a rovesciare la struttura piramidale con la quale si è pianificata la biologia del vivente. All’interno di questo intervento propongo dunque di analizzare alcune opere di artisti italiani, o che hanno a lungo transitato in Italia, tra cui Dario Ghibaudo, Vedovamazzei, Eugenio Tibaldi e Petrit Halilaj, in cui l’alterità animale e i codici o gli apparati della storia naturale figurano quali termini di discussione atti a riformulare creativamente la pretesa di uniformità della tassonomia e, di conseguenza, la stessa posizione dell’umano nella gerarchia del vivente.
Soprattutto a partire dalla fine degli anni Sessanta, la galleria L’Attico di Roma, nel rivoluzio... more Soprattutto a partire dalla fine degli anni Sessanta, la galleria L’Attico di Roma, nel rivoluzionare radicalmente i linguaggi dell’arte e il concetto stesso di galleria privata, si è conformata anche come centro d’importanza capillare per ripensare al rapporto tra arte contemporanea e animali, così come tra questi ultimi ed esseri umani. Il contributo proposto analizza dunque le modalità in cui la presenza animale è stata declinata all’interno della galleria, già a partire dalle prime mostre nella sede di Piazza di Spagna, gestita da Bruno Sargentini assieme al figlio Fabio. Più nello specifico, l’analisi operata tramite la consultazione di fonti d’archivio e attraverso gli scritti poetici, storico- artistici e teatrali dello stesso Fabio Sargentini, si concentra inizialmente sulla consistenza con cui alcuni motivi desunti dalla pittura di Victor Brauner siano ricaduti sul pensiero di Fabio Sargentini, in un percorso che lega queste manifestazioni ad alcuni esiti delle mostre tematiche allestite negli anni Duemila.
Prospective 2022 Symposium Digital Art and Activism , 2022
In this contribution, a significant selection of interaction-centered works of art will be analyz... more In this contribution, a significant selection of interaction-centered works of art will be analyzed, which employ articulated technological equipment as a mean of communication. They set up, through digital apparatuses elaborated by artists in collaboration with teams of experts, interstitial spaces in which humans can come into direct contact with microenvironments populated by animals, producing places in which alternative patterns of social participation and moments of constructed conviviality are elaborated. The horizon of communication between different species has been explored in numerous fields of knowledge, through the adoption of heterogeneous modes of study. The technological support the artists have made use is aimed at aestheticizing the radical possibilities of an attempt of contact, capable of creating a new communicative system beyond the spectres of cybernetics, building an ideal and material bridge where humanity and animality are conjoined. The focus of the contribution is centered on a selection of artists and artworks produced since the 2000s, which have predisposed a type of sound communicative interaction between humans and animals, creating through human-machine-animal interfaces works that reflect on the possibilities of a revolutionary type of nonlinguistic bonding, also linked to reflection on political ecology and environmentalism. The art world has variously contributed in this regard, from works based on telepresence, to artists who have created sound installations where they record sounds produced by nature, to more radical operations where the living being is placed directly at the center of the installation. The paper will therefore discuss three specific cases related to the latter procedural strategy supported by technology. Amy M. Youngs has produced artworks in which living animals have been placed in microenvironments, which are activated through the formation of an interactive, sound-based bond. This work assumes the use of telepresent technology as a tool that can facilitate communication between different species. Rethinking our relationship with underwater animals has also become an issue often directly addressed by several contemporary artists as well, in an effort to uncover the veil of elusiveness that hides the aquatic world from the terrestrial world. The first work that directly engages viewers and the marine world by implying the possibility of interspecies communication is scale, created in 2010 through a collaboration between neural engineer Malcolm Maclaver and localStyle, an American duo formed in 2000 that includes artist Marlena Novak and composer and sound designer Jay Alan Yim, which with an intermedial approach explores both physical and metaphorical realms through videos, interactive installations and performances. Another work that proceeds in the same vein as the above is Antony Hall's Enki, consisting of a series of bio-interface experiments between humans and certain types of electrifying fish.
The Italian Presence in Post-war America, 1949-1972. Architecture, design, fashion, 2022
Il convegno indaga i percorsi di costruzione dell’identità nazionale e le caratteristiche del tra... more Il convegno indaga i percorsi di costruzione dell’identità nazionale e le caratteristiche del transfer tra Italia e Stati Uniti, in un’ottica transazionale e transdisciplinare, nello specifico delle discipline progettuali, tra architettura, interni, urbanistica, moda e design, nelle loro diverse scale, sfaccettature e campi di applicazione. Esso ha l’obiettivo di raccogliere contributi e stimolare una riflessione utili ad ampliare le conoscenze sulla consistenza e sul ruolo della presenza degli interni, del design e della moda, dell’architettura e dell’urbanistica italiana nella cultura specialistica e popolare degli Stati Uniti a partire dalla Seconda Guerra Mondiale. Il convegno si propone non solo di mappare i fenomeni nella loro complessità ma anche di arricchire la raccolta in corso dei vettori dello scambio transatlantico, delle principali sedi e occasioni di scambio, degli attori coinvolti e del ruolo ricoperto da alcune istituzioni come il MoMA o l’American Academy.
Prospectives is a one-day symposium highlighting an international selection of work by graduate ... more Prospectives is a one-day symposium highlighting an international selection of work by graduate and PhD students working at the edge of developments in scholarly and practice based work involving digital technologies. This event will be structured to provide invited presenters with the opportunity to share their ongoing research, discuss and receive feedback and to virtually meet and network with fellow post graduate students.
Comitato organizzativo: Gianlorenzo Chiaraluce, Federica De Giambattista, Sara Esposito, Edoardo ... more Comitato organizzativo: Gianlorenzo Chiaraluce, Federica De Giambattista, Sara Esposito, Edoardo Maggi, Antonio Marras, Gaia Pedriglieri, Patrizia Principi, Eva Scurto.
