Alexandra Avellaneda

Desde tiempos que son difíciles de precisar, el corazón del hombre se ha relacionado de una manera muy directa con el desarrollo y tratamiento de sus emociones y sentimientos. Hablamos siempre de corazones felices, rotos, destrozados, emocionados, ilusionados o decepcionados. Le hemos otorgado una significación más allá de lo que prácticamente representa, pues en sentido general, se trata de un órgano más de la anatomía humana. Sin embargo, la figura que hemos supuesto de él, lo convierte en la gran metáfora del carácter humano. Difícilmente, nos refiramos a una emoción o sensación sin que lo involucre, ya sea porque lo incluyamos en nuestra retórica, o porque él mismo reaccione ante cualquier estímulo: el ritmo cardiaco marcha en coherencia con nuestras emociones, puede acelerarse o disminuir de acuerdo a nuestros estados de ánimo. Es quizá esta condición del corazón, la que le ha otorgado esa cualidad de epicentro de la vida emocional y sensorial del hombre, la que le ha permitido reconocérsele como el lugar donde nacen los sentimientos y valores humanos. De acuerdo al filósofo francés Alfred Stern, esa representación figurativa del corazón humano, está asociada al globo sentimental. En su obra Filosofía de la risa y el llanto (1950), propone que el globo sentimental es un lugar abstracto en la vida del hombre donde éste construye su universo filosofal, es decir, la parte sensible de su mundo. En este lugar, nacen las motivaciones, deseos, intereses, necesidades, emociones, que predeterminan cada acto humano, y que repercuten en un opuesto: el universo de la ciencia. Para Stern, los dos mundos, el sensible y el científico, están claramente definidos, son igualmente importantes en la vida del hombre, y escasamente pudiera uno ser posible sin el otro. Mientras uno nos

Un hombre se adentra en las entrañas de la tierra para encontrar el centro del planeta,  otro repasa en su memoria el crimen cometido contra una mujer, mientras en una cárcel se develan oscuros secretos de traición y amor . Estas imágenes evocan los films que han tratado de representar con la imagen lo que la palabra escrita ya reveló, han contado la historia desde un nuevo formato y le han agregado una nueva sazón a un sabor ya conocido. Esta fascinación por desatar estos encuentros entre cine y literatura, si bien no es nada nueva, es una de las relaciones abordadas por los recientes estudios de un fenómeno conocido como remediación.

Mucho es lo que se ha dicho de Simón Bolívar, en primera medida por tratarse de un personaje real de una influencia tan marcada para la cimentación histórica de los pueblos hispanoamericanos, pues su proceder, de muchas maneras marcó susdevenires;  por su carácter controversial y su perfil ambivalente que ha sido objeto de diversos análisis e interpretacionesy, sobre todo, por la abundancia  de los mismos mundos que sobre él se han producido, que han permito hacer lecturas y re-lecturas de su ser, su hacer y su pensar.  Ya sea como documento histórico o como producción ficcional, su imagen se ha sacralizado y desacralizado, amado y odiado, evocado e injuriado, glorificado y mancillado, al punto que  lo único cierto es que no hay ninguna “historia verdadera”, ninguna verdad absoluta sobre él, pues en este punto de des fabulación y crisis de la verdad, todo es posible. El oxímoron en que se convierte la imagen de Bolívar es la misma figura que propone Noé Jitrik para entender la “novela histórica” (Jitrik, 1995).

De acuerdo a Emerson, cita Borges, la biblioteca es un gabinete mágico lleno de espíritus hechizados que despiertan cuando tomamos un libro, lo abrimos y lo leemos. Ahí, el libro toma vida, mientras tanto solo es un objeto inerte y vacío. En este breve texto que hace parte de la entrega de ensayos titulada Siete Noches del escritor argentino Jorge Luis Borges, el ensayista y poeta gaucho plantea y resalta que la literatura es un hecho estético que se debe, y de hecho así se admite, leer, releer y dilucidar de acuerdo al momento socio-cultural del lector, porque justamente es él quien reinventa y renueva el texto convirtiéndolo en un objeto animado y lo valida anverso a su realidad.

En el barrocoEspaña dominaba América. Era una época de contrastes y contradicciones,tal como lo indica Sabat, Lope de Vega, Quevedo y Góngora han inscrito en España lo culto y lo vulgar porque la invención se lleva hasta su último límite. De manera pomposa se alzan los arcos triunfales y monumentos en España mientras en México se erigían arquitecturas impresionantes, que al final no eran tan inusuales para un pueblo que estaba acostumbrado a la magnificencia y había sido tan próspero. (Sabat-Rivers, pág. 1). En cuanto a la poesía, un tópico muy recurrente era la idea del hermanamiento entre poesía y pintura.(Ortiñá, 1996, pág. 155).Dentro de estas condiciones se desarrolla el trabajo poético de dos escritoras de esta época, una de España y la otra de la Nueva España, casi contemporáneas, quienes compartían una inusitada correlación en cuanto a su visión del mundo y producción poética, que será mostrada a lo largo de estas páginas.

