Arte contemporáneo

Texto curatorial de la exposición Juan Downey: El nudo de la vida en Galería Il Posto, Santiago, Chile (2020). La exposición propone una reflexión visual y conceptual sobre la obra temprana del artista chileno Juan Downey (1940-1993). La muestra explora parte del trabajo pictórico y gráfico principalmente de los años sesenta y setenta, mientras residía entre las ciudades de Barcelona, Madrid, París y Nueva York.

Questo studio, fondandosi su un duplice intento esplorativo e divulgativo, documenta la lavorazione del tombolo in un nugolo di comuni  irpini (Montefusco, Pietradefusi, Tufo, Santa Paolina e Torrioni) approfondendone alcuni aspetti dal punto di vista dell'artigianato artistico.

This thesis studies a specific relationship between matter and form which can no longer be related to stability, solidity and objectuality, as it has been traditionally interpreted. To this aim, it firstly explores the plurivocity in the concepts of 'matter' and 'artistic material'; and secondly it examines a case study about water as a material presence in contemporary art. Over the course of the study, certain issues arise, such as the problematic use of notions like form, information and memory in the specific context of the artwork .

The  methodological lines of this thesis are an alternative approach to the artwork technical and material system, this understood as a synergistic and complex structure of symbolic, technological and imaginative relations. This methodology focuses on the evolution of the technical and technological thinking in the 20th century, establishing the connection between past and current uses of media and materials. Based on the principle of transversality, this study contributes to the expansion of the Third Culture by visualizing the dialogical relationship between art, science, technology and aesthetics. Thus, its starting point is the states of water (solid, liquid, and gas) as well as the technical and conceptual operations associated with this specific material. A selection of 258 artists or working groups and more than 500 works have been gathered along diverse actional and conceptual tendencies of water in its three states.

Archeology, technological thinking, anthropology, and material imagination are the key epistemological elements used to reflect on the encounter between the so-called traditional art mediums and new media in the 20th century —or from a broader perspective, between both the deterministic-mechanistic and the systemic-cybernetic currents of thought. In this context, water provides a paradoxical and exemplary temporal connectivity.

Resumen
La presente investigación tiene por objeto definir una zona muy poco tratada dentro de la historia del arte, en la que la relación entre materia y forma deja de poder aprehenderse como un fenómeno vinculado a los sentidos de estabilidad, solidez y objetualidad tal como se ha interpretado tradicionalmente. Para ello explora la plurivocidad de los sentidos de `materia´ y `material artístico´, confrontando esta perspectiva con el estudio del agua como presencia material en el arte contemporáneo, de lo que se derivan una serie de problemáticas respecto a los conceptos de forma, información, y por extensión memoria de la obra de arte.

Paralelamente se dibujan las líneas metodológicas de la semántica material como alternativa de aproximación al sistema técnico-material de la obra de arte, entendiendo éste como una estructura sinérgica y compleja de relaciones simbólicas, tecnológicas e imaginativas. La metodología propuesta pretende incidir en la evolución del pensamiento técnico y tecnológico del siglo XX, estableciendo puntos de conexión entre el uso actual de los medios y materiales artísticos, y sus antecedentes. Partiendo de la transversalidad, esta investigación se propone en última instancia contribuir a la expansión de la tercera cultura visibilizando las relaciones dialógicas entre creación artística, ciencia, tecnología y estética. Su puesta en práctica toma como punto de partida el agua en todos sus estados y las operaciones técnico-conceptuales asociadas a este material concreto. Una selección constituida por 258 artistas o grupos de trabajo y más de quinientas obras han sido recogidas en torno a las tendencias accionales y conceptuales del agua en sus estados sólido, líquido y gaseoso.

En definitiva, arqueología y antropología del pensamiento tecnológico e imaginación material son los elementos epistemológicos clave utilizados para reflexionar acerca de las cuestiones que definen el encuentro en el siglo XX entre los medios artísticos llamados tradicionales y los new media −o en un plano más amplio entre el pensamiento determinista-mecanicista y el sistémico-cibernético−, vehiculizadas por la paradójica conectividad temporal que ofrece el agua.

