Curso Gary Burton

Aula de Improvisación
Transcripción del
curso de
Improvisación
de Gary Burton
Aula de Improvisación
Escuela Municipal de Música de Fuenlabrada

Febrero 2021
Aula de Improvisación- EMM Fuenlabrada
Transcripción del curso de Improvisación de Gary Burton
Índice
1. SEMANA 1 ................................................................................................... 3
1.1. Bienvenida .............................................................................................. 3
1.2. La improvisación como idioma ............................................................... 5
1.3. Desarrollo de su idioma .......................................................................... 7
2. SEMANA 2 ................................................................................................. 10
2.1. El vocabulario del improvisador ........................................................... 10
2.2. Ampliar su vocabulario ......................................................................... 17
3. SEMANA 3 ................................................................................................. 18
3.1. Cómo elegir las escalas en tiempo real ................................................ 18
3.2. Elección de su escala............................................................................. 22
4. SEMANA 4 ................................................................................................. 24
4.1. Armonía para improvisadores .............................................................. 24
4.2. Cómo usar líneas de notas de guía ....................................................... 28
5. SEMANA 5 ................................................................................................. 31
5.1. Tema y variación ................................................................................... 31
5.2. Tema práctico y variación ..................................................................... 38
Aula de Improvisación – EMM Fuenlabrada 2

Febrero 2021
1. SEMANA 1
1.1. Bienvenida
1.1.1. Bienvenida
Hola, soy Gary Burton, bienvenido a mi curso: Introducción a la improvisación. Este es
mi instrumento, un vibráfono. Es uno de los instrumentos de macillo, como el xilofón y
la marimba, solo que el vibráfono tiene teclas de metal. Y fue inventado en 1930, por lo
que es un instrumento bastante nuevo.
Cuando comencé a tocar música, no me lo tomaba muy en serio. Era solo un niño. Pero
cuando descubrí el jazz, cuando tenía unos 13 años, me apasioné. Me enamoré de la
libertad y creatividad que vienen con la improvisación de ser un músico de jazz. Y a
medida que continúe improvisando usted mismo, estoy seguro de que estará de
acuerdo en que es una hermosa experiencia, esa de componer la música mientras
avanza y toca espontáneamente. Tuve mucha suerte. He tenido una carrera maravillosa.
Viajé por todo el mundo dando conciertos y grabando discos y estoy muy agradecido
por las oportunidades que encontré en el camino.
También participé mucho en la educación musical. Y eso es lo que me trae hoy a la

pantalla de su computadora. Fui uno de los primeros promotores de la educación en
línea. Y cuando fue técnicamente posible enseñar música en línea fui también un
defensor entusiasta del tema.
De hecho he creado mi propio curso de improvisación para Berklee College para su

división de formación profesional. El curso se llama Improvisación de Jazz de Gary
Burton. Hace mucho tiempo que lo hago y aprendí mucho sobre el funcionamiento de
la enseñanza en línea. Y, en especial, la enseñanza de la improvisación, y pensé que era
una idea fabulosa. Ofreceré mi experiencia y mi conocimiento a todos los interesados
aquí en Coursera.
1.1.2. Cómo funciona este curso

Bien, vamos a hablar de como funciona mi curso y el tipo de recursos que vamos a
necesitar para completar las tareas.
Cada semana hay uno o quizás dos conceptos que son presentados y explicados, y
maneras de practicar dichos conceptos y ponerlos en uso. Y, por supuesto, la tarea
estará directamente relacionada con ese concepto.
Una oportunidad de demostrar que entiendes como funciona y que puedes incorporarlo
a tu manera de tocar. Así, en algunos casos, el trabajo en casa implicará cosas a hacer
en la pantalla del ordenador. Quizás tests o rellenar con palabras clave y ese tipo de
cosas. En otros casos, habrá quizás algo de música escrita y tendrás que descargarla en
un archivo PDF y añadir cosas en ella. Puede ser que tengas que escribir algunas escalas

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o escribir algunos acordes o escribir algunas líneas o ciertas notas clave o lo que sea. Y,
en ese caso, cuando hayas terminado con ello tendrás que escanearlo y enviarlo de
vuelta como archivo PDF.
Así que necesitarás un escáner. También necesitarás grabarte tocando, creando archivos
MP3 de lo que tengas que tocar. No tiene que ser nada elaborado. No estamos buscando
calidad de audio de estudio, solo que sea claro de escuchar. Lo más sencillo es tener un
micrófono y algún programa básico de grabación en tu ordenador y ya estás listo.
Así, tendrás que crear un fichero MP3 y subirlo al sitio web. Después, tendrás algunas
tareas que implicarán tocar sobre algo, una pista, algo que haya creado para tí, una
sección rítmica, tocar una canción. Y tendrás que tocar sobre ello y grabar ambas. La
manera más simple de hacer esto, lo menos tecnológico, es reproducir la música a través
de los altavoces de tu ordenador y tocar con tu instrumento unos pasos más allá. Y
colocar tu micrófono en medio de manera que quede equilibrado. Un buen equilibrio
entre tu instrumento y los audios para tocar. Y puedes experimentar un poco
para ver dónde colocar el micrófono.
De nuevo, un buen audio no es requerido mientras la música pueda ser escuchada de

manera relativamente clara, así ya estará perfectamente bien. Algunos estudiantes son
muy técnicos y están equipados, y tienen herramientas sofisticadas para hacer esto.
Eres bienvenido a hacerlo del modo en que quieras, pero no necesitas gastar un montón
de dinero extra en otro equipo y cosas solo para completar las tareas. No es necesario.
Siempre me preguntan acerca de programas de notación. No necesitas Sibelius ni otros
tipos de programas de notación musical para completar las tareas para el curso Puedes
utilizarlo si quieres, si estas familiarizado con ello y prefieres escribirlo de ese modo, es
perfectamente correcto. Pero no es un requerimiento. Y, otra vez, no sientas que tienes
que ir a comprar nuevo software y aprender como usarlo y eso.
Haré una puntualización más acerca de los tipos de archivos. He mencionado ya los
archivos PDF y MP3 Estos son los más universales. Virtualmente, cualquier ordenador
puede abrir esos archivos. Si grabas algo en un archivo wav o un archivo de Garage Band,
un montón de estudiantes no serán capaces de ver tu trabajo, incluído yo. Así, mi
recomendación es usar los archivos más univerales posible. Eso significa archivos MP3 y
MP4 al grabar música. Es todo lo que necesitarás para hacer las tareas para este curso.
1.1.3. Aprendiendo música en línea

Si no has hecho antes un curso online prepárate para algunas sorpresas. Lo primero es
que verás es que hay muchas opciones y flexibilidad para tí. Puedes dar la clase y usar
los materiales de la clase cuando quieras, En cualquier momento del día las 24 horas.
Puedes tomarte días libres y recuperar unos días después y también puedes volver atrás
y ver la lección una y otra vez, tantas veces como quieras, hasta sentir que la has
entendido completamente.
Es mucho más flexible y personalizado que el sistema de la clase tradicional. Además,

tendrás una experiencia completamente nueva en el modo de interactuar con tus

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compañeros. Me dí cuenta que en la enseñanza tradicional los estudiantes, a menudo,

no hablaban entre ellos excepto que fueran amigos de alguien en clase. Pero en una
clase online hay mucha interacción por un motivo, todos los alumnos pueden ver los
deberes y tareas de los otros estudiantes, así que todos pueden comentar, compartir y
comunicarse entre ellos sobre lo que aprenden y cómo avanzan en las tareas. Esta
interacción es una de las partes más importantes de la educación online.
Aprenderás tanto de tus compañeros como lo haces de mí y es algo muy sano. En esta
línea quiero señalar que hay mucho respeto y confianza implicada en una
experiencia de aprendizaje online. Vamos a criticar el trabajo de los demás, vamos a
hablar de como hacer las cosas y como otros han hecho las cosas. Ten en cuenta cuando
comentes el trabajo de otro debes hacerlo de modo compresivo, útil y constructivo sin
humillar, ridiculizar o nada de eso. Es conveniente tener mucho respeto en este tipo de
aprendizaje, así que tenlo en cuenta.
1.2. La improvisación como idioma
1.2.1. Estudiando improvisación

Se preguntará si tiene la experiencia suficiente y el entrenamiento musical para
comprender este curso y mantener el ritmo de los demás estudiantes. Puedo afirmar
que en mi experiencia pasada de enseñanza en línea tuve una variedad de estudiantes,
desde los intermedios, un poco más que los principiantes. Intermedios hasta
profesionales completos y a todos parece irles bastante bien en este entorno en línea.
Puedo preguntarle algunas cosas y eso probablemente le dirá qué es lo que tiene que
aprender. ¿Puede leer una partitura, una partitura básica de una canción estándar, y
tocarla con el tempo regular y terminarla bien, y conoce algunos de los símbolos de los
acordes? Por ejemplo, ¿conoce la Do séptima o Fa menor séptima, etc.? ¿Intentó
improvisar escuchando grabaciones y simplemente probar en su instrumento para ver
si puede copiar lo que escucha en sus grabaciones favoritas?
Así es como comenzamos la mayoría, improvisando. Hay algo que debo resaltar sobre
este curso y otros cursos de música similares. Es un poco diferente de otros tipos de
cursos que haya realizado. Por ejemplo, si realiza un curso de matemáticas y aprende
una técnica o fórmula de matemáticas, por lo general puede aplicarlas de inmediato
para resolver problemas.
Pero en el caso de la música, la experiencia de aprendizaje es más subjetiva. Es como

aprender un idioma nuevo. Y lleva tiempo asimilar las cosas en su memoria y cómo
funciona su cerebro. Entonces no pasará de ser un músico de nivel intermedio a un
músico profesional en el transcurso de las semanas que tengamos de clases. Esto
sucederá en los meses, e incluso años, siguientes, mientras continúa trabajando y
sumando cosas a su experiencia. Por eso quiero advertirle que quizás no vea cambios
drásticos en las semanas en las que estudiemos los materiales en clase. Pero aprenderá
la información y tendrá el conocimiento que lo ayudarán a poder lograrlo y continuar
aprendiendo y asimilando mucho tiempo después de que haya finalizado el curso.

