SIEMPRE PIONERAS

WomanHouse Project: un programa de educación feminista

(y otros ejemplos de prácticas artísticas feministas en los setenta)

ALWAYS PIONEERS
WomanHouse Project: a feminist education program
(And other examples of feminist art practices in the seventies)

Estibaliz Sádaba Murguia

En los años sesenta aparece la segunda oleada del movimiento feminista, que
abordó la problemática de la opresión de las mujeres en todas las dimensiones y
aspectos. Las artistas comienzan a preocuparse por las cosas ordinarias de la vida
cotidiana. WOMANHOUSE fue un programa feminista que partió del Campus de
CalArts en Los Angeles; un proyecto colectivo dirigido por Judy Chicago y
Miriam Schapiro. En esta casa ocupada las estudiantes se dedicaron a
acondicionar las maltrechas habitaciones de la casa, subvirtiendo de esta forma el
concepto tradicional de creación artística: actividades como limpiar el espacio,
pintar las paredes, arreglar cañerías, atornillar ventanas, etc. formaban parte del
proceso creativo, permitiendo de este modo llevar a cuestionar de forma radical y
literal el confinamiento tradicional de las mujeres en el ámbito doméstico y
reproductivo.

The second wave of the feminist movement appeared in the 1960s, which addressed
the problem of the oppression of women in all dimensions and aspects. Artists begin
to worry about the ordinary things of everyday life. WOMANHOUSE was a feminist
program that was delopped in the CalArts Campus in Los Angeles; A collective
project led by Judy Chicago and Miriam Schapiro. In this busy house the students
dedicated themselves to conditioning the battered rooms of the house, subverting in
this way the traditional concept of artistic creation: activities such as cleaning the
space, painting the walls, fixing pipes, screwing windows, etc. were part of the
creative process, allowing in this way to lead to a radical and literal questioning of the
traditional confinement of women in the domestic and reproductive spheres.

Arte feminista / Enviroment / Espacio doméstico / Vida cotidiana / Feminismo

Feminist Art / Enviroment Art / Domestic Space / Ordinary Life / Feminism

1
 Soy artista. Soy mujer. Soy esposa. Soy madre.

Hago montones de cosas: lavar, cocinar, cuidar... también hago arte.

Mierle Laderman Ukeles

En los años sesenta aparece la segunda oleada del movimiento feminista, que abordó la

problemática de la opresión de las mujeres en todas las dimensiones y aspectos. Unos

años sesenta y setenta de fuerte militancia, de acciones y manifestaciones

reivindicativas en la calle, en los que se discutió entre otras muchas cosas sobre las

relaciones sexuales estereotipadas, cuyos modelos se conceptualizaron como relaciones

de poder.

Se teorizó sobre el cuerpo como territorio de placer y de poder, donde se ejercía

el control y la colonización cultural y física masculina; control que desde el feminismo

había que recuperar, para poder así autogestionar el propio cuerpo. Para ello se empezó

por conceptualizar las relaciones personales como relaciones políticas y a investigar en

términos generales sobre el patriarcado.

Este contexto feminista y sus discursos sobre el cuerpo, coinciden con un

cambio de actitud en el arte. Tiempos que viene marcados por el happening, las

acciones, el Fluxus. Las artistas se preocupan por las cosas ordinarias de la vida diaria;

también por lo ya usado, por lo deteriorado. Se ve la posibilidad de llevar el arte al

mundo de lo cotidiano, y se le intenta liberar de su carácter aurático1, para así realizar

una aproximación menos grave y más experimental al proceso de creación artística. Los

happenings, las acciones se sitúan en un terreno amplio y abierto y se producen

intercambios de disciplinas como el teatro, la danza, poesía… unas nuevas actitudes

1
En el sentido dado a este término por Walter Benjamin en “la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”, en Discursos
interrumpidos, I. Taurus, Madrid 1992.

2
ubicadas no en las vías artísticas ya trazadas, sino en el cruce de caminos, en las

encrucijadas de direcciones.

Las performances de los 70 abrieron los nuevos caminos por dónde iban a poder

moverse los artistas. Se abrieron nuevas vías de reflexión sobre sí mismas y sobre el

mundo, cuestionando la diferencia sexual establecida y socioculturalmente impuesta en

las representaciones habituales.

Desde los orígenes de la performance, y hasta estos últimos años, diferentes

generaciones de creadoras han desarrollado lenguajes, discursos y prácticas especificas

dentro del área artística, de tal importancia y con tal protagonismo, que han incidido en

la evolución de la misma y han dado lugar a lo que viene denominándose performance

feminista y/o de género.

Por otro lado, en la historia del arte ha habido y hay muchas mujeres que

trabajan y reflexionan en sus proyectos artísticos sobre el espacio doméstico o privado:

la reclusión de la mujer en la esfera privada durante siglos ha sido un factor muy

importante a la hora de abordar por parte de la mujer determinados temas en sus

producciones artísticas, tales como por ejemplo el espacio del hogar y los roles que ha

desarrollado habitualmente la mujer en dicho espacio.

Las artistas construyeron de estos modos una serie de identidades fuertes, que

les han servido para liberarse de las definiciones estereotipadas de lo “femenino”, así

como para reivindicar la experiencia personal como punto de partida en la creación

artística. Se aplica así de manera directa el famoso eslogan de los setenta: “Lo personal

es político”.2

Uno de los objetivos de estas nuevas prácticas artísticas será por tanto promover

un mayor conocimiento y reconocimiento de esta perspectiva de análisis histórico-

2
Este famoso eslogan se atribuye a la escritora Carol Hanisch, por su artículo “The personal is political”, publicado en 1970 en Notes from
the Second Year: Women’s Liberation, aunque ella siempre ha dicho que el título fue cosa de sus editoras.

