Vagner Godói

Desde os anos 2000, manifestam-se com mais ocorrência na arte contemporânea preocupações como a participação do público, a criação de espaços independentes de reflexão, a ocupação da cidade, a discussão de políticas públicas e o questionamento crítico político sobre os eventos mais urgentes da sociedade, a partir da aproximação com movimentos ativistas e comunitários. Faz parte desse fenômeno a estratégia dos artistas de se utilizarem dos processos educacionais e de investigação, em associação com outros campos do conhecimento. É clara a influência do conjunto teórico de pensadores como Paulo Freire, Ivan Illich e Jacques Rancière para a autonomia e a horizontalidade dessas proposições, assim como para uma ideia mais geral de emancipação, que acompanha a participação, a colaboração e a formação de comunidades, sobretudo para o período artístico de 2000 a 2013, na perspectiva colocada aqui. A partir da historiografia da arte, este artigo apresenta uma discussão sobre obras de arte educacionais de artistas que trabalham fora de coletivos, mas de forma coletiva, tais como Sarah Pierce, Henriette Heise e Jakob Jakobsen, Jorge Menna Barreto, Ricardo Basbaum, Fábio Tremonte e Graziela Kunsch, importantes para a construção de espaços de conversa crítica e imaginários políticos.

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From the 2000s onwards, concerns such as public participation, creating independent spaces for discussion and reflection, city occupation, discussing public policies and critical political questioning of the most urgent events in society have been manifested in contemporary art based on creating discursive and collaborative spaces and approximation with activist and community movements. Part of this phenomenon stems from artists’ strategies to make use of educational and research processes linked to other fields of knowledge. The influence of the theoretical works by thinkers such as Paulo Freire, Ivan Illich and Jacques Rancière is clear considering the autonomy and horizontality of these propositions, as well as a more general idea of emancipation, which accompanies participation, collaboration, and the formation of communities, especially for the artistic period from 2000 to 2013, in the perspective presented here. Based on art historiography, this article presents a discussion on educational works of art by artists who do not work within collectives but collectively, such as Sarah Pierce, Henriette Heise and Jakob Jakobsen, Jorge Menna Barreto, Ricardo Basbaum, Fábio Tremonte and Graziela Kunsch, important for constructing spaces for critical conversation and political imaginaries.

Este texto apresenta a pesquisa sobre o primeiro programa brasileiro, e um dos primeiros do mundo, com área de concentração voltada à criação do artista: a área de “Poéticas Visuais” pertencente ao Programa de Pós-graduação em Artes Visuais da Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo (ECA-USP), estabelecido no ano de 1974. O estudo, que pretende contribuir para a compreensão das relações entre a história das escolas superiores de arte e a história recente da arte no Brasil, avança em relação ao contexto internacional de desenvolvimento da arte contemporânea, já que a pesquisa artística é uma das características mais importantes da arte desde os anos 1970.

Resumo

O presente texto desenvolve um panorama historiográfico e ensaístico sobre a Metodologia do Projeto de Design com recorte na formação de abordagens metodológicas contemporâneas, como é o caso do Design Thinking. Esse percurso inicia-se com o estabelecimento da área de Design como uma disciplina de pesquisa, designando a importância dos teóricos Bruce Archer e John Christopher Jones (Chris Jones) para essa discussão. Em um primeiro momento, a sistematização dos processos mostrou-se excessivamente racionalista e cientificista, e muitos foram os esforços para equilibrar dois âmbitos de disputa muito caros ao Design: a criatividade e a formalização dessa criatividade através da solução de problemas. Atualmente, as metodologias encaminham-se para uma abordagem múltipla, iterativa e estratégica baseada em ferramentas, assim como para seu uso colaborativo, centrado no ser humano e realizado a partir de comunidades criativas.

Abstract

The current text develops a historiographical and essayistic panorama about Design Methodology, focusing on the shaping of contemporary methodological approaches, such as Design Thinking. The narrative begins with the establishment of Design as a research discipline, highlighting the importance of theorists Bruce Archer and John Christopher Jones (Chris Jones) to this discussion. At first, the systematization of processes was excessively rationalistic and scientificist, but then there was an effort to balance two areas of dispute that are important for Design: creativity and the formalization of this creativity through problem solving. Currently, methodologies are moving towards a multiple, iterative, and strategic approach based on tools, as well as towards their collaborative use, the human-centered design, and creative communities.

