G. W. F.

Hegel
LECCIONES DE ESTÉTICA
Volumen I

Traducción del alemán

de Raúl Gabás
Título original alemán: Vorlesungen über die Ästhetik.

No se permite la reproducción total o parcial de este libro, ni su inclusión en un

sistema informático, ni la transmisión en cualquier forma o cualquier medio, ya sea
electrónico, mecánico, por fotocopia, por registro o por otros métodos, sin el per-
miso previo y por escrito de los titulares del copyright y de la casa editora.

Cubierta de Jordi Fornas.

Primera edición: mayo de 1989.

Derechos exclusivos de esta edición (incluyendo la traducción y el diseño
de la cubierta): Edicions 62 s|a., Provença 278, OS008 - Barcelona.

Impreso en Nova-Gràfik s|a., Puigcerdà 127, 08019 - Barcelona.

Depósito legal: B. 21.438- 1989.
ISBN: 84-297-2959-3.
 NOTA DEL TRADUCTOR

Las Lecciones de estética de Hegel que ahora presentamos son

la traducción castellana de la edición Suhrkamp (1970) en tres to-
mos. El texto alemán se basa en la edición de las obras completas
que vio la luz entre 1832 y 1845. Ésta lleva el título: Werke. Ge-
sammelte Ausgabe IM 18 Bde. Berlín 1832-1845.
Sin entrar en un estudio crítico de los pros y contras de cada
edición, advertimos solamente que la de Suhrkamp está hecha con
gran rigor filológico y, por otra parte, puede considerarse en este
momento como la edición escolar preferentemente usada en el mer-
cado alemán.
Nunca es tarea fácil traducir, o sea, mediar entre mundos dife-
rentes. La dificultad crece cuando se trata de un autor como Hegel,
cuya manera de escribir es un tanto atípica dentro de su propio
mundo lingüístico. Hegel utiliza un lenguaje recargado y complejo,
aunque muy preciso en sus términos. No dudo de que sería desea-
ble una recreación digna de los mejores clásicos castellanos. Pero
la traducción y la hermenéutica tienen algo de impuro. Se produce
allí una fusión de horizontes. Cuando dos ríos confluyen, ninguno
de ellos sigue siendo el mismo. En el encuentro entre el alemán y
el castellano es inevitable que se castellanice el primero y se ger-
manice el segundo. Por nuestras autopistas nacionales ruedan auto-
móviles de importación. La patente es extranjera y la autopista na-
cional. Traducir es, hasta cierto punto, «importar». ¿Creen ustedes
que se pueden importar contenidos sin sus correspondientes giros
lingüísticos? Por más que las lenguas se hacen desde dentro, tam-
bién los contactos fronterizos revisten importancia genética para
ellas. No obstante, cada gramática tiene leyes estructurales que
marcan linderos del sentido y sinsentido, de lo claro y confuso, de
lo comprensible e incomprensible.
Sin echar a perder o desdibujar ninguno de los pensamientos
de Hegel, he procurado dividir, aligerar y rehacer los pasajes más
abigarrados. En el marco fundamental de una gramática castella-
na, espero que el lector llegue a familiarizarse e incluso disfrutar
con las expresiones peculiares de este autor: «En sí», «para sí»,
«en y para sí», «inmediatez», «mediación», «más aquí», «finito-in-
finito», «exteriorización», «alienación», «universal» y «particular»,
etc.

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 La terminología se mantiene uniforme a través de mi traduc-
ción. Quedan, sin duda, lugares discutibles. Por ejemplo, más de
una vez dudé de si la traducción de «durch sich» era el típico
«para sí», o bien, en ciertos contextos, la expresión «a través de sí
mismo». A veces en una misma frase Hegel dice que el espíritu se
hace «para sí a través de sí mismo». En general, he respetado la
terminología que, hasta donde alcanzan mis conocimientos, está ya
difundida en el mundo de habla castellana. No me pareció opor-
tuno sobrecargar el texto con notas aclaratorias. En contadas oca-
siones he introducido alguna para facilitar la lectura. De igual ma-
nera está reducido a la medida de lo imprescindible el uso de ex-
presiones alemanas entre paréntesis. No siempre encontré traduc-
ción castellana'de los fragmentos poéticos citados por Hegel. En
tales casos, ruego comprensión a los poetas.
Antes de sumergirse en el texto de Hegel, quizá quiera algún
lector recabar mi opinión acerca de si él escribe bellamente sobre
lo bello y el arte. En la naturaleza hay lugares escarpados que pro-
ducen una primera sensación de rechazo y, sin embargo, una vez
conquistados abren las puertas de la emoción y la hermosura. La
imagen puede aplicarse a la estética de Hegel. Ésta exige una lec-
tura lenta, reposada y reflexiva. Pero, finalmente, galardona al es-
forzado con los horizontes que emergen desde una de las cumbres
destacadas del espíritu humano. Y quisiera resaltar que la Estética
de Hegel es, a mi juicio, la obra de este autor que mejor permite
acceder a su sistema.
Hoy no resulta atractivo hablar de «sistema». En el caso de He-
gel lo sorprendente es que él no sólo da razón del nacimiento de
su propio edificio, sino también de la destrucción de los templos
absolutos del absoluto en la historia. ¿En qué medida la prognosis
hegeliana del final del arte puede considerarse como un vaticinio
de la situación actual?
La construcción hegeliana parece pecar de un exceso de esque-
matismo reiterativo. No obstante, ¿cómo llegaremos a contemplar
las movidas crestas del mar? Una mirada que abarca desde las fi-
guras del arte griego hasta la desfigurada postmodernidad, tiene
algo de fascinante aunque obedezca a capricho. Y si hay caprichos
menores y más grandes, diría que el de Hegel no es el mayor.
R. GABÁS

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 Introducción.