In Corso d'Opera è un'iniziativa promossa e coordinata dai dottorandi di ricerca in Storia dell'Arte della Sapienza Università di Roma e si avvale del supporto e del patrocinio scientifico del Collegio dei Docenti del Dottorato di Ricerca in Storia dell'Arte e del Dipartimento SARAS. Nella convinzione dell'importanza del confronto e della circolazione dei saperi, le due giornate di studio si prefiggono di portare all'attenzione della comunità scientifica materiali, problemi e risultati delle ricerche in cui sono attualmente impegnati i dottorandi. Gli interventi sono raccolti in quattro sessioni tematiche e metodologiche che intendono offrire originali spunti di riflessioni e nuovi stimoli di approfondimento su argomenti che spaziano dal Medioevo alle più recenti manifestazioni e forme artistiche della contemporaneità
Presentazione del libro “VERA. Roma, 8 spazi, 54 studi”, presso il MLAC – Museo Laboratorio di A... more Presentazione del libro “VERA. Roma, 8 spazi, 54 studi”, presso il MLAC – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea della Sapienza Università di Roma. VERA è la prima mappatura degli spazi indipendenti romani per l’arte contemporanea, curata da Damiana Leoni per i tipi di Quodlibet. 4 fotografi, 8 spazi indipendenti, 54 studi, 70 artisti italiani, 7 quartieri: questi gli elementi che compongono il volume e che testimoniano la vivacità dell’arte emergente nella capitale. Spazio In Situ, Post Ex, Off1cina, SPAZIOMENSA, Paese Fortuna, /Ombrelloni, Numero Cromatico e Castro sono i luoghi raccontati attraverso contributi fotografici e testuali, in un insieme polifonico e variegato su cui questa presentazione si propone di far luce.
Testo critico per “Quid the Hidden”, prima mostra del collettivo MAP Collective, un’esposizione m... more Testo critico per “Quid the Hidden”, prima mostra del collettivo MAP Collective, un’esposizione multimediale- interdisciplinare che presenta nove ritratti video. Il percorso espositivo si sviluppa all’interno delle cinque sale del Cinquecentesco Palazzo Averoldi di Brescia, aperto appositamente per l’occasione, creando un contrasto tra la storicità del luogo e dei suoi affreschi e la contemporaneità delle opere e del mezzo espressivo adottato. La prima parte del titolo della mostra, la parola “Quid”, termine latino utilizzato anche in italiano per indicare in modo generico “qualche cosa”, rimanda a un elemento indeterminato, non facilmente definibile. L’espressione “The Hidden”, presa in prestito dal dizionario inglese, significa letteralmente “che è nascosto”, e si riferisce al “Quid” come qualità e riferimento specifico. “Qualche cosa, la quale è nascosta”. Il nostro “protagonista Quid”, dunque, richiede di essere indagato da chi guarda, inducendo così una vera e profonda connessione tra opere e spettatore, ponendo quest’ultimo in una posizione attiva, in quanto la fruizione stessa avviene nell’ulteriorità del sentire, rispetto al conoscere e al descrivere. “Quid the Hidden” svela la fluidificazione delle polarità come ciò che rende possibile un incontro. All’interno delle video “rappresentazioni”, il collettivo ha sapientemente scelto di introdurre nella gestualità delle pose, così come nello styling e nel set design, alcuni “simboli” trasversali al tempo e alle culture. Gli “elementi-simbolo” si mostrano, a volte, in forma esplicita; altre, invece, celata visivamente in modo da poter essere re-interpretati per analogie piuttosto che per differenze. I personaggi ed i “Quid” rappresentati si rivelano essere di tipo iconico, radicati e insiti in noi come dogmi/archetipi, indipendenti dal mezzo e dalla fattezza al momento della restituzione: vengono chiamate in causa figure di tipo religioso, soggetti mitologici e personaggi delle favole. Ogni singolo “attore” si esplicita, in quanto tale, proprio grazie al modus operandi adottato dagli artisti di decontestualizzazione da riferimenti temporali, connotazioni vestimentarie e regole canoniche di rappresentazione. La “pièce” di Quid the Hidden mette in scena, da un punto di vista tecnico, una importante rielaborazione della dimensione propria del mezzo espressivo del video, fondendo i campi d’azione della fotografia, del film e dell’arte figurativa in senso lato.
Garde tes larmes pour plus tard
Solo Show by g.olmo stuppia feat. Hermann Nitsch e Ali Cherri
17 ... more Garde tes larmes pour plus tard Solo Show by g.olmo stuppia feat. Hermann Nitsch e Ali Cherri 17 - 24 Ottobre 2022 Palazzo Magenta, Parigi
Durante la deriva del 7 maggio scorso, le persone hanno rinvenuto centinaia di pezzi di vetro di Murano, detriti, teschi di coniglio nell’isola artificiale di Sacca San Mattia, di notte, in barca e poi sbarcando a piedi e camminando. Parte di "Sposare la Notte", il documento video di queste azioni, viene presentato a Parigi con un display site specific. Il ciclo di derive creato dall’artista g. olmo stuppia grazie all’invito nel Public Program del 59° Padiglione Italia dell’Esposizione della Biennale è composto da quattro momenti di estasi: Sacca San Mattia a Venezia, Arenella a Palermo, Brancaccio sempre sulla Costa Sud e finalmente nella profonda Laguna Nord. Il materiale rinvenuto durante i quattro episodi viene reinterpretato e “polverizzato” nel signorile appartamento di D&D a Parigi attraverso un dialogo intimo e serrato tra spazio. Producendo un nuovo corpo di microsculture, video, disegni e suono l’artista dialoga, tra le tenebre, con un’opera fotografica di Herman Nistch e Ali Cherri.