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1.2.2. Lenguaje hablado y música improvisada

Bien, hemos cubierto lo básico y ahora vamos a empezar. Vamos a trabajar. La primera
cosa a entender es la similitud. Y la relación entre la palabra hablada y la improvisación.
Nuestro cerebro funciona de manera muy similar en ambas acciones, así que vamos a
ver como, como el habla funciona primero. Digamos, que lo que quiero hacer es hablar
sobre, y explicarte que es esta cosa. Y inmediatamente, tan pronto como tengo la
necesidad de comunicar esta información, mi cerebro reclama palabras de mi memoria
que combinan. Baqueta, vibráfono, lana, bola de goma, ratán, flexible, y etc. Y estas
palabras están todas conectadas a este objeto en mi memoria, y están todas
almacenadas en mi memoria.
Tenemos también gramática, porque para explicar esto no me basta con soltar palabras
aleatorias. Tenemos que ser también capaces de ordenarlas en una estructura de frase
lógica, para entender mejor. Y esto es lo que hace la gramática. Aprendemos el lenguaje,
normalmente nuestra lengua nativa, cuando somos niños, imitando y escuchando y
probando, por ensayo y error, y también la estudiamos en la escuela e incluso
aprendemos con más detalle cómo funciona la gramática y todo eso. Siempre añadiendo
nuestro vocabulario y nuestra destreza a la gramática, a medida que vamos creciendo y
siendo más educados.
También hay contenido, cuando explico algo hay cierto orden en ello. La primera
afirmación lo introduce. Voy a hablarte sobre esta baqueta. Y luego cada frase que
añado, añade a la historia, explica de qué, cómo está hecho, ya sabes, cuál es el motivo
de los diferentes materiales, y etc. Y eso lo convierto en una explicación completa, una
pequeña historia que se cuenta. Así que tenemos vocabulario, gramática y contenido, y
lo mismo para cuando improvisamos.
Para los improvisadores, el vocabulario son las notas, los sonidos que oímos.
Aprendemos los nombres de las notas, y los sonidos de las notas, y esto incluye también
las escalas y los acordes. Así, estos sonidos musicales básicos está almacenados en
nuestra memoria y los podemos reclamar cuando los necesitemos, dependiendo de las
circunstancias musicales en ese momento, reclamaremos las notas correctas para
tocarlas.
Existe también una gramática en la música. Igual que la conversación está

constantemente avanzando en el tiempo mientras hablamos, lo mismo sucede con la
música, por supuesto. Estamos en el tiempo, nos movemos hacia delante, y hay
movimiento y avance a medida que las armonías cambian de una a la otra. El modo en
que los acordes resuelven, hay reglas sobre qué acordes llevan a determinados acordes,
y qué tipo de movimiento es, etc. Así como hay reglas gramaticales, hay reglas para la
armonía y para la música. Y aprendemos cómo eso funciona, y eso también se añade a
nuestra memoria. Así podemos hacer frases musicales que suenen lógicas a los oyentes.

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Y finalmente tenemos el contenido. Como en el lenguaje cuando estamos diciendo algo

o explicando una historia, improvisando hacemos lo mismo. Nuestras improvisaciones
son fragmentos de melodía que están interconectados, y cuando los escuchas, sigues de
uno a otro, de uno a otro, y éstos siguen un desarrollo lógico. Y luego, tienes un solo que
puede captar la atención de la gente.
De esta manera, tenemos los mismos tres elementos del lenguaje, que usamos en la
improvisación como hacemos en el lenguaje hablado. Bien, piensa sobre ello y veremos
las maneras de ponerlo en para ver cómo funciona en la práctica.
1.2.3. Narración de cuentos

Debo explicar una de mis inquietudes favoritas sobre cómo se enseña la improvisación.
Hay una diferencia real de enfoque que creo que vale la pena considerar.
Muchos libros de improvisación y muchas de las formas que emplean los maestros se
basan en aprender frases de jazz familiares y tocarlas una y otra vez en todas las claves.
De hecho, muchos libros de jazz son una especie de página tras página de ejercicios.
Están compuestos por frases similares a las del jazz, las frases que escuchamos con tanta
frecuencia. Y el escritor inventará un ejercicio de toda una página que lo llevará a través
de diferentes claves, diferentes intervalos de su instrumento, etc. La idea es que usted
tenga fluidez para tocar esas frases similares al jazz y sonar como un músico de jazz.
Ahora haré una comparación con el discurso. Digamos que iré a Francia de vacaciones y
no hablo francés pero en el avión tengo un librito de frases y memorizo algunas cosas
que puedo decir. Por ejemplo, ¿qué hora es? ¿Dónde queda la estación de tren? O, ¿a
qué hora es el almuerzo? O, deseo pedir un omelet. Bien, imagine ahora que estoy
sentado en mi café de París. y alguien entra y me escucha decirle al camarero que quiero
un omelet, en francés. Por un momento esa persona podría pensar que yo hablo francés.
Pero pensemos. No puedo relatar una historia en francés, no puedo hacer una broma ni
hablar sobre política o filosofía. Esa es la habilidad del lenguaje que deseamos si
improvisaremos.
No basta con tener algunas frases convenientes que podamos tocar y sonar como si
fuéramos músicos de jazz. No es así. No sirve simplemente sonar como si estuviera
improvisando. Realmente debe ser capaz de improvisar, lo que significa que debe
comprender el proceso y desarrollar las habilidades y herramientas que lo hacen
posible. Entonces, si ha intentado estudiar con libros que tienen el enfoque de repetir
frases, le recomiendo que piense dos veces si realmente eso lo ayuda. Se supone que
hay un momento mágico en el que una vez que haya dominado esas frases repetitivas
podrá de repente improvisar. Pero no es un cálculo, no es lógica. Usted no aprende a
hablar con efectividad recitando un grupo de frases una y otra vez con muchas
modificaciones. En realidad debe aprender el idioma. Eso es lo que haremos.
1.3. Desarrollo de su idioma

Quiero que empieces a escuchar discos de manera un poco distinta que solías hacerlo.
la mayoría de nosotros escucha discos para disfrutarlos sentir el ritmo y la atmósfera de

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la obra. Y vamos fluir junto con el solo. Podrás notar algunos momentos que suenan
especialmente bien y los disfrutamos cuando llegan. Pero quiero que procures analizar
un poco más de lo que hay en una improvisación.
Imagina por ejemplo, que tienes un estudiante que no sabe nada acerca de
improvisación pero está interesado en aprender. Y una de las cosas que decides hacer,
es tocar un solo y luego analizarlo para él. Explicar, aquí están los diferentes tipos de
cosas que están sucediendo en este solo. Cosas como ¿qué estilo es? ¿Cuál es la
sensación rítmica? ¿Cuáles son las secciones del solo? ¿Tiene secciones de ocho
compases? ¿O de cuatro compases? ¿Como analizar la canción? ¿qué intervalos son los
que están siendo más usados, que tipo de figuras rítmicas están siendo utilizadas? Ese
tipo de cosas.
Hemos llegado a la parte uno de nuestra tarea de la semana. He grabado un solo en el

piano y tú vas a escucharlo. Tras haberlo tocado, yo escribí las notas que toqué.
Escúchalo varias veces mirando las notas escritas. Luego, con ayuda del teclado de tu
computadora escribe una descripción de qué está hecho mi solo. Nuevamente, como
dije, que tipo de intervalos estoy usando, cuál es el análisis de la canción, cuál es el
tempo y la sensación rítmica. No te dejes llevar y escribas una disertación de diez páginas
sobre 32 compases de música. Parecería que cada vez que asigno algo como esto,
alguien se vuelve loco y analiza cada nota.
Todo el análisis debe caber en una hoja, es un resumen de las cosas que he usado cuando
estaba improvisando éste solo particular. Una vez que tengas tu descripción lista,
cárgala al sitio, esa es la parte uno.
Actividad 1
Usted escuchará y leerá el solo que he preparado. Me gustaría que escriba un breve
análisis de mi solo. Asegúrese de mencionar los siguientes elementos:
• Estilo
• Tempo
• Escalas usadas en la melodía
• Forma de la canción
• De qué manera cada una de las secciones difieren entre sí
• Cualquier patrón que vea surgir durante el solo
Puede descargar los archivos para esta tarea desde los enlaces a continuación.
Descargue el solo de piano MP3
Descargue la notación musical para el solo de piano PDF
Actividad 2
La parte dos es una continuación de esta canción. Descarga la pista de la canción. Hay
dos versiones, la una tiene piano, bajo y batería, esa es para la mayoría de ustedes. Y
una versión es solo para los pianistas, tiene solamente bajo y batería porque no es
deseable tener dos pianos compitiendo entre sí en la grabación.

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Quiero que toques sobre la pista grabado y veas que tal te va con este set particular de
acordes. Si eres un improvisador experimentado va a ser muy fácil para ti y lo lograrás
en muy poco tiempo.
Si eres nuevo en esto, será un reto mayor. Intenta lo mejor que puedas encontrar notas
que funcionen sobre la armonía y mira si puedes seguir el desarrollo de las armonías. Es
un lugar para empezar. Y la semana siguiente vamos a ver el vocabulario del
improvisador. Esto es las escalas y los acordes que usamos para tocar. Mientras tanto,
suerte con ésta tarea.
Deberá descargar una pista MP3 de acompañamiento para el conjunto de armonías y

un archivo PDF para la tabla de acordes. Haga lo posible por improvisar un pasaje solista
en la canción. Es posible que tenga bastante experiencia y esto le resulte familiar y fácil,
o quizás sea algo nuevo y le represente un desafío. Sin embargo, es un punto de partida
y usted tendrá noción de qué es lo que sabe, y qué le falta aprender. Elija uno de los
archivos MP3 a continuación; uno tiene acompañamiento de piano y el otro no.
Descargue la pista MP3 de acompañamiento (con acompañamiento de piano)

Descargue la pista MP3 de acompañamiento (sin acompañamiento de piano)
Descargue la tabla de acordes en PDF

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2. SEMANA 2
2.1. El vocabulario del improvisador
2.1.1. El vocabulario del improvisador

Hola y bienvenidos nuevamente. Esta es la semana 2 y el tema para esta semana es ‘las
escalas’.
Ahora, lo primero que observamos cuando vemos una pieza musical son los acordes.
Y usualmente la mayoría de nosotros en esta etapa de nuestro aprendizaje, sabemos las
notas que conforman esos acordes. Digamos que es un acorde de Si bemol con 7a. Así
que sabemos la triada y la 7a que componen el sonido básico. Ahora algunos músicos
realmente no van mucho más allá de eso, en términos de su conocimiento de los
acordes. Y lo que haces en ese caso es que tu presentes los tonos de los acordes
y luego adivines las otras notas por llenar. El problema es que no puedes tocar toda
una melodía con solamente cuatro notas de un arpegio. Necesitas más notas para hacer
melodías. Así que las personas que solo tocan en base a ese conocimiento limitado
deben arriesgarse con otras notas y usar su oído para escuchar a los otros músicos que
están tocando en esa armonía y así sucesivamente.
Ahora algunos músicos aún así lo logran. Son muy buenos haciendo esto. De hecho, un
gran músico con el que toqué por muchos años era maravilloso, Stan Getz el saxofonista.
Así es como él funcionaba al improvisar. Realmente nunca estudió mucho de teoría
musical y no sabía mucho sobre acordes. El sólo conocía la triada básica para cada
acorde que veía, empezaría solo con esas notas y luego usaba su oído para encontrar
otras notas. A veces cometía errores pero se volvió muy bueno corrigiéndolos al
deslizarlos hacia la siguiente nota, de modo que lo haría sonar bien y demás. Pero no
queremos conformarnos con eso, queremos tener un conocimiento completo de las
notas disponibles dentro de cualquier armonía y acordes que se nos presenten.
Entonces, para eso necesitamos una escala en lugar de un simple acorde. Así que el tema
de hoy es las escalas.
2.1.2. Aprendizaje de las escalas

El tema de hoy son las escalas, específicamente lo que llamamos escalas de acordes en
el mundo del jazz. Y si vio algunos libros sobre improvisación, es posible que se haya
encontrado con algunos que incluían páginas y páginas de escalas con nombres con
sonidos exóticos.
La verdad es que hay una pequeña cantidad de escalas que cubren la mayoría de las
situaciones. Hay diez de ellas que son las más utilizadas. Y el 90% de los acordes y escalas
que encuentra en una canción, una canción estándar o una canción de jazz usará una de
esas diez escalas. Y son las que realmente debe tener debajo de sus dedos y debe
memorizar y poder tocar.