Dedicamos estas lecciones a la estética, cuyo objeto es el amplio

reino de lo bello. Hablando con mayor precisión, su campo es el
arte y, en un sentido más estricto, el arte bello.
Hemos de reconocer que la palabra estética no es totalmente
adecuada para designar este objeto. En efecto, «estética» designa
más propiamente la ciencia del sentido, de la sensación. Recibió
esa acepción como una nueva ciencia o, más bien, como algo que
había de llegar a ser una disciplina filosófica, en la escuela de
Wolff. Su origen se remonta, pues, a un tiempo en el que las obras
de arte se consideraban en Alemania bajo el aspecto de las sensa-
ciones que estaban destinadas a producir, así, por ejemplo, las sen-
saciones de agrado, de admiración, de temor, de compasión, etc..
Habida cuenta de que este nombre resultaba inadecuado o, más
exactamente, superficial, no faltaron intentos de encontrar otras de-
nominaciones, así la de calística.1 Pero también ésta resulta insatis-
factoría, pues la ciencia a la que se refiere no considera lo bello en
general, sino solamente lo bello del arte. Por eso nos quedaremos
con el término «estética», pues, por tratarse de mera cuestión de
nombre, el asunto es indiferente para nosotros. Además, entretan-
to el vocablo ha pasado al lenguaje cotidiano, de modo que pode-
mos retenerlo como nombre. Sin embargo, la expresión genuina
para nuestra ciencia es la de «filosofía del arte» y, más exactamen-
te, «filosofía del arte bello».

I. DELIMITACIÓN DE LA ESTÉTICA Y REFUTACIÓN DE

ALGUNAS OBJECIONES CONTRA LA FILOSOFÍA DEL ARTE
Mediante esta expresión excluimos inmediatamente lo bello na-
tural. Tal delimitación de nuestro objeto puede parecer una deter-
minación arbitraria, tan arbitraria como la facultad que tienen las
ciencias de demarcar el propio campo a su antojo. Pero no pode-
mos entender en este sentido la limitación de la estética a la be-
lleza artística. Ciertamente, en la vida cotidiana acostumbramos a
utilizar expresiones como color bello, cielo hermoso, bellos arro-
yos, bellas flores, animales bellos y, sobre todo, hombres bellos*
No queremos entrar aquí en la disputa de si puede atribuirse con
1. Del griego kalús = bello.

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razón a tales objetos la cualidad de la belleza, situando en conse-
cuencia lo bello natural junto a lo bello artístico. Pero afirmamos
ya de entrada que la belleza artística es superior a la naturaleza.
En efecto, lo bello del arte es la belleza nacida y renacida del es-
píritu. En la misma medida en que el espíritu y sus producciones
son superiores a la naturaleza y sus manifestaciones, descuella lo
bello del arte por encima de la belleza natural. Bajo el aspecto
formal, incluso una mala ocurrencia que pase por la cabeza del
hombre, está por encima de cualquier producto natural, pues en
tal ocurrencia está siempre presente el sello del espíritu y de la
libertad. En lo relativo al contenido, es cierto que, por ejemplo, el
sol tiene upa dimensión absolutamente necesaria, mientras que
una ocurrencia desacertada desaparece como casual y transitoria.
Sin embargo, tomada por sí misma, una existencia natural como
la del sol es indiferente, no es libre en sí y consciente de sí; y si la
consideramos en su conexión necesaria con otras cosas, no la con-
sideramos para sí misma, ni, por tanto, como bella.
Hemos dicho, de manera muy general, que el espíritu y su be-
lleza artística son superiores a la belleza natural, o que están por
encima de ella. Pero con ello apenas hemos afirmado nada, pues
«superior» o «por encima» es una expresión totalmente indetermi-
nada, la cual designa la belleza natural y la artística como si estu-
vieran yuxtapuestas en el espacio de la representación, indicando
así una diferencia meramente cuantitativa y, por tanto, extrínseca.
En verdad, lo superior del espíritu y de su belleza artística sobre
la naturaleza no es algo puramente relativo. Más bien, el espíritu
•es por primera vez lo verdadero, que lo abarca todo en sí, de modo
que cualquier cosa bella sólo es auténticamente bella como partí-
cipe de esto superior y engendrada por ello. En ese sentido, lo bello
natural aparece solamente como un reflejo de lo bello pertenecien-
te al espíritu, como una forma imperfecta, incompleta, como una
forma que según su substancia está contenida en el espíritu mismo.
Por otra parte, nos parece muy acertada la limitación al arte
bello, pues, por más que se haya hablado de bellezas naturales
—menos entre los antiguos que entre nosotros—, no obstante, na-
die ha tenido la ocurrencia de resaltar el punto de vista de la be-
lleza de las cosas naturales, intentando una ciencia o exposición
sistemática de esa belleza. Ha sido resaltado el punto de vista de
la utilidad, constituyéndose, por ejemplo, una ciencia de las cosas
naturales que son útiles contra las enfermedades, una materia mé-
dica, una descripción de los minerales, de los productos químicos,
de las plantas, de los animales que presentan propiedades terapéu-
ticas; pero nadie ha enfocado y ordenado los reinos de la natura-
leza desde el punto de vista de la belleza. Cuando hablamos de be-
lleza natural nos encontramos ante algo muy indeterminado, sin
criterio. Por ello, semejante enfoque y ordenación apenas ofrecería
interés.
Estas observaciones previas sobre lo bello en la naturaleza y en

