Arte del Renacimiento

Generalidades sobre el arte y movimiento cultural denominado

Renacimiento

El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado

en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo
romano y al hombre como centro de las cosas, superada la
tradición teocéntrica medieval.

No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal

proceso pues el impresionante legado del viejo imperio
romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el
mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como
demuestra, incluso, su arte románico peculiar.

El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento

al resto de Europa fue lento y desigual y para lo
que centra nuestro interés, el arte en España,
podemos decir que sus primeras
manifestaciones comienzan en la penúltima
década del siglo XV y se finaliza en los primeros
años del siglo XVII.

Desde esta sección del portal Arteguias podra

acceder a información y artículos relacionados con la arquitectura, escultura y
pintura española del siglo XVI.

En el apartado de arquitectura renacentista se pondrá especial atención a dos

subestilos o modalidades tan castizas como el plateresco y el estilo herreriano.
En la página de escultura se dividen los artistas en los tres tercios de la centuria
pues se trata de un arte en constante evolución. Trataremos escultores tan
significativos como Vasco de la Zarza, Diego de Siloe, Juan de Juni, Alonso
Berruguete, la familia Leoni, etc.

En lo concerniente a la pintura renacentista del siglo XVI hay que tratar a Juan de Juanes,
Alonso y Pedro Berruguete, Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Luis de Morales "El
Divino" pero muy especialmente el sublime y espiritual genio del manierismo "El Greco".

Orden y secciones de esta página

La página del ARTE DEL RENACIMIENTO está ordenada por subsecciones que aparecen en
la parte superior de la columna de la izquierda. En cada sección se estudian diferentes
aspectos del arte romano, con fotografías y descripciones.

· Arte del Renacimiento. Página principal

· Arquitectura del Renacimiento
· Escultura del Renacimiento
· Pintura del Renacimiento

No olvide que, a su vez, en la columna de la derecha ("Contenidos" y "Monografías") puede

visitar otras secciones sobre arte antiguo, medieval (románico, gótico, etc.) o moderno (barroco,
neoclásico, etc.)
 Biografías Artistas del Renacimiento y Galería de imágenes de sus obras :
Sandro Botticelli Rafael Santi
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi Raffaello Santi o Sanzio
(1445-1510) Urbino ( Italia) 1483 - Roma 1520

Miguel Ángel Buonarroti Tiziano Vecellio

Michelángelo Buonarroti (1490-1576)
(1475-1564)

Leonardo Da Vinci Giotto Di Bondone: (1267-1337)

(1452-1519) período del trecento - considerado
precursor de la pintura moderna-
Renacimiento.
Donatello
Donato Di Niccolò Di Betto Di Bardi
(1386-1466)-Escultor del Renacimiento

Renacentismo italiano ( 1380 - 1560)

Los Siglos XV y XVI (características del Renacimiento en el Quattrocento y el
Cinquecento)
1.-¿QUÉ ES EL RENACIMIENTO?

Utilizamos la palabra ‘renacimiento’ para referirnos a un movimiento cultural e histórico, y

sobre todo artístico, caracterizado por el intento de recuperar la esencia de las civilizaciones
clásicas griega y romana. Comenzó en Italia en el siglo XIV, y se difundió por el resto de Europa
durante l los siglos XV y XVI.

Se llama Renacimiento al período histórico que sucede a la Edad Media en

Europa.Comprende todo el siglo XVI y aunque sus precedentes son del siglo XIV y XV
sus influencias se hacen notar en el siglo XVII. Se inició en Italia y se extendió por toda
¡…Y AUN NO HEMOS TERMINADO
Europa. EL
RENACIMIENTO EN OTROS PAISES!

2.- ¿CÓMO APARECE EL RENACIMIENTO?

Nació en algunas ciudades del centro y del norte de Italia, como Florencia, Ferrara, Milán y
Venecia, cuya riqueza permitió financiar la actividad de los artistas renacentistas.

Los estudios humanísticos y las obras artísticas del renacimiento fueron posibles gracias a que
determinadas personas con riqueza, que compartían el gusto de intelectuales y artistas,
promovieron su actividad y les apoyaron económicamente; fueron los llamados mecenas. Entre
los principales mecenas habría que señalar a los Medici en Florencia, a los Este en Ferrara, a los
Sforza en Milán, a los Gonzaga en Mantua, y a los duques de Urbino y al propio Papado en
Roma. Otro dato fundamental: la invención de la imprenta en el siglo XV revolucionó la difusión
de los conocimient
El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e
imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En
pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de
la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia
greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo
orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue
objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente
sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del
pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y
mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de
narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el
contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor
significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a
la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los
personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres
humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología,
lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los
ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras
sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la
profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.
La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con
tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la
emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se
introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando
a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno
como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones
paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la
reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se
traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías,
usualmente con trasfondo religioso e incluso misterioso, es el caso de la obra de
Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.

Orígenes del renacentismo.

En los momentos finales de la Peste Negra, que empezó a desaparecer a mediados del siglo
XIV, la creencia en el poder e importancia de la Iglesia empezó a declinar. La gran cantidad de
muertes que causó la plaga (se cree que entre 1347 y 1351 llegarían a morir 25 millones de
personas) avisó de la necesidad de un cambio en el arte, en la educación y en la sociedad en
general. La gran cantidad de muertes entre los trabajadores llevó a los supervivientes a
demandar mayores salarios, produciéndose revueltas por esta causa en muchos países
europeos, especialmente Alemania, Francia e Italia

Las causas del Renacimiento se pueden buscar en Italia desde los inicios del siglo XIV. En este
país confluyeron muchos factores, como el sentimiento nacionalista, exacerbado por el
recuerdo de la Roma Imperial, las cruzadas papales, y el auge del comercio. A lo largo de las
universidades italianas, especialmente en las ciudades de Florencia, Génova, Roma, Nápoles y
Milan , se volvió al estudio de la Grecia Clásica y de la literatura latina, a partir de los
manuscritos que se conservaban de la época.

Con el examen de dichos escritos, se llegó a la conclusión que la cultura era esencial para
tener una vida mejor y que la educación, especialmente el conocimiento de la historia, es
necesaria para conocer el pasado, comprender el presente e incluso anticiparse al futuro. Los
Italianos llamaron a la necesidad de un Renacimiento en la educación y cultura Europea,
entendiendo por Renacimiento la necesidad de acabar con el modo de vida medieval para que
así pudiera nacer un nuevo modo de vida.

PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO

- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de autores

griegos y romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.
- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los curiosos el
deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los poetas,
filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.
- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el progreso de las
técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia humana y estimulan
a la acción.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.

- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón

universal, les dan una validez permanente.

Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI:

El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento
florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de
esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según
Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo
que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.

La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino

Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)

En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones

figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea
sus imágenes.

Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se

reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que
cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes ,
nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los
comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que
lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.

- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón

universal, les dan una validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO

- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos

XIII y XIV. Coincide con el período gótico
europeo.