O pioneirismo em defesas de produção artística do Programa de Pós-graduação em Artes Visuais da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (PPGAV/ECA/USP), criado em 1974, e o grande número de artistas-pesquisadores nos diversos programas que atualmente contemplam a pesquisa do artista colocam o caso brasileiro como um dos primeiros e mais consistentes do mundo, ao lado dos exemplos britânico e japonês. O propósito deste artigo é aproximar o pioneirismo brasileiro da pesquisa em arte do fenômeno recente da “artistic research”.
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The pioneering nature of the studies on artistic production in the Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (PPGAV/ECA/USP), created in 1974, and the large number of artist-researchers in the various programs currently developing artist research, make the Brazilian case one of the first and more consistent in the world, next to the British and Japanese examples. The purpose of this paper is to bring the pioneering nature of Brazilian “pesquisa em arte” closer to the recent phenomenon of artistic research.

O artigo discorre sobre o funcionamento de Você gostaria de participar de uma experiência artística?, de Ricardo Basbaum, com o objetivo de ressaltar a linha poética da pesquisa artística presente na obra deste artista. A obra de pesquisa é um processo de longa duração, tem um funcionamento que se desdobra no tempo, e resulta na criação de muitos conceitos de artista, que se espalham por um sistema complexo composto de várias partes, como objetos, diagramas, ideias, estruturas, conversas etc. Pode-se dizer que a obra de Ricardo Basbaum é uma obra de pesquisa, não só por estar relacionada com a universidade, mas também porque leva a pesquisa artística para variados circuitos artísticos.
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This paper discusses the functioning of Ricardo Basbaum’s Would you like to participate in an artistic experience?, with the aim of highlighting the poetic line of the artistic research present in the artist’s work. The artwork of research is a long-term process, whose functioning develops with time and results in the creation of many artist concepts, which spread throughout a complex system composed of many parts, such as objects, diagrams, ideas, structures, conversations etc. It is possible to say that the work of Ricardo Basbaum is an artwork of research, not only because it is connected to academia but also because it takes artistic research to various art circuits.

Ricardo Basbaum e Jorgge Menna Barreto são artistas, pesquisadores e professores universitários, têm um corpo teórico consistente de textos, incluindo dissertação e tese, se engajam em publicações, oficinas e palestras. Eles ilustram a conexão entre a universidade e os mais variados circuitos da arte através da educação e da pesquisa, até o momento em que essas questões não são apenas condições institucionais, mas são, antes, qualidades constitutivas de seus projetos poéticos. Assim, o propósito deste estudo, a partir de uma perspectiva historiográfica da arte, é delimitar a importância para a arte contemporânea das linhas poéticas tanto da educação quanto da pesquisa, ambas parte de um fenômeno maior de interesse da arte sobre o conhecimento.

Este artigo propõe uma reflexão renovada sobre a pesquisa do artista, institucionalizada na universidade e considerada uma das qualidades mais proeminentes da arte contemporânea. O texto aproxima o contexto brasileiro do internacional, de modo a conciliar a pesquisa artística universitária com a ideia de pesquisa artística que é intrínseca à obra de arte.
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This paper proposes a renewed reflection about artists’ research, academically institutionalized and considered one of the prominent qualities of contemporary art. This text approach a close perspective by both Brazilian and international contexts, in order to conciliate academic artistic research with the idea of artistic research intrinsic to the work of art.