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Veremos cada una de estas diez escalas hoy y cuáles son sus características y cómo
organizarlas y pensarlas. Y cómo practicarlas. La meta es memorizarlas hasta el punto
en que las recuerde instantáneamente.
Es probable que recuerde enseguida algunas escalas. Digamos la escala Do , es una que
con seguridad ya ha tocado. Y no es necesario que pare y piense cuáles son las notas de
esa escala cuando la toca en su instrumento. Está acostumbrado a tocarla. Esto es así.
Podemos memorizar las escalas de dos maneras.
Nuestra memoria usa dos características. Una es la forma que dibuja la escala en
términos de patrón. Por ejemplo, si toco esa menor, esa escala de Do menor tiene una
forma específica. Y no importa si usted toca en un instrumento de teclado como el mío,
o el piano. Pero en cualquier instrumento hay una especie de forma y un patrón en la
ejecución de la escala. Y nos acostumbramos a reconocer esa forma. Y también
reconocemos su sonido cuando la escuchamos. Cuando asociamos el sonido y la forma
de la escala y eso nos permite recordarla instantáneamente.
El problema es que usted no tiene tiempo de pensar sobre la mecánica de la escala

cuando está tocando. Los acordes cambian cada dos segundos. No hay tiempo para la
conciencia, de argumentar con usted mismo si puede usar La bemol o no. Es decir, si
debe pensar en alguna medida sobre la escala que está tocando no podrá seguir la
música. Debemos tener un recuerdo instantáneo. Esa es la meta, tener un recuerdo
instantáneo. Y la manera en la que practicamos las escalas nos ayudará a lograr el nivel
de recuerdo.
En el mundo clásico, la forma en la que se practican las escalas por lo general es subir y
bajar. Pero esto no es de mucha ayuda para un músico de jazz, para un improvisador.
Debemos hacer melodías de esa escala. Esto significa moverse a intervalos diferentes y
grupos de notas diferentes dentro de la escala. Entonces, queremos tener flexibilidad y
ser simples con las notas en la escala. Entonces, en vez de practicar la manera clásica
con la escala deseamos cambiar los intervalos.
Utilizar la mayor parte del intervalo de su instrumento. No lo haga dentro de una octava.
Verá que estoy probando. No toco ningún patrón o combinación específicos. Pienso en
mi mente y uso los ojos y veo la forma de la escala, la escala Do menor llamada doria.
Luego hablaremos de los nombres. Y estoy usando combinaciones diferentes de notas
de esa escala. Sumerjo mis ojos y oídos. Me acostumbro al sonido de esta escala. Y
posteriormente la reconozco tan bien que ni bien veo que se necesita la Do menor
séptima pero sin siquiera pensar sobre las notas de la escala puedo simplemente
comenzar a tocarla. Ese es el recuerdo instantáneo que buscamos.
2.1.3. 10 escalas más importantes

Como mencioné anteriormente, hay diez escalas que son las más comúnmente usadas.
Y son aquellas las que siempre tienes que estar listo para tocar, y poder recordar
instantáneamente, y sentirte cómodo con ellas.

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Si lo piensas, hay diez escalas comunes, y 12 diferentes armaduras de clave. Lo cual da

un total de 120. Suena como si fuera mucho, pero en realidad muchas de estas escalas
están relacionadas, entonces no es realmente aprender 120 cosas totalmente distintas.
Se aprenden más rápido de lo que imaginarías. Hay básicamente dos maneras de
estudiarlo.
La primera es siendo metódico, y decir, bien, tengo 120 escalas, entonces si yo trabajo
en dos escalas diarias en 60 días, podré abarcarlas todas. No conozco a nadie que lo haya
hecho de esa manera, para ser honesto, pero ciertamente es lógico. Casi todos aprenden
de una manera distinta.
Cada vez que aprenden una nueva canción, la analizan y miran que acordes, que escalas
de acordes se necesitan y si se necesitan nuevas escalas casi en cada canción que
aprenderás al inicio. Entonces, añades unas cuantas escalas nuevas cada vez que
aprendes una nueva canción. Y eventualmente, habrás abarcado todas simplemente
estudiando 25, 30, 40 canciones durante los siguientes meses, o el tiempo que te tome
a tí.
Entonces, es una combinación de aprenderlas intencionalmente y aprenderlas con cada

nueva canción. Lo que no deberías hacer es intentar adivinar, o intentar fingirlas.
Cuando llegas a un símbolo de acorde en una canción, y no estás seguro, no tendrás el
recuerdo automático de cuál escala va con el acorde. Deberás aprenderla, y practicarla,
y añadirla a tu memoria.
Esta es una situación que sucede a todos mientras están en su etapa de aprendizaje.
Y estoy seguro que a tí te ha sucedido. Estás tocando una nueva canción, y el primer
acorde está bien, es un Si bemol, yo ya lo conozco. Después hay un Fa7, okey, yo sé que
tocar sobre aquel acorde. Después un acorde Do, yo sé que hacer ahí. Y luego ves que
viene un problema en la siguiente página. Es un acorde Fa sostenido menor siete bemol
cinco. Y el tempo se sigue moviendo, y te aproximas más y más cerca, y finalmente llegas
al acorde. ¿Qué hacer entonces?
Tienes este acorde sobre el cual no conoces qué escala tocar. No estás seguro que
deberías tocar. Bien, hay un par de opciones, y es algo divertido. Una opción es no tocar
en aquel compás. Tómate ese tiempo para ajustar tu instrumento, o simplemente
descansa. y escucha al resto de músicos, y mira qué notas están tocando, mira si puedes
reconocer las notas y cómo debería sonar. Es un Fa sostenido menor siete bemol cinco,
entonces puedes empezar con Fa sostenido, porque sabemos que esa nota funcionará.
Bien, y nuevamente, escucha a lo que los otros músicos están tocando, y los acordes, las
notas de respaldo, y así. Y te darás cuenta quizás, oh escucho que el Do funciona. Puedo
escuchar el Do y el Fa sostenido, oh un La escucho un La también. De esa manera puedes
encontrar algunas notas que ayudarán a darte cuenta de la armonía. Al menos al inicio.
Pero no te quedes ahí.

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Cuando reconoces que un acorde es desconocido, toma una nota mental, la próxima vez
que practiques, encuentra la escala que va con aquel acorde. Y luego, trata de
memorizarlo. Ahora, hablemos un poco de cómo hacer eso. Vamos a tocar un poco
sobre la escala en combinaciones aleatorias. La idea es acostumbrarse a la forma y el
sonido que provoca.
Entonces tu cerebro recuerda esta combinación de figura y sonido. Y la siguiente vez

que veas un Fa sostenido menor siete bemol cinco, tendrás memoria instantánea y
podrás tocar en el acorde. Eso es lo que haremos.
Como dije, existen 120 posibilidades teóricas, si hablamos de todas las 12 tonalidades.
Pero las aprenderás bastante rápido una vez que empieces a hacer esto con cada nueva
canción que aprendas. Aprende las escalas correctas, y luego asegúrate que las hayas
tocado antes, o asegúrate de tener tiempo para parar y aprenderlas ahora.

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2.1.4. Los modos

¿Has oído hablar de las escalas llamadas modos? Es un término utilizado en la enseñanza
tradicional de música y también en música clásica para describir escalas que derivan de
la escala mayor, la escala diatónica.
Normalmente se explican de este modo: empiezas con la escala mayor, a esto se le llama
el modo jónico. Entonces, si vamos al siguiente paso en la escala y la empezamos desde
ahí, a esto se le llama el modo dórico. Vamos al tercer paso, es el modo frigio, luego el
lidio y los siguientes.
Técnicamente esto es cierto y quizás interesante, pero a los improvisadores no nos sirve
pensar en ellos de este modo. Lo que es importante para nosotros como improvisadores
es que las escalas pertenecen a una determinada categoría: son mayores, menores o de
séptima dominante.
¿Y de qué color son? ¿Son bastante brillantes u oscuras? Esas son las características que
debemos conocer sobre las escalas cuando las usamos en las canciones que tocamos.
Este es un modo mejor de recordar los modos y seguirlos. Y estas siete escalas están
entre las diez escalas más comunes a las que se recurre en la música popular, en el jazz
estándar... estas son las escalas usadas más frecuentemente en la armonía occidental.
Empezamos con el más brillante de los siete modos. Ese sería el lidio. Que es una escala
mayor, pero con la cuarta aumentada. Esta es la que suena más brillante. Es una escala
mayor, pertenece a las armonías mayores y tiene una cuarta aumentada que la hace
brillante.
La siguiente escala es la escala mayor básica, que se llama modo jónico y que también
se usa en armonía mayor. Después notáis que las notas en la escala van disminuyendo
poco a poco, según baja la escala suena más oscura. En este caso, este modo se llama
mixolidio y se usa en armonías de séptima dominante.
Cambiamos una nota más, disminuimos la tercera, esto transforma la escala a un modo
menor que se llama dórico. Disminuimos una nota más la pasa a ser bemol, la sexta
también. Podéis notar que las escalas se vuelven más y más oscuras. Este es el modo
eólico.
Si bajamos la segunda, a esto se le llama frigio. Finalmente tenemos el locrio, en el que

también bajamos la quinta. Estos son los siete modos, desde el brillante lidio, hacia abajo
hasta el más oscuro, el locrio. Cuatro de las escalas pertenecen a la armonía menor, dos
de ellas pertenecen a la armonía mayor y una a los acordes de séptima dominante.
2.1.5. 7ª de dominante
Entonces tenemos los siete modos. Hay tres escalas más que se utilizan con mucha
frecuencia en el jazz y la música popular. Y las tres se utilizan en armonías del tipo siete
dominante. Veamos cada una de ellas.

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La primera que analizaremos se llama séptima bemol lidia. Es una escala lidia, pero en
vez de que tenga la séptima natural, tiene una séptima bemol. ¿Está bien? Esta es la
escala séptima bemol lidia.
Después tenemos una escala llamada escala alterada. Ya habrán visto los símbolos de
los acordes que, por ejemplo, dicen Do séptima novena bemol. Bien, esa novena fue
alterada, medio tono más bajo para que suene más disonante y tenga un color más rico.
Hay varias notas en la escala que pueden alterarse para que sean más disonantes y hay
una escala que las utiliza a todas en una escala. Y de ahí recibe el nombre, la escala
alterada. Entonces, lo llevaré por cada nota de la escala. Está en bruto, después hay una
novena bemol la novena sostenida, la tercera, la onceava sostenida y la decimotercera
bemol. la séptima bemol y la Do, las cuatro notas alteradas, la novena bemol, la novena
sostenida, la onceava sostenida, la decimotercera bemol están en esa escala. Junto con
la estructura de acordes básicos, 1º, 3º y 7º.
Es una escala muy común en la armonía de jazz para los acordes séptimos dominantes.
Los utilizará mucho. Esta es la escala alterada. Llegaré a ella en un minuto y le contaré
una curiosidad sobre la escala alterada que debe tener en cuenta.
Pero la tercera de estas escalas adicionales y la última de las diez es la disminuida

simétrica. Tal como cabe esperar, suena como el acorde disminuido. Y en realidad está
compuesta por dos escalas disminuidas combinadas. Dos escalas disminuidas
combinadas.
Es una prima cercana de la escala alterada. Es casi la misma. Comienza igual, la ruta, la
novena bemol, la novena sostenida, la tercera, la onceava sostenida, pero en vez de la
sexta disminuida, tenemos la decimotercera bemol. Tenemos la quinta y sexta, por lo
que la parte inferior de la escala disminuida, la escala disminuida simétrica, es la misma
que la alterada pero las notas superiores son levemente diferentes.