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el arte, sobre la relación entre ambos, y sobre el hecho de que no
incluimos la belleza natural en nuestro auténtico objeto, se propo-
nen alejar la idea de que la delimitación de nuestra ciencia se debe
al arbitrio y antojo personal. No se trataba hasta ahora de demos-
trar nada acerca de esta relación, pues la consideración de la mis-
ma cae dentro de nuestra ciencia y, por tanto, ha de abordarse y
demostrarse más tarde.
Pero si de entrada nos limitamos a la belleza artística, en este
primer paso topamos ya con nuevas dificultades.
Lo primero que nos viene en mente es la objeción de si tam-
bién el arte bello es digno de un tratado científico. Cierto que lo
bello y el arte tienden sus alas como un genio propicio sobre todos
los asuntos de la vida, que vierten adorno y agrado en todos nues-
tros entornos exteriores e interiores, por cuanto atenúan la serie-
dad de las circunstancias y las complicaciones de la realidad, por
cuanto llenan el ocio con la distracción y, donde no puede realizar-
se nada de bueno, por lo menos ocupan el lugar del mal mejor que
el mal mismo. Sin embargo, por más que el arte se entremezcle
por doquier con sus formas agradables, desde las rudas formas en
que los salvajes recubren sus paredes hasta el esplendor de los
templos decorados con toda riqueza; no obstante, estas formas mis-
mas parecen hallarse fuera de la verdadera meta final de la vida.
Y, aun cuando las configuraciones artísticas no sean nocivas a es-
tos fines serios, e incluso los fomenten a veces, por lo menos apar-
tando lo malo, sin embargo, el arte pertenece más propiamente a
la remisión, a la recesión del espíritu, mientras que los intereses
substanciales requieren su esfuerzo. Podría parecer, por ello, que es
inadecuado y pedante el intento de tratar con seriedad científica
lo que en sí no posee una naturaleza seria. En todo caso, según ese
punto de vista, el arte se presenta como algo superfino, si no llega
a parecer nocivo por la blandura de ánimo que produce la ocupa-
ción con la belleza. Bajo este aspecto, muchos se han creído en la
obligación de proteger las bellas artes, acerca de las cuales se con-
cede que son un lujo, en lo que se refiere a su relación con la ne-
cesidad práctica en general y con la moralidad y devoción en par-
ticular. Y puesto que no podía demostrarse su carácter inocuo, ha-
bía que hacer fidedigno por lo menos que este lujo del espíritu
acarreaba más ventajas que inconvenientes. En este sentido se han
atribuido fines serios al arte, que ha sido recomendado muchas ve-
ces como mediador entre razón y sensibilidad, entre inclinación y
deber, como reconciliador de esos elementos escindidos en tan
dura lucha y oposición. Pero también se puede opinar que con ta-
les fines más serios del arte nada ganan la razón y el deber median-
te este intento de mediación, pues, dado que excluyen la mezcla
por naturaleza, no se prestan a tal transacción y exigen aquella pu-
reza que revisten de por sí. Y podría añadirse que por ello el arte
no se ha hecho más digno de un tratado científico, ya que presta
servicios en dos direcciones, por lo cual, aunque sirve a fines supe-

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riores, sin embargo, fomenta asimismo el ocio y la frivolidad; y,
en medio de todo ello, se denigra, pues, en lugar de ser fin en sí
mismo, aparece solamente como medio. También el aspecto de la
forma parece acarrear un inconveniente notable. Si bien el arte de
hecho se somete a fines más serios y produce efectos nobles, no
obstante, el medio que utiliza para ello es el engaño. En efecto, lo
bello tiene su vida en la apariencia. Ahora bien, puede reconocerse
fácilmente que un fin verdaderamente último no ha de ser produ-
cido por la apariencia. Y por más que ésta sea capaz de promo-
verlo en ocasiones, sin embargo, eso sólo puede suceder en forma
limitada; e incluso entonces el engaño no podrá tenerse por el recto
medio. Pues el medio debe corresponder a la dignidad del fin, por
lo cual sólo lo verdadero, y no la apariencia y el engaño, es capaz
de engendrar lo verdadero. Y, asimismo, la ciencia ha de conside-
rar los verdaderos intereses del espíritu según la forma verdadera
de la realidad y según la forma verdadera de su representación.
En este sentido puede parecer que el arte bello no merece una
consideración científica, puesto que permanece un juego agrada-
ble; y, aunque persiguiera fines más serios, no obstante, estaría en
contradicción con la naturaleza de estos fines. En general, se halla
tan sólo a servicio de dicho juego y seriedad, y sólo puede servirse
del engaño y de la apariencia como elementos de su existencia y
como medios de su acción.
En segundo lugar, con mayor razón puede parecer que, aun
cuando el arte bello en general fuera susceptible de reflexiones filo-
sóficas, sin embargo, no sería un objeto adecuado para un tratado
auténticamente científico. En efecto, la belleza artística se ofrece
al sentido, a la sensación, a la intuición, a la imaginación, tiene un
territorio distinto del que corresponde al pensamiento, y por ello
la captación de su actividad y sus productos exige un órgano dis-
tinto del pensamiento científico. Además, en la belleza artística
gozamos de la libertad de la producción y las formas. Según pa-
rece, en la producción y contemplación de sus formas nos libera-
mos del yugo de las reglas y de lo regulado. En las formas del arte
buscamos pacificación y tónico vital frente al rigor de las leyes y
a la lúgubre interioridad del pensamiento, así como realidad ale-
gre y fuerte en contraste con el reino sombrío de la idea. Final-
mente, la fuente de las obras de arte es la actividad libre de la fan-
tasía, que en sus productos imaginativos es más libre que la natu-
raleza. El arte no sólo tiene a su disposición el reino entero de las
configuraciones naturales con todo el colorido multiforme de sus
apariciones, sino que, además, la imaginación creadora es capaz de
entregarse a sus propias producciones inagotables. Ante esta ple-
nitud inmensa de la fantasía y de sus productos libres, parece como
si el pensamiento debiera desanimarse, puesto frente a la tarea de
abarcarlos completamente, de enjuiciarlos y de ordenarlos en for-
mas generales.
Es forzoso conceder, por el contrario, que la ciencia, según su