Projetos poéticos do século 21 não se apegam a tradições, rótulos, palavras-chave, linhagens ou histórias de perspectiva única. Ao contrário, fazem cruzar linhas poéticas das mais variadas, em múltiplas conexões, sobretudo através da pesquisa. O presente artigo (ou resenha) pretende falar de uma arte que tem o privilégio na discursividade, no texto e no pensamento. Movendo-se entre a produção artística e a produção acadêmica, “Dissertação: a obra como lugar do texto, o texto em lugar da obra", dissertação de mestrado de Carla Zaccagnini, de 2004, com grande relevância para a arte brasileira recente, é ao mesmo tempo obra de arte e teoria de artista. Na dissertação, a artista faz a leitura de quatro obras de arte realizadas por ela entre 2001 e 2004: Restauro, Panorama, Bibliografia e Dissertação. Essas obras encontram-se dispostas de forma espalhada, fragmentada, difusa e distribuída, localizadas nas “camadas textuais” da pesquisa artística.
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Poetic projects of the 21st century do not cling to traditions, labels, keywords, lineages or single perspective stories. Conversely, they cross different poetic lines, in multiple connections, mainly through research. This article (or review) intends to approach an art that has the privilege in discursiveness, in the text and in the thought. Moving between artistic production and academic production, "Dissertation: the Work as Place of Text, Text in Place of Work" (“Dissertação: a obra como lugar do texto, o texto em lugar da obra”), Carla Zaccagnini's Master's Dissertation, 2004, with great relevance to recent Brazilian art, is both a work of art and an artist's theory. In the dissertation, the artist reads four works of art she has done between 2001 and 2004: Restoration (Restauro), Panorama, Bibliography(Bibliography) and Dissertation (Dissertação). These works are arranged in a spread, fragmented, diffused and distributed way, located in the "textual layers" of artistic research.

O artigo investiga a Pesquisa de Inclinação Política feita pelo Artista, uma das linhas poéticas que foram desenvolvidas pela 32ª Bienal de São Paulo, “Incerteza Viva”. A Pesquisa em Arte é uma imagem para a Arte de Agora, sendo desenvolvida em universidades ou de forma independente e exibida e discursada em exposições. Artistas como Jorge Menna Barreto, Maria Thereza Alves, Ruth Ewan e Hito Steyerl trazem o modo de fazer da Pesquisa em Arte para dentro de seus projetos poéticos. Em muitos casos, esse modo acontece a partir da instalação, no projeto poético, de um campo de debates políticos atuais: questões ecológicas, raciais, de gênero, de imigração, de crítica ao mercado da arte etc., mas, sobretudo, acerca dos impasses político-econômicos recentes. - Palavras-chave: Pesquisa em arte; pesquisa artística; arte política; 32ª Bienal de São Paulo; arte brasileira de agora.
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This article investigates the Research of Political Inclination made by the Artist, one of the poetic lines that was developed by the 32nd Bienal de São Paulo, "Incerteza Viva"("Uncertainty Live"). The research in Art is an image for the Art of Now, which can be developed in universities or independently, and can be also exhibited and discussed in exhibitions. Artists such as Jorge Menna Barreto, Maria Thereza Alves, Ruth Ewan and Hito Steyerl bring the way of doing of Art Research into their own poetic projects. In many cases, this way is done with the installation of, in the poetic project, a field of current political debates: ecological issues, racial, gender, immigration, criticism of the art market etc., but, above all, about the recent political-economic impasses. - Keywords: Research-based art; artistic research; political art; 32nd Bienal de São Paulo; Brazilian contemporary art.

A partir dos anos 2000 começa a haver um interesse aumentado dos artistas por abordagens discursivas em Obras de Arte ou projetos artísticos, sobretudo em torno de questões sociais e coletivas em que as Linhas Poéticas da Escola e da Pesquisa ficam mais evidentes. Algumas obras têm o enfoque participativo, social e político de uma escola, universidade ou grupo de pesquisa, enquanto outras trabalham também a materialidade dos objetos do professor e do pesquisador (etnógrafo, historiador, sociólogo etc.). Neste ponto, muitas Linhas Poéticas entrelaçam-se para formar poéticas específicas de artistas: o texto teórico sobre a página em branco, a conversa entre professores e alunos, a cor da história nos arquivos e nos livros. - Palavras-chave: Virada Educacional, Pesquisa em Arte, Cor Histórica, Arquivo, Arte de Agora. [From the 2000s, artists’ interest in discursive approaches to works of art or artistic projects increased, especially around social and collective issues in which the poetic lines of school and research are more evident. Some works have the participatory, social and political emphasis of a school, university or research group, while others also work on the materiality of the objects of the teacher and the researcher (ethnographer, historian, sociologist etc.). At this point, many poetic lines intertwine to form specific poetics of artists: the theoretical text on the blank page, the conversation between teachers and students and the color of the history in the photographs, files and books. - Keywords: Educational Turn, Artistic Research, Historical Color, File, Contemporary Art.]

