História da arte

Anche in Storia della civiltà europea. Vol. 16 - il Novecento. Arti visive, pp. 104-108.

Dal mondo antico allʼinizio del terzo millennio: migliaia di saggi e oltre 10.000 immagini, un imponente corpus testuale e iconografico organizzato in periodi cronologici e in aree tematiche: storia, filosofia, arti visive, scienza e tecnologia, musica, letteratura e teatro, comunicazione. Unʼopera curata da Umberto Eco, che propone nuove modalità di esplorazione della storia e del sapere e che offre potenti strumenti capaci di intrecciare e collegare, grazie a percorsi dinamici, i personaggi, le idee e gli eventi che hanno formato la nostra cultura. Lʼidea di partenza di Umberto Eco è quella di realizzare unʼopera a carattere enciclopedico che aiuti ad avere il senso delle distanze storiche, a stabilire rapporti di contemporaneità tra eventi di natura diversa e che consenta di ricostruire fenomeni di lunga durata, dinamiche sociali e culturali, comportamenti della vita quotidiana. Il progetto della Storia della Civiltà Europea, nato nel 1993, antesignano di unʼeditoria multimediale di qualità, raggiunge solo il suo compimento editoriale e la sua maturità tecnologica, organizzando i propri contenuti in ogni formato disponibile per ogni tipo di pubblico.

Nel Novecento gli intrecci fra arte, politica, società hanno prodotto ribaltamenti, cancellazioni e rinascite di modelli artistici oscillanti fra la ricerca di un ordine nuovo e la fascinazione per l’irrazionale, fra l’assunzione dell’arte come strumento politico e il rigetto di ogni ideologia, fra la tensione a un’arte individuale e aristocratica o al contrario anonima e collettiva. Nella collisione di fine Ottocento fra tradizione e novità dirompenti cola a picco l’idea di continuità nella storia: il secolo si apre all’insegna della rottura e delle sperimentazioni più ardite in termini di linguaggio e di contenuti. Le avanguardie, tra cui si contano cubismo, espressionismo, futurismo, neoplasticismo e costruttivismo, alleate in un percorso di astrazione, tagliano traguardi che paiono senza ritorno: la cancellazione del soggetto, la forma come forma assoluta, la nuova preminenza del linguaggio, la negazione del racconto, l’esilio dei sentimenti, tutte conquiste che sanciscono il primato culturale dell’Europa. Finché nell’arco di alcuni decenni si verifica un capovolgimento di prospettiva col ritorno al figurativo e con lo spostamento del cuore culturale dall’Europa verso New York e Los Angeles, rimesso più tardi in discussione dall’emergere della nuova polarità dell’Asia. In questo ebook si possono trovare tutte le maggiori espressioni artistiche del Novecento, in cui l’ideale dell’arte subisce un progressivo spostamento verso il futuro, arrivando, nelle sue forme più estreme, a produrre un’arte internazionalista, senza radici e senza memoria, dotata di una lingua aniconica universale, che cancella i confini delle identità nazionali e si proietta nella realtà globalizzata.

