Department of Letters

Con questo volume Jelena Reinhardt propone una lettura originale e dalle mille sfaccettature dell’opera complessiva di Herta Müller, vincitrice del Premio Nobel per la Letteratura (2009). Affrontando il lavoro di Müller da prospettive diverse, sempre comunque interne alla sua stessa scrittura, Reinhardt scava a fondo nella poetica dell’Autrice portando in luce una fitta trama di relazioni tese e non prive di contraddizioni tra vicenda biografica, assunta da certa critica a paradigma della liberazione politica dal comunismo, rapporti familiari, condizione di multilinguismo, corporeità, questioni di genere, dinamiche della percezione e della memoria, senza trascurare la dimensione ideologica dell’opera di Müller. L’esercizio ermeneutico di Reinhardt offre al lettore la possibilità di cogliere la densa complessità della figura di Müller, una certa forza della sua scrittura, così come, a tratti, l’ombra di un’indubbia ambiguità.

È sorprendente la modernità dell’operazione compiuta nelle Satire d’immagine e poesia. Si tratta di 21 satire scritte a commento di altrettante fotografie e pubblicate nel corso del 1933 sul settimanale illustrato dei socialisti austriaci, «Der Kuckuck». Jura Soyfer, ispirandosi ad alcuni illustri predecessori come Karl Kraus e Kurt Tucholsky, e inserendosi nel dibattito delle Avanguardie degli anni Venti (Heartfield, Tretiakov, Brecht e Aragon) intorno alle applicazioni della fotografia, dà vita a un prodotto artistico unitario, che può essere considerato nel suo insieme come un fotomontaggio. Le parole intervengono sul senso delle immagini e viceversa, mostrando la complessità del reale come atto d’interpretazione. La capacità di saper cogliere i fermenti in atto è il tratto che più caratterizza questo giovane autore teatrale, romanziere, giornalista e poeta satirico, nato nel 1912 da genitori ebrei a Charcov in Ucraina e trasferitosi ancora bambino a Vienna. Dopo anni di militanza politica e un’intensa attività letteraria, catturato dai nazisti, morì a Buchenwald all’età di soli 26 anni.

"Fellini-Satyricon" è un film che sfugge alle consuete categorie di classificazione. Questo volume, pertanto, frutto di un convegno tenuto in occasione del quarantesimo anno dalla sua uscita, lo interroga incrociando diverse prospettive d'indagine, nel tentativo di superare le spiegazioni di comodo offerte dal regista, per portarne alla luce il sostrato nascosto. Giocando sul paradosso espresso da Fellini di aver girato un "film di fantascienza", gli autori s'interrogano sul suo rapporto col passato, vissuto come possibilità di liberare la realtà dell'inconscio. Incrociando le parole del regista e le scene del film, storici della letteratura, comparatisti e antichisti riflettono sui significati della narrazione e sulla peculiarità dei suoi sviluppi formali. Mentre alcuni interventi hanno ridefinito il senso del film anche attraverso l'indagine delle reazioni suscitate alla sua uscita, altri percorrono la via interna all'opera costituita dalla poetica del dettaglio, suggerita obliquamente da Fellini stesso. Emerge così, a dispetto delle molteplici dichiarazioni del regista, un film profondamente intimo e vissuto, dall'intensa tonalità affettiva, espressa anche mediante lo spazio concesso alle dinamiche dell'inconscio, la cui operazione artistica consiste nella libera ricomposizione dei frammenti emersi dal sottosuolo dell'anima e della storia. Proprio da tale ricomposizione nasce la possibilità di raccontare, unica eventualità di eludere illusoriamente la morte.

I saggi di questo volume collettaneo trattano delle difficoltà di affer­marsi, ma anche della grande originalità di scrittrici nel campo della poesia, della prosa e del teatro in un arco di tempo e di culture che va dalla Grecia di Saffo alla Roma antica, dal Cinquecento francese al Seicento spagnolo, dal Settecento inglese all’Otto e Novecento tede­sco e americano, presentando un quadro di letterature comparate al femminile quanto mai interessante, variegato e di rara competenza.