A presente pesquisa parte do princípio de que as narrativas ficcionais podem ser entendidas como imagens que não pertencem a si mesmas, são como refrações que remetem sempre a outras imagens e existem em um jogo de reflexos. O primeiro capítulo aborda a série de fotografias de Alessandra Sanguinetti, As aventuras de Guille e Belinda e o enigmático significado de seus sonhos, e as possibilidades do testemunho de uma vida. O segundo capítulo considera o trabalho de Miranda July, O escolhido foi você, e como são apresentadas e ficcionadas as biografias. O terceiro capítulo reflete sobre a obra de Ilya Kabakov, Ten Characters, pelo viés do narrador e do habitar. O quarto capítulo relaciona as diferentes narrativas apresentadas e as fronteiras arte e vida. Percorrendo obras de distintas linguagens, a tese aborda diferentes maneiras que a narrativa pode se apresentar na arte contemporânea, discutindo temáticas que permeiam ficção e verdade, perjúrio, (auto)biografia e testemunho. A pesquisa entende que o que persiste nas obras desses artistas é um gesto de sobrevivência e permanência daquele que narra e daquilo que é narrado.

Convocarte — Revista de Ciências da Arte n.º 5
Revista Internacional Digital com Comissão Científica Editorial e Revisão de Pares
Tema do Dossier Temático ARTE E ACTIVISMO POLÍTICO: PERSPETIVAS DA HISTÓRIA DA ARTE E ESTUDOS DE CASO
Ideia e Coordenação Geral Fernando Rosa Dias
Coordenação Científica do Dossier Temático Cristina Pratas Cruzeiro

PRESENTACIÓN
Fabián Giménez Gatto
Hugo Chávez Mondragón
Alejandra Díaz Zepeda


Los estudios críticos sobre la diversidad corporal (teoría freak) proponen volver visible el cuerpo en tanto mutación de órganos, procesos de estructuración alterados vía natural o quirúrgica para hacer surgir monstruos, devenires de posibilidad en las acepciones a una idealización normalizadora. El monstruo como aquel que se aparta de la naturaleza, signo de desgracia venidera (Ambroise Paré), deformidad que debe ser oculta o eliminada apenas ha nacido y cuya “desfiguración” es notoria. El monstruo humano concebido también como aquel que “combina lo imposible y lo prohibido” (Michel Foucault), que nos hace desviar la mirada como intentando negar su existencia mientras su exotismo paradójicamente hace volver a él con unos ojos lacerantes que le juzgan.

El presente libro colectivo recoge, en su versión corregida y aumentada, los trabajos expuestos durante el Segundo Encuentro de Investigadores de la Red Temática de Estudios Transdiciplinarios del Cuerpo y las Corporalidades que se realizó en el Museo de Arte de Querétaro, en la ciudad de Querétaro, el 11 de agosto de 2017. Se trata de un conjunto de interpretaciones sobre lo que en un primer momento aparece como “un significante vacío”; lo freak, término anglosajón que carece de una traducción precisa encontrándose entre los posibles escenarios una serie de palabras que son o buscan ser descalificativas: anormal, extraño, monstruoso, raro… extravagante.

En un libro las páginas existen como realidades paralelas, sin embargo, sólo puede revisarse una a la vez mientras las demás borrosamente se sugieren. Así también las agrupaciones, que a ratos parecerán una aberración.

La teoría freak tiene un primer momento con su dimensión histórica en los trabajos que rastrean la diversidad corporal en los registros bibliográficos y evidencias de que estos cuerpos extraños han atraído la mirada desde hace siglos. El lector encontrará también una constelación médica, resultado de la lectura clínica sobre dichos cuerpos. Le siguen un conjunto de materiales sobre la diversidad sexual que plantean una cercanía con lo diverso más próxima de lo que usualmente se acepta, como sostiene la frase Objects in mirror are closer tan they appear. Como un cierre momentáneo a la discusión, la dimensión estética nos sugiere la presencia de narrativas e imaginarios alrededor de cuerpos que devienen freaks desde la actualización de sus potencias. Por nuestra parte no buscamos agotar el tema, al contrario, apenas susurrar su investigación como un ir “tras los vestigios”, pues hablar de historia, de medicina, de diversidad sexual e imágenes e imaginarios corporales es sólo un comienzo. Nos dirigimos, en todo caso, a recorrer estas corporalidades en tanto planos de inmanencia, a caminar entre cuerpos concretos que se repiten texto a texto,  imagen a imagen, con el único fin de encontrarnos con cuerpos singulares. Este borboteo de extrañezas y aberraciones que usted, querido lector, encontrará a lo largo de estas páginas, no son más que otras versiones de usted mismo, pues hay en cada unos de nosotros un poco (o mucho) de freak. Lo único que nos hace distintos a ellos es la distancia que nos separa de sus potencias felices y carnavalescas, su posibilidad de mostrarse como monstruos soberanos que responden  una libertad de franquear lo infranqueable. En tanto sujeto exiliado, dice Kristeva: “En lugar de interrogarse sobre su ‘ser’, se interroga sobre su lugar: ‘¿Dónde estoy?’, más bien ‘.Quién soy?’” (Kristeva dixit). El monstruo, arrojado fuera de una sociedad, recorrerá sus propios límites como un ser escindido y transgresor, capturando –desde la fascinación por la abyección, lo grotesco o lo barroco– la imaginación de la teoría contemporánea.