L’arte, nelle sue diverse declinazioni temporali ed espressive, ha offerto innumerevoli interpretazioni dello spazio agricolo. L’artista ha costruito visioni, memorie, strutture percettive, il tutto estrapolando dallo spazio fenomenologico frammenti emozionali, selezionando precise inquadrature, attraverso un’azione volontaria che scarta, sposta, riconfigura, ricompone, modifica, racconta. Il suo lavoro è quello di svelare anticipatamente un paesaggio e di presentarlo alla collettività.
Con l’opera “Le spigolatrici” (Parigi, Louvre) del 1848 di Jean-François Millet, comincia un nuovo modo di guardare la campagna. Idealizzata dalla pittura romantica e resa emozionale dai paesaggisti, questa propone, dal realismo francese in poi, una dimensione nuova che contempla gli aspetti economico, sociale e urbano. Da allora la campagna, non è più percepita come natura ideale, luogo degli avvenimenti mitologici, ma spazio della produzione agricola connessa alla città.
Gli artisti si concentrano su nuovi temi iconografici: il lavoro dei campi vi è incluso. Si costruisce un nuovo linguaggio, temi diversi per un nuovo importante committente, la borghesia. La perdita del carattere “mitologico” e “ludico” dello spazio agricolo, presente nelle pitture di Giorgione e Goya, rappresenta un evento culturale. La campagna, da spazio allegorico, luogo di ninfe, di dei, di battaglie, di rivelazioni sacre, diventa fisica, rappresenta e accoglie i riti del proletariato.
Nella “casa all’Estaque” (Berna, Kunstmuseum) del 1908 di Georges Braque si percepisce, attraverso il linguaggio cubista, la de-costruzione del paesaggio urbano/agricolo e la sua ricomposizione originale. Significativi sono i contributi di Herich Hecker con “primavera in Fiandre” del 1916 riconducibile all’esperienza del Brücke; i lavori di Paul Cézanne riferiti a “la Montagne Sainte-Victoire” ed in particolare la tela di Filadelfia del 1904; il “Paesaggio raggista” del 1912 (San Pietroburgo, Museo Russo) di Michail Larinov e le sperimentazioni di Kazimir Malevic, Piet Mondrian, Paul Klee e Giorgio De Chirico.
Attraverso i secoli, dalle decorazioni della sala di villa Livia del I secolo d.C. (Giardino della villa di Livia, Roma, Museo Nazionale Romano) è un susseguirsi di visioni dello spazio agricolo fino alle opere pittoriche di d’Inessa (artista siciliano) che propongono un paesaggio denso di memorie, di pregnanze, di ridondanze. Acquarelli che ricompongono le esperienze di Cézanne, di Turner, di Picasso in chiave contemporanea per descrivere un paesaggio malinconico e fiabesco.
Negli anni ’60 e ’70 gli artisti della Land Art, Robert Smithson, Walter de Maria, Michael Heizer, Richard Serra e altri, contribuiscono a connotare l’ambiente con un oggetto-scultura effimero e minimalista che costruisce l’identità dei luoghi. “Con la Land Art è direttamente l’ambiente, su cui interviene l’artista a divenire esso stesso una forma estetica fruibile come opera d’arte.” Il lavoro segue procedure che appartengono al fare dell’architettura: scavare, aggiungere, unire, piantare, bucare, ecc . Questa forma d’arte costituisce un contributo significativo nella lettura, percezione e costruzione del paesaggio. I nuovi materiali dell’arte sono il suolo, lo spazio, la luce, lo sguardo, la memoria: tutti elementi utili per riconfigurare lo spazio agricolo o per meglio comprenderlo.

Da una visione contemplativa e visionaria all’esercizio del progetto.
L’arte, anche quella letteraria, ha costruito paesaggi, determinando la configurazione dei luoghi. Pensiamo alla letteratura bucolica di Virgilio, di Petrarca. Nel XVI secolo in Spagna Garcilaso de la Vega (Toledo 1503 - Nizza 1536), poeta e guerriero, costituisce un caso emblematico. Pluma y espada riassumono la sua natura, il suo destino. Garcilaso, attraverso i suoi scritti, contribuisce a configurare il paesaggio di limite di Toledo. Suggerisce una precisa modalità insediativa relativamente all’espansione della città verso la “Fabbrica delle armi”. Tra la città storica e la nuova espansione uno spazio agricolo, reso sistemico dalle mura arabe. Le permanenze archeologiche e agricole costituiscono l’armatura organizzativa di questo spazio che mantiene per secoli la sua configurazione fino alla presa d’atto da parte della comunità di Toledo: mantenere due coni ottici privilegiati per godere della magnifica veduta del “casco historico”.
“Le città invisibili” di Italo Calvino rappresentano un documento utile per comprendere il rapporto tra forma, simbolo e funzione. Le campagne urbane descritte nel capitolo “le città continue 4” permettono di ricostruire un processo di trasformazione usuale. La cancellazione della memoria, dello spazio agricolo che diventa scarto, residuo. Italo Calvino permette di cogliere l’essenza della trasformazione urbana, dello spazio limite non solo sul piano fisico ma su quello della percezione emozionale.