3
estético feminista, en la comunidad académica donde se encuentra relegada o reprimida;

en parte debido a la preponderancia de los discursos historiográficos de los grupos de

poder hegemónicos.

“Lo personal es político” es por tanto el planteamiento básico del feminismo que

dio lugar a un cuestionamiento profundo del papel del género sexual en la

determinación de nuestras relaciones de poder humanas, nuestras estructuras sociales y

económicas y nuestras vivencias del cuerpo y de la percepción; y permitió,

precisamente, que el pensamiento feminista desafiara la segregación de los ámbitos de

lo privado y lo público.

Esta primera etapa de la historia del arte feminista está muy relacionada con el

auge paralelo de una historia social del arte que se vincula con las luchas de

reivindicación social de los años sesenta y setenta del siglo XX, partir de las categorías

de clase y raza o etnicidad.

Comparte con ellas la preocupación de cómo una mirada de género se

institucionaliza, y cómo -desde el arte- se puede atentar contra esa hegemonía. Por ello

se dedica principalmente a recuperar voces silenciadas, a reivindicar la presencia de

figuras femeninas en la historia del arte, y también a encontrar metodologías que

resalten cómo la experiencia de género afecta la producción artística. De igual manera,

los escritos de artistas de la época reflejan una búsqueda de formas con las que su

técnica y sus temas de representación puedan dar voz a la experiencia femenina, en un

campo donde los cánones han reflejado desde siempre una postura patriarcal,

asumiendo implícitamente que el artista es varón. Así, no sólo se introducen nuevas

protagonistas, sino que se presentan nuevas lecturas de la obra que revelan cómo sus

condiciones de producción, tanto personales como sociales, informan las maneras en

que las podemos analizar y significar.

4
WomanHouse Project: un programa de educación feminista en CalArts

Cuando en 1971 las artistas Judy Chicago y Miriam Schapiro trasladaron el programa

feminista 3 que desarrollaba la primera al Campus de CalArts 4 (donde era profesora la

segunda), descubrieron que este contaba con una infraestructura más sofisticada que la

pequeña Universidad de Fresno donde se había originado, y en la que habían puesto en

marcha el primer programa de estudios feministas.

Como señala Patricia Mayayo (cuyos argumentos seguiremos parcialmente aquí),

en CalArts la mayoría de las participantes eran “estudiantes de arte firmemente decididas

a convertirse en artistas profesionales” (Mayayo: 2017, pg. 98). Una de las estudiantes

procedentes del programa de Fresno, y coorganizadora de la nueva experiencia junto con

Schapiro y Chicago, Faith Wilding, relata cómo la incorporación de muchas estudiantes al

programa de arte feminista hizo patente el hecho de que éste se constituía como un

desafío directo a las jerarquías institucionales masculinas de la Universidad: de este

modo, las estudiantes “contribuyeron a hacer explícito lo que siempre había estado

implícito, es decir, el hecho de que las mujeres reciben en las escuelas de arte una

educación diferente a la de sus compañeros de sexo masculino”, ya que ellos recibían

normalmente el apoyo de los profesores hombres. De este modo el mito del genio

(masculino) y de la maestría (profesionalidad) se consideraban indispensables para la

creación artística; por otro lado, la falta de expectativas sociales respecto al éxito y la falta

de ambiciones eran propias de las mujeres artistas. También la jerarquía en el uso de

materiales y técnicas artísticas es algo “que se trasmite habitualmente en las escuelas de

3
El programa de Arte Feminista que dirigió Judy Chicago en Fresno State College de California fue el primero de estas características, y se
desarrolló en 1970. En él Chicago seleccionó a quince estudiantes feministas a las que instaba a “alquilar un estudio fuera del campus a fin
de poder trabajar sin interferencias masculinas” (Mayayo: 2007, pg. 93).
4
CalArts, o The California Institute of the Arts, se encuentra en Valencia, en el condado de Los Angeles, California. Desde 1961, fue la
primera institución norteamericana en ofrecer estudios superiores específicos tanto para estudiantes de artes visuales como performativas.
Numerosos artistas norteamericanos de aquellas generaciones se formaron en sus aulas.

5
arte” y que ellas querían poner en evidencia, “una jerarquía que desdeña las habilidades

y experiencias creativas que las mujeres han desarrollado a lo largo del tiempo”

(Wilding, Faith en Ibid.).

Todas estas cuestiones constituyen el núcleo central del célebre proyecto

desarrollado en CalArts, un gran trabajo colectivo, entendido casi como una puesta en

práctica de las teorías de Arte/Vida, bautizado como Womanhouse, y que fue desarrollado

en una casa abandonada de la ciudad de Los Angeles:

“Durante varias semanas, las estudiantes se dedicaron a acondicionar las maltrechas

habitaciones de la casa, subvirtiendo de esta forma el concepto tradicional de creación
artística: actividades tan prosaicas como limpiar el espacio, pintar las paredes, arreglar
las cañerías, atornillar las ventanas, o reparar la carpintería se convertían, de este modo,
en parte integrante del proceso creativo” (Ibid.)

En efecto, se trata de todo un proyecto de “mantenimiento” realizado por mujeres,

de forma colectiva, que como indica Patricia Mayayo, posibilitaba cuestionar de forma

radical y literal “el confinamiento tradicional de las mujeres al ámbito doméstico y

reproductivo” (Mayayo: 2007, pg. 99), tal y como Betty Friedan hubiera descrito y

denunciado en su influyente obra de comienzos de los sesenta La mística de la feminidad.