A Estética do Funcionamento, como uma proposta para a Arte de Agora, fala da interconexão e da diagramação de Objetos. Para a Arte de Agora, já não importa saber se a composição é da ordem da imagem poética, do signo, da tag, do link, da máquina, da colagem, do abstrato, da figura, do objeto-técnico, do objeto-mercadoria, do objeto-signo, da construção, do ready-made, da coisa, da matéria, do sujeito, do personagem, do ponto luminoso, da idéia, da máquina. Não deveria haver privilégio de nenhum sobre o outro. Porque tudo isso, para nós, são Objetos que se conectam, funcionam na arte, fazem sentido em uma História (Projeto Poético de determinado artista, Obra de Arte específica, Constelação). Verificamos na Arte de Agora (Arte Contemporânea ou Arte Tecnológica) várias Obras e artistas que transformam a noção de Máquina (Estética da Maquina) na noção de Diagrama (Estética do Funcionamento), e se utilizam dos Objetos, independente do meio, material ou grau tecnológico. - Palavras-chave: Objeto, História, Diagrama, Funcionamento, Arte Contemporânea [The Aesthetics of Functioning, as a proposition for the Art of Now, speaks of the interconnection and diagramation of Objects. To the Art of Now, it’s already not relevant to know if the composition is of the same nature of the poetical image, technical-object, commodity-object, sign-object, sign, tag, link, collage, abstract, figure, ready-made, thing, matter, subject, character, idea, machine. There shouldn’t be privilege of one over the other, for all this, to us, are Objects that connect to each other, function in art, make sense in a History (Poetical Project of an artist, specific Art Work, constellation). We verify in the Art of Now (Contemporary Art or Technological Art) many works and artists who transform the notion of Machine (Machine Aesthetics) into notion of Diagram (Functioning Aesthetics), and make use of Objects, regardless of medium, material or technological degree. - Keywords: Object, History, Diagram, Functioning, Contemporary Art]

Podemos caracterizar duas direções que o envolvimento da arte com o biológico tomou. A primeira confere à  máquina uma forma ou qualidade humana. Este antropomorfismo tenta simular ou imitar o humano ou biológico conferindo qualidades humanas à máquina. Hiper-realidade e simulação. Este é o caso do autômato, do robô, dos pseudo-robôs de Eduardo Paolozzi e da Inteligência Artificial – em que o comportamento do biológico é simulado em computadores. A outra direção é a que confere uma forma ou qualidade maquiniza ao que é humano. A maquinização do corpo humano em Oskar Schlemmer e Fernand Léger, a inserção da máquina no ser vivo ou a modificação cubista ou cirúrgica das formas humanas. A virtualização operada pela técnica volta ao corpo. O movimento que coloca o corpo na tecnologia é invertido para o movimento que coloca a tecnologia no corpo.

Este artigo discute a valoração do grau tecnológico pela Arte, no limite entre o poder dos dispositivos e a potência poética. O começo do século XX viu surgir, com as vanguardas, uma confusão entre evolução tecnológica e evolução estética. A confusão nasce no momento em que a arte passa a ser percebida como reflexo da tecnologia e da sociedade, com um sentimento de desnível frente os novos produtos da máquina, agora adorada e idolatrada. Por outro lado, a tecnologia não demora muito para tornar-se obsoleta, e a importância da máquina desloca-se para o imaterial e sobre as mudanças nos modos de vida e de percepção.

O que se equivoca agora é a concepção modernista de vanguarda, que está próxima da idéia de progresso, e é caracterizada pelos pontos de vista únicos e centrais presentes nas noções de manifesto e de movimento: com isso surgem ou são reafirmados outras noções, como de diluição, conexão, hibridização, jogos de linguagem, complexificação, multiplicidades, polifonia, heterogeneidade.

A obra e o pensamento de Stelarc exibem, de forma clara, uma preocupação com a linha divisória situada entre o sujeito e o objeto, entre o interior e o exterior do corpo. Para ele, existe uma tendência ao apagamento desses limites e, mais ainda, a uma dessubjetivação da arte e do ser humano. A existência de uma racionalidade ligada aos objetos e à técnica, em contraposição às irracionalidades do corpo e da expressão, é tópico importante da arte tecnológica de agora, além de ser uma característica antiga da arte.