RESUMO

O bispo Dom Duarte Leopoldo e Silva encomenda a decoração da terceira versão da Igreja de Santa Cecília, localizada na cidade de São Paulo, a Benedito Calixto de Jesus, que trabalha em conjunto com Oscar Pereira da Silva, Carlo De Servi, Conrado Sorgenicht e Gino Catani. Este trabalho visa especificamente discutir e compreender os mecanismos do mecenato religioso na cidade de São Paulo envolvidos nessa encomenda, no início da Primeira República, analisando as condições impostas pela Igreja Romanizadora, sob a luz do conceito de piedade visual, proposto por David Morgan (2005). Salientam-se, igualmente, os aspectos históricos, políticos, sociais, teológicos e artísticos inerentes a essa encomenda. Embora todas as pinturas dentro dessa igreja tenham sido analisadas, o foco recai sobre a produção religiosa de Benedito Calixto na Santa Cecília, por possuir elementos que a tornam ímpar tanto dentro dela, quanto dentro da própria Igreja, enquanto instituição, características essas vinculadas à encomenda de Dom Duarte e suas relações com os demais artistas que produzem obras religiosas para a mesma Igreja, ocupando um arco temporal de dez anos, de 1907 a 1917.  Assim, pretende-se contribuir para o aprimoramento dos estudos de arte religiosa brasileira do início do século XX, durante o período da Primeira República.

Palavras-chave: Dom Duarte Leopoldo e Silva; Benedito Calixto de Jesus; arte religiosa; mecenato religioso; Igreja Romanizadora

ABSTRACT

Bishop Dom Duarte Leopoldo e Silva commands the decoration of the third version of Santa Cecília Church, located in the city of São Paulo, to Benedito Calixto de Jesus, who works together with Oscar Pereira da Silva, Carlo De Servi, Conrado Sorgenicht and Gino Catani. This dissertation aims specifically at both discussing and understanding the mechanisms of religious patronage in the city of São Paulo related to this order, at the onset of the First Republic, analyzing the conditions imposed by the Romanizing Church, form the perspective of the concept of visual piety, as proposed by David Morgan (2005). It also addresses the historical, political, social, theological and artistic aspects inherent to this order. Although all the paintings belonging to this church were analyzed, this study focuses mainly on Benedito Calixto’s religious works at Santa Cecília, as they hold characteristics that make it stand out both inside this temple and the Church itself, as an institution. Those are related to Dom Duarte’s order and his connections with the other artists producing religious works for the same Church, within a ten-year time frame, from 1907 to 1917. Thus, this study targets at contributing to the development of Brazilian religious Art studies in the beginning of the 20th century, during the First Republic period.

Keywords: Dom Duarte Leopoldo e Silva; Benedito Calixto de Jesus; religious art; religious patronage; Romanizing Church

A presente pesquisa parte do princípio de que as narrativas ficcionais podem ser entendidas como imagens que não pertencem a si mesmas, são como refrações que remetem sempre a outras imagens e existem em um jogo de reflexos. O primeiro capítulo aborda a série de fotografias de Alessandra Sanguinetti, As aventuras de Guille e Belinda e o enigmático significado de seus sonhos, e as possibilidades do testemunho de uma vida. O segundo capítulo considera o trabalho de Miranda July, O escolhido foi você, e como são apresentadas e ficcionadas as biografias. O terceiro capítulo reflete sobre a obra de Ilya Kabakov, Ten Characters, pelo viés do narrador e do habitar. O quarto capítulo relaciona as diferentes narrativas apresentadas e as fronteiras arte e vida. Percorrendo obras de distintas linguagens, a tese aborda diferentes maneiras que a narrativa pode se apresentar na arte contemporânea, discutindo temáticas que permeiam ficção e verdade, perjúrio, (auto)biografia e testemunho. A pesquisa entende que o que persiste nas obras desses artistas é um gesto de sobrevivência e permanência daquele que narra e daquilo que é narrado.

Convocarte — Revista de Ciências da Arte n.º 5
Revista Internacional Digital com Comissão Científica Editorial e Revisão de Pares
Tema do Dossier Temático ARTE E ACTIVISMO POLÍTICO: PERSPETIVAS DA HISTÓRIA DA ARTE E ESTUDOS DE CASO
Ideia e Coordenação Geral Fernando Rosa Dias
Coordenação Científica do Dossier Temático Cristina Pratas Cruzeiro

A passagem de Alberto Carneiro no final da década de 60 por Londres, depois da sua formação na Escola de Belas-Artes do Porto, colocou-o no epicentro “(...) da eclosão da arte conceptual e na partilha da atracção que viveram os jovens artistas ingleses pela natureza como matéria e tema da arte.” O texto “Notas para um Manifesto de Arte Ecológica”, escrito entre Dezembro de 1968 e Fevereiro de 1972, assimila essa experiência londrina do artista.