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forma, tiene que habérselas con el pensamiento que abstrae de la
masa de los detalles particulares, con lo cual, por una parte, que-
dan excluidas de ella la imaginación y sus casuales arbitrarieda-
des, o sea, el órgano de la actividad y del disfrute artísticos. Por
otra parte, si el arte vivifica y tonifica precisamente la sombría y
desierta sequedad del concepto, si reconcilia con la realidad sus
abstracciones y escisiones, si complementa el concepto con la reali-
dad, no puede pasar desapercibido que una consideración mera-
mente pensante suprime de nuevo este medio de complementación,
lo aniquila y conduce de nuevo el concepto a su simplicidad ca-
rente de realidad y a la abstracción sombría. Se añade a esto que
la ciencia, según su contenido, se cuida de lo necesario en sí mis-
mo. Pero si la estética deja de lado la belleza natural, bajo este as-
pecto parece que no hemos ganado nada, sino que nos hemos ale-
jado más todavía de lo necesario. En efecto, la expresión natura-
leza nos sugiere la idea de lo necesario y regular, o sea, de una
conducta que en apariencia se halla más cercana de la considera-
ción científica y abriga la esperanza de poderse ofrecer a ella. Aho-
ra bien, en el espíritu en general, y sobre todo en la imaginación,
parece que, por contraste con la naturaleza, se hallan como en su
casa la arbitrariedad y lo carente de ley, y esto por sí mismo se
sustrae a toda fundamentación científica.
Desde todos estos puntos de vista el arte bello, tanto en lo rela-
tivo a su origen como en lo referente a su efecto y extensión, ofre-
ce la impresión de que, lejos de ser apropiado para el esfuerzo cien-
tífico, se resiste intrínsecamente a la regulación del pensamiento y
no es adecuado a un tratado auténticamente científico.
Estas y parecidas objeciones contra una ocupación verdadera-
mente científica con el arte bello proceden de ideas y exposiciones
usuales. Se hallan desarrolladas hasta la saciedad en escritos anti-
guos, sobre todo franceses, acerca de lo bello y de las bellas artes.
Y en parte están contenidos allí hechos que tienen un aspecto acep-
table y de los cuales se han sacado razonamientos que a primera
vista parecen asimismo plausibles. Así, por ejemplo, el hecho de
que es tan multiforme la configuración de lo bello, como universal
es el fenómeno de la belleza. De ahí, si se quiere, puede sacarse la
conclusión de que existe una tendencia a la belleza en la natura-
leza humana. Y puede inferirse además la consecuencia de que, si
las representaciones de lo bello son infinitamente variadas y, por
ello mismo, algo particular, no puede haber leyes generales de lo
bello y del gusto.
Antes de alejarnos de tales consideraciones, para pasar al obje-
to propiamente dicho de la estética, nuestro próximo tema deberá
consistir en un breve tratado introductorio de las objeciones y du-
das suscitadas.
Por lo que se refiere en primer lugar a la cuestión de si el arte
merece tratarse científicamente, hemos de conceder el hecho de
que el arte puede utilizarse como un juego fugaz al servicio del pla-

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cer y de la distracción, para decorar nuestro entorno, para rjacer
agradables las circunstancias exteriores de la vida y para resaltar
otros objetos mediante el adorno. Efectivamente, bajo estas moda-
lidades, no es arte independiente, libre, sino servil. Sin embargo,
lo que nosotros queremos considerar es el arte libre también en
sus fines y en sus medios. Por otra parte, el hecho de que el arte
en general puede servir también a otros fines y puede ser así un
mero juego, es un rasgo que tiene en común con el pensamiento.
Pues, de un lado, es cierto que la ciencia, como entendimiento ser-
vil, puede ser utilizada para finalidades finitas y medios casuales,
con lo cual no recibe de sí misma su propia determinación, sino
que la recibe de otros objetos y determinaciones; pero, por otra
parte, se desliga de estos servicios para elevarse con libre autono-
mía a la verdad, en la cual se consuma independientemente tan
sólo con sus propios fines.
Por primera vez en esta libertad es el arte bello verdaderamen-
te arte, y sólo resuelve su tarea suprema cuando se sitúa en un
círculo común junto con la religión y la filosofía, convirtiéndose
en una forma de hacer consciente y expresar lo divino, los intere-
ses más profundos del hombre, las verdades más universales del
espíritu. Los pueblos han depositado en las obras de arte los con-
tenidos más ricos de sus intuiciones y representaciones internas.
Y la clave para la comprensión de la sabiduría y la religión es con
frecuencia el arte bello, y en algunos pueblos solamente él. El arte
comparte este rasgo con la religión y la filosofía, pero con la pecu-
liaridad de que él representa lo supremo sensiblemente, y así lo
acerca a la forma de aparición de la naturaleza, a los sentidos y
a la sensación. El pensamiento penetra en la profundidad de un
mundo suprasensible, y lo presenta primeramente como un más
allá a la conciencia inmediata y a la sensación actual. Es la liber-
tad del conocimiento pensante la que se sustrae al más aquí, que
se llama realidad sensible y finitud. Pero el espíritu, que adelanta
hacia esta ruptura, también sabe curarla. Él engendra por sí mis-
mo las obras del arte bello como reconciliador miembro interme-
dio entre lo meramente exterior, sensible y caduco, por una parte,
y el puro pensamiento, por otra, entre la naturaleza y la realidad
finita, de un lado, y la libertad infinita del pensamiento conceptual,
de otro.
En lo que concierne a la indignidad del elemento del arte en
general, a saber, de la apariencia y sus engaños, digamos que esta
objeción sería acertada si la apariencia pudiera considerarse como
lo que no debe existir. Ahora bien, la apariencia misma es esencial
a la esencia; no existiría la verdad si ella no pareciera y apareciera,
si no fuera para Uno, tanto para sí misma como para el espíritu
en general. Por eso, no puede ser objeto de reproche la aparien-
cia en general, sino solamente la forma especial de apariencia en
la que el arte da realidad a lo verdadero en sí mismo. Si, en este
sentido, la apariencia en la que el arte confiere existencia a sus