Febrero 2021
Estas son tres de las escalas utilizadas en armonías del tipo siete dominante. Ahora,
como dije, hay algo más que señalar sobre la escala alterada. Es una nota secreta. Así es
como la denomino. La quinta de un acorde puede usarse perfectamente en una armonía
de acorde alterado y en una escala alterada. No está incluida porque tenemos una escala
sonora completa sin la quinta. Entonces, si la agregamos habrá exactamente una nota
cromática adicional. Entonces se la eliminó en términos de la descripción de la escala
alterada oficial.
Pero lo que tiene que saber sobre la posible inclusión de la quinta es que se encontrará
con armonías alteradas en las canciones. Y esa será la quinta en la melodía.
Evidentemente incluida por el compositor, suena bien y funciona. Tenga en cuenta que
en una situación de armonía alterada aunque no esté oficialmente en la escala es una
nota que puede usarse perfectamente en una escala alterada.
2.1.6. Usos de la escala de acorde

Bien, estas son las diez escalas. Debemos conocer muy bien estas escalas que ocurren
con frecuencia. Revisemos lo que se supone que debemos hacer con ellas.
Deseamos asimilarlas, utilizando dos características, el patrón que forman y el sonido

que hacen. Cuando digo patrón es la forma de la escala. Y algunas personas siempre me
interrumpen aquí y me dicen que no tocan el vibráfono o el piano en donde las notas
aparecen frente a ellas.
Toco el saxofón. ¿Qué debo hacer? Bien, la verdad es que cada instrumento, cada
músico de cada instrumento tiene una manera de imaginarse grupos de notas, ya sea
que se trate de una estructura de acordes o una escala. Y con frecuencia pregunté a los
músicos de otros instrumentos cómo se imaginan una escala o grupo de notas. Y le
aseguro que la mayoría responde que se las imaginan en el teclado del piano, aun si no
tocan realmente el piano. Esta parece ser una forma muy común de imaginárselas.
Algunas personas dicen que se las imaginan escritas en un manuscrito.
Y otras, los saxofonistas, por ejemplo, suelen decir que se imaginan tecleándolas en la
escala. Cuando pienso en cómo me imagino una séptima, una ejecución de corcheas de
las notas de la escala me imagino tecleando realmente rápido. De la manera que lo haga,
tendrá una forma de visualizar las escalas y la forma que tienen. Y escuchará el sonido
de las escalas. Y son esas dos características que nos permiten formar un recuerdo que
podamos evocar.
Entonces, con cada nueva escala, encuentre las notas y luego realice pruebas, haga
combinaciones diferentes. Use todo el intervalo de su instrumento, no se quede solo en
una octava, ya lo dije varias veces. La velocidad no es un problema. No importa si las
puede tocar cada vez más rápido. Lo que importa es que asimile el recuerdo de este
grupo de notas y maneras diferentes de combinar las notas en distintas combinaciones.
Eso es lo que debería hacer con cada nueva canción que aprenda o practique.

Febrero 2021
Compruebe los símbolos de los acordes y asegúrese de conocer la escala de acordes que
va con cada uno. Además, si está tocando, digamos este acorde en Mi bemol séptima
menor y la escala es la doria y usted la toca. Sea consciente de que es un acorde Mi
bemol séptima menor aun si está tocando en la escala, porque realmente debemos usar
no solo los tonos de los acordes, sino la escala de acordes a medida que tocamos en una
armonía.
Entonces, ser conscientes de los tonos de los acordes y de los tonos de la escala es
importante para usted como improvisador. Entonces para la tarea de esta semana le
pediré que demuestre algunas de estas escalas de acordes. Le daré seis de ellas y le
pediré que haga lo que estuvimos haciendo aquí. Tocar la escala básica y luego comenzar
tocando combinaciones diferentes. Sea creativo, pero recuerde que lo que intenta
mostrarme es que se siente cómodo tocando en cada una de estas escalas. Grábelo y
súbalo al sitio. Y lo veré la próxima semana.
2.2. Ampliar su vocabulario

Para esta tarea, deberá revisar todas las escalas aprendidas en esta lección y grabar una
pista de 30-60 segundos donde improvisará en 6 de los modos analizados esta semana.
Debe:
• Ver la presentación por video de esta lección acerca de las diez escalas de
acordes comúnmente utilizadas.
• Asegurarse de entender todas las escalas, con qué armonías se relacionan y
cómo practicarlas de mejor manera.
• Grabar su tarea de tocar las escalas
Para la tarea de esta semana, usted debe descargar la pista MP3 de acompañamiento y
grabarse tocando la melodía e improvisando.
Descargue la pista MP3 de acompañamiento de "500 Miles High"

Descargue la pista MP3 de acompañamiento de "500 Miles High" (versión sin piano)

Febrero 2021
3. SEMANA 3
3.1. Cómo elegir las escalas en tiempo real
3.1.1. Elección de una de acordes

Estamos en la semana tres y hablaremos nuevamente sobre escalas de acordes, una
continuación de lo que cubrimos la semana anterior.
La semana pasada hablamos sobre las diez escalas de acordes más usadas y cómo
practicarlas. Y en especial cómo memorizarlas y aprenderlas para usarlas
en improvisación. Bien, hay un aspecto más sobre estas escalas que tiene que suceder
rápidamente y de manera casi automática cuando tocamos. Y ese aspecto es el elegir la
escala correcta para encajar en la armonía.
Podrías pensar, bien eso es algo que tendré que estudiar por algún tiempo. Tendré que
llevarme la canción a la casa y tocarla un poco y decidir cuáles son las escalas correctas.
Pero no queremos hacer aquello. Queremos ser capaces de tocar la canción e improvisar
sobre ella tan pronto la tengamos en frente, durante un ensayo o sesión. Existe un
pequeño sistema que he creado que nos permite tomar éstas decisiones rápidamente,
en tiempo real mientras estamos tocando la canción, y es sobre ésto que hablaremos
el día de hoy.
3.1.2. Cómo hallar la escala mayor correcta

Bien así es como funciona.
En cada armonía, hay una o dos preguntas que tienes que hacer, para determinar la
escala correcta a partir de un acorde. Vamos a tomar el ejemplo más fácil, digamos que
es un acorde mayor. Es una armonía mayor, digamos do mayor 7. Recuerda las escalas
de las que hablamos la semana pasada.
Entre las 10 escalas más comunes, había 2 escalas mayores. La jónica y la lidia. La
diferencia está en el IV grado. La jónica tiene una 4ª perfecta, la lidia una 4ª aumentada.
Así, si te encuentras un acorde de do mayor 7 en una pieza musical, tienes que responder
la pregunta de si ¿es una 4ª perfecta o una 4ª aumentada? En otras palabras, ¿es un fa
natural o un fa sostenido? Y entonces sabrás cuál de las 2 escalas es la correcta para ese
compás. Y aquí está cómo encuentras la respuesta.
Primero miras a lo que tienes frente a tí. Mira la música escrita. La mitad de las veces,
la nota en cuestión estará allí en la melodía escrita de la canción. O sea que si ves un fa
sostenido entonces sabes, que es lidia. Y si ves un fa natural, sabes que es jónica.
Si no tienes la melodía escrita frente a tí, a veces, por ejemplo, puedes estar tocando un
diagrama de acordes para big band y sólo tener símbolos, o bien, si la nota en cuestión,
fa o fa# no aparece en la melodía escrita. Entonces tenemos que encontrar la respuesta
mirando en la escala precedente, la armonía antes de la que estamos mirando. Y
Febrero 2021
encontrarás la nota allí. Encontrarás un fa o fa# en el acorde precedente. Así usando el

ejemplo más común de ir a sol7, vemos que hay un fa natural en el acorde de sol7, y eso
lo que hará que el acorde de do mayor sea jónico.
Lo que sea que suena en la armonía, quiere continuar sonando en la siguiente armonía,
si puede. Si algo la fuerza a cambiar porque el símbolo del acorde lo requiere, eso es
otra historia. Pero si nada la hace cambiar, entonces cualquier nota que está sonando
quiere continuar en la siguiente armonía, y va a influenciarla. Y así es como
respondemos a la pregunta.
Y hay dos maneras de responderla. O bien es visible en las notas escritas frente a tí o
miras en la escala precedente y usas eso como indicador.
3.1.3. Método de escala de acordes

Ahora, en verdad, todos en la banda atraviesan un proceso similar para decidir las
escalas de acordes. Es decir, a medida que se acercan a cada nuevo acorde que intentan
adivinar, hacen su suposición fundamentada sobre cuál es la mejor opción, la opción
más probable que todos adoptarán.
La banda no estará en un 100% de acuerdo todo el tiempo. Naturalmente las personas

piensan diferente sobre cuál sería la escala correcta para cada momento. Pero usted
acertará la mayor parte del tiempo. Porque en muchos casos, la respuesta es muy clara.
Es evidente que esta armonía específica es lidia, no hay dudas. Pero habrá momentos
en que las armonías no sean tan evidentes.
De hecho, a veces dos escalas de acordes parecen funcionar razonablemente bien. Y no

hay un argumento convincente para eliminar a alguna de ellas. Y quizás pruebe ambas
y diga que ambas funcionan bien. En ese punto, puede elegir la que más le gusta. O
quizás observe que los demás miembros de la banda parecen preferir esta, entonces
elegiré esta. En última instancia, deseamos llegar a un acuerdo con todos. Pero la
primera o segunda vez que escuche la canción, encontrará su camino. Y al utilizar mi
sistema que recomiendo hoy usted acertará el 85-90% del tiempo.
No será una elección 100% bien definida al elegir la escala pero el tiempo será suficiente
para que usted toque la canción y la termine en tiempo real. Y, desde ya, con cada
acorde adicional que toque, observará que hay una escala de acordes que no parece ser
la correcta. Probaré con una diferente cuando llegue allí esta vez. Y usted hará las
correcciones necesarias. Pero esto le ayudará a dar los primeros pasos.
3.1.4. Cómo hallar la escala de acordes menor correcta

Ahora vamos a hablar sobre las armonías menores. De nuevo, tenemos una o dos
preguntas por resolver. Y la primera es acerca de la 6ª.
Recuerda nuestras escalas menores. Está la dórica, la eólica, la frigia y la locria. Cada
una tiene una nota disminuida adicional.