Impulsionado pelos impactos da crise do Ocidente em meados do século XX, o Brasil reconfigurou-se no âmbito da Política Internacional, buscando adequar-se às novas demandas mundiais. Nesse contexto, situa-se a descolonização de países africanos e o estímulo da UNESCO na desconstrução das falsas doutrinas da desigualdade das raças, bem como o encorajamento dos princípios da igualdade. A África, para o presidente Jânio Quadros (1961), foi tomada como o palco perfeito para a expansão econômica do Brasil. Para tal, o governo brasileiro abriu embaixadas no oeste da África – nos planos da Política Externa Independente – e nomeou Raymundo Souza Dantas, um jornalista negro, como embaixador no país de Gana. Gasparino Damata serviu como adido de imprensa nesta embaixada, entre 1962 e 1963, e, além de atuar como diplomata, exerceu também o papel de colecionador de arte africana. Neste contexto, Jânio Quadros também elegeu, em 1961, José Roberto Teixeira Leite ao cargo de diretor do Museu Nacional de Belas Artes (MNBA-RJ), com o propósito de atualizar, modernizar e dinamizar a instituição. Nessa conjuntura, Teixeira Leite adquiriu a coleção de arte africana montada por Damata durante as viagens realizadas pelo adido em países da África Ocidental. Nesse sentido, esse trabalho abordou três aspectos: a Política Africana do Brasil em Gana; as narrativas sobre a África e os jogos de poder utilizados por Damata na consagração dos objetos africanos em arte; e, por fim, as negociações e os conflitos enfrentados pelo diretor do MNBA na compra e no processo de musealização das peças africanas, em 1964.

Il castello della Manta, nei pressi di Saluzzo, è un eccezionale scrigno della pittura cortese, autentico «tesoro piemontese». Reso unico dagli splendidi affreschi tardogotici che ne decorano le sale, considerati fra i più importanti d’Europa, è un’affascinante fortezza medievale trasformata nei secoli in palazzo signorile dalla nobile famiglia dei Saluzzo della Manta, che ne mantenne la proprietà per oltre quattrocento anni.
L’attuale fisionomia del complesso è infatti il risultato dei tanti ampliamenti e rimaneggiamenti operati nel corso dei secoli dai diversi discendenti della dinastia. Di particolare pregio è l’adiacente Chiesa di Santa Maria al Castello, di origine quattrocentesca. È di proprietà del Fai (Fondo Ambiente Italiano).

Nessa palestra busca-se analisar, interpretar e problematizar as diferentes maneiras utilizadas por Calixto para apresentar a presença de homens e mulheres indígenas em suas obras.
A representação de indígenas ocupa lugar importante nas obras de Benedito Calixto, já que o artista os insere em uma ampla gama de pinturas que vão de sua produção religiosa (na Igreja de Santa Cecília, por exemplo), até trabalhos históricos pertencentes a museus e coleções particulares, como o Museu Paulista e a Bolsa do Café.

Assim, dada a importância de Benedito Calixto nas artes paulistas, essa representação indígena assume contornos específicos na construção da narrativa imagética da São Paulo da virada do século XX, uma vez que ele pinta esses grupos como entrave para o desenvolvimento da economia local, centrada no café e na ferrovia.

No encontro, também será considerado o papel desempenhado pelo artista no cenário do colecionismo religioso, público e privado de São Paulo.

Trechos da correspondência de Walter Benjamin registram que a publicação de “A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica” na Rússia apresentava-se, para ele, como uma tarefa de primeira ordem. Em abril de 1936, Benjamin confessou a Kitty Marx- Stenchnerider suas expectativas e pessimismo frente a desejada publicação: “A avaliar por essas reações, quase teria razões para concluir que o trabalho terá a menor repercussão no lugar que deveria ser naturalmente o seu, na Rússia”. Quais seriam as motivações da expectativa benjaminiana? Porque a Rússia seria o destino ou o lugar “natural” de “A Obra de Arte...”?  Como explicar seu pessimismo? O presente artigo discute o caráter político e militante do ensaio em questão, bem como sua articulação com o debate russo, na contracorrente da estetização da política stalinista e em direção “à formulação de exigências revolucionárias” da arte.  