A conversa com Jorgge Menna Barreto, artista-pesquisador e atualmente professor da Universidade da Califórnia Santa Cruz (UCSC), aconteceu no dia 9 de fevereiro de 2017, momento após sua participação na 32ª Bienal de São Paulo. Para a mostra, o artista criou Restauro, um restaurante que servia pratos feitos com legumes, hortaliças, frutas e matinhos comestíveis de agroflorestas. Restauro é resultado de uma trajetória de pesquisa mais ampla, que se desenvolve a partir de questionamentos sobre as relações entre público, lugar, educação, instituição e obra de arte; a pesquisa artística e a situação do artista na academia; e sobre estratégias de site- -specificity ampliadas para as relações entre paisagem, meio ambiente e alimento.

O estudo se debruçou sobre os significados poéticos e institucionais da pesquisa artística, um fenômeno da arte sobre o conhecimento que se intensifica a partir dos anos 2000 e que é uma das características mais expressivas da arte contemporânea. Um primeiro aspecto desse fenômeno é o da institucionalização, pois, em países como Holanda, Áustria, Suécia, Suíça e Portugal, houve a transformação das academias e escolas superiores de arte em universidades, na sequência da Declaração de Bolonha, um acordo firmado em 1999 para a padronização dos sistemas de ensino entre os países integrantes da União Europeia. Assim, a pesquisa, uma das atividades fundamentais da universidade, passou a ser uma nova atribuição dessas academias, gerando um grande número de debates e publicações no mundo todo. No entanto, a pesquisa artística na universidade vem ocorrendo de forma pioneira em países como Brasil, Reino Unido, Japão, França e Austrália. O caso brasileiro é uma das experiências mais consistentes e duradouras em todo o mundo, pelo reconhecimento e financiamento das agências de fomento, pelo grande número de doutores formados, e pela quantidade de programas de pós-graduação estabelecidos. O segundo aspecto importante desse fenômeno é o interesse renovado dos artistas pela pesquisa, pela reflexão teórica e pelo conhecimento, algo que pode ser constatado em grandes mostras recentes, como a Documenta 13, de 2012, e a 32ª Bienal de São Paulo, de 2016. Muitos artistas se reconhecem através da imagem do pesquisador e criam obras de arte em relação a outros campos do conhecimento, tais como a História, os Estudos Culturais, a Antropologia, o Urbanismo e a Ecologia, em preocupações urgentes da atualidade. Para refletir sobre os problemas que moveram esta tese, que são: a) multiplicidade de significados e nomenclaturas que a pesquisa do artista provoca; b) a transformação do artista-professor em artista-pesquisador; e c) a dupla movimentação do fenômeno da pesquisa artística que se dá tanto institucionalizada na universidade quanto de forma poética na obra de arte, tomamos de exemplos a produção dos artistas brasileiros Jorge Menna Barreto e Ricardo Basbaum. Eles são artistas-pesquisadores e professores da universidade pública, autores de textos importantes para a arte brasileira na forma de artigos, dissertações e teses, e são parte de uma geração que não faz distinção entre as atividades de pesquisa e de educação realizadas na universidade daquelas promovidas em outros circuitos. Por último, gostaríamos de ressaltar a contribuição mais importante desta tese que foi aproximar, por meio da trajetória desses dois artistas, o fenômeno internacional da pesquisa artística com o pioneirismo do primeiro programa brasileiro de pós-graduação em Arte, criado na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA-USP) nos anos 1970, sendo a artista Regina Silveira a primeira artista doutora a se formar por essa escola.