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Así, la dórica, tiene una 6ª natural. Y si ves la 6ª natural en la melodía o fuertemente

indicada en la armonía, entonces esa es la única cuestión que tienes que resolver. Sería
una dórica si la 6ª es natural.
Si es una 6ª disminuida entonces puede ser eólica. Lo más probable es que lo sea. Pero
también existe la posibilidad de que fuera frigia si la 2ª es también disminuida. O sea, si
la 6ª está disminuida , es eólica, si la [SONIDO] 2ª está también disminuida, es frigia.
Así, en el caso de las menores, tienes la posibilidad de tener que plantear dos cuestiones.
Una vez que la 6ª se ha disminuido, tienes que comprobar la 2ª y ver que sucede con
ella. Te diré que la eólica es más común que la frigia, así la primera suposición, cuando
veas una 6ª disminuida, es que sea probablemente una eólica. Pero, echa una ojeada
rápida a la 2ª también, en este caso, si natural, estoy usando un re m, el acorde menor
aquí, para ver si es una 2ª disminuida, que te da una frigia.
Ahora, la cuarta escala, la locria, necesitaremos un poco de ayuda en ésta. Siempre que
el compositor quiera usar la escala de tipo locrio, el sonido locrio, esto será indicado en
el cifrado. Es decir, en vez de sólo rem7, será rem7b5. O, como algunas personas lo
llaman, re menor semidisminuido. Eso, eso significa la misma cosa, y hay dos maneras
de describirlo. En Berkley, le llamamos menor7 b5, pero verás ambas versiones usadas
en el mundo profesional. Bien, cada vez que una escala sea identificada como locria,
ésta va a estarlo en el cifrado. Así lo sabrás inmediatamente cuando veas m7 b5 en el
cifrado que es lo que requiere la locria.
Bien, con las menores, dos cuestiones como máximo. La 6ª, y lo que ocurre con la 2ª. Y
ésta es la respuesta para las escalas menores.
3.1.5. Ejemplos menores

Vamos a ver algunos ejemplos usando escalas menores. El primero, nos fijamos en la 6ª,
ésta es la primera cosa que buscamos y vemos un si natural. Y eso responde nuestra
pregunta, será una escala doria para este re m.
En el siguiente ejemplo, si nos fijamos vemos que hay un sib, en la melodía. Y eso nos
dice, bien, por lo menos puede que sea una eólica. Eso responde la pregunta número
uno. La segunda nota en cuestión, el II grado de la escala, es un mi natural.
Entonces, queremos ver si hay un mi natural presente. Y no hay ninguno en la melodía

del re m, pero si miramos en la armonía precedente, hay un mi natural, justo en la
melodía, y estaría en el cifrado también, de esa particular armonía.
Así, eso nos dice que, el mi va a ser natural, y, que la escala va a ser eólica. Y finalmente,
aquí tenemos un ejemplo que requiere una escala frigia. En este caso, nos aproximamos
al acorde de re m desde un mib M. Así, tenemos un prominente mib. Éste, en el re m, es
el II grado de la escala. Y en este caso, como está disminuido, va a ser mib, lo que nos
dice que será una escala frigia.

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Bien, estos son ejemplos de los tres tipos de escalas menores y de las preguntas que
tienes que hacerte. ¿Qué pasa con la 6ª? ¿Y con la 2ª? Y eso te dará la respuesta.
3.1.6. Cómo hallar la escala dominante correcta

¿Qué sucede con las armonías de séptima dominante? Vimos los acordes mayores y
menores y ahora veamos las situaciones de séptima dominante.
Comienza de manera muy similar a la de las armonías mayores en el sentido de que es

la cuarta de la escala la que nos interesa. En el caso de la escala mixolidio, es una cuarta
natural. Y con una cuarta aumentada se la llama séptima bemol lidia. Estas son las
escalas que vimos la semana pasada.
Entonces, quizás esto sea todo lo que necesita determinar cuando vea su pieza musical,
que puede ser obvio que sea mixolidio o séptima bemol lidia. Solo depende de si es una
cuarta natural o una cuarta aumentada. Además, debemos preguntarnos sobre los
acordes de séptima dominante. ¿Hay alguna nota alterada?
Recuerde que la semana pasada hablamos sobre la escala alterada incluida la novena
bemol, la novena sostenida, la onceava sostenida y la decimotercera bemol. Esas son
notas alteradas. Y si ve notas alteradas en la melodía, en su acorde séptimo dominante
o si están indicadas por la armonía precedente. Entonces, eso mueve su acorde séptimo
dominante al mundo de lo alterado, es decir, y se tomará una de las escalas alteradas
como la opción correcta.
Entonces, hay dos, si lo recuerda de la semana pasada, que están estrechamente

relacionadas. Las llamo primas, esta es la escala alterada y esta es la disminuida
simétrica. La parte inferior de la escala es la misma para la alterada y la disminuida
simétrica y la única diferencia es que en vez de una decimotercera bemol en la alterada,
es la sexta natural en la disminuida simétrica.
Veamos algunos ejemplos. En el primer ejemplo hay un Fa sostenido en la melodía de

este Do séptima y nos dice que será una séptima bemol lidia. Tampoco veo ninguna nota
alterada. Entonces, la séptima bemol lidia es la escala de acordes correcta para este
primer ejemplo.
Ahora, veamos un ejemplo que exige la escala alterada. Vemos notas alteradas en la
escala. en la melodía. Y esa es la escala menor. Ahora le daré un segundo ejemplo y le
recordaré algo que vimos la semana pasada. Verá en el segundo ejemplo que hay una
quinta natural en esta escala alterada. Recuerde que es la nota oculta, la nota secreta
que está en la escala alterada. Oficialmente no está allí, pero funciona. No entra en
conflicto con la escala en absoluto y ocurre en muchas melodías en armonías alteradas.
Entonces, no deje que esto lo confunda. Si ve una quinta natural, no saque una
conclusión y diga que no puede ser alterada porque no está en la escala. Lo está.

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Piénselo como parte de la escala alterada. Y en este ejemplo que vemos ahora verá que
hay un Sol natural en la melodía, pero tiene notas alteradas. Aquí se exige una escala
alterada. Finalmente, este es un ejemplo que exige una escala disminuida simétrica.
En este caso hay un La natural exigido en la melodía. Entonces, en vez de la

decimotercera bemol de la escala alterada, tenemos la disminuida simétrica. La escala
alterada ocurre con mucha más frecuencia en las canciones que la disminuida simétrica.
Entonces, su primera conjetura por lo general es que si está en la familia alterada, se

debe comenzar con la escala alterada. Y luego, si tiene un momento para investigar el
siguiente curso, entonces aparecerá nuevamente. Revise la sexta y vea si es natural o
bemol para asegurarse de haber hecho la elección correcta. Pero la alterada ocurre con
mucha más frecuencia.
Ahora, permítame explicar nuevamente que se supone que sea un proceso de

movimiento rápido. Deseamos hacer esto, a tiempo con la música. No tenemos mucho
tiempo para detenernos y pensar. Me toma unos 10 o 20 segundos verbalizar los pasos
en el proceso mientras describo cada acorde de los que hablamos hoy aquí. Pero, en
realidad, una vez que se acostumbre a hacerlo ocurre casi instantáneamente. Sus ojos
ven la nota que está buscando y comienza a tocar. Es una reacción muy rápida. Entonces,
no se obsesione demasiado con que debe sentarse y estudiar esto una y otra vez.
Cuando más lo haga, más melodías aprenda, más rápido será hasta que lo haga bastante
bien en forma automática. Y eso es lo que buscamos, esa es la meta.
3.2. Elección de su escala

Esta es la tarea de esta semana consta de dos partes. Primero, descarga la partitura
de 500 Miles High de Chick Corea. Puede que ya hayas tocado esta canción, o al menos
que la hayas escuchado, es una canción bastante conocida en el jazz, pero esta es la
pieza que vamos a usar para nuestro ejemplo esta semana. Ahora bien, verás que hay
un espacio en blanco debajo de cada línea de la canción, y quiero que completes el
nombre de la escala correcta y que escribas las notas de esa escala. Entonces debajo de
cada compás agregarás la escala y el nombre de la escala. Y haz eso con toda la canción.

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En segundo lugar, quiero que descargues la pista de 500 Miles High Hay dos versiones:
la versión de trío que usará la mayoría de ustedes y la versión de piano y bajo para los
pianistas. Entonces, descarga la pista, toma tu instrumento y toca una melodía y luego
improvisa en el resto de la canción y usa las escalas que hayas determinado que son
correctas.
Ahora bien, si algunas de esas escalas te resultan desconocidas antes de comenzar, toma
un momento o dos para practicarlas un poco antes de intentar tocar. Sospecho que
habrá algunas escalas que tal vez no conozcas. Trabaja algunos minutos con cada una
para asegurarte de que puedes tocar con comodidad en cada escala y que puedes
recordarlas de memoria cuando lo necesites en la canción. Pero finalmente, termina tu
versión grabada de 500 Miles High y publica tanto tu análisis escrito de las escalas como
tu versión grabada a esta página.
Descargue la pista MP3 de acompañamiento de "500 Miles High"

Descargue la pista MP3 de acompañamiento de "500 Miles High" (versión sin piano)

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4. SEMANA 4
4.1. Armonía para improvisadores
4.1.1. Movimiento armónico

Hasta ahora, hemos hablado acerca del vocabulario del improvisador, es decir,
sobre qué notas están disponibles. Hemos visto las configuraciones de acordes y
escalas, pero ahora es tiempo de mirar la gramática del improvisador. Es decir, la manera
en que la música se mueve, la forma en que la armonía cambia. Es necesario para
nosotros como improvisadores incluir esto en nuestra forma de pensar. No es suficiente
con sólo tocar las notas correctas. También tenemos que ayudar al oyente a anticipar
los acordes que vienen a continuación y seguir el movimiento de la armonía y la manera
en que cambia.
Todos sabemos que por ejemplo algunos acordes quieren resolver y otros están en
reposo. Así que tenemos algunos asuntos clave sobre armonía que usamos como
improvisadores.
Veamos una progresión real de Si bemol 7 hacia Mi bemol. Esta es la progresión más
básica que existe en armonía moderna, un acorde cinco yendo a un acorde uno. Y
preguntémonos ¿cuál es la esencia de este movimiento?
Bien, aquí está. El La bemol se mueve a Sol. El Re se mueve a Mi bemol, y ahí tienes la
sensación de resolución. Entonces, si estoy tocando, y la música requiere un Si bemol 7
seguido de un Mi bemol mayor 7 entonces te puedo garantizar que en el momento
preciso que viene el cambio al inicio del nuevo acorde, yo voy a tocar ¿lo escuchas?
¿Por qué quiero que el oyente escuche que ese cambio ha tenido lugar? Notarás con
músicos expertos, músicos profesionales que ni siquiera necesitan un instrumento
armónico acompañándoles con acordes para que las armonías cobren vida. Ellos van a
usar suficientes notas importantes en su solo para mostrar la armonía a los oyentes, y
eso es lo que queremos hacer como intérpretes.
Estas notas en Armonía Clásica o Armonía Tradicional son llamadas conducción

armónica. En Berklee las llamamos tonos guía. Y las usamos para ayudar a enfatizar los
cambios en la armonía. Así que siempre estamos en la búsqueda de dónde están las
notas fuertes donde están las notas que guían hacia el siguiente acorde. Son llamadas
notas guía.
4.1.2. Notas de guía