Desde sempre, a humanidade precisa de venerar os seus ídolos, ou mesmo a odiá-las, como que uma necessidade de ter a imagem para poder pensá-la, tocá-la e mesmo possuí-la. Estas mesmas imagens servem para incitar manifestações públicas de fé. É aqui que vai residir o interesse dos teólogos.
Os cristãos sempre perseguiram e acusaram os judeus e heréticos descrentes de renegarem as imagens sagradas e assim que o culto destas imagens foi ganhando mais popularidade, a minoria sentiu-se obrigada a aceitá-las, com receio de ser denunciada de infracção das imagens.

“Anunciação” de Frei Carlos, pintura portuguesa da década de vinte do século XVI, que, segundo alguns autores, é de influência flamenga reunindo em si claras sugestões italianas. Terá uma breve análise iconográfica, a história da temática escolhida pelo autor - a Anunciação, e as diversas interpretações que foram dadas sobre o retábulo por vários autores ao longo dos séculos. Serão focadas, sobretudo, a espacialidade e a perspectiva envolvidas na Anunciação.

O Barroco surge em meados do século XVI como um novo estilo artístico em superação ao maneirismo, que por si só já dava traços de decadência em sua busca desenfreada de superação de artistas tidos como perfeitos à época, Ticiano e Rafael por exemplo. Centralizado principalmente em Roma, o Barroco é tido por vários como o último grande estilo artístico a aparecer na Europa, tendo como característica principal a valorização da alegoria – sendo esta utilizada para, principalmente, a difusão da moral religiosa. Dentre um dos ícones do Barroco, temos Michelangelo Merisi da Caravaggio, um pintor polêmico tanto pelo modo em que viveu como por suas obras – que lhe deram um caráter peculiar frente aos demais artistas da época pela utilização de elementos inovadores como a pintura à noite, a utilização diferenciada da iluminação e, entre outras características, o extremo realismo de suas imagens. Neste trabalho discutiremos o masculino em sua obra, especialmente nas pinturas de gênero e nas pinturas que possuem como personagem principal o deus romano Baco. Assim, buscamos entender como o pintor conseguiu inovar e também chocar a partir de escolhas não tão comuns naquele contexto histórico e de um realismo antes não visto e que proporcionou uma apreciação diferenciada de tais figuras masculinas.

Este ensaio discute a necessidade de proceder a uma releitura da história da arte a partir de uma lente decolonial, isto é, que considera os efeitos nefastos do racismo e da colonialidade na deslegitimação de perspectivas artísticas e historiográficas não eurocêntricas. Objetiva-se refletir como as estéticas afro-decoloniais impactam no campo das artes, apontando para as amarras coloniais ainda não ultrapassadas. Daí a análise de alguns trabalhos contemporâneos, com vistas a pensar como determinados procedimentos artístico-narrativos podem contribuir para a reelaboração ativa da memória das violências historicamente endereçadas aos corpos negros e aos seus modos de resistência, bem como para constituição de uma visualidade radicalizada.

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This essay discusses the need for a re-reading of art history, from a decolonial lens, that is, that considers the harmful effects of racism and coloniality in the delegitimization of non-Eurocentric artistic and historiographic perspectives. The objective is to reflect on how an Afro-decolonial aesthetics can shed light to the field of the arts surpasses colonial ties. Therefore the analysis of some contemporary works, with the aim of to understanding how their narrative procedures rework the memory of the violence historically addressed to black bodies and their modes of resistance, as well as for the constitution of a racialized visuality.

Esta monografia busca compreender e dimensionar a Arte Postal no contexto brasileiro e latino americano em relação ao movimento no restante do mundo. Analisa-se através das diferenças e semelhanças de produção dos artistas Paulo Bruscky e Albert Harrigan, visto que é importante o desenvolvimento de pesquisas sobre a Arte Postal e os artistas que participaram da rede postal. No estudo foi necessário rever os principais conceitos da História da Arte, como: definição de arte, Arte Contemporânea e Arte Conceitual; assim como analisar a teoria Ator Rede do sociólogo Bruno Latour, compreendendo a noção de rede na comunicação. Para isso, são utilizados livros, artigos e entrevista, fundamentando a pesquisa. Com base nessas ferramentas de pesquisa, foi possível observar que Paulo Bruscky e Albert Harrigan possuíam o mesmo objetivo de criticar ou ironizar a questão sociopolítica do país. Todavia, cada um dos artistas portavam seus próprios métodos de produção artística: Bruscky com a utilização de meios mecânicos de produção de imagem e Harrigan com o uso da produção manual de imagens associada, também, com equipamentos de reprodução de imagens.