Essa pesquisa tem como objetivo mais direto falar sobre a máquina na arte de agora como uma proposta para a arte que vem. A máquina na era dos computadores e da Internet é a máquina da informação. Antes pesada e monstruosa, ela fica mais próxima do ser humano e se torna uma idéia, uma abstração, diagramas e números, um problema ou uma poesia. Deste modo é que exibimos e fazemos funcionar alguns questionamentos e pensamentos sobre a máquina na arte. A forma que a tecnologia deve possuir é trabalho da lógica interna das técnicas, mas pode ser também da imaginação de artistas. A tecnologia como um problema, abstração ou idéia é, para a arte, mais importante do que os seus produtos. O artista, além de refletir em sua arte o que existe no mundo, tem a capacidade de agir junto no mundo. O valor de uma obra de arte tecnológica não deve residir na tecnologia em si mesma, porém nos movimentos criativos da arte sobre a tecnologia. Desta maneira, não há superioridade de uma arte que usa tecnologia, independente do grau desta, sobre uma outra que não usa, ainda que existam dois discursos na arte de agora que em certa medida se confrontam: o da assim chamada arte contemporânea, que sente a falta de poesia ou conteúdo nas obras da arte tecnológica; e o da arte tecnológica, que se coloca num patamar superior às assim denominadas “artes tradicionais”. Não existe progresso artístico e não há uma evolução dos estilos conforme o progresso tecnológico: em arte não há progresso nem regresso, mas criação, complexidade, transformação e abertura. Da mesma forma que para a arte de vanguarda noções como belo, história e origem já não tinham tanta importância, a arte de agora coloca de lado as noções de manifesto e movimento. A arte de agora é feita da aceleração, acúmulo e esquecimento de obras e artistas, dentro de uma interconectividade, presentificação, saturação e complexidade crescentes. A confusão sobre certas produções serem arte ou outra coisa – cotidiano, ciência, política, tecnologia – leva-nos ao seguinte problema: há um limite ou deveria haver importância no limite entre duas coisas quando estas se conectam? É por isso que para nós, o conceito de objeto tem um sentido mais amplo, já que é máquina, signo, objeto técnico e imagem poética, sempre em estado de conexão. E a arte consistente, ou um projeto poético que está de acordo com a nossa época, deve ser pesquisa: estética e científica. - Palavras-chave: Movimentos de Vanguarda, Estética da Máquina, Estética do Funcionamento, Arte de Agora, Arte Tecnológica, Arte Contemporânea, Objeto. [The aim of this study is to discuss the machine in current art as a proposition for upcoming art. The machine in the age of computers and internet is the information machine. Before, heavy and monstruous, it now comes closer to the human being and becomes an idea, an abstraction, diagrams and numbers, a problem or poetry. This way we exhibit questioning and thoughts about the machine in art and make them function. The shape technology presents is work of the internal logic of techniques, but it can also be result of the artist’s imagination. Technology as an issue, object or idea is, to art, more important than its products. The artist, besides reflecting in his art what exists in the world, has the capacity to act in the world. The value of technological work of art doesn’t reside in technology itself, but in the creative movements of art on technology. Thus, there is no superiority of an art that uses technology, regardless of its degree, over another that doesn’t use it, even considering two existing discourses in present art which are opposite to a certain degree: the discourse of the so-called contemporary art that feels the absence of poetry or content in technological artwork, and that of technological art, which is put at a superior level in comparison to “traditional art”. There’s no artistic progress and there’s no evolution of styles according to technological progress: in art there’s no progress or regress, but creation, complexity, transformation and openness. In the same way that for the avant-garde art notions such as beauty, history and origin already didn’t carry so much importance, current art is made from acceleration, accumulation and oblivion of works and artists, within increasing interconnectivity, presentification, saturation and complexity. The confusion about certain productions being or not art or something else – daily life, science, politics, technology – leads us to an issue: is there a limit or shouldn’t there be an importance in the limit between two things when they are connected? That’s the reason why the concept of object has a wider meaning, as it is machine, sign, technical object and poetic image, always in state of connection. And consistent art, or a poetical project that is in accordance with our epoch, must be research: aesthetic and scientific. - Keywords: Avant-garde Movements, Machine Aesthetics, Functioning Aesthetics, Contemporary Art, Technological Art, Contemporary Art, Object.]