Record per il database del PROGETTO EULiterArt
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION ... more Record per il database del PROGETTO EULiterArt THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Record per il database del PROGETTO EULiterArt
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION ... more Record per il database del PROGETTO EULiterArt THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Record per il database del PROGETTO EULiterArt
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION ... more Record per il database del PROGETTO EULiterArt THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Transatlantic Transfers: the Italian presence in post-war America., 2023
Scheda della rivista «Marcatrè» per il database del progetto "Transatlantic Transfers: the Italia... more Scheda della rivista «Marcatrè» per il database del progetto "Transatlantic Transfers: the Italian presence in post-war America".
Progetto finanziato grazie al contributo di Miur - PRIN 2017
Partners Politecnico di Milano Università degli studi Roma Tre Università del Piemonte Orientale Università di Scienze Gastronomiche di Pollenzo
Antennae. The Journal of Nature in Visual Culture, 2024
Agnes Questionmark employs long-lasting performance as means of identity exploration and reconfig... more Agnes Questionmark employs long-lasting performance as means of identity exploration and reconfiguration of an unprecedented hybrid creature. Using some of these actions as examples, this essay explores how the artist has engaged with organic posthumanism, environmental issues, feminist and queer theories to propose her own vision of nature. Her interest in animals, biology or the relationship with water are, in fact, part of a research that questions the possible evolution of human beings, following the massive climatic changes in the Anthropocene. Moreover, the gender transition that she experiences contributes to thinning the fluid boundary between art, life and narrative practices.
Il contributo prende in esame alcune pratiche artistiche diffuse in anni recenti dove diverse tip... more Il contributo prende in esame alcune pratiche artistiche diffuse in anni recenti dove diverse tipologie di animali, tra cui insetti o vermi, proprio quelli che generalmente mal tolleriamo, consideriamo occupanti del nostro spazio domestico e dunque tentiamo di rimuovere o estirpare, vengono inseriti in articolate installazioni. Parossisticamente configurate come strutture abitative antropizzate, le opere in questione sono state accostate poiché presentano riferimenti a modelli di casa e domestici, o vengono pensate direttamente per essere collocate nel contesto abitativo, che più di ogni altro avvertiamo come di nostro possesso e dunque potenzialmente minacciato da ogni possibile tipo di invasione etero-specifica non controllata.
EDITORE
Mimesis Edizioni
SELVARIO.
GUIDA ALLE PAROLE DELLA SELVA
a cura di Andrea Pastorello
Il Selvario è una raccolta di parole urticanti,
una guida per orientarsi nei lemmi della contemporaneità, una selva ulteriore entro la quale perdersi, trovarsi, sbranarsi. Il volume restituisce gli esiti di una call for paper bandita nell’ambito del Prin «SYLVA» dall’unità di ricerca dell’Università degli Studi di Genova.
COLLANA SYLVA
Progetto dell’Unità di ricerca dell’Università Iuav di Venezia nell’ambito del PRIN «SYLVA. Ripensare la “selva”. Verso una nuova alleanza tra biologico e artefatto, natura e società, selvatichezza e umanità». Call 2017, SH2. Unità di ricerca: Università degli Studi di Roma Tre (coordinamento), Università Iuav di Venezia, Università degli Studi di Genova, Università degli Studi di Padova.
THE ITALIAN PRESENCE IN POST-WAR AMERICA, 1949-1972 Architecture, Design, Fashion Volume 2 Mediatori, itinerari intellettuali, usi e costruzioni dello spazio, 2023
In order to better understand the pre-eminence that Italian art of the 20th century has acquired ... more In order to better understand the pre-eminence that Italian art of the 20th century has acquired on the international stage, it is necessary to conduct an examination that questions both the way in which American art was received in Italy and the passage made by the latter in the United States. Especially since the second half of the twentieth century, artists, critics and gallery owners have moved between Italy and the United States, weaving a series of fruitful links. These connections have made it possible to broaden the attention on what was culturally relevant in our country, receiving and conveying creative stimuli in a crucial century for the redefinition of the idea of modernity. My intervention aims therefore to analyze one of the essential figures to this interchange, the art historian and critic Eugenio Battisti. Multifaceted and dynamic transnational receptor between Italy and the United States of America, in 1964 he moved from Rome to Pennsylvania, where he remained until 1970, after being called by the state university to occupy a chair of Art History. However on the other side of the ocean he continued to maintain profitable contacts with Italy and above all to direct the historical journal of contemporary culture "Marcatrè", which he had founded in 1963. Therefore in my contribution I will focus on the cultural influences that fell on Battisti's thinking in America, on his methodologies and his scientific research directions and on the consistency with which these elements came together in the journal "Marcatrè", with particular attention to the relationship with the contemporary artistic production. Battisti's stay in the United States of America in fact will be analyzed through a study of archival sources such as the more than ten thousand letters sent and received by the art historian and other types of documents kept in the Eugenio Battisti Archives at the Scuola Normale Superiore of Pisa. In according to this, the paper proposes to underline the institutional and professional relationships that he established with the United States of America, as well as the projects that he conducted in the American territory for the promotion of Italian artists and art scholars and, regarding "Marcatrè", the sponsorship strategies in the American territory to bring the local public closer to Italian culture. Occupying a privileged position as he was very close to the dynamic New York City, Battisti in fact tried throughout his career to act as a bridge between the two countries, aware of the importance of exchange as a means of cultural advancement.
The main subject of this paper is Allevamento di tarli a partire da un chilo di zucchero in forma... more The main subject of this paper is Allevamento di tarli a partire da un chilo di zucchero in forma di torrone (Breeding of woodworms from a kilo of sugar in the form of nougat), a peculiar artwork by Gianfranco Baruchello dated between 1974 and 1988, useful to clarify its relationship with the animal and minimal entities such as insects. Today the artwork appears as a modestly sized wooden box, covered on the front by a sheet of glass, inside which is another wooden box containing a packet of nougat and a sheet of paper with notes written by the artist. Actually, Baruchello had initially placed the sweets in the box in order to carry out an experiment focused on the mutation of the object in a given time lapse. Only later he realised the presence of unexpected guests: an autogenous community of anubids had begun to populate the reduced space of the container, as they were attracted by the source of nourishment found in it. This contribution aims therefore to reconstruct, through a study of the sources preserved in the Baruchello Foundation in Rome, the genesis and conformation of the aforementioned artwork, analysing more specifically the creative relationship that Baruchello entertained with the animal community.