La croce di Santa Maria Maggiore, di pietra aurisina, restaurata e ricomposta nei suoi frammenti da Giovanni Giannelli, direttore tecnico del Laboratorio di Restauro
Ottorino Nonfarmale S.r.l., e collocata su una colonna di pietra gialla ramata di Vicenza, foggiata dal Laboratorio Morseletto, torna ad essere patrimonio archeologico
visibile della città di Bologna. Dopo essere rimasta a lungo nascosta, è stata rinvenuta durante i recenti lavori di consolidamento del portico della basilica di Via Galliera, dove è attesa per la definitiva collocazione all’interno della chiesa. (Mons. Rino Magnani)
Si tratta di un tassello archeologico importante che reca la data certa del 1143,
ma potrebbe anche trasformarsi in chiave determinante di interpretazione per
rileggere le maestranze di quegli anni.

A resenha percorre os argumentos centrais de Histórias das exposições. Casos exemplares, livro organizado por Fabio Cypriano e Mirtes Marins de Oliveira e aponta algumas articulações entre o emergente campo de estudos da História das Exposições e outras áreas de conhecimento.

Este artigo parte de quatro textos sobre o fazer fotográfico, publicados por Aleksandr Rodchenko na revista Novyi Lef durante o ano de 1928, para compreender como o artista considerava possível a união, em sua fotografia, das práxis artística e política.

This article starts from four writings about photography-making, published by Aleksandr Rodchenko in the magazine Novyi Lef during the year of 1928, to understand how the artist did believe to be possible in his photography the union between artistic and political praxis.

O artigo aborda a reflexão pictórica de Alsem Kiefer, tentando estabelecer uma relação com o pensamento filosófico, literário e imagético, sobre a concepção de catástrofe, a partir da concepção historiográfica proposta por Walter Benjamin e dos poemas de Paul Celan. A estética da catástrofe abordada na pesquisa reflete o pensamento místico judaico presente na obra do artista, no pensamento do filósofo e na poesia de Celan. O trabalho de Kiefer apresenta um elo entre o mundo terreno e o mundo celestial, onde inclui a mitologia e os elementos do messianismo judaico, para inserir com a imagem da ruína, a reflexão sobre o passado, diante de um aspecto de destruição e de redenção humana, propõe ao espectador um modo de repensar a história.

This panel set out to explore the popular and scholarly literature on graffiti and street art, to assess what has been accomplished in these fields, and where scholarly research in the fields of criminology, criminal justice and allied social sciences and humanities must go to better understand these largely urban phenomena.

Resumo: O estudo sobre as origens da formação da paisagem cultural de Ouro Preto, antiga Vila Rica, analisa alguns vestígios relevantes registrados por respeitados estudiosos do tema como o arquiteto e escritor Sylvio de Vasconcellos. A ocupação e consolidação teve sua origem vinculada às descobertas de reservas auríferas e de outros minerais entre o final do século XVII e parte do século subsequente. As configurações, como no caso dos arraiais que resultaram na conformação citadina, ocorreram de forma longilínea, espraiada, sem definição de um centro polarizador ou dotado de centralidade. O crescimento desses arraiais dinamizados pela prosperidade socioeconômica culminou na constituição de uma primeira paisagem da vila. A definição do traçado, a topografia peculiar, a constituição da arquitetura religiosa e civil, entre outros fatores, vão condicionar a formação de uma paisagem cultural singular.
Palavras-chave: Configurações, cidade, paisagem, barroco, arraiais.

Abstract: The study on the origins of the formation of the cultural landscape of Ouro Preto, formerly Vila Rica, analyzes some relevant vestiges recorded by respected scholars on the subject such as the architect and writer Sylvio de Vasconcellos. The occupation and consolidation had its origins linked to the discoveries of gold reserves and other minerals between the end of the 17th century and part of the subsequent century. The configurations, as in the case of the villages that resulted in the city's conformation, occurred in a long, sprawling way, with no definition of a polarizing center or endowed with centrality. The growth of these camps, boosted by socioeconomic prosperity, culminated in the creation of the village's first landscape. The definition of the layout, the peculiar topography, the constitution of religious and civil architecture, among other factors, will condition the formation of a unique cultural landscape.
Keywords: Settings, city, landscape, baroque