La investigación en el campo de las técnicas y materiales en el arte contemporáneo requiere la aplicación de nuevas metodologías transdisciplinares que permitan obtener una perspectiva renovada sobre los contenidos que entraña la amplia experimentación artística desarrollada en esta dirección durante el siglo  XX. El cambio de paradigma de la física y el progreso tecnológico han dado lugar a un caudal de nuevas narrativas posibles en las que se ha visto alterado profundamente el sentido tradicional de nociones como las de
materia
o
memoria
en el arte. La presencia material del agua en el arte de la segunda mitad del siglo  XX como objeto de estudio, nos permite proponer una metodología que revisa dichos conceptos a través del análisis de los planos imaginativo y técnico-operativo, así como afrontar los problemas que plantea a nivel teórico una estética de lo fluido.

Referencia completa:
MOÑIVAS, Esther. “Narrativas fluidas. El agua como presencia material en las artes plásticas contemporáneas” en: Dept. Història de l'Art i CEHA-Comité Español de Historiadores del Arte (coords.). CEHA, XVII Congrés Nacional d´História de l´art. Art i Memóri. [Actas]. Granada: Editorial Atrio, 2012, pp. 249-263.

Aforismos longos > on the road/railway [que é comboio]
1. No caso das 8 horas antes de Augusto Lemos, as fotografias inundam-nos a cabeça com mundos que – para mim – são quase todos desconhecidos. Os mundos significam uma concretização impossível que será em devir (d’aprés Marcel Blanchot) e durante o fim (parafraseando o título de Rui Chafes). As fotografias são citações, apropriações, metáforas, simulacros, simulações, ilusões…sendo genuínas, reais, efetivas e, portanto, incontornáveis e urgentes. Ganham essa dupla e rica oposicionalidade.
2. As fotografias de Augusto Lemos são assertivas, incondicionalmente decididas, quase tautológicas (tudo no excelente sentido dos qualificativos e substantivos). São imagens felizes que se querem assim. Transportam um pensamento lúcido e detalhado sobre o mundo que cessa e se reacende na viagem. Ao olhar, observar, contemplar e ver as fotografias da série “8 horas antes” não fico nostálgica, como é frequente acontecer em situações análogas.
(...)

El presente texto analiza algunas de las obras de
la artista María Teresa Cano a la luz de las nociones
de instante, memoria y gesto. El trabajo
de Cano, poco revisado por la teoría y la historia del arte contemporáneo
en Colombia, evidencia las rupturas que ocurrieron en
los modos de representación durante la década del ochenta en el
país. El arte participativo, el arte de acción, la incorporación de
la comida como soporte y el uso de situaciones cotidianas como
punto de referencia para varias obras objetuales sitúan el trabajo
de la artista en un lugar poco común dentro de los estudios histó-
ricos del campo artístico nacional. Si bien la obra de Cano resulta
extensa y plural en sus medios, interesa hacer algunas anotaciones
a propósito del uso del cuerpo y el gesto, pues sus estrategias de
trabajo constituyen un lugar escasamente visitado por artistas de
su misma generación.

Artículo incluido en las «Actas del I Foro Internacional de Arte Múltiple».

Durante los días 20 y 21 de octubre de 2011, se celebró el I Foro Internacional de Arte Múltiple, en el marco de la Feria de "Estampa Arte Múltiple". Siguiendo las principales líneas de actuación trazadas desde la Dirección del evento y en colaboración con D. Javier Blas – Director Artístico de la Feria – el grupo dx5 - digital & graphic art research actuó como co-organizador de dicho foro, y formó parte integrante del comité científico del mismo.