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concepciones ha de denominarse engaño, la objeción aquí implica-
da recibe su sentido por comparación con las apariciones en el
mundo externo y su materialidad inmediata, así como en relación
con nuestro propio mundo percipiente, es decir, con la sensibilidad
interior. En nuestra vida empírica, en nuestra vida fenoménica,
estamos acostumbrados a atribuir a esos dos mundos el valor y
nombre de existencia, realidad y verdad, en oposición al arte, que
carece de tal realidad y verdad. Pero precisamente toda esa esfera
del empírico mundo exterior e interior no es el mundo de la reali-
dad verdadera, sino que, en un sentido más estricto que el arte,
merece llamarse mera apariencia y engaño más duro. La realidad
auténtica sólo puede encontrarse más allá de la inmediatez de la
sensación y de los objetos externos. Pues sólo es verdaderamente
real lo que existe en sí y para sí, lo substancial de la naturaleza
y del espíritu, que ciertamente se da presencia y existencia, pera
en esta existencia permanece lo que es «en y para sí», y por pri-
mera vez de esa manera es en verdad real. La acción de estos pode-
res generales es precisamente lo que el arte resalta y lleva a su
aparición. En el mundo interior y exterior de cada día también
aparece la esencia, pero aparece bajo la forma de un caos de ca-
sualidades, atenuada por la inmediatez de lo sensible y por la arbi-
trariedad en lo relativo a los estados, los datos, los caracteres, etc-
El arte arranca la apariencia y el engaño de este mundo malo, ca-
duco, para dar una nueva realidad, nacida del espíritu, al conte-
nido verdadero de las apariciones. Lejos, pues, de que el arte sea
mera aparición, hemos de atribuir, por el contrario, a los fenóme-
nos artísticos una realidad superior y una existencia más verda-
dera que a la realidad cotidiana.
De igual manera, las representaciones artísticas no merecen
calificarse de apariencia engañosa frente a las representaciones
más veraces de la historiografía. Pues lo que describe esta ciencia
no es la existencia inmediata, sino la apariencia espiritual de la
misma, y su contenido queda impregnado de todo lo que hay de
casual en la realidad cotidiana y en sus hechos, entrelazamientos
e individualidades. Por el contrario, la obra de arte nos presenta
los poderes que actúan en la historia, desligados de la inmediata
presencia sensible y de su apariencia inconsistente.
Ahora bien, si la manera de aparición de las formas artísticas
es calificada de engaño en comparación con el pensamiento filosó-
fico, con los principios religiosos y morales, hemos de reconocer
que la realidad más verdadera va inherente a la forma de apari-
ción que un contenido asume en el ámbito del pensamiento. Sin
embargo, en comparación con la apariencia de la inmediata exis-
tencia sensible y con la de la historiografía, la apariencia del arte
tiene la ventaja de que él refiere por sí mismo a algo espiritual,
que ha de representarse por su mediación, mientras que la apari-
ción inmediata no se presenta como engañosa, sino como lo real
y verdadero, siendo así que lo verdadero se mancilla y esconde a