Cuando se tiene una serie de tonos de guía en una fila lo denominamos “línea de guía”
o línea de tonos de guía. Y son muy útiles para el improvisador.
En especial son útiles cuando tenemos cambios que se mueven con un ritmo muy rápido.
Digamos que cada dos compases hay un nuevo cambio de acorde. Usted tiene un
segundo o un segundo y medio para tocar algo en ese acorde, cada acorde individual.
Febrero 2021
Adoptamos el enfoque convencional de tengo la estructura del acorde y tengo la escala

de acordes en la que podemos tocar. No hay tiempo para hacer una frase melódica
completa en cada uno de estos acordes muy cortos. Necesitamos una manera de verlos
de forma diferente para tocar más melódicamente y tener más continuidad. Y es aquí
que introducimos las líneas de guía.
Entonces, la definición oficial de una línea de guía es una línea que se mueve como una
escala en medios tonos o tonos completos. Y cada nota de esa escala es un tono de
acordes en su acorde respectivo. Entonces ¿Lo escucha? ¿Ve cómo se mueve en medios
tonos y tonos completos como una escala? Y cada una de estas notas es un tono de
acordes en sus armonías respectivas en esta canción.
Entonces, aquí lo vemos. Vea los símbolos de los acordes y cada vez que vea un símbolo
de acordes con una nota grave sustituta. Digamos que es Do séptima 9º bemol y que la
línea debajo y luego Sol. Eso significa que Do séptima 9º bemol con Sol y el grave. Debe
estar pensando que estas son instrucciones para un bajista, para Sol. Pero son
instrucciones para todos de que se está utilizando una línea de guía. Hay una alternativa
que podría no ser una línea de guía, y es fácil distinguirla. Y sería el caso de un pedal. Si
no escuchó antes esta frase este es un pedal. Si hay una línea de base, las notas de los
graves permanecen iguales y la armonía sobre ellas cambia.
Muy bien. Ese es un pedal. Sostiene la nota de los graves. Pero en el caso de una línea
de guía las notas de los graves de los símbolos del acorde realizan una especie de línea
similar a una escala y esa es nuestra línea de guía. Ese es el primer lugar que se debe
buscar, en las notas de los graves. Si allí encuentra una línea de guía, entonces casi
siempre hay una segunda línea de guía para elegir que inicia una tercera sobre la línea
de los graves. ¿Lo escucha? Nuevamente, se mueve como una escala pero cada nota es
un tono de acorde en su armonía respectiva.
Ahora tenemos dos posibilidades para las líneas de tonos de guía en esta progresión.
Hay una tercera. En realidad por lo común hay una o dos, la tercera es un poco inusual
pero esta canción tiene una. Puede subir o bajar. Esta sube, comienza en Si.
Entonces tengo tres en total. Entonces tengo estas líneas que se mueven a lo largo de
los cambios, y ahora hablaremos sobre cómo utilizarlas en un pasaje solista.
4.1.3. Cómo usar líneas de notas de guía

Bien, veamos cómo utilizar estas líneas de guía, ahora que las encontramos.
Lo primero que debe hacer es simplemente familiarizarse con el sonido de la línea y

cómo se mueven las notas. Entonces, a medida que toca los cambios, toque, sígalo, solo
toque en semitonos. Y escuche su sonido.
Luego comience a embellecerlo un poco, realizando algunas variaciones rítmicas

utilizando la línea. Bien, comienza a sonar como si estuviera tocando un pasaje solista.

Febrero 2021
Esta es la segunda línea. Estoy agregando un pequeño movimiento cromático aquí y allá,
llenándolo, cambiando el ritmo, cambiándolo en pequeñas frases melódicas. Ahora
viene la parte interesante. Estas líneas son tan fuertes y tan básicas para el flujo de la
armonía que son muy intercambiables.
Puedo comenzar mi pasaje solista en esta líneay cambiar a la siguiente. Y puedo ir hacia
atrás y hacia delante entre la línea uno o la línea dos o la línea tres. En el medio de la
progresión. No importa. También puedo cambiar la octava. Ahora suena como si
estuviera haciendo un pasaje solista. Pero aún estoy centrado en estas líneas de guía. Y
puedo mezclarlas, intercambiar octavas, alternarlas. Y esto me ofrece muchos.
Ahora suena como si estuviera haciendo un pasaje solista. Y de alguna manera es así.
Pero en vez de pensar en el acorde y escala individual, pienso más en esto, estas líneas
de guía que me trasladan a través de estos cambios con mucha más facilidad. Entonces
vimos las líneas de guía.
Consideremos otra forma de pensar sobre las armonías, y a eso lo denominamos “escala
común”. En algunos casos encontrará varias barras, varios acordes en una fila que
comparten todos la misma escala. Digamos que es Re menor séptima, Sol séptima, Do
séptima, La menor séptima, Fa mayor séptima. Hay cinco acordes en una fila y todos
comparten las mismas notas.
Entonces tenemos la opción de definir cada uno individualmente. Pero también

tenemos la opción de solo pensarlo como un gran grupo que comparte la misma escala.
Una de las cosas que hacemos mucho en improvisación es agrupar los cambios juntos
en unidades más grandes, para que podamos tocar temas melódicos más largos, frases
más largas.
Entonces las líneas de guía nos ayudan a atravesar cambios que tienen mucho
movimiento y a resolver y cambiar, por ejemplo. Las escalas comunes nos ayudan a tocar
en un área que comparte las mismas escalas, entonces cambiamos de parecer y
decimos: “creo que tengo una escala en la que debo trabajar”. Ahora pensaré en eso
mientras toco el pasaje solista. Estas son dos de las maneras más comunes de manejar
las armonías como improvisador y veremos algunas más.
4.1.4. Movimiento armónico

Si bien hay diferentes tipos de movimientos armónicos muchas veces la manera en la
que se mueven los acordes incluso sugiere un tipo de dirección física de que las cosas se
están moviendo. Arriba, abajo, hacia los lados, etc. Esta sugerencia está allí en la forma
en que se mueven las armonías. Y cada tipo de resolución tiene su propia característica
reconocible.
Veamos por ejemplo la muy común 5,1. Pero si usamos la dominante sustituta, es
prácticamente la misma cosa. Pero hacemos Mi séptima. Vea lo diferente que suena.
Hay un movimiento cromático. Incluso es más fácil distinguirlo como único. Ese es un
movimiento cromático desde abajo, que sube hasta el acorde.

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Entonces, cada tipo de movimiento de acorde sugiere una identidad única. De hecho,
cuando me encuentro con un movimiento de acorde que sube, que no es tan común, ya
que las resoluciones de acordes parecen bajar, por lo general intento traer esta
sugerencia ascendente cuando toco.
Puedo tocar una línea que sube en esa armonía solo para ayudar al oyente a captar su
movimiento. Entonces, hay dos tipos más de movimientos y situaciones de acordes que
encontrará el improvisador y que usted debe conocer.
A una de ellas se la denomina estructura constante. En este caso, el tipo de acorde

permanece igual. No va de un 7 dominante a un acorde 1 o a uno menor. Son todos
iguales. Digamos que es un acorde de séptima mayor. Puede escuchar que son todos
acordes de séptima mayor, que solo cambian de lugar en el teclado, pero son todos el
mismo tipo de acorde. La estructura permanece igual, y de la cual proviene el nombre,
estructura constante. Y lo interesante sobre la estructura constante además del hecho
de que tiene un sonido único, armónicamente no suena como el tipo de cambios de
resolución que escuchamos con más frecuencia.
Pero en la estructura constante, debido a que los acordes son idénticos, en ese caso,
todos acordes de séptima mayor, cualquier frase. Cualquier frase melódica que use en
un acorde que pueda tocar el resto, solo transponiendo a cada nueva armonía, porque
los acordes serán los mismos.
Con relación al concepto de estructura constante veamos cuando los acordes se mueven
cromáticamente. Nuevamente, es un tipo de movimiento muy reconocible para
nuestros oídos, para el oído del oyente. El movimiento cromático tiene su propio
carácter. Y es una k, una forma de estructura constante. Porque sabe que los acordes
son todos iguales, en este caso, acordes de séptima dominantes que descienden.
Entonces usted puede hacer lo mismo. Cada frase melódica puede repetirse
simplemente bajándola medio tono y así sucesivamente. Además, hay algo más que
debemos saber sobre esto, el mundo de los cromáticos.
Este es uno de los consejos que siempre doy a los alumnos. Y tengo un refrán: el
cromatismo es el mejor amigo del improvisador. Y lo digo porque poder tocar
cromáticamente nos ayuda a suavizar partes difíciles en nuestras líneas melódicas.
Como ejemplo digamos que estamos tocando en Sí bemol séptima y deseamos ir a Mi

bemol al inicio del siguiente acorde, del acorde Mi bemol hacia el cual nos dirigimos. Y
quiero, me imagino tocando corcheas estables, justo hasta esa nota. Pero ¿qué ocurre
si me acerco y no tengo las notas suficientes o tengo demasiadas notas? ¿Qué hago? Y
es allí cuando las notas cromáticas me ayudan porque no quiero llegar a eso demasiado
temprano o demasiado tarde. Quiero que sea en el compás acentuado. Entonces puedo
convertirlo en una línea cromática eso demasiado temprano o demasiado tarde. Quiero
que sea en el compás acentuado. Entonces puedo convertirlo en una línea cromática.

Febrero 2021
Si agrega notas cromáticas, lo convertirá en una línea cromática. A medida que me

acerco a la nota, quiero aterrizar en ella. Entonces me ayuda a aterrizar en el compás
correcto, con la nota fuerte. Por eso usamos las notas cromáticas de esa manera, para
ayudarnos a improvisar.
También las utilizamos a veces para sumar interés. Digamos que estamos tocando un
pasaje largo con un solo acorde. Es Re menor. Quiero seguir y seguir por 8 barras, quizás
16. Bien, luego de un tiempo nuestra escala comienza a sonar repetitiva y aburrida.
Entonces, podríamos agregar otras notas para dividirla y sumarle algo de color.
Bien. Aún estoy en Re menor y le agrego algunas de estas notas cromáticas. Esto le suma
color y no choca con Re menor, sino que lo hace más interesante. Esto es algo más que
la línea cromática hace por nosotros, lo que el cromatismo hace por nosotros. No solo
nos ayuda a suavizar nuestras líneas melódicas. También nos ayuda a que sea
interesante. Entonces a medida que tenga más experiencia con el uso del cromatismo
verá que es una herramienta inteligente.
Hoy vimos varias maneras de manejar la armonía como improvisadores. Las pautas y los
tonos de guía. Otra es las escalas comunes en donde los acordes comparten una escala
común. En tercer lugar, la estructura constante, en donde todos los acordes son del
mismo tipo. Y el movimiento cromático, en donde todos los acordes se mueven
cromáticamente.
4.2. Cómo usar líneas de notas de guía

Para ésta semana, tenemos otra tarea de dos partes.
Primero descarga el archivo PDF de la canción Memories Of Tomorrow de Keith Jarreth.

Y quiero que al igual que la vez anterior llenes cierta información en la partitura. Primero
escribe cuál es la escala que pertenece a cada compás. Luego, mira si puedes identificar
qué está pasando en la canción: ¿Hay secciones que están realzando los tonos guía?
¿Hay secciones que usen una escala común? ¿Qué elementos compositivos está usando
Keith Jarreth en esta canción?
Dibuja un corchete: por ejemplo, estos cuatro compases usan tonos guía, y estos dos
compases usan una escala común, y en estos compases tenemos tonos guía
nuevamente. Etcétera.
Fíjate en todo lo que puedas identificar. Y si hay frases de tonos guía, escríbelas en la
partitura, en el segundo pentagrama. Y si tienes una escala común, escríbela y muestra
que dura varios compases. Así que haz ésto para la canción y luego practica tocarla.