Etapas del Renacimiento

•TRECENTO:
siglos XIII y XIV. Coincide con el período
gótico europeo.
aparecen los “protorenacentistas” que van
a ser los precursores del pleno
Renacimiento.
Lo nuevo en el Renacimiento no es el
interés por la naturaleza, sino el carácter científico, metodico con que es estudiada.
El concepto de personalización va a hacer del hombre renacentista un hombre de multiples
intereses, que si bien no se constituye por primera vez en observador de la naturaleza, si va a
transformar la obra de arte en un “estudio de la naturaleza”.
Si bien el medio social y cultural condiciona las manifestaciones artísticas, el artista se
independiza y es él quien va a marc ar las pautas del nuevo estilo.
En la estructura social del Medioevo, el artista tenia rango de artesano, ya que una natural
disciplina social le imponía condiciones limitativas; no trabajaba para el mundo, sino para que
su obra cobijara la plegaria.
Durante todo el Medioevo la arquitectura fue el arte dominante. En el Renacimiento es la
pintura la que se vuelve preponderante, como consecuencia de la importancia que adquiere el
dibujo. Se dibujan los planos arquitectónicos y los detalles son explicados por medio del
boceto, ya sea como trabajo previo a la realización de una escultura o la construcción de una
máquina de guerra. Se dibuja también la composición de una pintura sobre el trazado
armonico y se bocetan estudios de anatomía.
Por estar tan unido el dibujo a la pintura, es a través de su estudio donde podemos encontrar
los cambios que se van operando en la historia de este estilo. Hacia fines del siglo XIII, los
artistas se interesan por dar a su composición un acento de verosimilitud. Los personajes son
colocados sobre paisajes esquematicos y bajo columnatas y construcciones arquitectónicas,
con un fondo de cielo azul. Las fisonomías buscan reflejar los sentimientos. La concepcion en
general sigue siendo religiosa.
Pero el sistema socio-economico ha cambiado, impera el racionalismo económico, lo que va a
dar lugar al capitalismo occidental. La libre competencia se opone al ideal corporativo de la
Edad Media.
El desarrollo de la cultura humanista lleva aparejado una revalorización del clasicismo greco-
romano.
Todo esto unido a la ultilizacion de nuevos materiales y a la aparición de los mecenas
encarnados en los grandes señores y los Papas, van a configurar un estilo cuyas características
nos van a indicar que se debilita el simbolismo metafísico, se acentua la personalidad del
artista y nace el genio.
El hombre tiene la intención de plantear un espacio de tipo perspectivo donde representar el
plano tridimensional en un plano bidimensional.
En esta etapa se puede ver claramente el uso de aureolas en las representaciones religiosas,
también pretenden dar volumetría a los cuerpos.

Artistas más representativos del Trecento:

Giotto (1267 – 1337):
Giotto inaugura la tridimensionalidad del arte mural italiano, dando así un corte radical con el
bizantino y abriendo el camino para los volúmenes y el humanismo del renacimiento italiano.
El espacio de Giotto se basa en la necesidad de crear un entorno natural a sus figuras
volumétricas combinando recursos del ilusionismo greco-romano y la plasticidad del relieve
gotico como textura visual. En realidad la ambientación se asemeja a una escenografía un
tanto acartonada. La perspectiva aparece comprimida para contener a los personajes,
utilizando 6 o 7 figuras para representar una multitud.
La figura humana es maciza, solida y austera y parecen de condición humilde, vestidos con
simplicidad. Se observan pocos desnudos y solo cuando el tema lo requiere. Señala el
volumen, que va a tomar de las esculturas de Roma, quebrando los colores con blanco y negro,
en oposición a la figura plana del Romantico y el Gotico.
La expresión que le imprime a los rostros nos habla de un observador de la naturaleza, si bien
se traducen en acciones y gestos parcos y lacónicos. Los personajes sagrados traducen un
sentimiento humano, el que suele destacarse por el vacio que lo rodea.

- Llanto sobre cristo muerto:

Es una composición muy cuidada, los gestos y las actitudes de todos los personajes están
dispuestos de modo que la vista se fije en Cristo muerto, además del paisaje con la roca que
sigue la misma dirección, y el único elemento vegetal que tiene la escena. La dirección de las
líneas, mas que los rostros demasiado uniformes, dan agilidad a la escena. Los angeles volando
permiten un escorzo (escorzo: proyección perspéctica mediante la cual es posible representar
un objeto o figura de tres dimensiones, en profundidad perceptual) más audaz.

- Expulsion de los diablos de Arezzo:

- QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.

•QUATTROCENTO:
(palabra italiana que significa cuatrocientos, por los años pertenecientes al siglo XV, los años
1400) es uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo
largo de todo el siglo XV,
La esencia del quattrocento se acentua en el principio de unidad con efecto de fuerza total, de
un todo completo. El cuadro es un microcosmos, equilibrado, autónomo. La impresión de
realismo traduce no radica en realidad en la exactitud de lo que reproduce, sino en su propia
coherencia; a la armonía de todos los elementos entre sí.
En la primera mirad del Quattrocento comienza la época de las biografias de artistas; la
primera que se escribe de un artista plástico es de Brunelleschi y Ghiberti escribe la primera
autobiografía. Vemos un innegable desplazamiento de la atención, desde las obras de arte a la
persona del artista.
El artista del Quattrocento comienza a firmar sus obras, y los artistas comienzan a pintar
autoretratos.
Para la Edad Media, la obra tenia solo el valor del objeto; el Renacimiento le añadió el valor de
la personalidad, pone a la capacidad del artista por encima de la realización misma. Esta
concepción explica por qué el Renacimiento ve en el dibujo, con sus discontinuidades, una
forma típica de arte.
El precio de la obra tenia relación con las dimensiones de la misma (se cotizaba por pie
cuadrado); posteriormente se cotiza por el tiempo que insume el trabajo y más tarde por la
calidad.
El artista del Quattrocento pintaba obras que podían ser identificadas por cualquier persona
con su mismo bagaje cultural ya que representaban en sus personajes gestos establecidos, por
ejemplo: para expresar vergüenza se colocaban las manos sobre los ojos; para representar
dolor, una o dos manos sobre el pecho y para expresar autoridad se eleva una mano con el
índice extendido.
Pero al transcurrir el Quattrocento, si bien el color es vivo aun, va a dejar de lado el brillo de
los dorados y el código de los gestos por una concepción mas científica de la composición al
introducir la perspectiva lineal y el rigor matematico y geométrico de la Seccion Aurea, lo que
da por resultado el sentido de proporción característico de este estilo.

•Concepto espacial: Se convierte el espacio en una “figura” en la cual confluyen y se

manifiestan ideales, mitos, conocimientos científicos y técnicos, estructuras sociales,
instituciones. El arte entonces, es un hecho social; no porque dependa en forma determinada
de la sociedad, sino porque cada lenguaje es parte de la estructura social, y como el arte es un
lenguaje, es un hecho social.

•Perspectiva: La representación de la tercera dimensión no es nueva, ya desde Giotto se

sugiere la sensación de espacio, de profundidad. Lo que si es nuevo y revolucionario es la
aportación de un método que pretende ser matematico y científico que convierte a la
perspectiva lineal en el sistema de representación figurativa que condiciona nuestra forma de
visión casi hasta nuestros días, por lo menos hasta el movimiento cubista. Gracias a la
perspectiva, la pintura tiene el reconocimiento del arte liberal y no mecanico, es decir que
podrá ser considerada como disciplina intelectual.
Basicamente, podría decirse que todas las líneas paralelas que se pierden en la distancia dan la
sensación de unirse en un punto, el que denomina punto de fuga. Pero el angulo donde
convergen las líneas depende de la situación del observador.
Uno de los aportes más importantes del Renacimiento va a ser la creación del método de
representación del espacio que conocemos como perspectiva lineal. La paternidad del invento
se atribuye a Brunelleschi, arquitecto creador del elemento característico de la arquitectura
renacentista: la cúpula.
La perspectiva de Brunelleschi nace de una necesidad de exactitud y de “coherencia del
escenario” de la pintura, más alla de lo que representan.
La mayoría de los pintores del Quattrocento utilizaban la “perspectiva artificialis” o con un
único punto de fuga.