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través de lo inmediatamente sensible. El espíritu, para penetrar
en el reino de la idea, encuentra mayor obstáculo en la dura cor-
teza de la naturaleza y del mundo usual que en las obras artísticas.
No obstante, por más que concedamos al arte una posición tan
elevada, hemos de recordar, por otra parte, que éste, tanto en lo
relativo a la forma como en lo tocante al contenido, no es la forma
suprema y absoluta por la que despierta en el espíritu la concien-
cia de sus verdaderos intereses. En efecto, el arte, por su forma,
está limitado a un determinado contenido. Sólo un cierto círculo y
estadio de la verdad es capaz de ser representado con los elemen-
tos artísticos. Lo que ha de ser contenido auténtico del arte debe
tener la capacidad de pasar a lo sensible y de ser adecuado a ello,
como sucede, por ejemplo, en los dioses griegos. Por el contrario,
hay una comprensión más profunda de la verdad en la que ella ya
no tiene tal parentesco y amistad con lo sensible, que esto pueda
recibirla y expresarla adecuadamente. De ese tipo es la compren-
sión cristiana de la verdad y, sobre todo, el espíritu aparece a
nuestro mundo actual o, más exactamente, a nuestra religión y a
nuestra formación racional, en un estadio más elevado que aquel
en que el arte constituye la forma suprema de adquirir conciencia
del absoluto. La forma peculiar de la producción del arte y de sus
obras ya no llena nuestra suprema necesidad. Estamos ya más allá
de poder venerar y adorar obras de arte como si fueran algo divi-
no; la impresión que nos producen es de tipo reflexivo, y lo que
suscitan en nosotros requiere una superior piedra de toque y una
acreditación de otro tipo. El pensamiento y la reflexión han reba-
sado el arte bello. Quien sea amante de lamentos y reproches, po-
drá considerar este fenómeno como una degeneración y atribuirlo
al exceso de pasiones e intereses egoístas, que ahuyentan la serie-
dad del arte y su gozo. O bien, podrá denunciar las necesidades del
presente, el complicado estado de la vida burguesa y política, que"
no permite al ánimo, prisionero de pequeños intereses, liberarse
para los fines superiores del arte, por cuanto la inteligencia misma
sirve a estas necesidades y a sus intereses en las ciencias, que sólo
tienen utilidad para tales fines, y se deja seducir a estancarse en
esa sequedad.
Sin entrar en la verdad de todo esto, lo cierto es que el arte ya
no otorga aquella satisfacción de las necesidades espirituales que
tiempos y pueblos anteriores buscaron y sólo encontraron en él,
una satisfacción que por lo menos la religión unía íntimamente con
el arte. Los bellos días del arte griego, lo mismo que la época
áurea del tardío medievo, pertenecen ya al pasado. La formación
reflexiva de nuestra vida actual nos ha impuesto la necesidad de
que tanto el querer como el juzgar retengan puntos de vista gene-
rales y regulen lo particular de acuerdo con ellos, de modo que
tienen validez y rigen principalmente las formas, las leyes, los de-
beres, los derechos, las máximas generales como razón de nuestras
determinaciones. En cambio, para el interés artístico y la produc-
ía
ción de obras de arte exigimos en general un acto vital donde lo
general no esté dado como ley y máxima, sino que opere como
idéntico con el ánimo y la sensación, lo mismo que en la fantasía
lo universal y racional está contenido como puesto en unidad con
la concreta aparición sensible. Por eso, la situación general de nues-
tro presente no es propicia al arte. Incluso el artista de oficio, por
una parte, se ve inducido e inficionado por su entorno reflexivo,
por la costumbre generalizada de la reflexión y del juicio artísticos,
que le mueven a poner en sus trabajos más pensamientos que en
tiempos anteriores; y, por otra parte, a causa de su formación
mental, se encuentra en medio de ese mundo reflexivo y de sus
circunstancias, por lo cual su voluntad y decisión no están en con-
diciones de abstraer de esto, no son capaces de proporcionarse una
educación especial, o de alejarse de las circunstancias de la vida,
construyéndose una soledad artificial que sustituya la perdida.
Bajo todos estos aspectos el arte, por lo que se refiere a su des-
tino supremo, es y permanece para nosotros un mundo pasado.
Con ello, también ha perdido para nosotros la auténtica verdad y
vitalidad. Si antes afirmaba su necesidad en la realidad y ocupaba
el lugar supremo de la misma, ahora se ha desplazado más bien a
nuestra representación. Lo que ahora despierta en nosotros la obra
de arte es el disfrute inmediato y a la vez nuestro juicio, por cuan-
to corremos a estudiar el contenido, los medios de representación
de la obra de arte y la adecuación o inadecuación entre estos dos
polos. Por eso, el arte como ciencia es más necesario en nuestro
tiempo que cuando el arte como tal producía ya una satisfacción
plena. El arte nos invita a la contemplación reflexiva, pero no con
el fin de producir nuevamente arte, sino para conocer científica-
mente lo que es el arte.
Y si queremos seguir esta invitación, nos encontramos con la
objeción mencionada de que si el arte puede ofrecer un objeto
adecuado para personas dadas a la reflexión filosófica, no lo ofre-
ce propiamente para una sistemática consideración científica. Sub-
yace aquí, sin embargo, la falsa representación de que una conside-
ración filosófica puede carecer de carácter científico. Sobre este
punto digamos con toda brevedad que, sin entrar en las ideas de
otros sobre la filosofía y el filosofar, yo considero esta actividad
como inseparable de la ciencia. En efecto, la filosofía ha de consi-
derar sus objetos bajo el aspecto de la necesidad, no sólo ha de
considerarlos según la necesidad subjetiva, o sea, según una orde-
nación o clasificación hecha desde fuera, sino que debe desarro-
llar y demostrar también aquella necesidad inherente a la propia
naturaleza intrínseca del objeto. Por primera vez esta explicación
constituye el carácter científico de un estudio. Ahora bien, la ne-
cesidad de un objeto como tal consiste esencialmente en su natura-
leza lógico-metafísica. Por eso, en un estudio aislado del arte no
puede menos de palidecer el rigor científico, pues aquél, sea por
razón del contenido mismo, sea por razón de su material y sus

13
elementos, tiene muchos presupuestos por los que roza lo casual.
De ahí que, en el arte, la forma de la necesidad deba buscarse en
los rasgos esenciales del desarrollo interno de su contenido y de
sus formas de expresión.
Respondamos ahora a los que objetan que las obras del arte be-
llo se sustraen a la consideración científica porque deben su origen
a una fantasía y un ánimo sin reglas; por lo cual, siendo incalcu-
lables en su número y forma, sólo actúan sobre la sensación y la
imaginación. A primera vista, estos reparos no carecen de peso to-
davía en la actualidad. De hecho, la belleza artística aparece en
una forma explícitamente opuesta al pensamiento, hasta tal punto
que éste, para actuar a su manera, se ve forzado a destruirla. Esta
idea se relaciona con la opinión de que lo real en general, la vida
de la naturaleza y del espíritu, se pierde y muere en manos del
concepto, de modo que, en lugar de acercarse a nosotros por el
pensamiento conceptual, lo que hace es alejarse, por lo cual el
hombre, cuando se sirve del pensamiento como medio para com-
prender lo real, más bien echa a perder este fin. No es necesario
en este lugar hablar del tema exhaustivamente. Indicaremos tan
sólo el punto de vista desde el cual habría de eliminarse esa difi-
cultad, o imposibilidad, o ineptitud.
Hemos de conceder por lo menos que el espíritu está capacitado
para tener una conciencia y, por cierto, una conciencia intelectual,
acerca de sí mismo y de todo lo que brota de él. Pues precisamen-
te el pensamiento constituye la naturaleza más íntima y esencial
del espíritu. En esa conciencia intelectual de sí mismo y de sus
productos, prescindiendo del grado de libertad y arbitrariedad que
se dé en ello, si el espíritu está verdaderamente presente allí, se
comporta con su naturaleza esencial. Ahora bien, el arte y sus
obras, como nacidos del espíritu y engendrados por él, son en sí
mismos de naturaleza espiritual, aun cuando su representación
asuma la apariencia de la sensibilidad y haga que el espíritu pe-
netre en lo sensible. En este sentido, el arte se halla más cerca del
espíritu y su pensamiento que la mera naturaleza carente de espi-
ritualidad. En los productos artísticos el espíritu tiene que habér-
selas con lo suyo. Y por más que las obras de arte no sean pen-
samiento y concepto, sino un desarrollo desde sí, una alienación
hacia lo sensible, sin embargo, el poder del espíritu pensante está
en que, no sólo se aprehende a sí mismo en su forma peculiar como
pensamiento, sino que, además, se reconoce a sí mismo en su ex-
teriorización a través de la sensación y de la sensibilidad, se com-
prende en lo otro de sí mismo, en cuanto transforma en pensa-
miento lo alienado y con ello lo conduce de nuevo hacia sí. En esta
ocupación con lo otro de sí, el espíritu pensante no es infiel a sí
mismo, como si se olvidara o gastara, ni es tan impotente que no
pueda comprender lo distinto de él, sino que se comprende a sí
mismo y su contrario. Pues el espíritu es lo general, que se con-
serva en sus momentos particulares, que se abarca a sí mismo y