Ayudado por la apertura del marco conceptual del arte producido por las corrientes

que a partir de Fluxus y otras neovanguardias de los sesenta se constituyeron como formas

de arte procesuales, conceptuales y no-objetuales varias, un proyecto así podía ser sólo

entendido dentro del contexto de esas nuevas “prácticas artísticas”: así, por ejemplo, la

historiadora y crítica Lucy R.Lippard lo define como un enviroment (u obra de arte

“ambiental”) (Lippard: 1995, pg. 87):

6
 “Este inmenso e inmensamente exitoso proyecto fue un intento de concretar las
fantasías y opresiones de las experiencias de las mujeres. Incluía un cuarto de
muñecas, un baño-menstruación, una escalera nupcial, un maniquí femenino saliendo
de un armario ropero, una cocina rosa con decoración de tetas en forma de huevos
fritos y un elaborado dormitorio en el cual una mujer sentada cepilla constantemente
su pelo” (Ibid., pg. 64).

Esta es la descripción abreviada del contenido del proyecto, que sin embargo es

descrito por Peggy Phelan simplemente como una “exposición”, organizada por las ya

citadas Chicago, Schapiro y Wilding, y en la que participaron hasta veinticuatro mujeres

reparando y adecuando aquella vieja casa angelina es importante destacar como nos

cuenta Peggy Phelan como “se reformula de modo radical la línea que separa lo

público de lo privado, el espacio expositivo era el espacio doméstico, y las asunciones

convencionales acerca de lo que eran temas artísticos adecuados fueron descartadas;

el baño y la habitación de las muñecas fueron reapropiadas como espacios expositivos

de arte feminista. La Womanhouse celebró lo que habitualmente era considerado

trivial: cosméticos, tampones, ropa de cama, gorros de ducha y ropa interior se

convirtieron en el material apropiado para hacer arte” (Phelan: 2001, pg. 21)

La muestra, dicen tanto Phelan como Lippard, tuvo un gran éxito de publico

durante todo el tiempo en que estuvieron programando diferentes actividades y

performances, organizadas tanto por estudiantes como por profesoras; y también tuvo una

enorme repercusión pública y mediática, incluso a veces de tinte sensacionalista; pero

ayudó a visibilizar el gran interés que había por el arte feminista por parte de un

apasionado y amplio público.

Las diversas obras allí presentadas abordaban de muy diferentes maneras

cuestiones todas ellas cruciales al feminismo, y muchas de las cuales obviamente

7
apuntaban a la cuestión de la vida y el espacio doméstico, entendido como prisión para

la mujer. Por ejemplo, en la cocina nos podíamos encontrar con una instalación de

Susan Fraizer, Vicki Hodgetts y Robin Weltsch que, en palabras de Patricia Mayayo,

“evocaba, con gran crudeza, el drama del ama de casa atrapada en la ética del

sacrificio”, al mostrar las paredes cubiertas de una serie de esculturas que pasaban poco

a poco de la forma de huevo frito a otras con forma de senos femeninos, en una suerte

de “representación metafórica del papel nutricio y protector atribuido

tradicionalmente a las mujeres” (Mayayo: 2007, pg. 99).

The menstruation Bathroom, obra realizada por la propia Judy Chicago, abordaba

en una de las primeras ocasiones en la historia del arte reciente, el tema entonces tabú de

la menstruación (curiosamente en los años y décadas siguientes esto se convertiría en uno

de los hitos recurrentes del arte feminista): “los impolutos estantes del baño aparecían

abarrotados de productos higiénicos destinados a ocultar los signos vergonzantes del

flujo menstrual” (ibid., pg. 100): en una habitación muy, muy blanca y desodorizada, nos

cuenta su autora Judy Chicago, lo único que no puede ser escondido es la sangre, imagen

que siempre estará unida a la experiencia de la propia menstruación.

Además de las instalaciones, se desarrollaron como decíamos numerosas

actividades y performances; en concreto el salón de la Womanhouse se convirtió en algo

así como el “teatro” de sus artistas/habitantes, y en él Judy Chicago desarrollaba el taller

de performance en el que se recreaban piezas relacionadas con sus propias vidas y las

diferentes actividades “propias” de mujeres. Entre las diversas piezas realizadas nos

interesa primero llamar la atención sobre un par de trabajos relacionados con la idea de

“mantenimiento”: como Faith Wilding comenta, al fin y al cabo las mujeres pasan gran

parte de su tiempo vital dedicadas a realizar aburridas tareas domésticas. Una de estas

piezas trataba de la tarea de planchar, y en ella una mujer salía a escena y se ponía a

8
planchar cuidadosamente una gran camisa; en la segunda, realizada después, al atardecer,

una mujer fregaba el suelo del teatro.

Pero entre todas ellas, la que nos interesa particularmente destacar es la conocida

pieza de Faith Wilding titulada Waiting, que “evocaba la pasividad a la que se había

visto reducido históricamente el sexo femenino” (Ibid.). Esta performance, que tenía un

carácter más calmo y contemplativo que otras, formaba parte de las actividades con las

que las artistas de la Womanhouse pretendían generar una toma de conciencia sobre la

situación de muchas mujeres. En ella aparecía la propia Wilding sentada pasivamente con

sus manos sobre el regazo, mientras se balanceaba hacia adelante y hacia detrás, e iba

enumerando a modo de letanía las infinitas esperas que suceden en la vida de una mujer,

desde su nacimiento hasta su muerte, esperando siempre una serie de sucesos, externos a

ella misma, pero que sin embargo determinan la forma de su propia vida: “Esperando…

esperando… esperando / Esperando a que alguien entre / Esperando que alguien me

recoja / (…) Esperando a acunar a mi bebé / Esperando a que me salgan canas /

Esperando a que mi cuerpo se haga viejo (…)”.