Artistas más representativos del Quattrocento:

• Fra Angelico (1400 – 1455): Este artista muestra una relación con Giotto sobre todo en el
tratamiento de la luz y la distribución de las figuras en el espacio compositivo; sin embargo no
puede decirse que sea un nuevo sucesor de Giotto, ya que el naturalismo presente,
especialmente en las figuras, y la moderna plasmación de la arquitectura en sus obras,
corresponden a una etapa posterior a él. Mantiene elementos caracteristicos del Trecento
como las aureolas y las alas.

- La Anunciación:
aparece un marco arquitectónico plenamente renacentista. Sitúa a la Virgen y el ángel en el
interior de un recinto arquitectónico basado en los principios de Brunelleschi. La sensación de
profundidad se aumenta por la pequeña ventana que da al jardín, apenas esbozada. Los
colores suaves y entonados contribuyen a acentuar el recogimiento de la escena.

• Piero Della Francesca (1520 – 1492): Sus composiciones son siempre equilibradas, tanto por
la estructura espacial latente como por el tratamiento que logra dar a las gamas cromáticas.
El factor lumínico acentua la intensidad de los colores, incluso en una técnica como la del
fresco, que tiende a las calidades mate.
Aparecen construcciones arquitectónicas para establecer espacios diferenciados y mayor
profundidad a sus pinturas.
No utiliza la talla jerarquica (los personajes mas importantes dentro de una composición solían
tener un tamaño mayor a los demás) ni las aureolas.
Los seres representados adquieren personalidad propia, incluso al margen de la historia que
trata, hasta dotarlos de vida interior, capaces de comunicar al espectador sus estados
anímicos.

-Bautismo de Cristo:
Los niveles de profundidad están dados por los cuatro arboles que se van degradando en
dimensión y relacionan coherentemente el primer plano con el fondo del paisaje. La luz
radiante, casi sin sombras, y la gama de colores claros y frios, recortan as figuras, destacando
la solida geometría de la composición. La descripción de los elementos vegetales es minuciosa,
descriptiva; y algunos elementos simbolicos, como en este caso el rio Jordán que aquí aparece
casi como un charco de agua, diseñado mas bien en función compositiva que naturalista.

-La Flagelación:

- CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.

•CINQUECENTO:
Se sitúa a lo largo de todo el siglo XVI, y es la segunda fase del movimiento conocido como
Renacimiento, quizás la más importante. Los pintores tienen el dominio de las técnicas y hacen
obras de elevada calidad que reflejan un sentido de belleza y nobleza. Así se llama también
Alto Renacimiento.
A lo largo del s.XVI la capital artística de Italia va a "trasladarse" a Roma, principalmente por la
enorme influencia del Papado, el cual se convertirá en gran protector de los artistas y
contratante de obras.
Se puede hablar de dos etapas, una clásica, hasta 1530 en la que predomina el sentido de la
medida, la proporción y el equilibrio; y otra manierista en la que se rompe la escala humana.
Es ahora cuando se fija el modelo antropocéntrico. Predominan las plantas centralizadas y los
edificios que conservan la simetría.
Arquitectura del Cinquecento
Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la arquitectura sobre la decoración son
características principales de las edificaciones cinquecentistas clasicistas. Se emplean ahora los
volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y el juego mediante la
conjugación de las formas y el manejo de la luz (elementos cuyo uso teatral se buscará
deliberadamente, exagerándolo, durante el periodo manierista).
A lo largo de este siglo XVI se inicia el desarrollo y ejecución de uno de los más importantes
planes arquitectónicos como será el destinado a la creación de la basílica de San Pedro del
Vaticano. Adjudicada inicialmente su construcción a Bramante, el fallecimiento del mismo dará
lugar a la elección del pintor Rafael, cuya participación en el proyecto se verá truncada de igual
modo por su muerte, siendo realmente el relevo del posterior elegido (Antonio de Sangallo el
Joven) el verdadero artífice del edificio: Miguel Ángel. Éste va a recuperar el plan inicial de
planta central propuesto por Bramante y a construir la magnífica cúpula que lo corona,
convirtiéndola en referencia de todo el conjunto.

Pintura del Cinquecento

Dos grandes figuras vendrán a completar la lista de maestros renacentistas, aunque esta vez
en lo que a pintura se refiere: Leonardo da Vinci y Rafael, el primero de los cuales será el
prototipo absoluto de hombre del Renacimiento (pintor, escultor, inventor, etc.). Siendo
Miguel Angel Buonarroti, Leonardo Da Vinci y Rafael Sanzio los máximos representantes del
Cinquecento.

-Leonardo Da Vinci (1452 – 1519):

La filosofía Neoplatónica imperante en Florencia es rechazada por Leonardo ya que su
mentalidad es profundamente científica, lo que traduce en sus multiples actividades. Ya sea en
sus tratados sobre la perspectiva, sus escritos sobre anatomía, y sus dibujos y escritos sobre
ingeniería, botánica, fisiología, geometría, física, química y óptica; además de los numerosos
experimentos que realiza, o su producción literaria y sus estudios de música. Leonardo revela
con su polifacetismo la personalidad inherente al humanista completo. Debido a la gran
cantidad de actividades que realizaba, trabajaba sus obras pictóricas con materiales que no
eran los más optimos por cuestiones de tiempo.
Su metodología se basa en la observación directa de la naturaleza y del ser humano; sus
personajes están dotados siempre de una psicología y a través de esos rostros donde se
percibe el recato, la alegría, la angustia, el observador toma contacto con lo mas intimo de su
ser.
Introduce la “perspectiva atmosférica”, los objetos pierden nitidez a medida que se alejan, lo
que le da mayor naturalismo.

-La adoración de los magos:

realizada en 1481/82, sitúa a la Virgen en el centro de la composición, y en torno a ella
distribuye en forma de circulo los restantes personajes, eliminando la prioridad de unos sobre
otros. La forma triangular donde se inscribe la escena principal esta determinada por los
Magos y enmarcada por la roca, cubierta por personajes que mas que adorar parecen suplicar.
En el fondo, en una banda horizontal, se desarrolla una escena de guerra sobre una
arquitectura en ruinas. Esta aparente incongruencia temática, está perfectamente relacionada
con el motivo principal desde el punto de vista de la composición; al observar los dos nucleos
compositivos del fondo, aparece un esquema de triangulo invertido que se engarza sobre la
cabeza de la Virgen con el del primer plano.

ARQUITECTURA La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio
y dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y como
aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad del
arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo "colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura civil,
construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de
Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con tres
pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma,
tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin
embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que desplaza a la
ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los
elementos constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia
robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y
la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas:
rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar
saliente, o en forma de tabernáculo.
En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se emplearon
varios elementos, estos son:
- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus
inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico,
posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por completo el conjunto lineal
arquitectónico.
- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los cuales al
ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol
blanco de las paredes con la piedra de los muros.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción, se empleó
una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy llamativos.
- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas,
generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus
orígenes en la arquitectura romana.

Escultura del Cinquecento

No es posible hablar de escultura renacentista italiana sin nombrar a uno de los más grandes e
importantes artistas de esta disciplina (y no sólo del momento) como es Miguel Ángel; la
calidad de su trabajo y su capacidad para obtener "vida" del mármol no puede, incluso a día de
hoy, por menos que causar una completa admiración.
En él es posible encontrar los distintos registros que se sucederán a lo largo de este s.XVI,
desde aquellas obras iniciales donde se acatan todas las reglas clásicas hasta el manierismo
terrible, por completo visionario, de sus "esculturas inacabadas" (ejemplo de las cuales puede
citarse la Pietá Rondanini).
Sus primeras realizaciones, alrededor del año 1500, siguen la línea típica del siglo XV: serenas
dentro de su majestuosidad, claroscuro controlado, buen estudio anatomico pero sin
exuberancias, y sobre todo un pulido muy acabado. Los esquemas en que se agrupan las
figuras son geométricos y simples.
En esta etapa las esculturas de Miguel Angel se vuelven mas esbeltas y la melancolía se
traduce en los rostros. Los fornidos torsos terminan en delicadas manos y pies, las cabezas son
pequeñas; las líneas que envuelven a las figuras son ovaladas describiendo un eje en torno al
cual se efectua un movimiento de rotación en espiral. El tratamiento plástico se vuelve
sintetico.
-Pietá (Piedad)

1.-¿QUÉ ES EL RENACIMIENTO?