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Descarga la pista de Memories Of Tomorrow. Toma tu instrumento y grábate

improvisando en ésta canción también.
Voy a mencionar algo de lo cual aún no he hablado pero lo encontrarás. Tan pronto
como empieces a analizar la canción de Keith, en los primeros compases los acordes
básicos permanecen iguales pero hay una frase moviéndose en el acorde. El segundo

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acorde es un acorde menor con una séptima mayor. Aquel acorde usa una escala que
no hemos estudiado aún ya que no es tan común.
No es una de las diez escalas comunes. Es la escala menor melódica. Yo no quería

confundirlos demasiado al ver ese acorde y preguntarse qué es lo que debería usar aquí.
Es la escala menor melódica. ¿Cierto?
Entonces, aparte de eso deberías comprender bastante bien la canción de Keith y

disfrutar tocándola. Así que esa es tu tarea para ésta semana.
Descargar la pista MP3 de acompañamiento de "Memories of Tomorrow"

Descargar la pista MP3 de acompañamiento de "Memories of Tomorrow" (versión sin
piano)

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5. SEMANA 5
5.1. Tema y variación
5.1.1. Tema
Esta es la semana 5 y al inicio del curso, hablé un poco acerca de la comparación del
habla con la improvisación. Comparten muchas de las mismas funciones, y es una buena
comparación para hacer. Cada vez que te preguntes cómo se supone que algo debe
funcionar, piensa cómo funciona en el lenguaje y así tendrás una muy buena idea.
Empezamos hablando del vocabulario del músico, que es las escalas, los acordes y
demás. Y luego hablamos sobre la gramática del improvisador, que es armonía, la forma
en que los acordes se mueven de uno a otro.
Ahora, estas dos áreas de habilidad se automatizan cuanto más tienes experiencia
usándolos. Y eventualmente no pensarás en las escalas o los movimientos de la armonía
y demás, así como cuando piensas en sustantivos o verbos cuando hablas en oraciones.
Es algo que haremos de manera automática e instintivamente después de haber
asimilado la información y de haberse acostumbrado a hacerlo.
Entonces eso plantea la pregunta, bien, ¿en qué pensamos mientras estamos tocando?
Y aquí es donde la parte interesante viene, queremos contar historias, queremos
explicar lo que hacemos. Queremos decirle a la gente sobre esta canción que estamos
tocando y por qué nos gusta, lo que es interesante sobre la misma.
Así que, piensa cómo se lleva a cabo una explicación cuando hablas con alguien. La
primera frase que dices introduce el tema, la siguiente oración agrega algo más de
información y la siguiente oración agrega aún más información, y finalmente has dicho
todo lo que tienes que decir sobre el tema y has hecho tu punto y has terminado con
esa explicación.
Una buena historia sigue el mismo enfoque. Es decir, hay una introducción que anuncia
de qué se trata la historia, y luego la historia te lleva en un tipo de viaje a través de varias
actividades, y varias cosas que concluyen finalmente con la historia completada cuando
llegas al final. Eso es lo que queremos hacer musicalmente. Y hacemos esto usando una
técnica muy bien establecida en la música que se llama tema y variaciones.
5.1.2. El desarrollo de una historia

Veamos qué motiva a alguien a escuchar música. El oyente quiere experimentar
un feel placentero, el pulso de la música, el ritmo. Sea swing, straight eight o una balada,
ese es uno de los elementos que busca el oyente.
También busca un sonido agradable y rico, acordes, escalas de acordes, los sonidos
deben ser agradables e interesantes. Debe haber un tipo de historia que se mueva por
la canción así el oyente tiene algo que seguir además de que suene bonito y pueda seguir
el ritmo con el pie, necesitamos más contenido que lo básico. Es crear una historia
interesante y clara para que nos siga el oyente.
Febrero 2021
Pero si tocamos una historia que se detiene y vuelve a comenzar y es confusa, los
oyentes dejarán de seguirte. Pueden disfrutar el feel de la música, o siguiendo el ritmo
con el pie. Pero no están tan concentrados en lo que tocas. En ese caso, lo que sucede
es que llegas al tercer estribillo del solo en un gran momento creativo que solamente
ocurre una vez por noche. No estarán allí para notarlo porque la audiencia ya ha dejado
de escucharte tocando, están disfrutando el ambiente de la música que está sonando.
Es importante que tu solo sea claro y que la audiencia pueda ser capaz de seguirlo.
5.1.3. Características de una forma melódica

Bien, hablemos de este tema con el concepto de variación. Hay tres características de
cada tema melódico.
Primero tenemos un ritmo de cuatro corcheas en este caso. Hay una forma melódica de
cierto tipo en las notas. En este caso es un arpegio que baja. Puede ser el mismo ritmo
pero notas diferentes y un carácter muy diferente si toco esas notas. Pero en vez de ello
elegí. ¿Está bien? Esta es la segunda característica, la forma melódica.
La tercera característica sugiere una armonía. En este caso, un acorde de séptima mayor
y séptima mayor Mi bemol, para ser precisos. Entonces tenemos este tema. Y nuestra
tarea es repetirlo. Y repetirlo y repetirlo. Y mientras lo repetimos, hacemos variaciones.
Lo cambiamos para que sea interesante y el oyente comience a seguirlo y diga: “Me
pregunto qué es lo que hará ahora. ¿Cómo tocará la próxima vez?”
Me verá haciendo todo esto solo en este acorde. Lo cambio en una variedad de maneras
diferentes. ¿Cuánto tiempo debe hacer esto para establecer un tema y para que el
oyente lo identifique y observe que va hacia algún lado, que se desarrolla? Bien, lo toca
una vez y nadie lo identificará como un tema. Si lo toca una segunda vez, quizás crean
que ya lo han escuchado antes. Debe ser algo en lo que se está concentrando. Pero la
tercera vez, sí.
Las personas definitivamente notarán en ese momento que usted está trabajando con
una cierta idea melódica. Pero una vez que la establezca, deberá utilizarla por un tiempo
para sentir realmente que se crea un pequeño viaje que debe seguir el oyente. Muchas
veces cuando escucho improvisar a mis alumnos veo que tocan desarrollos muy breves
en sus temas. Lo tocan una o dos veces y apenas lo establecen antes de pasar
rápidamente a algo diferente. Los oyentes no tienen el tiempo suficiente de
comprenderlo y seguirlo. Es casi como escuchar a alguien hablar y que en cada oración
comience con un nuevo tema Y luego de unos minutos usted se pregunta de qué está
hablando, no puedo seguirlo. Esto puede tener una longitud de 8 medidas 16 medidas.
Puede ser todo un estribillo de una canción. Y en algunos casos hay ejemplos que puedo
dar en los que las personas tocan un pasaje solista completo basado en un tema en el
que continúan trabajando. No es necesario que lo lleve hasta esa longitud cada vez que
toque pero tenga en cuenta que debe durar lo suficiente para que las personas se den
cuenta de que está trabajando en un tema. Y usted hace cosas con eso, es ahí cuando
aparece la creatividad para el oyente.

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5.1.4. Variación
Antes me escuchó tocar en una armonía mientras mantenía activa mi idea. Veamos con
mayor detenimiento algunas de las posibilidades de hacer las variaciones.
Esta es la frase original. Puede invertirla. Puede cambiar, pasar a una inversión diferente
del mismo acorde. Puede tocarla más rápida o lentamente. Puede extenderla. Puede
embellecerla. Estas son solo algunas de las posibilidades.
Como ve, se le pueden ocurrir cada vez más cosas y continuar manteniendo el carácter
del tema original. Ahora debemos dar un paso más. Es bastante fácil hacerlo en una
escala de 1 acorde o en una estructura de 1 acorde sin que nada cambie. De hecho,
cuando lo intente, descubrirá que es bastante fácil. Se pone más difícil cuando toca una
canción y cambia la armonía en cada medida, por ejemplo. Porque para continuar
usando su tema, deberá cambiarlo para que coincida con el nuevo acorde. Tocaré una
canción y usaré mi tema.
Pero, mientras toque la canción y cambien los acordes deberé ajustar mi tema de cuatro
notas para que se adapte a cada armonía. Veamos.
Bien, hay un estribillo completo, 32 barras de la canción. Y espero que haya podido
seguir mi desarrollo, que se haya dado cuenta de que seguía utilizando mi tema original
mientras tocaba la canción haciendo tantas cosas creativas e interesantes posibles. Usé
todos los intervalos de mi instrumento y lo cambié bastante. Si hubiera creído que me
alejaba de mi tema básico, lo hubiera restablecido muy pronto para que los oyentes
recuerden que estamos escuchando el mismo tema. Al oyente le gusta poder seguir ese
tipo de improvisación.
5.1.5. Oraciones simples

Hablemos por un minuto sobre cómo las frases funcionan en el discurso. Porque
necesitamos usar el mismo concepto, cuando hacemos frases melódicas.
Las frases tienen un propósito, ayudarnos a entender la información que estamos

escuchando. O sea, una frase dura un determinado periodo de tiempo y luego se
detiene. Y hay un espacio antes de la siguiente frase. Pues bien, ese espacio permite al
oyente tener más o menos un segundo, para asimilar lo que ha acabado de oír. Y
prepararse para la siguiente información que viene en la próxima frase. Así es como
mantenemos nuestra conversación, de alguna manera, ordenada. Y necesitamos hacer
lo mismo cuando improvisamos.
Si tocamos demasiado continuamente, el oyente no puede asimilarlo y seguir el ritmo

de lo que está sucediendo. Ellos necesitan espacios entre las, las frases melódicas. Los
instrumentos de viento, los instrumentistas de viento lo tienen fácil porque ellos tienen
que dejar espacios de manera natural. Tienen que respirar. Así, ellos tocan una frase
melódica, paran para respirar, empiezan otra y así sucesivamente, que es lo que sucede
cuando hablamos. Siempre estamos dejando espacios porque necesitamos respirar
también mientras hablamos.

Febrero 2021
Pero si tocas el piano, vibráfono, guitarra, etcétera, entonces tienes que recordar,
intencionadamente, tocar en frases. Y hacer eso no viene necesariamente de un modo
natural. Cuando yo toco, honestamente, a menudo imagino el modo en el que tocaría
el trompetista. Cuando estoy tocando una línea, puedo pensar, realmente puedo
imaginar una trompeta tocando esta línea, o un saxofón. Y eso me ayuda a tener una
idea de cómo frasearla, de cómo crear las dinámicas, y cómo de larga puede ser de larga
antes de que necesite descansar por un segundo, antes de continuar con otra frase.
Bien, como las oraciones, las frases melódicas, no tienen todas la misma duración.
Algunas son cortas, otras largas. Lo mismo con los espacios entre ellas. Algunos son
cortos, otros largos, dependiendo de cuán dramática fue la frase o cuán corta o larga, y
etc. Desarrollamos un sentido, bastante rápido una vez que empezamos a pensar acerca
de esto, sobre cómo ajustar nuestro fraseo melódico.
Así que, piensa en frases y asegúrate de que estés tocando en la forma tipo frase cuando
improvises.
5.1.6. Cómo analizar canciones

Bien, hemos cubierto los fundamentos del vocabulario de la improvisación, acordes y
escalas, gramática, la forma como se mueve la armonía, contenido, las historias que
contamos en nuestra improvisación. Ahora vamos a centrar nuestra atención en las
canciones que tocamos. Estas son importantes, no las escogemos a la ligera, las
escogemos porque personalmente nos gusta algo acerca de la canción y queremos
mostrárselo al oyente.
De la misma manera, podrías hacer lo mismo si tienes un visitante que viene a tu casa.
Para ver tu nueva casa, por ejemplo, podrías hacerlos caminar y mostrarles la vista desde
la ventana del jardín. Después llevarlos a la nueva cocina y mostrarles este elegante
refrigerador nuevo que compraste y así sucesivamente.
Pues bien, queremos hacer lo mismo con las canciones que tocamos. Hay elementos en
la canción, los cuales el compositor utiliza para crearla. Por ejemplo, podríamos querer
mostrarles en la primera sección de la canción que hay guías que dominan la música, y
que en la segunda sección están ocurriendo cambios cromáticos de acordes. Esa es la
clase de cosas que queremos enseñarle al oyente. Justo como le mostraríamos la casa a
alguien. Queremos ayudarlos que entiendan lo que está sucediendo en esta
composición, incluso si ellos no entienden literalmente lo que es una guía nosotros
queremos que la escuchen y que entiendan que es un elemento importante en la
canción. Hay otro elemento en la composición de canciones.
El compositor no sólo está utilizando técnicas composicionales, también hay algo que
podrías llamar estado de ánimo o personaje que tiene cada canción. Es una especie de
comparación con lo que hace un actor cuando toma un nuevo papel. Quizás en el papel
de hoy tiene que interpretar un personaje ingenioso, sofisticado, divertido que sea muy
energético y lleno de risas. Luego en el papel de la próxima semana puede interpretar
un personaje triste, melancólico que tenga muchos problemas, Así que el actor trata de