En textos más recientes, y desarrollando precisamente un discurso que pone en

primer plano la cuestión del trabajo doméstico y el concepto de “mantenimiento” tal y

como lo introdujera Ukeles, Faith Wilding ha insistido en cómo no está suficientemente

reconocido el hecho de que ha sido precisamente el arte feminista el que ha aportado

numerosas cuestiones a la crítica del trabajo doméstico, así como a algunas cuestiones

fundamentales como la delimitación del trabajo, el cómo pensar las relaciones de

producción y reproducción, la división entre trabajo y vida (respecto del propio

trabajo), etc.:

“En 1970 las artistas feministas del ámbito de la performance desarrollaron una obra
que hacía visible los cuerpos de las mujeres realizando un tipo de trabajo cotidiano-

9
 repetitivo, interminable, un tipo de trabajo no retributivo que sostiene y hace posible la
vida cotidiana de los individuos, la familia y las instituciones. En las performances
feministas la duración de la acción era parecida a la duración de la tarea en la vida
real: nunca era una mera ilustración de dicha acción, y por tanto se obligaba a la
audiencia a sentir la pesadez de ese tiempo del “mantenimiento” del trabajo de las
mujeres. El mantenimiento feminista y las performances basadas en la duración son
pues una estrategia que hacen visibles las tareas de las mujeres y ponen en primer
plano las cuestiones de las condiciones de trabajo, la división del trabajo por el genero,
trabajo no remunerado, etc.” (Wilding, Faith: 2001).

Laura Cottingham nos recuerda en su magnífico documental-ensayo sobre todo

este periodo Not for Sale (1998), que la Womanhouse fue un verdadero hito en la

historia del Arte Feminista, en tanto que aquel arte realizado por mujeres y para

mujeres, tanto en lo que se refiere al trabajo de sus fundadoras como al de las

estudiantes, sirvió para crear nuevas genealogías, y para evidenciar los problemas que

surgían a las mujeres a la hora de crear. También para concebir cómo y dónde hacerlo,

además de tener en cuenta el contexto donde las artistas trabajaban: ya que incluso hoy

en día muchas artistas siguen encontrando numerosos problemas a la hora de expresarse

libremente frente a un grupo numeroso de hombres. Dado que el mundo artístico sigue

dominado por hombres, en el trascurso de ese proceso, muchas formas y sentimientos se

ven neutralizados (Cottingham, 1998).

Como bien indica Cottingham, podemos decir que en todos los trabajos que se

desarrollaron en este espacio existió una conciencia clara de la construcción cultural de la

subjetividad femenina. Para ello se centraban por ejemplo en el análisis de los procesos a

través de los cuales las mujeres adquirían determinados roles del patriarcado. Otro

problema también era abordar el problema de la definición social de las categorías de “lo

masculino” y “lo femenino”. Incluso trabajar la representación de la “guerra de sexos”

servía para demostrar las asociaciones que se establecen en la cultura patriarcal entre

10
diferencias biológicas y roles sexuales. Y también el explorar el problema de la identidad

sexual y de los códigos de la feminidad, tanto en nuestras vidas como en nuestro arte, a

través de un constante juego de experimentación con nuestra propia apariencia e identidad

(ibid.).

En definitiva, podemos decir que el proyecto de la Womanhouse constituyó,

probablemente, el punto culminante del programa feminista de CalsArts comenzando por

Chicago y Schapiro en el año 1971 y continuado hasta 1973; después, como recoge

Mayayo, sus fundadoras empezaron a tener serias diferencias entre ellas, ya que algunas,

lideradas por Chicago, no veían que tuvieran que pertenecer de ningún modo a un marco

institucional como el que representaba la escuela de CalArts, teniendo en cuenta los

valores y las actitudes masculinas que impregnaban toda la institución. Frente a ello,

defendían “una comunidad artística femenina segregada del marco institucional de la

escuela” (Mayayo: 2007, pg. 101); otras, como Schapiro, sin embargo deseaban que el

programa se integrase en la institución artística, para así obtener reconocimiento,

visibilidad, y quizás poder transformarla:

“La diferencia de opiniones entre Chicago y Schapiro suscitaba un problema que tuvo (y
sigue teniendo) una importancia considerable en el entorno feminista: ¿Deben las
mujeres crear sus propios circuitos de venta y exposición? ¿Sus propias escuelas, museos,
galerías, o revistas? ¿O deben acaso intentar integrarse en el mundo artístico
establecido? En definitiva, ¿debemos de abogar por la consecución de la igualdad, o por
la afirmación de la diferencia? (ibid., pg. 102).

En cierto modo este debate perseguirá en buena medida al activismo feminista en

los años siguientes, y plantea una pregunta, una serie de preguntas, que no tienen una

respuesta sencilla; en muchos casos esa respuesta dependerá del contexto específico (en

11
relación al momento, al lugar, a las participantes) en que se esté planteando el debate:

pero es de cualquier modo un debate que nos interesa también por lo que implica en

relación a la dialéctica “Espacio público / Espacio privado, y respecto al ejercicio de

visibilización que, respecto al trabajo doméstico realizado por las mujeres, nos

encontramos analizando aquí.