Utilizamos la palabra ‘renacimiento’ para referirnos a un movimiento cultural e histórico, y

sobre todo artístico, caracterizado por el intento de recuperar la esencia de las civilizaciones
clásicas griega y romana. Comenzó en Italia en el siglo XIV, y se difundió por el resto de Europa
durante los siglos XV y XVI.

2.- ¿CÓMO APARECE EL RENACIMIENTO?

Nació en algunas ciudades del centro y del norte de Italia, como Florencia, Ferrara, Milán y
Venecia, cuya riqueza permitió financiar la actividad de los artistas renacentistas.

Los estudios humanísticos y las obras artísticas del renacimiento fueron posibles gracias a que
determinadas personas con riqueza, que compartían el gusto de intelectuales y artistas,
promovieron su actividad y les apoyaron económicamente; fueron los llamados mecenas. Entre
los principales mecenas habría que señalar a los Medici en Florencia, a los Este en Ferrara, a los
Sforza en Milán, a los Gonzaga en Mantua, y a los duques de Urbino y al propio Papado en
Roma.
Otro dato fundamental: la invención de la imprenta en el siglo XV revolucionó la difusión de los
conocimientos.

1. El Humanismo. Durante el anterior periodo de la historia de Europa, la edad media, la

vida había girado en torno a Dios y la Iglesia. El renacimiento, al centrar todo su interés en
el hombre, supuso la gran ruptura cultural con la tradición medieval. El hombre del
renacimiento quería estudiar la literatura, la historia y la filosofía de las antiguas Grecia y
Roma. ¿Para qué? Para intentar ser más culto, más juicioso y, en consecuencia, más libre.
¿En qué período se desarrolla el arte Barroco y qué características
presenta?

Características del barroco en Italia

1. ¿Quién fue el escultor más destacado de ese siglo y cuales fueron sus
obras más representativas?
2. Completa el siguiente cuadro

3.- DESARROLLO CULTURAL

Aunque a veces nos solemos referir sólo a la vertiente artística del renacimiento, también se
vivieron notables progresos en los campos de la medicina, las matemáticas, la física y la
astronomía.

Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI:

El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento
florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de
esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según
Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo
que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.
La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino
Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)

En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones

figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea
sus imágenes.

Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se

reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que
cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes ,
nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los
comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que
lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus
privilegios.

PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO

- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos

de autores griegos y romanos.

- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.

- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los
curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los
poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.

- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el

progreso de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la
inteligencia humana y estimulan a la acción.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.

- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón

universal, les dan una validez permanente.

ETAPAS DEL RENACIMIENTO

- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV. Coincide con el período

gótico europeo.

- QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.

- CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.

ARQUITECTURA La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos

(jónico, corintio y dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de
construcción, pero no tal y como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al
amparo de la inventiva y originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera
surge el estílo "colosal" propio de esta arquitectura.

En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la

arquitectura civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un
aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista y
presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que culmina en una cornisa;
y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían grandes
pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica
cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la
Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey
(aberturas circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos que
los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas
fueron: las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se
usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas:
rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con
alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.

En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se

emplearon varios elementos, estos son:

- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto,

en sus inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto
arquitectónico, posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por
completo el conjunto lineal arquitectónico.

- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los

cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo,
combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra de los muros.

- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con
dos colores.

- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la

construcción, se empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy
llamativos.

- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y
ventanas, generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares
o curvilíneos.

- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras
tienen sus orígenes en la arquitectura romana.

ARQUITECTOS RENACENTISTAS
 EL ARTE RENACENTISTA
Fue la mas alta expresión del renacimiento, por el número de innovaciones artísticas y las
nuevas propuestas que en ellas se reflejan.

Filippo Brunelleschi La Catedral de Florencia

Templete de San Pietro in Montorio

Convento de San Pietro in Montorio Donato Bramante
La Expulsión del Paraíso
Masaccio

Puerta del Paraíso

Lorenzo Ghiberti
 Salero de Francisco I
Benvenuto Cellini

La Virgen y el Niño con san Antonio

Donatello
 David
Donatello

El baño de Susana
Tintoretto
Rogelio Robusti
 El rapto de Europa
Veronese
Pablo Caliari

El nacimiento de Venus
Lorenzo de Medici le encargó en 1482 a Sandro Botticelli
(Paganismo clásico)

Venus y Marte
Sandro Botticelli
 Carlos V en la batalla de Mühlberg
Tiziano

RAFAEL DI SANZIO
Dibujo de Rafael

Las formas redondas, suaves y de delicado sombreado son

características del arte de Rafael. Es probable que este dibujo
a sanguina fuera un estudio preliminar para un cuadro.
La Virgen del jilguero
Rafael

Escuela de Atenas
Rafael
 MIGUEL ANGEL
BOUNARROTI
Pietà
Miguel Ángel

En la Pietà, Miguel Ángel trabaja el mármol creando formas

fluidas y dinámicas. El realismo de los cuerpos y los marcados
pliegues del ropaje provoca una profunda emotividad en el
espectador.
 David
Miguel Ángel

El David (Miguel Ángel, es una escultura en mármol de 4,34

m de altura.

El Moisés
Miguel Ángel

Creación de Adán
Miguel Ángel
…Y Dios creó el primer hombre… "a su imagen y semejanza".
Fresco de la Capilla Sixtina
LEONARDO DA VINCI

Arte de Leonardo Da Vinci

La Virgen de las rocas

Leonardo da Vinci
 La última cena
Leonardo da Vinci

La última cena (c. 1495-1497), en la iglesia de Santa Maria

delle Grazie de Milán, es una de las pinturas religiosas más
famosas de Leonardo da Vinci.

Mona Lisa
Leonardo da Vinci

El retrato de Mona Lisa o La Gioconda Leonardo da Vinci.

Existen muchas teorías sobre la identidad de la modelo y el
significado de su enigmática sonrisa.
 DEFINICIÓN
Se llama Renacimiento al período histórico que sucede a la
Edad Media en Europa.Comprende todo el siglo XVI y aunque
sus precedentes son del siglo XIV y XV sus influencias se
hacen notar en el siglo XVII.Se inició en Italia y se extendió
por toda Europa.

¡… Y AUN NO HEMOS TERMINADO EL

RENACIMIENTO EN OTROS PAISES!
PINTURA: ROCOCO
Giambattista Tiepolo (1696-1770).

Tiépolo, de Venecia, es otro pintor notable del Rococó italiano aunque también trabaja
en el extranjero.
Su especialidad es decorar bóvedas al fresco.
Ahí plasma perspectivas abismales acentuadas por escorzos oblícuos, elementos de
mármol, nubes, numerosos caracteres vestidos de colores suntuosos y, entre ellos, pages
y buffones. Utilisa de preferencia colores claros y mucho blanco. Por ello, sus cuadros
son luminosos. Además, se nota en ellos, la influencia del Veronés.
Algunas de sus obras más conocidas son:
• La decoración de la capilla Callioni de
Bergamo,
• "La Comunión de Sta Lucía",
 • "Neptuno ofreciendo a Venecia las riquezas
de mar",
• "El banquete de Cleopatra"

En un marco de arquitectura renacentista aparecen personajes trajeados algunos según

la moda típica del siglo XIIII y otros según su origen. Un enano deforme, en harapos,
sube las escaleras que llevan a la mesa de la reina. Esta, por un lado de la mesa, enseña
a Marco Antonio la perla que esta a punto de disolver en vinagre.