El Foro de Arte Múltiple sirve como plataforma de encuentro y comunicación para especialistas, artistas e investigadores, en torno al arte múltiple, entendido desde una órbita claramente multidisciplinar, que abarca todas las manifestaciones susceptibles de ser editables: fotografía, grabado, escultura, vídeo, arte digital, libros de artista, arte sonoro y otras manifestaciones de arte seriado. Ahora más que nunca, conceptos como serie, original múltiple o autoría compartida, se hallan en plena efervescencia: el arte contemporáneo es múltiple.

El foro se articulaó en torno a tres grupos de trabajo. Durante la jornada del día 20 tuvieron lugar dos mesas redondas, que abordaron los enfoques científico-técnico y teórico-conceptual respectivamente, constituidas por artistas e investigadores de distintos grupos de investigación de universidades y centros de arte españoles e internacionales. En estas sesiones cada ponente intervino con una comunicación, pero tabién debatió con el resto de conferenciantes, así como con el público asistente, que podía lanzar o plantear diferentes cuestiones relacionadas con los contenidos propuestos. Asimismo, el día 21 se desarrolló un tercer taller correspondiente al apartado de praxis artística, más vinculada a la realidad expositiva y comercial del mercado, con la participación de gestores y comunicadores con responsabilidad en departamentos de investigación en centros de arte, museos y asociaciones, a cargo de la Fundación Telefónica y bajo la tutela de Karin Ohlenschläger (Vicepresidenta del Instituto de Arte Contemporáneo).

O Festival de Arte, Ciência e Tecnologia inicia em 2014, por uma iniciativa do grupo de pesquisa Arte e Tecnologia/CNPq e tem como objetivo expor a produção contemporânea de artistas nacionais e internacionais que atuam de modo transdisciplinar. O evento é realizado pelo Laboratório de Pesquisa em Arte Contemporânea, Tecnologia e Mídias Digitais (LABART), com apoio do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais (PPGART), do Centro de Artes e Letras (CAL) e da Universidade Federal de Santa Maria (UFSM). Conta com parceria e apoio do Mestrado em Tecnologia e Estética das Artes Eletrônicas, da Universidad Nacional Três de Febrero (UNTREF/Argentina). O FACTORS 5.0, realizado em agosto de 2018, tem como argumento curatorial  o conceito de (bio) arte e sustentabilidade, considerado a partir de suas implicações sociais, políticas, estéticas e
éticas, no campo da arte e da natureza, visando uma ecologia sustentável.

Editora PPGART

ISBN: 978-85-93462-07-8

El siguiente diálogo se desprende de una serie de conversaciones que sostuvo Alonso Cedillo con el maestro Gilberto Aceves Navarro en su taller durante el mes de marzo del año 2018. A lo largo de los encuentros ambos discutieron sobre algunos de los cuadros célebres de Navarro; de su infancia, sus años de formación, sus maestros, el mercado del arte y su estilo pictórico. Aceves Navarro falleció el 20 de octubre del 2019 a los ochenta y ocho años.

El presente texto en un manual de consejos hecho por mediadores para mediadores. Se ha realizado a través de laboratorios educativos en el marco de tres ediciones de la Feria de Arte de Bogotá ARTBO. Se publica con el fin de que pueda serle útil a otras personas, que en algún momento compartirán las mismas angustias, intereses e inquietudes.

Entendiendo al diseño como práctica que define la cultura (Julier, 2010) se busca reflexionar sobre su praxis y metodologías en relación a la construcción de una memoria colectiva (Di Cori, 2000). Se tomarán como objetos de estudio dos Instituciones en Capital Federal que se presentan como espacios de memoria (Muntadas, 2006) frente a los hechos perpetrados por el Terrorismo de Estado. Éstas son el Centro Cultural Haroldo Conti dentro del predio de la ex ESMA y el Parque de la Memoria. Si bien esta problemática fue abordada desde los campos de la sociología, la comunicación, la historia y las ciencias sociales, en esta ocasión se abordará desde un pensamiento de diseño. Se buscará comprender sobre qué fundamentos opera dicha práctica teniendo en cuenta las problemáticas vinculadas a la relación entre memoria colectiva e individual, las dificultades de representación implicadas en estos espacios, la ciudad como territorio significante y sus retóricas propias (Buchanan, 1989) pensadas desde el diseño centrado en lo humano (Krippendorf, 2006).
Palabras clave: Memoria colectiva-Cultura del diseño-Nueva museología-Humano-céntrico-Retórica.