Si tenemos en cuenta que lo que planteaba Judy Chicago ya desde el proyecto

pionero de Fresno (y que de algún modo es lo mismo que representa la propia

Womanhouse) era la creación de un espacio de investigación autónomo para las mujeres,

podríamos decir de entrada dos cosas diferentes: por un lado podemos pensar que, en

cierto sentido, la creación de espacios de estas características era la única opción que

aquellas mujeres tenían en aquel momento para poder trabajar liberadas de la asfixiante y

dominante presencia masculina en la universidad y en las escuelas de arte de la época;

pero también podemos afirmar, por otro, que de este modo en el fondo las mujeres se

están refugiando en una suerte de espacios protegidos desde los que no tienen una

incidencia verdadera en el espacio público real, es decir, en el sistema del arte realmente

existente.

“Como señalaba [Lucy] Lippard en un artículo de 1976, ambas posturas entrañan

peligros evidentes: segregarse puede desembocar en la marginación, en la creación de un
ghetto de mujeres artistas sin ninguna proyección publica; integrarse, por otra parte,
puede implicar dejarse cooptar por un sistema siempre tendente a neutralizar cualquier
postura política que amenace los fundamentos de su existencia.” (Ibid.).

Sin embargo las cosas no son necesariamente blancas o negras, sino que por suerte

siempre admiten matices en su valoración: no cabe duda de que, si bien proyectos como el

programa de estudios de Fresno o la Womanhouse se mantenían aún en cierta forma

alejados de la arena real del mundo del arte, eran también actividades poderosas capaces,

como hemos visto, de trascender su aparente aislamiento e incidir notablemente en la

12
sociedad, tanto a un nivel mediático como posteriormente a la hora de generar numerosos

debates, llegando incluso a transformar, poco a poco, la realidad sexista del mundo del

arte. Por tanto no podemos decir que desde ese aparente “separatismo” no se estuviera de

algún modo afectando a la esfera pública del arte, y además se estaba contribuyendo

también a dinamitar de manera simbólica, con instalaciones, performances y demás obras,

la esfera doméstica como lugar de encierro para las mujeres. Como dice en el artículo

antes citado Lucy Lippard, el objetivo por tanto con proyectos como este sería “trabajar

desde fuera del sistema”, pero buscando intersticios en los que “infiltrarse y desde los

que socavar constantemente las bases de ese mismo sistema” (Ibid). Para ello por tanto es

necesario que “las mujeres artistas que se forman en una comunidad feminista” actúen

“en ambas esferas” y entablen así una conversación permanente “entre el mundo de las

mujeres, el mundo del arte y el mundo real” (Ibid).

2. La germinación en proyectos como Feministo

También es reseñable en este sentido destacar el hecho de cómo proyectos como

Womanhouse tuvieron un carácter generativo y germinal, posibilitando la aparición de

experiencias similares en otras partes del mundo; nos interesaba destacar particularmente

aquí el proyecto colectivo desarrollado en Londres en 1975 bajo el nombre de Feministo,

en el que de manera específica se abordó la producción de una serie de trabajos

enmarcados bajo la idea del espacio doméstico (el título con el que más tarde se

presentarían estos trabajos fue precisamente “Retrato de la artista como ama de casa”).

Coordinado por la artista Sally Gollop, Kate Walker y otras, trataban con ella de dar

respuesta precisamente al aislamiento doméstico y a la exclusión del sistema del arte,

mediante un sistema de intercambio de obras por correo que funcionaba así “fuera del

circuito comercial de las galerías de arte” (Chadwick: 1991, pg. 326).

13
 Walker, inspirada directamente por la experiencia de Womanhouse, había abierto

en 1974 precisamente en el Centro de la Mujer del Sur de Londres un lugar llamado

Woman´s Place, en el que un conjunto de seis mujeres artistas crearon diferentes

ambientes o enviroments en cada habitación. La propuesta de Walker se extendía por tras

habitaciones, y tenía como tema precisamente la domesticidad, el matrimonio y la muerte.

Todas ellas trabajaron con objetos cotidianos desechados, y con la idea de la urgencia de

crear arte dentro de los límites del escaso tiempo disponible fuera de las obligaciones

domésticas.

Tanto Gollop como Walker eran artistas, madres y amas de casa, vecinas del sur

de Londres, y a partir de participar juntas en diferentes exposiciones y colaboraciones en

A Woman´s Place, y de comenzar a intercambiar obra e imágenes por correo, se dieron

cuenta de que este era un nuevo modo de “desarrollar un lenguaje visual accesible a las

mujeres, que se corresponde con nuestras propias experiencias y rompe con nuestro

aislamiento” (Braderman: 1980. La traducción es nuestra). “Estamos tratando de crear

nuestro propio lenguaje visual; coser un tejido de identidad que otras mujeres puedan

reconocer. Nuestra creatividad deriva de tradiciones populares no prestigiosas. Es

diversa, y está integrada en nuestras vidas; está cocinada y comida, limpiada y vestida”,

decían en sus presentaciones. Algunas de ellas simplemente buscaban un poco de

consuelo a través de la creatividad; otras, como escribía una de las participantes, Monica

Ross, desarrollar “una perspectiva feminista que sitúe al arte en una esfera directamente

política” (Ibid.).

Por lo demás, Feministo fue un proyecto altamente participativo, en el que se

dieron cita mujeres de entre dieciséis y sesenta años, y que como decíamos se basó

principalmente en una serie de intercambios de pequeñas obras a través del correo postal.

Finalmente el proyecto adquirió visibilidad pública, primero en 1976 en Manchester, y

14
luego en el marco de una exposición realizada en el ICA (Institut of Contemporary Arts),

en Londres, en el año 1977. Como en la experiencia anterior, las piezas fueron exhibidas

en el contexto de una serie de tableaux o enviroments basados en escenas de la vida

doméstica. En ella fueron expuestas más de trescientas obras diferentes, y la exposición

luego itineró por otras ciudades de Inglaterra, Alemania y Austria. (Phelan, Peggy;

Reckitt, Helena: 2001, pgs. 94, 95).