The proposed contribution reconsiders a recent moment in the career of the artist Jimmie Durham, ... more The proposed contribution reconsiders a recent moment in the career of the artist Jimmie Durham, who has made transnational nomadism a life and operational practice. More specifically in the exhibition "God's Children. God's Poems" held in 2017 at the Migros Museum für Gegenwartskunst in Zurich, Durham presents a series of animal sculptures realized in his typical bricoleur style, inviting the viewer to reflect directly on the ways in which European populations have hunted down and nearly exterminated numerous species, now on the verge of extinction. In the era of the Anthropocene, where the dominant action and narrative are the human ones, the history written by the winners appears incontrovertibly marked by an anthropocentric paradigm. What voice can the animal, relegated to a role similar to that which the philosopher Gayatri Spivak would have defined as "subaltern", play in the critical conformation of a Western and European cultural identity? The essay aims therefore to highlight the relationship between the artist and the dynamism of European culture and to analyze the ways in which some recent experiments in the visual arts can question an aspect that is only apparently marginal, concerning relations of appropriationism and exclusion determined by European thought.
Mapping Animals in Global Spaces | Kunsthistorisches Institut in Florenz – Max-Planck-Institut, 2024
Bees are among the most affected insects by changing environmental conditions, acting like sentin... more Bees are among the most affected insects by changing environmental conditions, acting like sentinels capable of immediately intercepting pollutants that infect our ecosystem. Their bio- indicator function is directly detrimental to them: climate change can lead to the sudden depopulation of entire colonies, causing significant damage to the natural balance. Recently, we have witnessed the decline of many communities of Apis melifera, due to the altered conditions of our environment and the abuse of pesticides in agriculture. Preserving and fostering the relationship between bees and the ecosystem is therefore a matter of urgency. Moreover, bees build spontaneous communities in nature - being so-called superorganisms - and extremely sophisticated architectural structures. For all these reasons, they have been an enormous stimulus for cultural production. Even in the world of contemporary art, in fact, the particular conformation of bees has provided numerous points of reflection, ranging from consideration about the climate crisis to the fascination with their ethological peculiarities. Within this intervention, I therefore propose to structure an itinerary based on works of art that employ the collaboration of living bees, in order to establish creative spaces of interrelation. The examples examined come from different geographical locations, including Latin America, Europe, Oceania and artists such as Henrik Håkansson, Mark Thompson and Luis Fernando Benedit. The peculiarity of all the artworks presented is that they directly relate the space constructed by human beings with the space delimited by the insects themselves. Therefore, this provide an opportunity to configure a privileged exchange, that combines the aesthetic element with the possibility of rethinking our position in relation to these insects and, more generally, the nexus between human beings, interspecies spaces, science and nature.
La fine e altri inizi II: Oltre la catastrofe, 2023
Il modello scientifico illuminista basato sulla classificazione ha predisposto, anche da un punto... more Il modello scientifico illuminista basato sulla classificazione ha predisposto, anche da un punto di vista puramente visuale, una netta e divisiva percezione umana del mondo naturale. Attraverso una prospettiva strettamente teorica, già nel 1966 con Le parole e le cose Michel Foucault riesaminava criticamente le strutture tassonomiche, vagliando le ricadute con cui esse si manifestavano nelle organizzazioni della cultura occidentale, così come nella nostra concezione della realtà. La rinuncia all’antropocentrismo, inteso come impianto fondante l’ossatura del pensiero occidentale, è transitata attraverso un riesame che ha preso in causa i termini dell’epistemologia, del linguaggio e anche, nel caso dell’arte contemporanea, della visione. Se già in passato molti degli artisti vicini alla cerchia surrealista avevano introdotto, attraverso l’esaltazione del “curioso” e del “meraviglioso”, categorie operative con le quali smarcarsi dalle costruzioni sociali e dalle leggi naturali, l’idea di “un nuovo modo di connettere le cose” di cui discute lo stesso Foucault sembrerebbe alla base di ricerche più recenti, che a partire dagli anni Novanta hanno contributo a rovesciare la struttura piramidale con la quale si è pianificata la biologia del vivente. All’interno di questo intervento propongo dunque di analizzare alcune opere di artisti italiani, o che hanno a lungo transitato in Italia, tra cui Dario Ghibaudo, Vedovamazzei, Eugenio Tibaldi e Petrit Halilaj, in cui l’alterità animale e i codici o gli apparati della storia naturale figurano quali termini di discussione atti a riformulare creativamente la pretesa di uniformità della tassonomia e, di conseguenza, la stessa posizione dell’umano nella gerarchia del vivente.
Soprattutto a partire dalla fine degli anni Sessanta, la galleria L’Attico di Roma, nel rivoluzio... more Soprattutto a partire dalla fine degli anni Sessanta, la galleria L’Attico di Roma, nel rivoluzionare radicalmente i linguaggi dell’arte e il concetto stesso di galleria privata, si è conformata anche come centro d’importanza capillare per ripensare al rapporto tra arte contemporanea e animali, così come tra questi ultimi ed esseri umani. Il contributo proposto analizza dunque le modalità in cui la presenza animale è stata declinata all’interno della galleria, già a partire dalle prime mostre nella sede di Piazza di Spagna, gestita da Bruno Sargentini assieme al figlio Fabio. Più nello specifico, l’analisi operata tramite la consultazione di fonti d’archivio e attraverso gli scritti poetici, storico- artistici e teatrali dello stesso Fabio Sargentini, si concentra inizialmente sulla consistenza con cui alcuni motivi desunti dalla pittura di Victor Brauner siano ricaduti sul pensiero di Fabio Sargentini, in un percorso che lega queste manifestazioni ad alcuni esiti delle mostre tematiche allestite negli anni Duemila.