Contrainformación, fue una de las nueve exposiciones del 45 Salón Nacional de Artistas, que tuvo lugar en la ciudad de Bogotá en 2019. El articulo plantea un análisis de la muestra −curada por el Equipo TRansHisTor(ia), conformado por María Sol Barón y Camilo Ordoñez- como una apuesta expositiva que se inscribe en lo que se ha denominado como el giro hacia el pasado, es decir, una muestra que propuso una lectura crítica de la Historia con mayúscula, a través de una recodificación plural de memorias e historias subalternas y contrahegemónicas.

Web: https://www.revistaarcadia.com/arte/articulo/contrainformacion-una-revision-critica-del-pasado-para-proyectar-futuros-posibles/78620

El conocido por algunos teóricos y editores como boom del cómic adulto, fue el último momento en que el cómic pensado para quiosco tuvo un carácter masivo en España, gracias a revistas como El Víbora, Cairo o 1984. Durante las décadas de los años setenta y ochenta estas publicaciones fueron la base del sistema editorial, además de «medio de vida y escuela», en palabras de Max, para muchos autores.

Entre la segunda mitad de los años ochenta y comienzos de los noventa, la revista como formato desaparece progresivamente. El entramado de edición en el que podían publicar los creadores españoles cambia y, tras una apuesta efímera por el comic-book, pasa a basarse principalmente en el formato libro y en la idea de novela gráfica. Muchos historietistas, sin los ingresos estables que proporcionan las revistas, dejan el cómic en beneficio de otras artes como la pintura, el audiovisual, la ilustración o el diseño gráfico.

Las voces reunidas en el libro narran este apasionante momento de cambio, vital para la historia del cómic y, por extensión, para la historia del arte en España, en un proceso compartido parcialmente a nivel internacional. Se crea una visión amplia, en la que se encuentran representadas desde las autoras y autores del periodo, hasta autoeditores, editores y otros agentes clave en el mercado, como las librerías especializadas. Los protagonistas de la época se sinceran con el lector en lo que constituye la mayor reunión de testimonios relativos al cómic español.

En las condiciones actuales del arte contemporáneo, en las cuales se confunde con el espectáculo y con distintas prácticas, parece que no tiene un lugar ni funciones definidas. Sin embargo, parece que hay todavía algo que lo distingue en el espectro del quehacer del hombre. En el articulo se plantean formas de entender al arte que se produce hoy en día desde sus capacidades políticas (de disentimiento) y técnicas a la vez que se intenta llegar a una breve genealogía de su papel en el capitalismo tardío.

Reflexiones que recrean la relación entre el arte y el humor, a partir de la revisión de la obra plástica de Adrián Montenegro, ofreciendo una panorámica del arte contemporáneo de Pasto. Ejercicio de escritura que busca acentuar la deformación del rostro, y la risa, en la obra y acción artísticas.

La preocupación por la identidad cultural en el diálogoentre lo vernáculo y lo extranjerizante, lejos de seruna cuestión clausurada en los programas artísticose historiográficos del siglo XX, plantea desafíos quese renuevan en la agenda multiculturalista del arteglobal. El presente trabajo retoma esta problemáticapara el terreno, aún poco indagado, del arte low-tech.Como parte de una etapa de investigación todavíaexploratoria, se ensaya una estrategia de lecturaheterocrónica del campo, con el fin de rescataralgunas fibras temporales (vinculadas a un imaginariotécnico-científico local de larga data) que tienen elpotencial de organizar una perspectiva localizadadel fenómeno. El objetivo es ampliar el horizontedesviacional con el que generalmente se caracterizanlas estrategias estéticas low-tech, para descubrir enellas la presencia de memorias descentradas.

Este estudo tem como objetivo principal verificar em que medida elementos trazidos pela performance “Selvagem”, apresentada no filme Rutan, podem sugerir critérios limitativos à liberdade na performance artística. Utilizando metodologia dedutiva de caráter bibliográfico e exploratório, em um primeiro momento, situa-se a performance artística como manifestação do direito humano à liberdade de expressão; posteriormente, elementos da performance “Selvagem” são utilizados como suporte fático para a reflexão. Conclui-se que os elementos analisados contribuem para a proposição de parâmetros à liberdade de expressão na performance artística a partir do princípio da dignidade da pessoa humana e da proteção aos direitos de personalidade.