“La escena del arte contemporáneo no es más que otra esfera en la que las mujeres han
sido colocadas en segunda posición. Su naturaleza elitista y oscura se ha desarrollado en
el interés del capital. Los falsos estándares y la falsa ética, combinados con la
competitividad, han contribuido a aislar a las artistas y a inhibir el desarrollo de una
auténtica y significativa comunicación. [En el evento postal] nosotras no competimos.
Compartimos imágenes y experiencias. El envío de una obra de arte de una mujer a otra
hace el sentido mismo de la propiedad ambiguo.” (Walker, Kate, en Braderman: 1980).

3. Otro planteamiento cercano: The Garbage Girl. Mierle Laderman Ukeles.

Para finalizar este texto queremos extender el campo de acción de las cuestiones

exploradas en un proyecto como el de la WomanHouse a otra propuesta artística que

consideramos en muchos sentidos muy próxima, y que amplía y complementa en cierto

modo ese territorio de lo doméstico, desde la reivindicación del concepto del

“mantenimiento” (Maintenance) como hilo conductor para volver a colocar la situación

de la mujer en el centro del debate.

A finales de los años sesenta Mierle Laderman Ukeles, una artista con una

carrera prometedora, se encontró con un gran obstáculo social: cuando se quedó

embarazada se vio ignorada por la comunidad artística y tratada con menos respeto

profesional. ¿En qué medida el ser madre había afectado a la reacción de la gente ante

su trabajo artístico? ¿Esto afectó a muchas otras artistas? ¿Se sintió discriminada por

artistas, galeristas, críticos, debido a la maternidad y el embarazo? En cualquier caso, lo

que Ukeles advirtió es que cuando tuvo a su hijo apenas le quedaba tiempo para su

15
producción artística, y entre una cosa y otra apenas salía de la cocina. En respuesta a

todo esto, ella aprovechó sus experiencias “mundanas” para reinventar su papel

artístico. Como explica Lucy Lippard, “ella sencillamente dio la vuelta a las cosas, y

rebautizó a sus tareas domésticas ‘arte’, iniciando una serie de exploraciones que se

desplazaron de cambiar pañales y recoger juguetes a fregar el suelo de un museo”,

entre otras (Lippard: 1995, pg. 259).

Ukeles escribió en el año 1969 un texto inspirado en el manifiesto dadaísta, pues

Duchamp era un artista al que admiraba. Manifest for Maintenance Art (“Manifiesto por

el Arte del Mantenimiento”)5, es un documento teórico que une feminismo, activismo

social, ecologismo y crítica institucional.

“Soy madre, hago montones de cosas: lavar, cocinar, cuidar... también hago arte. (…)
Ahora simplemente voy a hacer las cosas de todos los días, elevarlas a la conciencia y
exhibirlas como arte”. (Mierle Laderman Ukeles: 1969).

Pero, ¿a qué se está refiriendo exactamente Ukeles cuando habla de la idea de

“mantenimiento”? Es posible que sea un término que nos resulte confuso, pues

habitualmente se utiliza más bien en relación a las practicas de cuidado y revisión de

instalaciones mecánicas o técnicas de mayor o menor sofisticación, así como a los

gastos que dichas instalaciones conllevan; pero en un contexto de pensamiento

feminista se trata de un concepto que viene siendo ya utilizado de otra forma desde hace

tiempo:

“En nuestra búsqueda de nuevos modos de conceptualizar las prácticas y experiencias

de las mujeres, hemos propuesto la categoría de actividades de mantenimiento para
hacer referencia a un conjunto de actividades, que se han venido agrupando
tradicionalmente bajo la rúbrica de lo doméstico, relacionadas con el cuidado y
mantenimiento de la vida en los grupos humanos: actividades relativas a la práctica de

5
El texto original puede consultarse en diversas páginas web, como por ejemplo: http://www.moca.org/wack/?p=301. También en Idea Art,
Battcock, Gregory ed.: 1973.

16
 la alimentación, la gestación y crianza de niños y niñas, la atención a los segmentos del
grupo que no pueden cuidarse a sí mismos, la higiene y salud pública. Se trata, en
definitiva, de un conjunto de actividades que exigen una especialización en la
‘cobertura de lo ajeno’” (Murillo 1996: XVII).

Efectivamente, este es el tipo de “mantenimiento” al que Ukeles se está

refiriendo en su manifiesto. De este documento/manifiesto escrito por Ukeles surgiría

en gran medida todo su trabajo posterior, centrado mayoritariamente en propuestas de

carácter performativo. Como Peggy Phelan nos recuerda, no deja de ser paradójico que

muchas mujeres artistas de los años setenta vieran en los Happenings y las

performances “nuevas formas de exploración de la intersección entre lo personal y lo

político”, cuando realmente en sus orígenes se había manifestado como un tipo de

expresión artística marcadamente sexista protagonizada por pintores que, siguiendo el

dictado de Rosenberg de que la pintura debía ser un terreno para la acción,

experimentaron con esta idea a la manera de Yves Klein en sus Anthropometries (1958),

en las que este famoso pintor embadurnaba de pintura azul el cuerpo de una serie de

mujeres desnudas y las utilizaba así para crear sus lienzos antropométricos, convirtiendo

a esas mujeres en poco más que brochas manchadas:

“No mucho después, las propias mujeres llegaron a interesarse en pensar acerca de las
políticas de la limpieza y la suciedad de un modo más cuidadoso. Las artistas
feministas en los Estado Unidos fueron especialmente agudas a la hora de redirigir las
conexiones de la performance con la pintura y el accionismo. Una década después de la
performance de Klein, Mierle Laderman Ukeles escribió su Manifesto for Maintenance
Art, que serviría como un mapa para la investigación sobre el concepto de
mantenimiento, entendido como una serie de actuaciones cruciales pero largamente
desapercibidas” (Phelan: 2001, pg. 28).