Prospective 2022 Symposium Digital Art and Activism , 2022
In this contribution, a significant selection of interaction-centered works of art will be analyz... more In this contribution, a significant selection of interaction-centered works of art will be analyzed, which employ articulated technological equipment as a mean of communication. They set up, through digital apparatuses elaborated by artists in collaboration with teams of experts, interstitial spaces in which humans can come into direct contact with microenvironments populated by animals, producing places in which alternative patterns of social participation and moments of constructed conviviality are elaborated. The horizon of communication between different species has been explored in numerous fields of knowledge, through the adoption of heterogeneous modes of study. The technological support the artists have made use is aimed at aestheticizing the radical possibilities of an attempt of contact, capable of creating a new communicative system beyond the spectres of cybernetics, building an ideal and material bridge where humanity and animality are conjoined. The focus of the contribution is centered on a selection of artists and artworks produced since the 2000s, which have predisposed a type of sound communicative interaction between humans and animals, creating through human-machine-animal interfaces works that reflect on the possibilities of a revolutionary type of nonlinguistic bonding, also linked to reflection on political ecology and environmentalism. The art world has variously contributed in this regard, from works based on telepresence, to artists who have created sound installations where they record sounds produced by nature, to more radical operations where the living being is placed directly at the center of the installation. The paper will therefore discuss three specific cases related to the latter procedural strategy supported by technology. Amy M. Youngs has produced artworks in which living animals have been placed in microenvironments, which are activated through the formation of an interactive, sound-based bond. This work assumes the use of telepresent technology as a tool that can facilitate communication between different species. Rethinking our relationship with underwater animals has also become an issue often directly addressed by several contemporary artists as well, in an effort to uncover the veil of elusiveness that hides the aquatic world from the terrestrial world. The first work that directly engages viewers and the marine world by implying the possibility of interspecies communication is scale, created in 2010 through a collaboration between neural engineer Malcolm Maclaver and localStyle, an American duo formed in 2000 that includes artist Marlena Novak and composer and sound designer Jay Alan Yim, which with an intermedial approach explores both physical and metaphorical realms through videos, interactive installations and performances. Another work that proceeds in the same vein as the above is Antony Hall's Enki, consisting of a series of bio-interface experiments between humans and certain types of electrifying fish.
The Italian Presence in Post-war America, 1949-1972. Architecture, design, fashion, 2022
Il convegno indaga i percorsi di costruzione dell’identità nazionale e le caratteristiche del tra... more Il convegno indaga i percorsi di costruzione dell’identità nazionale e le caratteristiche del transfer tra Italia e Stati Uniti, in un’ottica transazionale e transdisciplinare, nello specifico delle discipline progettuali, tra architettura, interni, urbanistica, moda e design, nelle loro diverse scale, sfaccettature e campi di applicazione. Esso ha l’obiettivo di raccogliere contributi e stimolare una riflessione utili ad ampliare le conoscenze sulla consistenza e sul ruolo della presenza degli interni, del design e della moda, dell’architettura e dell’urbanistica italiana nella cultura specialistica e popolare degli Stati Uniti a partire dalla Seconda Guerra Mondiale. Il convegno si propone non solo di mappare i fenomeni nella loro complessità ma anche di arricchire la raccolta in corso dei vettori dello scambio transatlantico, delle principali sedi e occasioni di scambio, degli attori coinvolti e del ruolo ricoperto da alcune istituzioni come il MoMA o l’American Academy.
Prospectives is a one-day symposium highlighting an international selection of work by graduate ... more Prospectives is a one-day symposium highlighting an international selection of work by graduate and PhD students working at the edge of developments in scholarly and practice based work involving digital technologies. This event will be structured to provide invited presenters with the opportunity to share their ongoing research, discuss and receive feedback and to virtually meet and network with fellow post graduate students.
Comitato organizzativo: Gianlorenzo Chiaraluce, Federica De Giambattista, Sara Esposito, Edoardo ... more Comitato organizzativo: Gianlorenzo Chiaraluce, Federica De Giambattista, Sara Esposito, Edoardo Maggi, Antonio Marras, Gaia Pedriglieri, Patrizia Principi, Eva Scurto.
In Corso d'Opera è un'iniziativa promossa e coordinata dai dottorandi di ricerca in Storia dell'Arte della Sapienza Università di Roma e si avvale del supporto e del patrocinio scientifico del Collegio dei Docenti del Dottorato di Ricerca in Storia dell'Arte e del Dipartimento SARAS. Nella convinzione dell'importanza del confronto e della circolazione dei saperi, le due giornate di studio si prefiggono di portare all'attenzione della comunità scientifica materiali, problemi e risultati delle ricerche in cui sono attualmente impegnati i dottorandi. Gli interventi sono raccolti in quattro sessioni tematiche e metodologiche che intendono offrire originali spunti di riflessioni e nuovi stimoli di approfondimento su argomenti che spaziano dal Medioevo alle più recenti manifestazioni e forme artistiche della contemporaneità
Presentazione del libro “VERA. Roma, 8 spazi, 54 studi”, presso il MLAC – Museo Laboratorio di A... more Presentazione del libro “VERA. Roma, 8 spazi, 54 studi”, presso il MLAC – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea della Sapienza Università di Roma. VERA è la prima mappatura degli spazi indipendenti romani per l’arte contemporanea, curata da Damiana Leoni per i tipi di Quodlibet. 4 fotografi, 8 spazi indipendenti, 54 studi, 70 artisti italiani, 7 quartieri: questi gli elementi che compongono il volume e che testimoniano la vivacità dell’arte emergente nella capitale. Spazio In Situ, Post Ex, Off1cina, SPAZIOMENSA, Paese Fortuna, /Ombrelloni, Numero Cromatico e Castro sono i luoghi raccontati attraverso contributi fotografici e testuali, in un insieme polifonico e variegato su cui questa presentazione si propone di far luce.