La Pintura Rococó En Francia.

Los temas de la pintura rococó tienden a la superficialidad, los colores a la alegría y la
luz se insinúa donde puede. Los personajes, reales o imaginarios son idealizados. Dado
que el estilo nació en Francia, ahí es donde se encuentran los artistas más
representativos, pero también hay pintura rococó de interés en Italia y en Inglaterra.
Aunque Watteau, Boucher, Chardin y Greuze pertenecen a esta época, el pintor rococó
por excelencia es Jean Honore.
Fragonard (1732-1806).

Fragonard se considera como amo del Rococó alegre y juguetón, supo traducir
actividades simples y situaciones en las escenas de buen gusto, estéticas dedicó para
amar solamente la belleza.

Su preferencia para erótico, pero escenas del unembarrassing, el ritmo rápido de sus
cuadros, y el énfasis en las leyes inherentes de arte sin bordar el tema con la mitología
clásica le hizo intérprete significante del cuadro moral contemporáneo Él era un
colourist del virtuoso que estaba particularmente el ertective en traer hojas y nubes a la
vida por medio del brushwork vigoroso, pero su hábito de agregar a menudo mucho
blanco. hace del color parecer artificial sorprendentemente, Fragonard era el reiected
por la corte francesa bajo Louis XV como también persive, aunque él recibió muchas
comisiones de los clientes privados.

Ribera

(1591-1652).
Este pintor español vive en Italia donde frecuenta todas las clases sociales. Su
pintura refleja estas experiencias en una selección de temas variados que incluyen la
evocación del pasado, la mitología y los santos. Muestra una predilección para la
infancia desprotegida y los mártires agonizando.

1. PABLO PICASSO (1881-1973) – Picasso es a la historia del Arte un gigantesco terremoto de

secuelas eternas. Con la posible excepción de Miguel Ángel (quien centró sus mayores esfuerzos

en la escultura y la arquitectura), ningún otro artista mostró tal ambición a la hora de situar su

obra dentro de la historia del Arte. Picasso creó las vanguardias. Picasso destruyó las vanguardias.

Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la

historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador.

2. GIOTTO DI BONDONE (c.1267-1337) – Se ha dicho que Giotto fue el primer pintor verdadero,

al igual que Adán fue el primer hombre. Estamos de acuerdo en lo primero. Giotto continuó el

estilo bizantino de Cimabue y otros predecesores, pero se ganó el derecho a figurar con letras de

oro en la historia de la pintura al dotar a sus obras con una cualidad casi desconocida hasta la

fecha: la emoción.

3. LEONARDO DA VINCI (1452-1519) – Para bien o para mal, Leonardo será conocido siempre

como el autor de la más famosa pintura de todos los tiempos, la Gioconda o Mona Lisa. Pero es

más que eso, mucho más. Su mirada humanista, casi científica, penetró en el arte del

quattrocento y la revolucionó con su sfumetto que nadie fue capaz de imitar.

4. PAUL CÉZANNE (1839-1906) – “Cézanne es el padre de todos nosotros”. Esta lapidaria frase

ha sido atribuida tanto a Picasso como a Matisse, y ciertamente importa poco quién la dijera en

realidad, porque en cualquier caso es cierta. Partiendo de la ola de aire fresco que representó el

impresionismo, Cézanne dejó atrás a todo el grupo impresionista para desarrollar un estilo de
pintura nunca visto hasta la fecha, que abrió la puerta de par en par para la llegada del cubismo y

el resto de las vanguardias del siglo XX

5. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) – El fascinante, magnético juego de luces y sombras de

sus obras parecen un reflejo de su vida, que pasaba de la fama al olvido mientras su técnica no

hacía más que mejorar. Sus autorretratos, de largo los más fascinantes de la historia de la

pintura, nos hablan de un pintor sincero y honesto, un maestro capaz de penetrar en la mente del

mayor desconocido: uno mismo

6. DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1660) – Junto con el anterior, una de las cumbres de la pintura

barroca. Pero a diferencia del holandés, el artista sevillano se movió casi toda su vida dentro de la

cómoda, pero también rígida, sociedad cortesana. A pesar de ello, Velázquez fue un renovador, un

“pintor de atmósferas” casi dos siglos antes que Turner o los impresionistas, y lo plasmó tanto en

las colosales pinturas de cámara (“Meninas”, “La fragua de Vulcano”) como en los audaces e

inolvidables bocetos de la Villa Médicis.

7. WASSILY KANDINSKY (1866-1944) – Aunque el título de “padre de la abstracción” ha sido

asignado a múltiples artistas, desde Turner hasta Picasso, pocos pintores podrían reclamarlo con

tanta justicia como Kandinsky. Muchos artistas han conseguido emocionar, pero muy pocos han

logrado, además, cambiar nuestra manera de entender el Arte. Wassily Kandinsky pertenece a

estos últimos

8. CLAUDE MONET (1840-1926) – La importancia de Monet dentro de la historia del Arte se ve

en ocasiones “olvidada” por el hecho de que ante su obra el espectador tiende a ver solo la

irresistible belleza que emana del lienzo, olvidando el complejo estudio que Monet hacía de la

pintura (un “defecto” que el propio Monet propició al declarar “no entiendo por qué la gente quiere

entender mis pinturas, cuando es suficiente con disfrutarlas). No obstante, los experimentos de

Monet, en particular sus estudios sobre los cambios de luz sobre un mismo objeto a lo largo del

día, y la cualidad casi abstracta de sus “nenúfares” son un prólogo evidente al Arte del siglo XX.

9. CARAVAGGIO (1571-1610) – El pendenciero y violento Caravaggio está considerado el padre

de la pintura barroca, con sus espectaculares juegos de luces y sombras y sus escenas

“tenebristas” captadas en perspectivas forzadas

10. JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851) – “Hay un pintor que tiene la manía de

pintar atmósferas…”, escribió un crítico de la época sobre William Turner, el más grande paisajista

de todos los tiempos. Los experimentos de Turner durante sus últimos años, cercanos ya a la

abstracción, están entre lo más adelantado a su tiempo que se haya visto en la historia del Arte
11. JAN VAN EYCK (1390-1441) – Van Eyck es el colosal pilar sobre el que se apoya toda la

pintura flamenca de los siglos posteriores, un genio de la precisión, la perspectiva y la

meticulosidad, muy por encima de cualquier otro artista de su época, sea flamenco o italiano.