Recebido em: 21/06/2021 – Aceito em 23/07/2021

Igreja de Santa Cecília e São José
Profª Drª Karin Philippov
Observando-se internamente a Igreja de Santa Cecília e São José propõe-se que haja uma unidade em seu programa iconográfico, pois Benedito Calixto, Oscar Pereira da Silva, Carlo De Servi, Conrado Sorgenicht e Gino Catani parecem ter trabalhado em uníssono dentro do projeto de Giulio Micheli, através de um conjunto harmonioso, no qual as obras estabelecem diálogos entre si, fundamentados na disposição das obras, em sua paleta cromática discreta e em sua temática articulada de maneira a estabelecer um percurso visual. Benedito Calixto é o artista com maior número de pinturas dentro da igreja. Ele é responsável pelos programas iconográficos da nave, dos braços do transepto, de parte da cúpula e do presbitério absidial, totalizando sessenta pinturas. Oscar Pereira da Silva, por sua vez, executa duas pinturas murais nas abóbadas dos braços do transepto, além dos quatro Evangelistas da cúpula. Carlo De Servi pinta apenas o Cristo Santíssimo do teto da Capela do Santíssimo, enquanto Conrado Sorgenicht faz todos os vitrais da Igreja e Gino Catani decora as paredes com motivos teológicos, unificando ainda mais o programa iconográfico.

Uma análise sobre o vestuário feminino no Rio de Janeiro do I Império, através das obras de Jean Baptiste Debret. Com ênfase nos efeitos históricos e culturais que ocorreram com a chegada realeza portuguesa em 1808.

Trabalho de Conclusão de Curso destinado à Banca Examinadora do curso de graduação de Design de Moda da Universidade Federal de Goiás como exigência parcial para a obtenção do título de bacharel em design de moda, sob a orientação da Professora Doutora Rita Morais de Andrade.



Apresentado à Banca em Dezembro de 2013.
Posteriormente, apresentado no Seminário de Apresentações Acadêmicas do R Geração 2014 (R Design, Rio de Janeiro).

Esta exposición recorre la obra del fotógrafo Carlos Cánovas, centrado en su producción en relación con el espacio urbano, que ha desarrollado en sucesivas series desde principios de los años ochenta hasta hoy. Su interés en las áreas periurbanas y en los límites de las ciudades le ha llevado a explorar distintas zonas industriales y residenciales, manteniendo siempre una visión poética de estos espacios. El Museo acoge en esta muestra más de un centenar de fotografías, muchas de ellas inéditas. La selección comienza con sus primeros trabajos, Extramuros (1982- 1986), desarrollado en torno a la ciudad de Pamplona, y Vallès Oriental (1990), en Barcelona, en que documenta algunos aspectos residuales de una Cataluña entre lo industrial y lo rural. En Paisajes sin retorno (1993-94) Carlos Cánovas registra el Bilbao industrial en los momentos previos a su transformación. Su exploración de las periferias continúa en Paisaje Anónimo (1994-2006), con una selección de imágenes que recorren distintas ciudades españolas. La muestra concluye con Séptimo cielo (2007-2016), su trabajo para el proyecto artístico Tender Puentes impulsado por el Museo.

Resumo: Na arte figurativa produzida (ou trazida) para Portugal entre os séculos XIII e XIV, a repre-sentação de Santiago encontrou uma expressão mais diversificada e mais abundante nas diversas for-mas de escultura do que na pintura, onde só conhecemos a sua presença a partir do século XV ou, na ourivesaria, de que não nos chegou qualquer exemplo. Assim, este texto propõe abordar as primeiras representações do apóstolo Tiago Maior na arte portuguesa através de esculturas devocionais (ima-gens de altar), mas também de relevos, e de como a iconografia do santo acompanhou as variações/ preferências da religiosidade de cada época, bem como os factores políticos dominantes. Palavras-chave: imagens devocionais, retábulo, apóstolo, peregrino, matamouros, Mestre Pero, Coimbra. Portugal y las variaciones artísticas de un culto: la iconografía de Santiago en la escultura de los siglos XIII y XIV Resumen: En el arte figurativo producido o traído a Portugal entre los siglos XIII y XIV, la representación de Santiago encontró una expresión más diversificada y abundante en las distintas formas de escultura que en la pintura, donde solo conocemos su presencia desde el siglo XV, o en orfebrería, aunque ningún ejemplo nos ha llegado. Por lo tanto, este texto propone abordar las primeras representaciones del apóstol Santiago el Mayor en el arte portugués a través