En el presente trabajo me voy a referir específicamente al Arte Contemporáneo y dentro de este el Bioarte. En primer lugar trataré de acercarnos a la idea de qué es el Bioarte, también llamado Arte transgénico o genético, ya que trata de una práctica del Arte del S.XX y XXI que surge con esas denominaciones a fines del siglo pasado. Muchas experiencias anteriores dan cuenta de la relación y el interés de los artistas por el trabajo con la ciencia sin denominarla Arte genético o transgénico, sino con otros nombres propios del momento: Arte de Sistemas, Conceptualismo entre otros. El bioarte actual es heredero de esas prácticas artísticas y dado el acentuado interés de esta relación entre el arte y la ciencia, se trata actualmente de identificarla, historizarla, y definirla.
Por ese motivo, las preguntas: ¿Hay una relación conjunta posible entre la biología y el bioarte en la actualidad? ¿Puede el arte llamado “Bioarte” hacer una contribución a las investigaciones de las Ciencias Biológicas Contemporáneas?
Para contestarlas, me acercaré en primer lugar a una definición del bioarte que justificará una relación histórica y social de ambas disciplinas, para centrarme luego en la influencia de la tecnología que ellas comparten, en la que se formulan preguntas específicas a cada campo. Esto me permitirá suponer que si se superan ciertos problemas epistemológicos en relación a lo transdisciplinar, Arte y Biología podrían establecer una relación colaborativa.
Bs.As. junio de 2017

La obra de la artista Cris Bierrenbach hace una serie de comentarios con respecto al lugar del cuerpo en la sociedad actual. A través de este texto podemos relacionar esos comentarios con diversas situaciones que tienen que ver con el cuerpo y el género. La teoría cuir sirve para analizar como es que el uso de la imagen en esta artista brasileña, nos enfrenta con los límites sociales y corporales del género. Los orificios corporales, los espacios del cuerpo, pueden entrar en la norma o pueden cuestionarla. Las diversas relaciones de imagen y cuerpo que Bierrenbach crea a través del videoarte, la fotografía y el performance, nos llevan a los límites de cada uno de los espacios sociales que nuestro cuerpo habita, para crear un espacio artístico de reflexión.

Articulo "LAS VISIONES MÁGICAS DE MIGUEL BRENNER". En: Rhiap. Revista de Historia del Arte Peruano / Año 1, Nº 1, 2014. pp.  106-107. De: ALBA CHOQUE PORRAS
Análisis sobre la emblemática obra "El hombre y el tiempo" (1988) del artista peruano Miguel Brenner, realizado por la historiadora del arte Alba Choque Porras.

"Con El hombre y el tiempo, el artista logra una pintura de variadas interpretaciones, el volador invita
a continuar hacia el vacío del centro, de lo misterioso, de lo que es proclive a variados mundos: los del arte, de la ciencia, la cultura, la historia. El hombre y el tiempo se convierte en la catarsis de Brenner frente al devenir del futuro y también el de unir el pasado con el presente. Brenner es el Volador, posee el reloj, lo porta porque maneja el tiempo, lo soporta, lo hace llevadero. Crea mundos metafísicos paralelos, compone seres en base a otros, todo es mágico porque se lo inventa Brenner. El hombre y el tiempo convierte a este artista con justa razón en el 'pintor mágico surrealista del Perú' como el mismo se denomina".

En el presente trabajo se realiza un acercamiento critico a la obra del artista contemporaneo Santiago Sierra. La exploracion se sustenta en la perspectiva teorica que ofrecen las categorias de tactica y estrategia utilizadas por Michel de Certeau. El objetivo es analizar el modo en que Sierra plantea la representacion de la condicion laboral y de la sumision corporal al sistema capitalista para problematizar el estatuto mercantil del arte

A arte, como um processo de produção simbólica, é um espaço rico para questionamentos acerca da comunicação e da cultura contemporâneas. Daí podermos pensar as manifestações contemporâneas da arte como fenômeno cultural complexo, na medida em que indicam a possibilidade de interessantes experimentações nos processos comunicativos, como campo de circulação de valores e signos. O uso que artistas vêm fazendo de materiais pouco convencionais e de mídias como fotografia, vídeo e as chamadas novas tecnologias chama a atenção por possibilitar arranjos singulares com a técnica e um diálogo inusitado com nossa contemporaneidade. Por meio dessas operações, é possível revisitar a relação que mantemos com a própria técnica, promover uma releitura de discursos e práticas sociais ligados à constituição de nossos modos de vida, jogos de poder e criar novas condições de Possibilidade para a produção de diferença na atualidade.