17
 Su primer gran proyecto en esta línea fue, en 1973, la performance Hartford

Wash: Washing, Traces, Maintenance: Outside, desarrollada en el Wadsworth

Atheneum, en Hartford Connecticut (a la que seguirían nuevas performances en otras

instituciones artísticas), y consistió en el lavado de las escaleras centrales y algunas

galerías de la institución, así como también en el desempeño de las tareas propias de los

guardas de un museo, todo ello desarrollado en presencia del público visitante (imagen

que aparece al principio del apartado). Su acciones suscitaban en el espectador la

cuestión de la importancia de tales acciones entendidas como actividades también

culturales, y también con el objetivo de visibilizar y agradecer el trabajo a la gente que

habitualmente las desempeña.

“Viviré en el museo como yo vivo habitualmente en mi casa, con mi marido y mi hijo

durante la duración total de la exposición, y haré todas estas cosas como actividades
de Arte públicas. Fregaré y enceraré los suelos, quitaré el polvo todos los días, lavaré
las paredes (p.ej., ‘pinturas de suelo, obras de polvo, escultura de jabón, pinturas
murales’), cocinaré, invitaré gente a comer (…) El área de exposición puede parecer
‘vacía’ de arte, pero será mantenido a la completa vista del público” (Mierle Laderman
Ukeles: 1969).

Como ya se ha explicado en numerosas ocasiones, durante la década de los

setenta fueron muchas las mujeres artistas que utilizaron frecuentemente lo privado, las

actividades y objetos cotidianos, incluyendo sus propios cuerpos, para convertirlos tanto

en el sujeto como en el objeto de su arte: en un principio el trabajo de Ukeles ha de ser

entendido en este sentido, especialmente en esta serie de performances realizadas entre

1973 y 1976 6 , en las que la artista llevó a cabo esta serie de actividades de

“mantenimiento” en los espacios públicos anteriormente descrita, durante las horas

públicas de exposición.

6
Para una más detallada descripción de todas estas piezas, así como para el visionado de algunas ilustraciones, puede consultarse el libro Art
and Feminism (Reckitt, Helen y Phelan, Peggy Phaidon, Londres-New York 2001).

18
 Pero por otro lado, también está claro que esta elección del concepto mismo de

“trabajo de mantenimiento”, por encima de la idea más común de “trabajo doméstico”,

implica una serie de connotaciones que hace más complejo el debate sobre lo que todo

esto implica en relación al debate entre “ámbito doméstico” y “espacio público” al que

aquí estamos refiriéndonos. Veamos por ejemplo lo que opinan en este sentido

académicas feministas como Sandra Montón, que llevan tiempo trabajando sobre los

importantes matices que se dan alrededor de estos conceptos:

“Personalmente, prefiero utilizar el término actividades de mantenimiento al de

actividades domésticas o actividades propias del ámbito doméstico por la carga
semántica del término doméstico, debido a la larga tradición de su uso dentro del
modelo de lo público y lo privado. Aunque el término doméstico podría depurarse de
los significados y valores a los que se ha asociado en el anterior modelo, la utilización
de ‘actividades de mantenimiento’ crea un nuevo marco nominal que nos ayuda a
sacudirnos las connotaciones duales del término doméstico, su asociación al espacio
fijo de la casa, a la vez que nos permite concebir esta esfera de actuación humana en su
singularidad.” (Montón: 2000, Subrayado nuestro.)

Si se atiende desde esta perspectiva al trabajo descrito de Ukeles, obviamente

entonces encontramos que en la elección misma de la categoría Maintenance frente a lo

que podría haber sido, simplemente, Household (término inglés más común usado para

describir las “tareas domésticas”), hay un claro posicionamiento político y feminista por

su parte a la hora de definir el carácter público que ese tipo de trabajo debe tener:

“La propuesta de las actividades de mantenimiento pretende, precisamente, historizar

ese ámbito de la práctica humana y restituir al pasado (la importancia de) su día a día.
No se trata, por lo tanto, de buscar a las mujeres fuera de esta esfera social, sino de
defender y demostrar la crucialidad de la creación cotidiana de la vida en las
comunidades y del establecimiento de sus relaciones humanas (…) Precisamente, la
propuesta de las actividades de mantenimiento presenta una idea de espacio (social y
físico) diferente: el espacio de las actividades de mantenimiento como un lugar

19
 relacional no impuesto a priori por la investigación, sino definido por los conjuntos de
interacciones humanas que definen esas prácticas y conllevan su realización efectiva y
que se plasman de manera peculiar en cada contexto histórico. Se trata de un espacio
que transgrede la etiquetación de espacios privados y públicos.”(Ibid.)