14
lo otro, y en esa forma es el poder y la actividad de superar de
nuevo la alienación, hacia la cual está en movimiento. Así, la obra
de arte, en la que se aliena el pensamiento, pertenece también al
ámbito del pensamiento conceptual; y el espíritu, en cuanto la so-
mete a la consideración científica, no hace sino satisfacer en ella su
naturaleza más íntima. En efecto, porque el pensamiento es su
esencia y concepto, a la postre sólo queda satisfecho cuando pene-
tra intelectualmente todos los productos de su actividad y así los
hace verdaderamente suyos. Y el arte, según veremos con mayor
detención, lejos de ser la forma suprema del espíritu, por primera
vez en la ciencia alcanza su auténtica legitimación.
Asimismo, el arte no escapa a la consideración filosófica por
causa de una arbitrariedad sin reglas. Pues, como acabamos de in-
dicar, su verdadera tarea es hacer conscientes los intereses supre-
mos del espíritu. De aquí se deduce inmediatamente, en lo tocante
al contenido, que el arte bello no puede divagar en una salvaje fan-
tasía sin fondo, ya que los mencionados intereses espirituales la
someten a determinados puntos de apoyo firmes para su contenido,
aunque sus formas y configuraciones sean muy variadas e inagota-
bles. Otro tanto puede decirse de las formas mismas. Tampoco
ellas están entregadas a la mera casualidad. No toda forma es ca-
paz de ser expresión y representación de dichos intereses, de reci-
birlos en sí y de reproducirlos, sino que un contenido concreto de-
termina también la forma adecuada a él.
En este sentido, estamos también en condiciones de orientarnos
intelectualmente en medio de la masa en apariencia inabarcable
de las obras de arte y de sus formas.
Así hemos indicado y visto en primer lugar el contenido de
nuestra ciencia, aquel contenido al que nos queremos limitar. He-
mos puesto de manifiesto cómo el arte bello no es indigno de una
consideración filosófica, y cómo, por otra parte, la consideración
filosófica no es incapaz de conocer la esencia del arte bello.

II. FORMAS DE TRATAR CIENTÍFICAMENTE

LA BELLEZA Y EL ARTE
Si preguntamos ahora por la forma de consideración científica,
nos encontramos de nuevo con dos formas opuestas, y parece que
cada una excluye a la otra y no nos permite llegar a ningún resul-
tado verdadero.
Por una parte, la ciencia del arte se esfuerza por llegar a las
obras existentes como rodeándolas desde fuera, las ordena en la
historia del arte, hace consideraciones sobre las obras de arte co-
nocidas, o formula teorías que han de proporcionar puntos de
vista generales para su enjuiciamiento o para la producción cientí-
fica de las mismas.

15
 Por otra parte, vemos que la ciencia desarrolla autónomamente
desde sí misma la idea de lo bello, con lo cual habla solamente de
aspectos generales, produce una filosofía abstracta de lo bello, pero
sin acertar con la obra de arte en su peculiaridad.
1. Por lo que se refiere a la primera manera de enfoque, que
toma como punto de partida lo empírico, ella es el camino nece-
sario para aquellos que quieren formarse como críticos o artistas
profesionales. Y de la misma manera que en la actualidad todos,
aunque no pensemos dedicarnos a la física, sin embargo, deseamos
hacernos con los conocimientos físicos más esenciales, así también,
un hombre formado debe poseer algunos conocimientos artísticos,
y es casi general la pretensión de aparecer como un diletante y
un conocedor del arte.
a) Pero si estos conocimientos han de reconocerse realmente
como erudición, tienen que ser muy amplios y variados. Se nos
exige en primer lugar una familiaridad con el ámbito inmenso de
las obras de arte en particular, con las de la época antigua y con
las de la moderna. Esas obras en buena parte han perecido ya y,
en parte, se hallan en países o continentes lejanos, de modo que,
por desgracia del destino, nos han sido sustraídas a la propia con-
templación. Además, cada obra de arte pertenece a su tiempo, a
su pueblo, a su entorno, y depende de especiales representaciones
y fines históricos y de otros tipos. Por eso, la erudición artística
exige también una gran riqueza de conocimientos históricos, mu-
chos de los cuales son muy especiales, pues la naturaleza indivi-
dual de la obra de arte se refiere a lo singular y requiere una espe-
cialización para su comprensión y esclarecimiento. Finalmente, esta
erudición no sólo exige, como cualquier otra, memoria para los
conocimientos, sino también una imaginación muy aguda, a fin de
retener las imágenes de las obras de arte en todos sus variados ras-
gos por sí solos y, sobre todo, para su comparación con otras obras
de arte.
b) De esta consideración primariamente histórica se despren- '
den diversos puntos de vista, que han de tenerse en cuenta al estu-
diar y enjuiciar la obra de arte. Lo mismo que en otras ciencias
donde se comienza por la experiencia, estos puntos de vista, en tan-
to son resaltados por sí mismos y sintetizados en su conjunto,
constituyen criterios y enunciados generales y, por una mayor ge-
neralización formal, las teorías de las artes. No es éste el lugar de
aducir la bibliografía de ese tipo; por ello será suficiente que de
manera muy sumaria recordemos algunos escritos. Así, por ejem-
plo, la Poética de Aristóteles, cuya teoría de la tragedia todavía
ofrece interés en la actualidad; y, entre los antiguos, el Ars poética
de Horacio y el escrito de Longino sobre lo sublime pueden ofre-
cernos más en concreto una idea general acerca de la manera en
que se desarrollaron tales teorías. Los rasgos universales abstraídos
debían servir como prescripciones y reglas por las que debían pro-
ducirse obras de arte, sobre todo en épocas de deterioro de la poe-