12. ALBERTO DURERO (1471-1528) – El verdadero Leonardo da Vinci del Norte de Europa fue

Durero, un genio inquieto e innovador, maestro del dibujo y el color. Es uno de los primeros

artistas en representar la naturaleza sin artificios, tanto en sus paisajes como en sus dibujos de

plantas y animales

13. JACKSON POLLOCK (1912-1956) – La gran figura del expresionismo abstracto y el pintor

que divide el siglo XX entre vanguardias y post-vanguardias. Sus “drips“ del periodo 1947-1952

son uno de los grandes momentos del Arte contemporáneo

14. MIGUEL ÁNGEL (1475-1564) – Seguramente sorprenda ver al que es junto con Picasso el

mayor genio artístico de todos los tiempos en una posición tan baja, pero lo cierto es que el propio

Miguel Ángel se definía a sí mismo como “escultor”, e incluso su obra maestra pictórica (los

frescos de la Capilla Sixtina) está realizada siguiendo criterios más escultóricos que pictóricos. Aún

así, una obra maestra de tal calibre es suficiente para garantizarle un puesto de honor en la

historia de la pintura

15. PAUL GAUGUIN (1848-1903) – Una de las figuras más fascinantes de la historia de la

pintura, su obra se movió entre el impresionismo (que pronto abandonó) y el simbolismo, colorista

y vigoroso, de sus obras en la Polinesia. Hoy en día, Matisse y el fauvismo no pueden

comprenderse sin la obra de Gauguin

16. FRANCISCO DE GOYA (1746-1828) - Goya es un enigma. En toda la historia del Arte pocas

figuras resultan tan complejas para el estudio como el genial artista nacido en 1746 en

Fuendetodos. Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en toda su vida, Goya fue pintor de corte y

pintor del pueblo. Fue pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y erotismo de La

Maja desnuda y del explícito horror de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al

fresco, dibujante y grabador. Y nunca paró su metamorfosis

17. VINCENT VAN GOGH (1853-1890) – Pocos nombres en la historia del Arte son hoy tan

famosos como el de Van Gogh, pese al completo olvido que sufrió en vida. Su pintura, vigorosa y

personal, es una de las grandes influencias a la pintura del siglo XX, especialmente al

expresionismo alemán
18. ÉDOUARD MANET (1832-1883) – Manet fue el faro del Impresionismo, un revolucionario

dentro de una época de grandes revoluciones artísticas. La “Olimpia” o “El desayuno sobre la

hierba” abrieron el camino para las grandes figuras del Impresionismo

19. MARK ROTHKO (1903-1970) – La influencia de Rothko en la historia de la pintura aún está

por cuantificar, pues lo cierto es que casi 40 años después de su muerte la influencia de las

grandes masas de color y emoción de los lienzos de Rothko sigue en aumento en muchas de las

primeras tendencias pictóricas del siglo XXI

20. HENRI MATISSE (1869-1954) – La crítica tradicional tiende a considerar a Matisse como el

mayor exponente de la pintura del siglo XX junto a Picasso. Quizás sea exagerado, aunque es

cierto que el uso casi puro del color en algunas de sus obras influyeron enormemente en muchas

de las vanguardias posteriores

21. RAFAEL (1483-1520) – Idolatrado y denostado según gustos y eras, nadie puede dudar que

Rafael es uno de los mayores genios del Renacimiento, con una técnica excelente en cuanto a

dibujo y color.

22. JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) - Basquiat es, sin duda, el más importante y

conocido del graffiti movement que se extendió en la escena neoyorkina a principios de la década

de los 80, una corriente artística cuya influencia –enorme, desde luego- en la pintura posterior

todavía está por medir

23. EDVARD MUNCH (1863-1944) – Modernista por su contexto, Munch podría ser considerado

además el primer pintor expresionista de la historia. Obras como “El grito” son claves para

comprender la pintura del siglo XX

24. TIZIANO (c.1476-1576) – La muerte prematura de Giorgione convirtió al longevo Tiziano en

el faro de la pintura veneciana de su época. Su uso del color y gusto por los temas mitológicos

definen por si mismo las características principales del Arte veneciano del XVI. Su influencia en

artistas posteriores –Rubens, Velázquez- es importantísima.

25. PIET MONDRIAN (1872 -1944) – Junto con Kandinsky y Malevich, Mondrian es la principal

figura de la primera abstracción pictórica. Tras emigrar a Nueva York, Mondrian dota a la

abstracción de una velada cualidad emocional, como se ve en su serie de “boogie-woogies”

realizada en la década de los 40

26. PIERO DELLA FRANCESCA (1416-1492) - Siendo una de las figuras claves del quattrocento,

el Arte de Piero della Francesca ha sido descrito como “frío”, “hierático” o incluso “impersonal”.

Tuvo que aparecer Berenson y los grandes historiadores de su época como Michel Hérubel –quién

defendió la “dimensión metafísica” de la pintura de Piero- para que su Arte preciso y contenido

ocupara el lugar que merece en la historia del Arte

27. PETER PAUL RUBENS (1577-1640) – Rubens fue uno de los más prolíficos pintores de toda

la historia, en parte gracias a la colaboración de su estudio. Muy famoso en vida, viaja por toda

Europa satisfaciendo encargos de muy acaudalados e importantes clientes. Sus desnudos

femeninos siguen sorprendiendo hoy en día

28. ANDY WARHOL (1928-1987) – Polémico y brillante, Warhol es la principal figura del pop-Art

y uno de los iconos del Arte contemporáneo. Sus serigrafías en serie de personajes populares

(como una reinterpretación de las series de Monet) han pasado ya a la historia del Arte, y han

influenciado a una gran parte de la pintura posterior

29. JOAN MIRÓ (1893-1983) – Como casi todos los genios, Miró es un artista inclasificable. Su

interés por el mundo de lo inconsciente, lo oculto en el fondo de la mente, lo acerca al

surrealismo, pero con un estilo personal, a veces más cercano al fauvismo o expresionismo,

llegando hasta el punto de pasar largas temporadas sin ingerir alimentos para provocar un estado

mental alterado que pudiera expresar aquello que Miró buscaba plasmar en sus pinturas

30. TOMASSO MASACCIO (1401-1428) – Pintor malogrado, pasará a la historia de la pintura

como uno de los primeros en aplicar a sus obras las leyes de la perspectiva científica. Uno de los

grandes renovadores de la pintura del temprano Renacimiento

31. MARC CHAGALL (1887-1985) – Artista de sueños y fantasías, Chagall fue toda su vida un

inmigrante fascinado por las luces y colores de los lugares que visitaba. Pocos nombres de la

Escuela de París de principios del siglo XX han contribuido tanto y con tal variedad a cambiar el

Arte del siglo XX como este extranjero “impresionado por la luz”, como el mismo se definía.

32. GUSTAVE COURBET (1819-1877) – Figura principal del realismo, y claro precedente de los

impresionistas, Courbet es uno de los mayores revolucionarios –tanto a nivel artístico como en su

faceta de activista social- de la historia de la pintura. Al igual que Rembrandt y otros

predecesores, Courbet no buscó crear belleza, sino que consideraba que la belleza más pura era

representar la realidad sin artificios

33. NICOLAS POUSSIN (1594-1665) – El más grande de los pintores del barroco francés,

Poussin ejerció una influencia vital sobre toda la pintura gala de siglos posteriores. Su uso del

color es único entre todos los pintores de su era

34. WILLEM DE KOONING (1904-1997) – Tras Pollock, la figura principal del expresionismo

abstracto, aunque una de sus mayores aportaciones fue no sentirse atado por la abstracción, y

recurrir frecuentemente a una figuración desgarradora (su serie de “Mujeres”, por ejemplo) de

gran influencia en artistas como Bacon o Freud.

35. PAUL KLEE (1879-1940) – En un periodo artístico de revoluciones e innovaciones, pocos

artistas fueron tan determinantes como Paul Klee. Sus estudios sobre el color, que enseñó en la

Bauhaus, son únicos entre los artistas de la época

36. FRANCIS BACON (1909-1992) - Máximo exponente –junto a Lucian Freud- de la llamada

“Escuela de Londres”, la pintura de Bacon se rebela contra todos los cánones de la pintura

anterior, no sólo en lo relacionado con la belleza, sino también contra la abstracción del

expresionismo abstracto dominante en la época

37. GUSTAV KLIMT (1862-1918) – A medio camino entre el modernismo y el simbolismo aparece

la figura de Klimt, quien también se dedicó a las artes industriales. Sus paisajes casi abstractos le

convierten, además, en un predecesor de la abstracción geométrica.

38. EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) – Es la figura clave del romanticismo pictórico y una

influencia vital para el impresionismo francés. “La Libertad guiando al pueblo” demuestra la

capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el

símbolo de una época

39. PAOLO UCCELLO (1397-1475) – “Qué dulce amante es la perspectiva”. Esta frase atribuida a

Uccello resume por sí misma la mayor obsesión de este extraño artista: los avances que el

descubrimiento de la perspectiva científica suponía para la pintura del Quattrocento

40. WILLIAM BLAKE (1757-1827) – Místico y revolucionario, pintor y poeta, Blake es una de las

figuras más fascinantes del Arte de cualquier era. Sus acuarelas, grabados y témperas rebosan

una imaginación (casi locura) sin parangón entre los artistas de su era

41. KAZIMIR MALEVICH (1878-1935) –Creador del suprematismo, Malévich será por siempre

una de las figuras más polémicas de la historia del Arte entre el gran público, que se divide entre
aquellos que lo consideran un renovador imprescindible y aquellos que consideran que sus obras

basadas en polígonos de colores puros no merecen ser considerados obras de Arte

42. ANDREA MANTEGNA (1431-1506) – Uno de los mayores exponentes del Quattrocento,

interesado en la figura humana, que representa en muchas ocasiones bajo perspectivas extremas

(“El Cristo muerto”)

43. JAN VERMEER (1632-1675) – es el principal exponente de la Escuela del Delft, y por derecho

propio figura entre los grandes paisajistas de todos los tiempos. Obras como “Vista del Delft” se

consideran como casi impresionistas por la viveza de su pincelada. También fue un hábil retratista

44. EL GRECO (1541-1614) – Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con

una técnica personalísima que sería admirada, tres siglo después, por los pintores impresionistas

45. CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) – Figura principal del romanticismo pictórico

alemán, aún hoy se le identifica como el pintor de los paisajes de soledad y angustia, con figuras

humanas enfrentadas a la magnificencia de la naturaleza

46. WINSLOW HOMER (1836-1910) – La principal figura de la pintura americana de su era,

Homer supuso un soplo de aire fresco para la escena americana, que se encontraba entre el

academicismo y el casi romanticismo de la Escuela del Río Hudson. El trazo suelto y alegre de

Homer le acerca al impresionismo

47. MARCEL DUCHAMP (1887-1968) – Una de las principales figuras del dadaísmo y ejemplo de

artista total, Duchamp es una de las figuras más importantes y polémicas de su era. Su

contribución a la pintura es tan solo una mínima parte de su contribución al mundo del Arte

48. GIORGIONE (1478-1510) - Como tantos otros pintores malogrados Giorgione nos dejará para

siempre la duda de hasta dónde podría haber llegado su exquisita pintura de haber gozado de una

larga existencia, y de qué lugar ocuparía ésta en la historia del Arte, aunque viendo la prodigiosa

evolución de su directo heredero artístico –Tiziano- es fácil hacerse una idea

49. FRIDA KAHLO (1907-1954) – La fama que ha alcanzado su figura casi trágica en los últimos

años parece oscurecer la importancia que Frida tuvo en el Arte latinoamericano. Marcada desde

pequeña por las secuelas físicas de un accidente de autobús, los autorretratos de Kahlo parecen

lamentos silenciosos.
50. HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497-1543) – Tras Durero, el más grande de los pintores

alemanes de su época, el fascinante retrato de “Los embajadores” sigue siendo una de las pinturas

más enigmáticas de la historia del Arte

51. EDGAR DEGAS (1834-1917) – No siendo totalmente impresionista, las obras de Degas

comparten ideales con los de dicho movimiento artístico. Sus pinturas representando a jóvenes

bailarinas o ballerinas se cuentan entre los iconos de la pintura del XIX

52. FRA ANGELICO (1387-1455) – Uno de los mejores coloristas del temprano Renacimiento, y

quizás el primero en evolucionar los avances realizados por Giotto di Bondone

53. GEORGES SEURAT (1859-1891) - Georges Seurat es uno de los más importantes pintores

post-impresionistas, y está considerado como el creador del "puntillismo", un estilo de pintura en

el que pequeños puntos de colores primarios crean la impresión de masas de colores secundarios

e intermedios

54. JEAN-ANTOINE WATTEAU (1684-1721) – Watteau está considerado hoy en día como uno

de los pioneros del rococó. Lamentablemente, murió en su máxima plenitud artística, como

demuestra el genial retrato de “Gilles” realizado el año de su muerte

55. SALVADOR DALÍ (1904-1989) – “¡No podéis expulsarme porque yo soy el surrealismo!”,

bramó Dalí cuando André Breton lo expulsó del movimiento surrealista por sus ideales fascistas.

Aunque la frase suene presuntuosa (lo que nunca fue inusual en Dalí), lo cierto es que las pinturas

de Dalí son hoy en día las imágenes más famosas de todo el surrealismo

56. MAX ERNST (1891-1976) – A medio camino entre el surrealismo y el dadaísmo aparece el

nombre de Max Ernst, importante en ambas tendencias. Ernst fue un valiente explorador artístico

que contó con el apoyo de la mecenas Peggy Guggenheim, con quien estuvo casado

57. TINTORETTO (1518-1594) - Tintoretto es el más ambicioso de los maestros venecianos

(aunque no el mejor, ese honor sólo puede ser reclamado por Tiziano o Giorgione) y su magna

obra culmina no solo el esplendor veneciano hasta la era de Canaletto, sino que le convierte

también en el último de los maestros del Cinquecento.

58. JASPER JOHNS (n.1930) – La última leyenda viva del temprano Pop-Art, aunque él nunca se

ha considerado como tal. Sus obras más famosas son las de la serie “Flags (banderas)” y “targets

(dianas)”
59. SANDRO BOTTICELLI (1445-1510) – “Si Botticelli viviera, trabajaría para Vogue”, se ha

escrito de uno de los artistas más famosos del quattrocento. Comparte con Rafael el hecho de ser

amado u olvidado según gustos y eras, pero su uso del color es uno de los más fascinantes de

toda la pintura antigua

60. DAVID HOCKNEY (n. 1937) - David Hockney es uno de los mitos vivos de la pintura pop.

Británico de nacimiento, se traslada pronto a California, donde enseguida se siente identificado

con la luz, la cultura y el paisaje urbano de la región

61. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916) – La máxima figura del futurismo italiano, fascinado por

el mundo de la máquina, en continuo movimiento, un símbolo de los nuevos tiempos

contemporáneos

62. JOACHIM PATINIR (1480-1524) – Mucho menos dotado técnicamente que otros pintores

flamencos como Memling o Van der Weyden, su contribución a la historia del Arte es vital por la

incorporación del paisaje como elemento principal de la obra

63. DUCCIO DA BUONISEGNA (c.1255/60 – 1318/19) – Mientras Giotto di Bondone cambiaba

en Florencia el rumbo de la historia de la pintura, Duccio de Buonisegna también aportaba un

soplo de aire fresco a la importante escuela sienesa.