Se tiende a pensar que en casi todos los mercados del mundo existe una notable preferencia en subasta por el arte nacional. Sin embargo, para algunos artistas españoles el mercado español supone un porcentaje mínimo de los mercados en los que más venden. Para acercarnos a este fenómeno desarrollaremos unos puntos que nos servirán para responder a una serie de preguntas: ¿Cómo se ha cotizado la obra de este autor en la última década? ¿Cómo se ha cotizado una misma pieza en distintos años? ¿Hay restricciones legales considerables para el comercio de este tipo de bienes por parte de su país de origen? ¿Cómo ha afectado a su cotización la crisis del coronavirus? Índice

1. La obra de Baltasar Lobo en las casas de subastas extranjeras 2. Métodos de venta predominante. 3. Perfiles coleccionistas. 4. Regulaciones sobre el comercio de este tipo de piezas en su país de origen. 5. Conclusiones.

En este libro se realiza una asociación de los conceptos éticos y estéticos en la obra de Oscar Wilde que hasta el momento se habían tratado más bien por separado, omitiéndose en la mayoría de los casos lo que hemos dado en llamar "la ética del esteta". En el análisis realizado se avanza en sentido metafórico del arte hacia la vida, exponiendo los conceptos wildeanos de creación y relacionándolos con su experiencia vital, lo que revela una ética del dolor como nuevo arquetipo para el arte.

El pasado 30 de mayo de 2014, el Museo de Arte de Puerto Rico anunciaba, en una ceremonia de inauguración y bienvenida, la adquisición y presentación oficial de El jardín de la intolerancia, de Arnaldo Roche Rabell, en una de sus salas. Unos fraternos peregrinos —Vincent/Theo, Vincent/Roche y Roche/Hermano— al fin alcanzaban un hogar permanente.

Hace ahora casi cuatro décadas que Throbbing Gristle hizo su aparición en la escena underground internacional como un estallido inesperado. Sin duda, también, inesperable. Un estallido electrónico, cuyas reverberaciones se prolongan hasta nuestros días. Surgidos del colectivo artístico COUM Transmissions, la banda dio nombre a la música industrial mediante la fundación de su propio sello discográfico Industrial Records en 1976. Desde aquellos años, ha adoptado formas y estilos diversos. Y, lo que parece aún más importante, sus miembros han sembrando un espíritu y una actitud renovados, propagando un modo más amplio de entender el arte de los sonidos, fundiéndolo a otras disciplinas e introduciendo cierta complejidad creativa a base de samples pre-grabados, sobresaltos y distorsiones. Este ensayo presenta a Throbbing Gristle como uno de los grandes motores no sólo de la música sino de la estética y el arte contemporáneo.

Neste artigo, propõe-se uma leitura da trajetória artística
de Waltercio Caldas, que se inicia no final da década de
1960, a partir da escolha de cinco trabalhos que
apresentam relação com a História da Arte, mais
especialmente com a pintura. Seguindo a seqüência
cronológica, a leitura das obras nos conduz
sucessivamente a fazer referências ao Neoconcretismo, à
Pop Art e ao Minimalismo. Tais referências nos dão
elementos para compreender sua obra como continuidade
do debate da morte do plano, que surge com o
Neoconcretismo.
Waltercio Caldas, arte contemporânea, neoconcretismo

“Apropiación material. Trayectorias, profanaciones y estrategias en el arte contemporáneo de América Latina” es una investigación teórica que aborda la noción de performatividad en la práctica artística conocida como “reutilización”. Se enmarca dentro de la investigación “La performance como signo. Cuerpo, espacio y contacto en una semiótica de lo performático” dirigida por Claudio Guerri. A partir de la misma, se utiliza como abordaje metodológico e interpretativo una perspectiva semiótica peirceana. A partir de un corpus de producciones artísticas contemporáneas de América Latina desarrolladas desde el año 2000 en adelante, se diagramó un mapa que da cuenta de las diferentes operaciones que se realizan sobre las materias y que, a su vez, delinea los contornos de esta práctica a la que denomino “apropiación material”. A modo de objeto de análisis se presentan nueve obras a través de las cuales no sólo se caracterizan las categorías construidas sino también las posibilidades significantes de esas materias apropiadas. A su vez, se presentan dos modos posibles de interpretar el mapa como una estrategia para conceptualizar la práctica de apropiación material en Latinoamérica.