Febrero 2021
mantenerse en el personaje. Durante la interpretación de cada papel se asegura que el

estado de ánimo y sentimiento de ese personaje llega a la audiencia. De manera que
hacemos lo mismo con la canción, cada canción tiene algún estado de ánimo y cierta
personalidad.
Puede ser una clase de pieza brillante, rápida, bailable, puede ser una pieza tranquila,
hermosa, o una pieza oscura, triste y menor. Cada canción que interpretes tendrá un
personaje y querrás saber conscientemente cuál es y vas a decir, muy bien, mi trabajo
es mostrar esta canción al oyente. Le voy a mostrar al oyente los elementos
composicionales en ella y también necesito mostrarle el estado de ánimo que tiene de
la pieza, cómo se siente. Y, eso es algo que, ya sabes, trato de mantenerme en el
personaje, tal y como un actor trata de mantener su personaje cuando esta
representando un papel.
Trato de mantenerme en el personaje con la canción, no sólo al tocar la melodía o el

coro sino también cuando improviso en él. Entonces, echemos un vistazo a una canción,
esta fue escrita por una amiga mía, la compositora Carla, se llama Ojos de Gato. Esto
significa ojos de gato. Y vamos a caminar a través de esta canción. Voy a tocar en el piano
y hablaré acerca de los distintos elementos de la canción. Así que cuando hayamos
terminado con ella, tendremos muchas cosas a nuestra disposición, cosas que con las
que podemos contar.
Cuando tocamos esta canción intentamos venderla al oyente, que nos escuchará tocar.
Voy a tocar la canción de Carla, Ojos de Gato, y la primera vez solo la tocaré de corrido.
Y vamos a tener una percepción general de qué tipo de canción es, que ambiente
sugiere. Aquí va.

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Okey, vamos a sacar algunas conclusiones. Es una obra corta, y tiene un muy sencillo
motivo melódico, el cual se repite a través de la canción. Es lenta, utiliza corcheas rectas,
time feel de bossa nova. En cuanto al ambiente es algo melancólica y triste.
La primera mitad está en menor lo cual creo que es una descripción útil de la canción,
para seguir tocando sobre ella. La siguiente cosa que necesitamos es mirar las escalas

Febrero 2021
de los acordes, asegurarnos que escalas se supone que debemos usar sobre estos
acordes. De hecho, tenemos una interrogante aquí mismo en el primer acorde, porque
normalmente en el acorde La menor deberíamos ver que está pasando con la sexta.
¿Es una sexta mayor? ¿O es una sexta menor? Y resulta que tenemos ambas en la música
Entonces debemos decidir cuál es la más importante. ¿Es acaso el Fa natural? ¿O es el
Fa sostenido? Un consejo sería, que el Fa solo dura un pulso, pero el Fa sostenido se
extiende por dos compases completos. Aquello me sugiere que es el Fa sostenido la nota
que buscamos. Entonces usaremos la escala Dórica sobre aquel acorde menor.
Luego tenemos un Fa mayor. La pregunta es, necesitamos escala Lidia con Si natural o
Jónica con Si bemol. Existe un Si natural en la escala anterior. Eso se trasladará al acorde
Fa mayor y su escala será Lidia.
Cuando llegamos al acorde Si bemol sobre La, nuevamente es Lidia con la cuarta
aumentada en la melodía. ¿Cierto?
Ahora hemos llegado a otra situación inusual. Mira la armonía primero. Es un Re menor
con un 7 mayor. Aquí tenemos una de aquellas escalas que no ocurre con mucha
frecuencia, la melódica menor. No es tan común como las diez escalas comunes que
abarcamos durante la segunda semana, pero se presenta ocasionalmente.
Bien, ese es el acorde, pero mientras tanto hay algo distinto en la melodía. Ella se las ha
ingeniado para poner una tercera mayor en un acorde menor en la melodía. Aceptamos
que suena áspero, pero también aceptamos que no es una nota equivocada porque nos
hemos acostumbrado a este patrón en la melodía.
Lo ves, ya que nos hemos acostumbrado incluso cuando suena algo áspero, decimos
muy bien ya lo habíamos escuchado antes. Sabemos que esto es lo se supone que
sucederá aquí. Entonces, ésta es la escala del acorde, será Re menor melódica.
Ahora, cambiamos a Do 7 bemol 9 sobre Si bemol. ¿A qué te suena? Suena como un

acorde disminuído, muy obviamente, y si miras las notas de la escala, en el acorde, y las
notas en el anterior acorde te darás cuenta que queremos usar la escala simétrica
disminuída porque tenemos un La natural aquí que continúa en el siguiente acorde.
Entonces, así será Do 7 bemol 9 sobre Si bemol con escala simétrica alterada.
Después, vamos a un Si sobre Si bemol. Rápidamente vemos que el Fa natural es la

cuarta aumentada. Lo cual lo vuelve Lidio. Lo mismo aplica para éste. Nuevamente,
tenemos Lidio. Cuarta aumentada en la melodía, e inclusive en el último compás de Si
bemol mayor. Nuevamente es Lidio. Así que esas son las escalas de esta canción.
Ahora queremos determinar como está estructurada la canción, cuáles son las
secciones. Está estructurada en frases de 4 u 8 compases ¿qué está pasando
compositivamente? Voy a tocarla completa y tú intenta determinar que tan larga es la
primera sección, la segunda sección, y así. ¿Cómo está estructurada? Aquí vamos.

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¿Que crees? ¿Que tan larga es la primera sección de la canción? Para mí, la respuesta es
8 compases. Usualmente las secciones representan una progresión de acordes que
avanza y llega a un descanso, entonces se siente como si estuviésemos empezando algo
nuevo.
Bien, esta sección puede ser una frase de 2 compases, de 4 compases, de 8 compases,
casi siempre en números pares de compases. Ocasionalmente, encontrarás una frase de
3 compases o una de 5 compases. Pero la mayoría del tiempo, son números pares. 2, 4
o 8. En este caso, los 8 compases parecen ir juntos. Y ahora veamos que está pasando
allí.
En primer lugar, hay una nota pedal. Eso es algo que nos damos cuenta en la
composición. Hay una nota pedal La durante los ocho compases completos. También
veamos cómo las escalas cambian de un acorde al siguiente. El primero, el La menor
Dórico. Cuando va al Fa Lidio, hay una sola nota que cambia. El Fa sostenido se convierte
en Fa natural. y luego cuando vamos a Si bemol Lidio, nuevamente, solo una nota cambia
el Si natural va a Si bemol. Y luego tenemos esta escala menor melódica para concluir la
progresión. Entonces, eso es lo que está pasando, esas son las principales cosas que
podemos resaltar durante los 8 primeros compases de la canción.
En la siguiente sección, también tenemos 8 compases. Tenemos también una nota

pedal. Una vez más, tenemos una nota pedal que es característica. Y ahora tenemos
acordes de sonoridad mayor. en lugar de menor. Ahora tenemos éste sonido y después
tenemos Si mayor. Es una sonoridad mayor, más brillante. en esta sección que nos
conduce nuevamente al inicio. Para ir nuevamente a menor. Entonces tenemos mucho
con qué trabajar en esta canción cuando estamos al frente de una banda y vamos a
improvisar sobre ésta canción.
Hay muchos elementos compositivos que podemos resaltar y por supuesto que
queremos resaltar la atmósfera general y estilo de la obra. Vamos a tocar melodías
sencillas que sea cantables, dejen mucho espacio entre las frases, tal como Carla Bley lo
hizo con la melodía cuando ella escribió la canción.
5.1.7. Conclusión
Muy bien, esta es la última lección del curso. Muchas gracias a todos aquellos que han
permanecido a lo largo de él. Espero que hayan aprendido y disfrutado mucho. También
espero que hayan encontrado útil la interacción con sus compañeros estudiantes
durante el curso. Creo que podemos decir que dadas todas las cosas que hemos cubierto
en el curso, tendrán mucho para mantenerse ocupados en los próximos meses, a medida
que continúan desarrollando sus habilidades como improvisadores. Por ahora, les deseo
lo mejor con su música y si alguna vez llego a tocar en tu área en el futuro, acércate y
saluda. Hasta entonces ¡Adiós!
5.2. Tema práctico y variación

Okey, aquí tenemos la tarea para ésta semana. Hemos cubierto dos temas hoy, así que
habrá una tarea correspondiente a cada tema.

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El primero tiene que ver con desarrollar un motivo. Espero que hayas estado practicando
en un solo acorde. Para coger el tino a lo que significa seguir repitiendo un motivo
y desarrollarlo. Quiero que me muestres un ejemplo de desarrollo temático en un blues.
Entonces, carga un documento PDF de los cambios de acordes de ésta canción de blues,
y también, toca sobre la pista que he creado. Y muéstrame tu habilidad para desarrollar
un motivo.
Esto es un blues de 12 compases. Si puedes mantener el motivo por los 12 compases

completos antes de empezar un nuevo motivo estaría muy bien. Si puedes continuar
aún más tiempo mejor aún. Pero al menos, deberías ser capaz de hacer durar 12
compases tu primer motivo antes de cambiar a un nuevo set de melodías.
Entonces, esa es la primera parte de la tarea.
Parte dos, descarga la partitura de Olhos de Gato, la canción de Carla Bley, y toca sobre
la pista de ésta canción. Hemos hablado sobre ella y la hemos analizado. No hay razón
por la cual no puedas tocarla ahora. Así que toma tu instrumento y grábate tocando la
canción. Toca una vuelta de melodía y luego improvisa sobre las siguientes vueltas. E
intenta resaltar los elementos compositivos de la canción, y también intenta capturar la
atmósfera que tiene esta obra.
Las líneas melódicas sencillas, la tranquila atmósfera menor que transmite. Mira que tan
bien puedes capturar lo que Carlette quiso decir con esta canción. Entonces ésta es la
tarea para ésta semana.
Para la tarea de esta semana, usted debe descargar las partituras básicas de "Blues" y
"Olhos De Gato". Escribir las escalas de acordes para cada medida. Identificar los
elementos de composición para cada parte de la canción y escribir las líneas de notas de
guía o escalas comunes que encuentre.
Descargue la partitura básica de "Blues"

Descargue la partitura básica de "Olhos De Gato"
Descargar la pista MP3 de acompañamiento y grabarse tocando la melodía e

improvisando.
Descargar la pista MP3 de acompañamiento de "Blues"

Descargar la pista MP3 de acompañamiento de "Blues" (versión sin piano)
Descargue la pista MP3 de acompañamiento de "Olhos De Gato"
Descargar la pista MP3 de acompañamiento de "Olhos De Gato" (versión sin piano)

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Descargue la pista MP3 de acompañamiento de "500 Miles High"

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3.1. Cómo elegir las escalas en tiempo real

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3.1.4. Cómo hallar la escala de acordes menor correcta