Testo critico per “Quid the Hidden”, prima mostra del collettivo MAP Collective, un’esposizione m... more Testo critico per “Quid the Hidden”, prima mostra del collettivo MAP Collective, un’esposizione multimediale- interdisciplinare che presenta nove ritratti video. Il percorso espositivo si sviluppa all’interno delle cinque sale del Cinquecentesco Palazzo Averoldi di Brescia, aperto appositamente per l’occasione, creando un contrasto tra la storicità del luogo e dei suoi affreschi e la contemporaneità delle opere e del mezzo espressivo adottato. La prima parte del titolo della mostra, la parola “Quid”, termine latino utilizzato anche in italiano per indicare in modo generico “qualche cosa”, rimanda a un elemento indeterminato, non facilmente definibile. L’espressione “The Hidden”, presa in prestito dal dizionario inglese, significa letteralmente “che è nascosto”, e si riferisce al “Quid” come qualità e riferimento specifico. “Qualche cosa, la quale è nascosta”. Il nostro “protagonista Quid”, dunque, richiede di essere indagato da chi guarda, inducendo così una vera e profonda connessione tra opere e spettatore, ponendo quest’ultimo in una posizione attiva, in quanto la fruizione stessa avviene nell’ulteriorità del sentire, rispetto al conoscere e al descrivere. “Quid the Hidden” svela la fluidificazione delle polarità come ciò che rende possibile un incontro. All’interno delle video “rappresentazioni”, il collettivo ha sapientemente scelto di introdurre nella gestualità delle pose, così come nello styling e nel set design, alcuni “simboli” trasversali al tempo e alle culture. Gli “elementi-simbolo” si mostrano, a volte, in forma esplicita; altre, invece, celata visivamente in modo da poter essere re-interpretati per analogie piuttosto che per differenze. I personaggi ed i “Quid” rappresentati si rivelano essere di tipo iconico, radicati e insiti in noi come dogmi/archetipi, indipendenti dal mezzo e dalla fattezza al momento della restituzione: vengono chiamate in causa figure di tipo religioso, soggetti mitologici e personaggi delle favole. Ogni singolo “attore” si esplicita, in quanto tale, proprio grazie al modus operandi adottato dagli artisti di decontestualizzazione da riferimenti temporali, connotazioni vestimentarie e regole canoniche di rappresentazione. La “pièce” di Quid the Hidden mette in scena, da un punto di vista tecnico, una importante rielaborazione della dimensione propria del mezzo espressivo del video, fondendo i campi d’azione della fotografia, del film e dell’arte figurativa in senso lato.
Garde tes larmes pour plus tard
Solo Show by g.olmo stuppia feat. Hermann Nitsch e Ali Cherri
17 ... more Garde tes larmes pour plus tard Solo Show by g.olmo stuppia feat. Hermann Nitsch e Ali Cherri 17 - 24 Ottobre 2022 Palazzo Magenta, Parigi
Durante la deriva del 7 maggio scorso, le persone hanno rinvenuto centinaia di pezzi di vetro di Murano, detriti, teschi di coniglio nell’isola artificiale di Sacca San Mattia, di notte, in barca e poi sbarcando a piedi e camminando. Parte di "Sposare la Notte", il documento video di queste azioni, viene presentato a Parigi con un display site specific. Il ciclo di derive creato dall’artista g. olmo stuppia grazie all’invito nel Public Program del 59° Padiglione Italia dell’Esposizione della Biennale è composto da quattro momenti di estasi: Sacca San Mattia a Venezia, Arenella a Palermo, Brancaccio sempre sulla Costa Sud e finalmente nella profonda Laguna Nord. Il materiale rinvenuto durante i quattro episodi viene reinterpretato e “polverizzato” nel signorile appartamento di D&D a Parigi attraverso un dialogo intimo e serrato tra spazio. Producendo un nuovo corpo di microsculture, video, disegni e suono l’artista dialoga, tra le tenebre, con un’opera fotografica di Herman Nistch e Ali Cherri.
Record per il database del PROGETTO EULiterArt
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION ... more Record per il database del PROGETTO EULiterArt THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Record per il database del PROGETTO EULiterArt
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION ... more Record per il database del PROGETTO EULiterArt THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Record per il database del PROGETTO EULiterArt
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION ... more Record per il database del PROGETTO EULiterArt THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Transatlantic Transfers: the Italian presence in post-war America., 2023
Scheda della rivista «Marcatrè» per il database del progetto "Transatlantic Transfers: the Italia... more Scheda della rivista «Marcatrè» per il database del progetto "Transatlantic Transfers: the Italian presence in post-war America".
Progetto finanziato grazie al contributo di Miur - PRIN 2017
Partners Politecnico di Milano Università degli studi Roma Tre Università del Piemonte Orientale Università di Scienze Gastronomiche di Pollenzo
Uploads
EDITORE
Mimesis Edizioni
SELVARIO.
GUIDA ALLE PAROLE DELLA SELVA
a cura di Andrea Pastorello
Il Selvario è una raccolta di parole urticanti,
una guida per orientarsi nei lemmi della contemporaneità, una selva ulteriore entro la quale perdersi, trovarsi, sbranarsi. Il volume restituisce gli esiti di una call for paper bandita nell’ambito del Prin «SYLVA» dall’unità di ricerca dell’Università degli Studi di Genova.