¿Qué se esconde detrás de las paredes de los muros del lenguaje? ¿Qué se adivina fuera del lenguaje, de lo no dicho? ¿Son siempre suficientes y consecuentes las palabras, y sobre todo, necesarias para dar cuenta y explicar el mundo?Nietzsche planteaba que existe un lenguaje fuera del lenguaje, es decir, que el mundo a nuestro alrededor nos está hablando todo el tiempo, pero que no son solo las palabras precisamente las que le dan el sentido y el significado a las expresiones de ese mundo, existe algo que está más allá del lenguaje capaz de completar estos sentidos y significados. Las locuciones no verbales, el contexto, el ambiente, o sencillamente, el simple hecho de callar, se convierten, al igual que la metáfora, en extensiones de las palabras que ahondan en el significado y recobran la pluralidad del sentido. Así, a medida que el lenguaje pretende ser capaz de abordar de un modo irremediablemente único, totalizante e inclusivo todos los asuntos y temas planteados, se vuelve menos probable.

La mujer, la religiosidad y la muerte en la novela Pedro páramo …y más allá, la más remota lejanía… Pedro Páramo (p.110) En el lugar más inhóspito y desolado del mundo, en las cumbres más rocosas y áridas, en los dominios más luctuosos que ha manado la Tierra jamás, justo allí se encuentra Comala, el universo recreado por el escritor mexicano Juan Rulfo en la novela Pedro Páramo1. Un mundo orillado en algún rincón de México, perdido entre matorrales secos y ahogado entre el polvo, donde en vez de personas viven fantasmas, y en vez de vida hay recuerdos. Un lugar perdido y confuso cuyos confines lindan entre la vida y la muerte, una visión, un espejismo quizá, un submundo que solo conoce el padecimiento. Estoes Comala,muerte y sufrimiento, algo que resulta discordante pues lo que está muerto no tendría la capacidad de sentir. Pero aquí sí, en Comala no hay descanso para los muertos, sufren tanto o más que en vida; la promesa del cielo y el paraíso les ha sido denegada, aplazada, en tanto no purguen sus pecados en este lugar de ultratumba donde deberán permanecer en adelante. Nadie los previno, ni siquiera la iglesia ni sus más altos representantes, que el purgatorio sería ahí, en su propio pueblo en ruinas, en sus propias casas destruidas. Tampoco les dijeron que el mundo espiritual ofrecido para las almas buenas o arrepentidas de corazón por sus pecados, no estaría a su alcance, que su sufrimiento sería indefinido. Las almas que vagan por Comala, perdidas y confundidas, no parecen encontrar la salida ni el fin a sus angustias, su padecer parece eterno. La presencia de la muerte y de la religiosidad son de hecho los elementos más sustanciales de que se nutre el relato. De ahí parte la historia, desde la muerte. Primero nos debemos imaginar un lugar devastado y espectral para poder conocer la historia de Comala y de sus habitantes. Partimos del vacío y la media voz para encontrar el sentido y las razones de cómo y por qué todo se acabó. Por su parte, la religión representada en la iglesia católica, juega su papel de guía espiritual al ser la llamada a definir los destinos de las almas de los hombres, condenándolos o premiándolos, y al establecer de este modorelaciones entre las personas, la religión y el más allá. A lo largo del relato, son estas relaciones las que definen el porvenir de cada personaje y les otorgan un lugar tanto en la vida como en la muerte. 1Rulfo, Juan. Pedro Páramo, 1947. Versión digital con prólogo de Jorge Volpi, recuperado en http:// www.portalalba.org/biblioteca/RULFO%20JUAN.%20Pedro%20Paramo.pdf. Las citas empleadas en este texto corresponden a esta obra.

La literatura dentro de la literatura se convierte en uno de los más recurrentes temas de la obra posmoderna, y por lo tanto, el escritor como personaje también se hace popular. Pero como la mayoría de los personajes posmodernos, aquí la imagen del escritor es alterada con relación a la imagen tradicional del ser profundo e intelectual que solía pintarse en el barroco, sentado en un gran sillón rodeado de libros clásicos, o la que propone al escritor famoso y revolucionario que está a punto de cambiar el mundo con su obra. No. Es más bien  como lo indica Zygmunt Bauman, un extraño particular producto a su vez de una sociedad particular.

Traducción y análisis de un fragmento del canto LI del escritor norteamericano Ezra Pound En el presente ejercicio de traducción de poesía, se presenta una propuesta de traducción en lengua castellana de un breve fragmento del Canto LI de la obra Cantos del escritor norteamericano Ezra Pound (1885-1972). Primero, veremos el fragmento original en inglés, seguido de la versión en español propuesta para este trabajo. Luego, se realizará una breve introducción del poeta y su obra, y finalmente se expondrán el análisis y las reflexiones suscitadas en torno a la misma traducción, al autor y al arte poética.