A OBRA DE PESQUISA É UMA OBRA DE ARTE:
-> complexa e sistêmica
-> aberta e instável
-> diagramática e esquemática
-> criada e exibida em vários lugares, artísticos e não artísticos
-> que guarda a imagem dos outros campos do conhecimento, dos quais se apropria ou com os quais se associa
-> que se constitui de diversos dispositivos, inclusive tradicionais
-> composta de várias partes espalhadas e distribuídas no espaço e no tempo
-> esquematizada como um projeto (poético) de pesquisa, em que são lançadas as bases teóricas da pesquisa artística em desenvolvimento, processo que
é esquematizado segundo um sistema conceitual organizado em tópicos e conjunto de ideias
-> composta de conexões e associações, linhas de pensamento e objetos, experiências e experimentos, ações e atividades, participações e colaborações, trabalhos e exercícios, processos de pesquisa acadêmica e artística, fluxos de energia e movimentos
-> que apresenta um funcionamento próximo ao da pesquisa e da teoria, enquanto projeto poético transdisciplinar e colaborativo, onde podem participar o público e diversos artistas, grupos e pesquisadores
-> composta, muitas vezes, de problemas, hipóteses, objetivos, fundamentação teórica, em proximidade com a pesquisa acadêmica, aproveitando-se, de forma poética, de seus protocolos, visualidades e métodos
-> composta por todas as partes integrantes de um trabalho em curso, num processo que se estabelece a partir da rede, onde não só a autoria é diluída em decorrência da colaboração entre artistas e pesquisadores das mais diversas áreas, mas a própria
obra de arte passa a não ser mais considerada como um produto indivisível e, no limite, como aquilo que é exibido em uma exposição de arte
-> que coloca o problema da exibição da complexidade, da imaterialidade, da discursividade e da temporalidade dos processos de pesquisa

Projetos poéticos do século 21 não se apegam a tradições, rótulos, palavras-chave, linhagens ou histórias de perspectiva única. Ao contrário, fazem cruzar linhas poéticas das mais variadas, em múltiplas conexões, sobretudo através da pesquisa. O presente artigo (ou resenha) pretende falar de uma arte que tem o privilégio na discursividade, no texto e no pensamento. Movendo-se entre a produção artística e a produção acadêmica, “Dissertação: a obra como lugar do texto, o texto em lugar da obra", dissertação de mestrado de Carla Zaccagnini, de 2004, com grande relevância para a arte brasileira recente, é ao mesmo tempo obra de arte e teoria de artista. Na dissertação, a artista faz a leitura de quatro obras de arte realizadas por ela entre 2001 e 2004: Restauro, Panorama, Bibliografia e Dissertação. Essas obras encontram-se dispostas de forma espalhada, fragmentada, difusa e distribuída, localizadas nas “camadas textuais” da pesquisa artística.

O artigo investiga a Pesquisa de Inclinação Política feita pelo Artista, uma das linhas poéticas que foram desenvolvidas pela 32ª Bienal de São Paulo, “Incerteza Viva”. A Pesquisa em Arte é uma imagem para a Arte de Agora, sendo desenvolvida em universidades ou de forma independente e exibida e discursada em exposições. Artistas como Jorge Menna Barreto, Maria Thereza Alves, Ruth Ewan e Hito Steyerl trazem o modo de fazer da Pesquisa em Arte para dentro de seus projetos poéticos. Em muitos casos, esse modo acontece a partir da instalação, no projeto poético, de um campo de debates políticos atuais: questões ecológicas, raciais, de gênero, de imigração, de crítica ao mercado da arte etc., mas, sobretudo, acerca dos impasses político-econômicos recentes. - Palavras-chave: Pesquisa em arte; pesquisa artística; arte política; 32ª Bienal de São Paulo; arte brasileira de agora. [This article investigates the Research of Political Inclination made by the Artist, one of the poetic lines that was developed by the 32nd Bienal de São Paulo, "Incerteza Viva"("Uncertainty Live"). The research in Art is an image for the Art of Now, which can be developed in universities or independently, and can be also exhibited and discussed in exhibitions. Artists such as Jorge Menna Barreto, Maria Thereza Alves, Ruth Ewan and Hito Steyerl bring the way of doing of Art Research into their own poetic projects. In many cases, this way is done with the installation of, in the poetic project, a field of current political debates: ecological issues, racial, gender, immigration, criticism of the art market etc., but, above all, about the recent political-economic impasses. - Keywords: Research-based art; artistic research; political art; 32nd Bienal de São Paulo; Brazilian contemporary art.]