COLLANA SYLVA
Progetto dell’Unità di ricerca dell’Università Iuav di Venezia nell’ambito del PRIN «SYLVA. Ripensare la “selva”. Verso una nuova alleanza tra biologico e artefatto, natura e società, selvatichezza e umanità». Call 2017, SH2. Unità di ricerca: Università degli Studi di Roma Tre (coordinamento), Università Iuav di Venezia, Università degli Studi di Genova, Università degli Studi di Padova.
Politecnico di Milano
07/04/2022 - 09/04/2022
In Corso d'Opera è un'iniziativa promossa e coordinata dai dottorandi di ricerca in Storia dell'Arte della Sapienza Università di Roma e si avvale del supporto e del patrocinio scientifico del Collegio dei Docenti del Dottorato di Ricerca in Storia dell'Arte e del Dipartimento SARAS. Nella convinzione dell'importanza del confronto e della circolazione dei saperi, le due giornate di studio si prefiggono di portare all'attenzione della comunità scientifica materiali, problemi e risultati delle ricerche in cui sono attualmente impegnati i dottorandi. Gli interventi sono raccolti in quattro sessioni tematiche e metodologiche che intendono offrire originali spunti di riflessioni e nuovi stimoli di approfondimento su argomenti che spaziano dal Medioevo alle più recenti manifestazioni e forme artistiche della contemporaneità
4 fotografi, 8 spazi indipendenti, 54 studi, 70 artisti italiani, 7 quartieri: questi gli elementi che compongono il volume e che testimoniano la vivacità dell’arte emergente nella capitale. Spazio In Situ, Post Ex, Off1cina, SPAZIOMENSA, Paese Fortuna, /Ombrelloni, Numero Cromatico e Castro sono i luoghi raccontati attraverso contributi fotografici e testuali, in un insieme polifonico e variegato su cui questa presentazione si propone di far luce.
sale del Cinquecentesco Palazzo Averoldi di Brescia, aperto appositamente per l’occasione, creando un contrasto tra la storicità del luogo e dei suoi affreschi e la contemporaneità delle opere e del mezzo espressivo adottato.
La prima parte del titolo della mostra, la parola “Quid”, termine latino utilizzato anche in italiano per indicare in modo generico “qualche cosa”, rimanda a un elemento indeterminato, non facilmente definibile. L’espressione “The Hidden”, presa in prestito dal dizionario inglese, significa letteralmente “che è nascosto”, e si riferisce al “Quid” come qualità e riferimento specifico.
“Qualche cosa, la quale è nascosta”.
Il nostro “protagonista Quid”, dunque, richiede di essere indagato da chi guarda, inducendo così una vera e profonda connessione tra opere e spettatore, ponendo quest’ultimo in una posizione attiva, in quanto la fruizione stessa avviene nell’ulteriorità del sentire, rispetto al conoscere e al descrivere.
“Quid the Hidden” svela la fluidificazione delle polarità come
ciò che rende possibile un incontro. All’interno delle video “rappresentazioni”, il collettivo ha sapientemente scelto di introdurre nella gestualità delle pose, così come nello styling e nel set design, alcuni “simboli” trasversali al tempo e alle culture. Gli “elementi-simbolo” si mostrano, a volte, in forma esplicita; altre, invece, celata visivamente in modo da poter essere re-interpretati per analogie piuttosto che per differenze.
I personaggi ed i “Quid” rappresentati si rivelano essere di
tipo iconico, radicati e insiti in noi come dogmi/archetipi, indipendenti dal mezzo e dalla fattezza al momento della restituzione: vengono chiamate in causa figure di tipo religioso, soggetti mitologici e personaggi delle favole. Ogni singolo “attore” si esplicita, in quanto tale, proprio grazie al modus operandi adottato dagli artisti di decontestualizzazione da riferimenti temporali, connotazioni vestimentarie e regole canoniche di rappresentazione.
La “pièce” di Quid the Hidden mette in scena, da un punto di vista tecnico, una importante rielaborazione della dimensione propria del mezzo espressivo del video, fondendo i campi d’azione della fotografia, del film e dell’arte figurativa in senso lato.
Solo Show by g.olmo stuppia feat. Hermann Nitsch e Ali Cherri
17 - 24 Ottobre 2022
Palazzo Magenta, Parigi
Durante la deriva del 7 maggio scorso, le persone hanno rinvenuto centinaia di pezzi di vetro di Murano, detriti, teschi di coniglio nell’isola artificiale di Sacca San Mattia, di notte, in barca e poi sbarcando a piedi e camminando. Parte di "Sposare la Notte", il documento video di queste azioni, viene presentato a Parigi con un display site specific. Il ciclo di derive creato dall’artista g. olmo stuppia grazie all’invito nel Public Program del 59° Padiglione Italia dell’Esposizione della Biennale è composto da quattro momenti di estasi: Sacca San Mattia a Venezia, Arenella a Palermo, Brancaccio sempre sulla Costa Sud e finalmente nella profonda Laguna Nord. Il materiale rinvenuto durante i quattro episodi viene reinterpretato e “polverizzato” nel signorile appartamento di D&D a Parigi attraverso un dialogo intimo e serrato tra spazio. Producendo un nuovo corpo di microsculture, video, disegni e suono l’artista dialoga, tra le tenebre, con un’opera fotografica di Herman Nistch e Ali Cherri.
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Progetto finanziato grazie al contributo di Miur - PRIN 2017
Partners
Politecnico di Milano
Università degli studi Roma Tre
Università del Piemonte Orientale
Università di Scienze Gastronomiche di Pollenzo
EDITORE
Mimesis Edizioni
SELVARIO.
GUIDA ALLE PAROLE DELLA SELVA
a cura di Andrea Pastorello
Il Selvario è una raccolta di parole urticanti,
una guida per orientarsi nei lemmi della contemporaneità, una selva ulteriore entro la quale perdersi, trovarsi, sbranarsi. Il volume restituisce gli esiti di una call for paper bandita nell’ambito del Prin «SYLVA» dall’unità di ricerca dell’Università degli Studi di Genova.
