Mario Ceroli

Sergio Lombardo (1939), artista romano sfaccettato e camaleontico, critico d’arte, psicologo sperimentale e fondatore della Teoria Eventualista, esordisce giovanissimo, storicamente alla fine degli Anni Cinquanta.
A seguito dei vari confronti avuti con l’artista, con questa tesi, ho deciso di approfondire il complesso decennio degli Anni Settanta che ha caratterizzato la vasta produzione di Lombardo, identificandone come filo conduttore il concetto comune e risolutore dell’Alea, tanto caro a Lombardo sin dalla sua prima esperienza casuale con i Monocromi (1958-1961), come racconta lo stesso artista durante l’intervista che ho tenuto con lui, definendoli un nuovo ordine e una chiave di lettura innovativa.
Nel primo capitolo spiego come Sergio Lombardo chiarisca i limiti tra il ruolo dell’artista e quello dello spettatore, coinvolgendolo e rendendolo parte integrante e completiva dell’opera d’arte. Come tramonto di un’era e conclusione del primo capitolo, ho deciso di trattare la scintilla innovativa innescata dalla Biennale di Parigi del’69 e dalla Biennale di Venezia del ’70, attraverso la quale l’artista inaugura la produzione degli Anni di Piombo con l’esposizione di Sfera con Sirena (1968-1969), in cui l’evento è di tipo fisico e dipeso dalla spontaneità delle reazioni aleatorie del pubblico.
Il secondo capitolo, invece, è dedicato a tutta la produzione di Sergio Lombardo dai primissimi Anni Settanta fino al loro termine, iniziando da un’interazione impossibile instaurata con i Progetti di Morte per Avvelenamento (1970), in cui l’evento in questo caso è spostato sul piano mentale. All’evento si aggiungono regole geometriche e numeri aritmetici con i vari Concerti Aleatori per Azioni (1971-1975) che, scissi in progetto ed esecuzione, rappresentano la massima espressione aleatoria di Sergio Lombardo. I problemi funzionali dell’arte, quali la finzione e la commercialità di essa, diventano le fondamenta di Jartrakor, spazio espositivo aperto al pubblico nel 1972 e laboratorio di studi e ricerca fondato nel 1977, è diretto da Lombardo e alimentato da vari artisti e intellettuali che ne diventano i collaboratori ufficiali. Indicativa di tale periodo è la serie dedicata al lancio dei dadi, tra i giochi d’azzardo per eccellenza più discussi, di cui emblematico è il Quick-Squin solitario con 6 dadi, ideato dall’artista nel 1972 e dimostrato poi nel 1975. Secondo la base di questi principi ho realizzato insieme a Sergio Lombardo un esperimento di tipo artistico, matematico e psichico che ha scaturito una forma di eccezionalità.
Eventi e calcoli proseguono insieme a studi scientifici e psicologici sull’induzione dei sogni, prima con l’attuazione della tecnica dell’ipnosi e poi con la realizzazione dello Specchio Tachistoscopico con Stimolazione a Sognare (1979), il cui evento dell’opera è dato dall’autenticità di sogni post-ipnotici, in cui l’artista raggiunge una totale eliminazione della simulazione.
L’ultimo capitolo della tesi, mostra un Lombardo che torna alla pittura con la Stocastica (1980 ad oggi), attraverso la quale l’osservatore esterno rielabora immagini soggettive. Il Caso qui è dato da un sorteggio algoritmico e l’evento, invece, da forme create mentalmente, inspiegabilmente e irripetibilmente.
Come conclusione della espressione artistica aleatoria degli Anni Settanta di Sergio Lombardo, come principio unificatore e risolutore di tutte le sue opere e idee precedenti, tale forma di pittura “ordina” il caos apparente che la caratterizza e costituisce il mondo.

Il saggio è contenuto nel catalogo della mostra "Giorgio de Chirico. Ritorno al Futuro, Neometafisica e Arte Contemporanea" e propone un dialogo tra la pittura neometafisica di Giorgio de Chirico e le generazioni di artisti che, in particolare dagli anni Sessanta in poi, sono stati influenzati dalla sua opera, riconoscendolo come il maestro che ha ispirato la loro nuova visione.
La mostra mette in relazione le opere di de Chirico con tendenze dell'arte italiana e internazionale come la Pop art di Andy Warhol, Valerio Adami, Franco Angeli, Mario Ceroli, Lucio Del Pezzo, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Ezio Gribaudo, Gino Marotta, Ugo Nespolo, Concetto Pozzati, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Emilio Tadini. La mostra presenta anche un grande prosecutore della Metafisica come Fabrizio Clerici, la pittura di Renato Guttuso e di Ruggero Savinio insieme ad artisti internazionali come Henry Moore, Philip Guston, Bernd e Hilla Becher. Il percorso presenta maestri dell'arte povera come Giulio Paolini e Michelangelo Pistoletto, le visioni concettuali di Fabio Mauri, Claudio Parmiggiani, Luca Patella e Vettor Pisani, fino ad arrivare alle ombre geometriche di Giuseppe Uncini, alla fotografia di Gianfranco Gorgoni, alle sculture di Mimmo Paladino, ai dipinti di Alessandro Mendini e di Salvo, al mistero di Gino De Dominicis, ai tableaux vivants di Luigi Ontani, a protagonisti delle ultime generazioni internazionali come Juan Muñoz, Vanessa Beecroft e Francesco Vezzoli. Oltre al prestito delle opere neometafisiche della Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, la mostra presenta un'animazione digitale di Maurice Owen e Russell Richards insieme a opere di artisti contemporanei provenienti dalle collezioni della GAM di Torino e tra questi Claudio Abate, Gabriele Basilico, Luigi Ghirri, Franco Fontana, Fausto Melotti. Una piccola sezione della mostra, come un inserto prezioso, è riservata al tema della citazione e della copia, esercizio prediletto da de Chirico nella sua lunga ricerca sulla pittura dei grandi maestri e presenta un disegno originale di Michelangelo proveniente da Casa Buonarroti, insieme a disegni di de Chirico dedicati allo studio degli affreschi michelangioleschi della Volta della Cappella Sistina e a opere del famoso ciclo su Michelangelo di Tano Festa.

Il saggio si pone come una recensione critica della personale di Mario Ceroli, intitolata “C’ero lì con Pinocchio”, curata da Giorgia Calò e inaugurata presso la Galleria La Nuvola di Roma.
Esso ruota attorno alle iconiche sculture di legno e ai disegni su carta dedicati al celebre romanzo di fantasia “Le avventure di Pinocchio” di Carlo Collodi. Si tratta di opere raffinate in cui l'artista utilizza matita e collage, inserti di grafite e carboncino come espressione di un mondo metaforico sospeso tra simbolo, realtà e immaginazione.