Goethe & company Collana di studi germanistici e comparati 4 Il nome della collana già contiene il suo programma: non solo vuole diffondere, esplorare, passare al vaglio critico la letteratura di lingua tedesca, ma si prefigge anche di aprirsi al mondo, seguendo in questo il cosmopolitismo dello stesso Goethe, che disse a Eckermann: «Letteratura nazionale, oggigiorno, vuol dire poco. È giunto il momento di una letteratura universale». E infatti, la "compagnia" di Goethe era composta da autori di tanti paesi e, se vivesse oggi, ne siamo convinti, comprenderebbe non poche scrittrici. A ciò corrisponde l'inclusione dei gender studies e degli studi comparati fra le priorità di questa collana.

For Elias Canetti comedy was always an important tool to express himself. But in his works, besides the link to comic, laughter has also a terrible, uncanny and creepy appearance. This disquieting side of laughter often leads to unheard of violence on the edge of madness. Canetti goes back to the archaic essence of laughter and shows the deep similarities with the act of eating. He considers the gesture of gulping down food as an act of incorporation, that is the first form of power and oppression. This type of humor finds an expression in different stylistic features of the grotesque. Through the analysis of some of his works, especially of his theatre plays and his novel Auto da fé, it clearly appears that the grotesque of Canetti is closely linked to the idea of mask. In this regard, Canetti's definition of "acoustic mask" is by now well known. However, of great interest is the study of his literary production in the light of a more complex meaning of the term mask, as the author himself points out in his anthropological essay Crowds and power, where alongside the acoustic elements he also includes visual ones. In this way, the broader concept of "grotesque mask" can be defined. This approach gives evidence of Canetti's debt, not only towards acoustic elements related to his stay in Vienna and to the influence of his great idol Karl Kraus, but also to the visual arts and, especially, to Brueghel and Goya. In sum, the grotesque masks show their inability to communicate not only in a verbal sense, but especially through their body language, as they are totally unable to touch each other in any way. Keywords Canetti; Grotesque; Mask Full Text: PDF References Bachtin, Michail, Tvorčestvo fransua Rable i narodnaja kul'tura srednevekov'ja i Renessansa, Engl. transl.

The long collaboration of Max Reinhardt with Hugo von Hofmannsthal was essential for their artistic development: a considerable part of Hofmannsthal's plays would be unthinkable without the impulse and the influence of the theatre director, as well as some of the most brilliant moments in Reinhardt's repertoire are marked by works created by the playwright. Moreover, this partnership has given rise to a significant renewal of theatrical language, which starts from the shared background of Vienna and then develops, at least in a first phase, in Berlin. By analysing their common work and reflections on theatre, it can be shown, how this radical change mainly takes place on a visual level, within which the ideas of truth and lies, inevitably perceived in a different way in the two cities, assume a very peculiar role. Since ancient times, the metaphor of truth is connected to light, however, the introduction of electric lighting in theatres, redefining the gestures of seeing, consequently modifies the concept of truth and revolutionises the forms of its representation. In particular, Reinhardt proposes a mainly visual style: he moves from the supposed true copy of reality, which portrays the world as a black and white picture in the manner of naturalists, to a reality that contemplates also dreams and imagination, whose truth is depicted through the language of colours.

In his works, Moravia refers to the melancholic condition by using different names: despair, boredom, emptiness, nothingness, unreality. In this regard, particularly interesting is the idea expressed in his novel of maturity, entitled 1934, which consists in stabilizing despair in order to consider melancholy as a normal condition of existence thanks to the creative and therapeutic function of writing. In the novel, the twenty-seven years old protagonist, Lucio, an aspiring writer, who indeed shares many similarities with the young Moravia, needs to wear ‘melancholic glasses’ to be able to see beauty around him. The lenses of these glasses show the world filtered by the German cultural tradition, from which Moravia draws fully, especially from Goethe, Dürer, Kleist and Nietzsche. However, even more fascinating is the network that Moravia intertwined with a great master of the representation of melancholy, Thomas Mann. The present paper aims to point out this dialogue, hidden among the folds of the most ‘German’ text ever written by Moravia.