Partindo dos pressupostos da Psicologia dos símbolos e das religiões, encontramos
autores que muito dissertaram sobre o assunto, tais como Jung, Campbell e Freud. Após
minucioso estudo sobre os símbolos religiosos e seus significados a partir de cada
concepção religiosa, nos deparamos, baseados nas teorias de Jung, com diversos
símbolos, mitos e ritos das mais diversas culturas e civilizações, com uma grande
similaridade. Por essa similaridade simbólica, Jung teorizou sobre a existência do
inconsciente coletivo, comum a todas as culturas. Com essa base teórica, adicionada aos
estudos sobre os símbolos das religiões orientais e ocidentais, podemos encontrar crenças
universalmente postuladas pelas religiões, sobretudo a concepção dos opostos masculino
e feminino, sendo que tal temática foi amplamente analisada neste artigo, o qual também
focou na simbologia da Praça de São Pedro. A investigação se baseia em linhas
históricas, em concepções teológicas, nos estudos comparativos dos símbolos, além do
embasamento psicológico, sendo utilizado, como método, a comparação entre concepções
místicas da religiosidade oriental com a ocidental, bem como a difundida concepção
sobre o masculino e o feminino dentro das religiões. Como será explanado, no decorrer
da investigação, esta citada concepção pode ter influenciado Bernini na estruturação da
Praça do Vaticano.

Around the 1485 was born in Villaescusa de Haro Sebastián Ramírez de Fuenleal (c. 1485-1547), in a family which has dedicated all its best men in the progress of the Kingdom of Castilla. Sebastián Ramírez will life to see the transformation of this Kingdom in an Empire under the government of Carlos V, and to be one of the most trustworthy men of the emperor. After being the responsible of the civil an ecclesiastic government in Santo Domingo (1528-1531) and the president of the Real Audiencia de Nueva España in Tenochtitlán (1531-1535) before the existence of the Viceroyalty; he returned to Spain to be the president of the Real Audiencia de Granada (1536-1539), after of the one in Valladolid (1539-1542) and also the president of the commission responsible to create the laws of the spanish territories in America (1542); at last at the same time he was the bishop of Tuy (1537-1539), León (1539-1542) and Cuenca (1542-1547).
    In this city he decided in the end of 1544 to begin the construction of a new cloister in the cathedral which was almost in ruins, and -after the repeated refusal of the Cathedral Chapter- decided to support at least the building of its hallway. To design and to make it, he chose a singular french man who had been working with the best artists in the Iberian Peninsula since 1535 and for men as important as Francisco de los Cobos: Étienne Jamet (c. 1515-1546) known as Esteban Jamete. The union of these two special men made of the entrance to the cloister of the Cuenca cathedral an exceptional space where the art of Jamet –full of quality, diversity, elegance and pathos- was used to advertise the wishes of the Carlos’ V court to reach the universitas christiana, through a triumphal arc which memorializes the hoped catholic triumph; and inside, the hallway conceived as a meditation’s place for the Christian who is spur on to the virtue’s way of wisdom and fight against the vice to achieve the eternal life in Jesus Christ. Thereby they became the ruins of this space in a stair to God along the religious wars and the inner struggle of citizens, they made the Arco de Sebastián Ramírez de Fuenleal (1546-1550).

Edition: Paula Velasco Grijalbo.
Press: Diputación Provincial de Cuenca.
ISBN: 978-84-16161-40-9.

RESUMO Tendo como ponto de partida o filme Os Narradores de Javé da diretora Eliane Caffé, propomos uma reflexão acerca do método de construção da história, e portanto também da história da arte, enquanto campos do conhecimento. Compreendemos o filme como como metáfora dos processos políticos, tensões e disputas que lhes são concernentes, e por isso parece-nos relevante para a problematização da narrativa historiográfica. Dentro deste paradigma, buscamos trazer questões sobre a construção de uma história da arte brasileira, enquanto uma ferramenta que revela posicionamentos teóricos e políticos. ABSTRACT Having the movie Os Narradores de Javé, of the director Eliane Caffé as a starting point, we propose a reflection about the construction method of history, and also the art history, as fields of knowledge. Understanding the movie as a metaphor of the political processes, tensions and disputes that are pertinent, it seems relevant for a problematization of the historiographic narrative. Within this paradigm, we seek to bring issues about the construction of a Brazilian art history, as a tool that reveals theoretical and political positions.