64. ROGER VAN DER WEYDEN (1399-1464) – Tras Van Eyck, el principal exponente de la

pintura flamenca del siglo XV, maestro de la perspectiva y la composición

65. JOHN CONSTABLE (1776-1837) – La gran figura del paisajismo inglés, junto con Turner. Sus

propias autolimitaciones (jamás salió de Inglaterra) impiden que este artista de gran técnica

ocupe un puesto similar al del anterior en la historia de la pintura

66. JACQUES-LOUIS DAVID (1748-1825) – David es la cumbre del neoclasicismo, cuyas

composiciones grandiosas parecen un reflejo de su ajetreada y revolucionaria vida

67. ARSHILLE GORKY (1905-1948) – Pintor de orígenes armenios, partiendo del surrealismo fue

uno de los primeros artistas en abrazar el expresionismo abstracto. Fue llamado “el Ingres del

inconsciente”

68. HIERONYMUS BOSCH (EL BOSCO) (1450-1516) – El Bosco es una de las figuras más

fascinantes de la pintura antigua. Profundamente religioso, El Bosco ve en la sociedad de su época

el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su
carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus

actos impuros. Para ello crea obras como “El tríptico de las delicias”, considerado por algunos

como un prólogo al surrealismo

69. PIETER BRUEGEL EL VIEJO (1528-1569) - Comúnmente se establecen paralelismos entre la

obra de El Bosco y la de Bruegel, pero lo cierto es que las diferencias entre ambos son abismales.

Mientras que las fantasías de El Bosco nacen de una profunda decepción y preocupación por el ser

humano, con un mensaje claramente moralizante, las obras de Bruegel están cargadas de ironía y

de un amor por la vida rural que parece anticipar el paisajismo holandés del siglo posterior

70. SIMONE MARTINI (1284-1344) – Uno de los grandes pintores del Trecento italiano, fue un

paso más allá al contribuir a expandir los avances de éste, dando lugar al llamado “Estilo

Internacional”

71. Frederic Edwin Church (1826-1900) - Church representa la culminación de la Escuela del río

Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia

de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin

duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y

algunos impresionistas y postimpresionistas de primera linea como Monet o Cézanne

72. EDWARD HOPPER (1882-1967) – Hopper pasará a la historia de la pintura como el pintor de

la soledad urbana. Su obra más famosa, el célebre “Nighthawks” (1942) se ha convertido, por

derecho propio, en el símbolo de la soledad de la metrópolis contemporánea y en uno de los

iconos del Arte del siglo XX.

73. LUCIO FONTANA (1899-1968) – Padre del “Manifiesto Blanco”, que afirma que "La materia,

el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo

Arte". Sus “conceptos espaciales” son ya un icono del arte de la segunda mitad del siglo XX

74. FRANZ MARC (1880-1916) – Tras Kandinsky, la gran figura del grupo expresionista “El jinete

azul” y uno de los más importantes pintores expresionistas. Su muerte prematura acaeció en

plena evolución artística, cuando su uso del color anticipaba ya la abstracción

75. PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919) – Otro de los grandes nombres del Impresionismo

que pronto abandonó el movimiento para seguir una línea más personal, más similar al

academicismo
76. JAMES MCNEILL WHISTLER (1856-1921) – Junto con Winslow Homer la gran figura de la

pintura americana de su época. Whistler fue un excelente retratista, destacando el retrato de su

propia madre, considerado como una de las grandes obras maestras de la pintura americana

77. THEODORE GÉRICAULT (1791-1824) – Figura clave del romanticismo, de vida y obra

revolucionaria pese a sus orígenes burgueses. “La balsa de la medusa” es una de las primeras

obras de denuncia contra el poder que ha dado la pintura

78. WILLIAM HOGARTH (1697-1764) – En una lista de los grandes retratistas de todos los

tiempos nunca debería faltar la figura de Hogarth, cuyos estudios y bocetos podrían clasificarse

incluso de preimpresionistas

79. CAMILLE COROT (1796-1875) – Una de las grandes figuras del realismo francés del XIX y sin

duda alguna una de las mayores influencias para los impresionistas como Monet o Renoir, gracias

a su amor por representar la naturaleza al aire libre, haciendo hincapié en el uso de la luz

80. GEORGES BRAQUE (1882-1963) – Junto con Picasso y Juan Gris, la principal figura del

cubismo, la más importante de las vanguardias artísticas del siglo XX

81. HANS MEMLING (1435-1494) – Quizás el más completo de los pintores flamencos del siglo

XV, aunque no tan innovador como Van Eyck o Van der Weyden

82. GERHARD RICHTER (n.1932) – Uno de los artistas más importantes de las últimas décadas,

Richter es tan conocido por sus fieras abstracciones llenas de color como por sus serenos paisajes

y escenas de velas

83. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) – Uno de los retratistas más originales de la historia de

la pintura, considerado como un pintor “maldito” por su ajetreada vida y su muerte prematura

84. GEORGES DE LA TOUR (1593-1652) – La influencia de Caravaggio es evidente en De la

Tour, cuyo empleo de la luz y la sombra es único entre los pintores barrocos de su era

85. ARTEMISIA GENTILESCHI (1597-1654) – Su talento se halla entre los mayores del

temprano barroco, deudor de Caravaggio

86. JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875) – Una de las figuras principales de la Escuela de

Barbizon, autor de una de las obras más emocionantes de la pintura del XIX: El “Angelus”
87. FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664) – El más cercano a Caravaggio de todos los

barrocos españoles, sus últimas obras muestran un dominio del claroscuro sin parangón en la

pintura de su tiempo

88. CIMABUE (c.1240-1302) – Pese a que en algunas obras Cimabue representa ya una

evolución al rígido arte bizantino, su mayor contribución a la pintura fue el descubrir (cuenta la

leyenda que pintando ovejas con una tiza sobre una roca) a un joven talento llamado Giotto, que

cambiaría para siempre la pintura occidental

89. JAMES ENSOR (1860-1949) – Pintor violento, cuyas obras de apariencia inacabadas lo

convierten en un precursor del expresionismo

90. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) – Una de las principales figuras del surrealismo, sus obras

aparentemente simples surgen de una compleja reflexión sobre la realidad y el mundo de los

sueños

91. EL LISSITZKY (1890-1941) – Uno de los principales exponentes de la vanguardia rusa,

influenciado por Malevich, que también destacó en el diseño gráfico

92. EGON SCHIELE (1890-1918) – Otro artista malogrado, sus desgarradores retratos influyeron

en obras de artistas posteriores, como Freud o Bacon

93. DANTE GABRIEL ROSSETTI (1828-1882) – Posiblemente la figura clave del movimiento

prerrafaelista, Rossetti abandonó la poesía para dedicarse a una pintura de aire clásico que

influiría en el simbolismo posterior

94. FRANS HALS (c.1580-1666) – Uno de los retratistas más importantes de todos los tiempos,

su estilo suelto y desenfadado influyó en el temprano impresionismo.

95. CLAUDIO DE LORENA (1600-1682) – Sus paisajes ejercieron una influencia vital sobre el

paisajismo de siglos posteriores, tanto en Europa (Corot, Courbet) como América (Escuela del Río

Hudson)

96. ROY LICHTENSTEIN (1923-1977) – Junto con Andy Warhol el exponente más conocido del

Pop-Art, a menudo identificado con el mundo del comic, idea que el rechazaba “por ligera que

pueda parecer la diferencia”

97. O'KEEFE, GEORGIA (1887-1986) – Figura clave de la pintura americana del siglo XX, O'Keefe

redefinió por si sola el arte del oeste americano

98. GUSTAVE MOREAU (1826-1898) – Una de las figuras claves del simbolismo, introvertido y

misterioso en vida, pero de gran libertad y colorido en sus obras

99. GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) – Considerado el padre de la pintura metafísica y una

importante influencia para el movimiento surrealista

100. FERNAND LÉGER (1881-1955) – Partiendo del cubismo, Léger se ve cada vez más atraído

por el mundo de la máquina y el trabajo, que plasma en obras como “Los discos” (1918)

101. JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES (1780-1867) – Ingres fue el más destacado

discípulo del neoclasicismo de David, por lo que no puede considerarse un pintor renovador. Sí

fue, por el contrario, un maestro del retrato clásico