COLLANA SYLVA
Progetto dell’Unità di ricerca dell’Università Iuav di Venezia nell’ambito del PRIN «SYLVA. Ripensare la “selva”. Verso una nuova alleanza tra biologico e artefatto, natura e società, selvatichezza e umanità». Call 2017, SH2. Unità di ricerca: Università degli Studi di Roma Tre (coordinamento), Università Iuav di Venezia, Università degli Studi di Genova, Università degli Studi di Padova.
Politecnico di Milano
07/04/2022 - 09/04/2022
In Corso d'Opera è un'iniziativa promossa e coordinata dai dottorandi di ricerca in Storia dell'Arte della Sapienza Università di Roma e si avvale del supporto e del patrocinio scientifico del Collegio dei Docenti del Dottorato di Ricerca in Storia dell'Arte e del Dipartimento SARAS. Nella convinzione dell'importanza del confronto e della circolazione dei saperi, le due giornate di studio si prefiggono di portare all'attenzione della comunità scientifica materiali, problemi e risultati delle ricerche in cui sono attualmente impegnati i dottorandi. Gli interventi sono raccolti in quattro sessioni tematiche e metodologiche che intendono offrire originali spunti di riflessioni e nuovi stimoli di approfondimento su argomenti che spaziano dal Medioevo alle più recenti manifestazioni e forme artistiche della contemporaneità
4 fotografi, 8 spazi indipendenti, 54 studi, 70 artisti italiani, 7 quartieri: questi gli elementi che compongono il volume e che testimoniano la vivacità dell’arte emergente nella capitale. Spazio In Situ, Post Ex, Off1cina, SPAZIOMENSA, Paese Fortuna, /Ombrelloni, Numero Cromatico e Castro sono i luoghi raccontati attraverso contributi fotografici e testuali, in un insieme polifonico e variegato su cui questa presentazione si propone di far luce.
sale del Cinquecentesco Palazzo Averoldi di Brescia, aperto appositamente per l’occasione, creando un contrasto tra la storicità del luogo e dei suoi affreschi e la contemporaneità delle opere e del mezzo espressivo adottato.
La prima parte del titolo della mostra, la parola “Quid”, termine latino utilizzato anche in italiano per indicare in modo generico “qualche cosa”, rimanda a un elemento indeterminato, non facilmente definibile. L’espressione “The Hidden”, presa in prestito dal dizionario inglese, significa letteralmente “che è nascosto”, e si riferisce al “Quid” come qualità e riferimento specifico.
“Qualche cosa, la quale è nascosta”.
Il nostro “protagonista Quid”, dunque, richiede di essere indagato da chi guarda, inducendo così una vera e profonda connessione tra opere e spettatore, ponendo quest’ultimo in una posizione attiva, in quanto la fruizione stessa avviene nell’ulteriorità del sentire, rispetto al conoscere e al descrivere.
“Quid the Hidden” svela la fluidificazione delle polarità come
ciò che rende possibile un incontro. All’interno delle video “rappresentazioni”, il collettivo ha sapientemente scelto di introdurre nella gestualità delle pose, così come nello styling e nel set design, alcuni “simboli” trasversali al tempo e alle culture. Gli “elementi-simbolo” si mostrano, a volte, in forma esplicita; altre, invece, celata visivamente in modo da poter essere re-interpretati per analogie piuttosto che per differenze.
I personaggi ed i “Quid” rappresentati si rivelano essere di
tipo iconico, radicati e insiti in noi come dogmi/archetipi, indipendenti dal mezzo e dalla fattezza al momento della restituzione: vengono chiamate in causa figure di tipo religioso, soggetti mitologici e personaggi delle favole. Ogni singolo “attore” si esplicita, in quanto tale, proprio grazie al modus operandi adottato dagli artisti di decontestualizzazione da riferimenti temporali, connotazioni vestimentarie e regole canoniche di rappresentazione.
La “pièce” di Quid the Hidden mette in scena, da un punto di vista tecnico, una importante rielaborazione della dimensione propria del mezzo espressivo del video, fondendo i campi d’azione della fotografia, del film e dell’arte figurativa in senso lato.
Solo Show by g.olmo stuppia feat. Hermann Nitsch e Ali Cherri
17 - 24 Ottobre 2022
Palazzo Magenta, Parigi
Durante la deriva del 7 maggio scorso, le persone hanno rinvenuto centinaia di pezzi di vetro di Murano, detriti, teschi di coniglio nell’isola artificiale di Sacca San Mattia, di notte, in barca e poi sbarcando a piedi e camminando. Parte di "Sposare la Notte", il documento video di queste azioni, viene presentato a Parigi con un display site specific. Il ciclo di derive creato dall’artista g. olmo stuppia grazie all’invito nel Public Program del 59° Padiglione Italia dell’Esposizione della Biennale è composto da quattro momenti di estasi: Sacca San Mattia a Venezia, Arenella a Palermo, Brancaccio sempre sulla Costa Sud e finalmente nella profonda Laguna Nord. Il materiale rinvenuto durante i quattro episodi viene reinterpretato e “polverizzato” nel signorile appartamento di D&D a Parigi attraverso un dialogo intimo e serrato tra spazio. Producendo un nuovo corpo di microsculture, video, disegni e suono l’artista dialoga, tra le tenebre, con un’opera fotografica di Herman Nistch e Ali Cherri.
THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
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THE "FOREIGN GAZE": PROCESSES OF TRANSCULTURATION IN CONTEMPORARY EUROPEAN LITERATURES AND ARTS
Progetto finanziato grazie al contributo di Miur - PRIN 2017
Partners
Politecnico di Milano
Università degli studi Roma Tre
Università del Piemonte Orientale
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