De esta manera, esa incorporación de la realidad cotidiana al trabajo artístico que

propone Ukeles, como de diferentes maneras lo harán muchas otras artistas de su

generación, podríamos relacionarla más bien con una idea de “librarse” de esas tareas

domésticas, más que de “recrearse” en ellas: como Lucy R. Lippard ha señalado, estas

artistas utilizan esa imaginería doméstica porque está ahí delante cada día, a todas horas,

“porque es lo que conocen mejor, porque no pueden escapar de ello” (Lippard: 1995,

pg. 62). Y ahí la idea de mantenimiento es importante, porque trasciende el mero ámbito

doméstico: como Lippard recuerda, fueron los artistas del Pop Art los primeros en

incorporar los objeto de la cotidianidad y del hogar al terreno de la representación

artística: “tablas de planchar, lavavajillas, utensilios de cocina, anuncios de comida y

jabón, o lata de sopa, toda esta elección de imaginería fue considerada toda una

ruptura”, pero como ella dice fue considerada así fundamentalmente porque los artistas

fueron varones: si hubieran sido mujeres, “el movimiento jamás habría salido de la

cocina” (Ibid.). Y es que, como la propia Ukeles advirtiera con amarga ironía,

“¿Después de la revolución, quién va a recoger la basura el lunes por la mañana?”.

Desde luego, no serían los artistas varones del Pop Art.

A ello añadirá en años posteriores otros proyectos de índole similar. En 1977 se

convierte en la primera artista en hacer una “residencia de artista”, no pagada, en el

Departamento de Asuntos Sanitarios de la ciudad de Nueva York. En adelante el grueso

de sus proyectos, incluido el Social Mirror 7 , lo desarrollará en y gracias a esta

7
Se trata de una performance desarrollada con el MIRROR TRUCK (“camión espejo”), que es un camión de la basura recubierto de espejo y
que por tanto refleja el exterior: ha sido usado desde 1983 hasta hoy para desfiles y fiestas comunitarias, y se considera todo un honor
conducirlo (Ronald Feldman Fine Arts, New York).

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institución. Al fin y al cabo el trabajo de sanidad, señala Ukeles, es como el “trabajo

doméstico pero a escala urbana” (Molesworth, Helen: 1977).

“Desde finales de los setenta Ukeles ha tomado el departamento como base para sus
ahora investigaciones internacionales en torno a el mantenimiento social y la gestión
de los desperdicios. Su trabajo consiste en actuaciones reales del día a día de los
trabajadores, investigaciones sobre la efectividad medioambiental, y la realización de
instalaciones construidas a partir de los productos y herramientas de sus labores. Una
de sus muchas funciones consiste en humanizar y embellecer (incluso beatificar) a
aquellos que, como las mujeres, hacen el trabajo sucio, para dotarlos de gracia y
nobleza” (Lippard: 1995, pg. 259).

En Touch Sanitation8 la artista desarrollo un proyecto a lo largo de once meses,

que consistió en acercarse a cada uno de los 8.500 trabajadores del Departamento de

Asuntos Sanitarios y darles la mano diciendo: “Muchas gracias por mantener viva New

York”. Se trataba, nuevamente, de dar visibilidad a quienes, debido a su trabajo, como

las amas de casa, se habían convertido en invisibles; así creó un punto de contacto entre

la clase obrera y las mujeres, lo cual en los Estados Unidos era considerado como una

conexión poco frecuente por las clases sociales dominantes (Phelan: 2001, pg. 28).

En el conjunto del trabajo de Ukeles vemos cómo ésta se enfrenta a los

parámetros de la institución arte, así como propone un trabajo de denuncia ante los

hechos sociales y políticos en los que se basa la discriminación de la mujer y su

confinamiento en el ámbito doméstico, así como el ocultamiento de los trabajos de

mantenimiento y limpieza básicos para el funcionamiento de la sociedad. Su obra

descubre la espina dorsal del espacio museo-galería y lo deja desprotegido, esperando a

que otros artistas y espectadores sean capaces de formarse un criterio sólido y menos

subjetivo, y para que así vean qué hay detrás de una obra de arte. Pero sobre todo Mierle

8
Performance desarrollada en Manhattan entre el 24 de julio de 1979 y el 26 de junio de 1980.

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Laderman Ukeles es la primera artista que pone en primer plano en el contexto del

mundo del arte el trabajo doméstico realizado por las mujeres durante siglos: por vez

primera y gracias a las estrategias de representación propias del lenguaje artístico, lo

que había sido exclusivamente materia doméstica, el trabajo silencioso realizado por

millones de mujeres cada día en la privacidad del hogar, y sobre el que se sostiene de

forma invisible en gran medida el funcionamiento del conjunto de la máquina social,

quedaba merced a su trabajo “expuesto”, es decir, mostrado de forma visible en el

espacio público: en este caso el constituido por el museo o la galería de arte

contemporáneo, es decir, uno de los escaparates de mayor visibilidad en las sociedades

contemporáneas, auténtico “Foro” del capitalismo de consumo.

“En este sentido, somos herederas la tradición académica feminista que ha desgajado
las actividades domésticas del ámbito de lo privado para señalar su trascendencia en el
ámbito público (…) la importancia de este conjunto de actividades, ignorado en gran
parte de la tradición académica que nos precede porque en nuestra sociedad sí que se
han asociado con las mujeres y con el espacio de lo doméstico-privado.” (Montón:
2000.)

Como sucede en la tradición académica, tal y como lo denuncia arriba Montón,

también el mundo del arte, incluidas todas y cada una de las corrientes de vanguardia,

había venido ignorando “la importancia de este conjunto de actividades”; en una fecha

tan temprana como 1969, en la que ni siquiera Mariarosa Dalla Costa, Silvia Federici y

otras compañeras del feminismo militante habían aún empezado a articular las

reivindicaciones salariales que visibilizaran estas formas de trabajo no remunerado, el

manifiesto por el “Mantenimiento” del mundo del arte de Mierle Laderman Ukeles

mostró públicamente de forma cruda y directa, sin tapujos, cómo ese trabajo esta en la

base de toda actividad, incluida, por supuesto, la producción artística y cultural.

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