A partir dos anos 2000 começa a haver um interesse aumentado dos artistas por abordagens discursivas em Obras de Arte ou projetos artísticos, sobretudo em torno de questões sociais e coletivas em que as Linhas Poéticas da Escola e da Pesquisa ficam mais evidentes. Algumas obras têm o enfoque participativo, social e político de uma escola, universidade ou grupo de pesquisa, enquanto outras trabalham também a materialidade dos objetos do professor e do pesquisador (etnógrafo, historiador, sociólogo etc.). Neste ponto, muitas Linhas Poéticas entrelaçam-se para formar poéticas específicas de artistas: o texto teórico sobre a página em branco, a conversa entre professores e alunos, a cor da história nos arquivos e nos livros. - Palavras-chave: Virada Educacional, Pesquisa em Arte, Cor Histórica, Arquivo, Arte de Agora. [From the 2000s, artists’ interest in discursive approaches to works of art or artistic projects increased, especially around social and collective issues in which the poetic lines of school and research are more evident. Some works have the participatory, social and political emphasis of a school, university or research group, while others also work on the materiality of the objects of the teacher and the researcher (ethnographer, historian, sociologist etc.). At this point, many poetic lines intertwine to form specific poetics of artists: the theoretical text on the blank page, the conversation between teachers and students and the color of the history in the photographs, files and books. - Keywords: Educational Turn, Artistic Research, Historical Color, File, Contemporary Art.]

A Estética do Funcionamento, como uma proposta para a Arte de Agora, fala da interconexão e da diagramação de Objetos. Para a Arte de Agora, já não importa saber se a composição é da ordem da imagem poética, do signo, da tag, do link, da máquina, da colagem, do abstrato, da figura, do objeto-técnico, do objeto-mercadoria, do objeto-signo, da construção, do ready-made, da coisa, da matéria, do sujeito, do personagem, do ponto luminoso, da idéia, da máquina. Não deveria haver privilégio de nenhum sobre o outro. Porque tudo isso, para nós, são Objetos que se conectam, funcionam na arte, fazem sentido em uma História (Projeto Poético de determinado artista, Obra de Arte específica, Constelação). Verificamos na Arte de Agora (Arte Contemporânea ou Arte Tecnológica) várias Obras e artistas que transformam a noção de Máquina (Estética da Maquina) na noção de Diagrama (Estética do Funcionamento), e se utilizam dos Objetos, independente do meio, material ou grau tecnológico. - Palavras-chave: Objeto, História, Diagrama, Funcionamento, Arte Contemporânea [The Aesthetics of Functioning, as a proposition for the Art of Now, speaks of the interconnection and diagramation of Objects. To the Art of Now, it’s already not relevant to know if the composition is of the same nature of the poetical image, technical-object, commodity-object, sign-object, sign, tag, link, collage, abstract, figure, ready-made, thing, matter, subject, character, idea, machine. There shouldn’t be privilege of one over the other, for all this, to us, are Objects that connect to each other, function in art, make sense in a History (Poetical Project of an artist, specific Art Work, constellation). We verify in the Art of Now (Contemporary Art or Technological Art) many works and artists who transform the notion of Machine (Machine Aesthetics) into notion of Diagram (Functioning Aesthetics), and make use of Objects, regardless of medium, material or technological degree. - Keywords: Object, History, Diagram, Functioning, Contemporary Art]

Podemos caracterizar duas direções que o envolvimento da arte com o biológico tomou. A primeira confere à máquina uma forma ou qualidade humana. Este antropomorfismo tenta simular ou imitar o humano ou biológico conferindo qualidades humanas à máquina. Hiper-realidade e simulação. Este é o caso do autômato, do robô, dos pseudo-robôs de Eduardo Paolozzi e da Inteligência Artificial – em que o comportamento do biológico é simulado em computadores. A outra direção é a que confere uma forma ou qualidade maquiniza ao que é humano. A maquinização do corpo humano em Oskar Schlemmer e Fernand Léger, a inserção da máquina no ser vivo ou a modificação cubista ou cirúrgica das formas humanas. A virtualização operada pela técnica volta ao corpo. O movimento que coloca o corpo na tecnologia é invertido para o movimento que coloca a tecnologia no corpo.

Este artigo discute a valoração do grau tecnológico pela Arte, no limite entre o poder dos dispositivos e a potência poética. O começo do século XX viu surgir, com as vanguardas, uma confusão entre evolução tecnológica e evolução estética. A confusão nasce no momento em que a arte passa a ser percebida como reflexo da tecnologia e da sociedade, com um sentimento de desnível frente os novos produtos da máquina, agora adorada e idolatrada. Por outro lado, a tecnologia não demora muito para tornar-se obsoleta, e a importância da máquina desloca-se para o imaterial e sobre as mudanças nos modos de vida e de percepção.