16
sía y del arte. Sin embargo, las recetas que estos médicos del arte
daban para la curación de las artes, eran menos seguras todavía
que las recetas de los médicos para la recuperación de la salud.
Sobre teorías de este tipo quiero decir solamente que, aun cuan-
do en ciertos puntos particulares contienen ideas muy instructivas,
no obstante, sus observaciones son abstraídas de un círculo muy
limitado de obras de arte, las cuales eran tenidas precisamente
por las auténticamente bellas, pero, en verdad, constituían un sec-
tor limitado del ámbito total del arte. Por otra parte, tales nocio-
nes en parte son reflexiones muy triviales, que en su universalidad
no progresan hacia ninguna constatación de lo particular, lo cual
es aquello de lo que principalmente se trata. Así, la citada epístola
de Horacio es un caso típico de todo esto, y, por eso, es un libro
accesible a todo el mundo, pero que, por ello mismo, contiene mu-
chas cosas que no dicen nada: «omne tutit punctum», etc., e igual-
mente muchas doctrinas parenéticas —«quédate en tu tierra y ali-
méntate honradamente»—, que en su generalidad son sin duda
acertadas, pero carecen de aquella determinación concreta que se
requiere para la acción. Por lo demás, no había ningún interés es-
pecial por el fin explícito de producir directamente auténticas
obras de arte, sino que en tales teorías predominaba la intención
de cultivar el juicio artístico y, sobre todo, la de formar el gusto.
Bajo este aspecto, Elements o f criticism de Home2 (1762), los es-
critos de Bateaux* y Einleitung in die schonen Wissenschaften
(4 t, 1756-58) de Ramler4 fueron obras muy leídas en su tiempo. En
ese contexto, el gusto se refiere a la disposición y la manera de
tratar los asuntos, a lo oportuno y esmerado en lo relativo a la
aparición exterior de una obra de arte. Se añadían también a los
principios del gusto opiniones de la psicología del tiempo, con ob-
servaciones empíricas sobre las facultades y actividades del alma,
sobre las pasiones y su probable incremento, sobre sus consecuen-
cias, etc. Ahora bien, sucede en todo tiempo que cada hombre juzga
las obras de arte o los caracteres, las acciones y los hechos según
la medida de su comprensión y de su ánimo. Y, puesto que la for-
mación del gusto se refería solamente a lo exterior y mezquino,
y, además, los preceptos de los tratadistas procedían de un círculo
estrecho de obras de arte y de una formación limitada del enten-
dimiento y del ánimo, lo que aquellos hombres alcanzaban era in-
suficiente para aprehender lo interno y verdadero, y para agudizar
la mirada en orden a la captación de lo mismo.
En general, tales teorías proceden en la misma forma que las
demás ciencias no filosóficas. El contenido que ellas someten a su
consideración es tomado de nuestra representación como si fuera
2. Henry HOME (1696-1782). filósofo escocés.
3. Charles BATTBAUX (1713-1780), tratadista francés de estética.
4. Karl Wilhelm RAMLER (1725-1798), la obra mencionada es la traducción de
Cours de belles-tettres, ou principies de la Uttéraíure, de BATTEAUX, 5 tomos, París,
1747-1750.

17
algo dado (existente). Pero si se sigue preguntando por la índole
de esta representación, lo cual no puede menos de ser así, pues se
abre la necesidad de determinaciones más concretas, entonces éstas
surgen asimismo de nuestra representación, a partir de la cual se
traducen a definiciones. Y con ello nos encontramos inmediatamen-
te en un terreno inseguro, sometido a disputa. A primera vista po-
dría parecer que lo bello es una representación totalmente sencilla.
Sin embargo, pronto se pone de manifiesto que en ella se muestran
múltiples aspectos, de modo que hay quienes resaltan éste y quie-
nes el otro aspecto. E incluso en el caso de que se tome en consi-
deración el mismo punto de vista, surge una lucha en torno a la
cuestión de cuál es el aspecto que debe considerarse como el esen-
cial.
Quien tenga conciencia de ese problema, para escribir un tra-
tado científico en forma completa se sentirá obligado a mencionar
y criticar las diversas definiciones acerca de lo bello. No es nues-
tro propósito ni ofrecer una visión históricamente completa, para
conocer las múltiples sutilezas de las definiciones, ni dejarnos guiar
prioritariamente por el interés histórico. Destacaremos solamente,
a guisa de ejemplo, algunos de los enfoques modernos más intere-
santes, los cuales apuntan con mayor propiedad hacia aquello en
lo que radica la idea de lo bello. Para este fin hemos de recordar
con preferencia la definición que Goethe da de lo bello, la cual está
incluida en la Historia de las artes plás'ticas en Grecia de Meyer.5
Y hemos de advertir que Meyer también expone aquí ideas de Hirt,
aunque sin citarlo.
Hirt,6 uno de los grandes y auténticos conocedores del arte en
nuestro tiempo, en su artículo sobre la belleza artística (Die Ho-
ren, 1797, Stück 7), después de hablar de lo bello en las diversas
artes, como conclusión dice sintéticamente que la base para un
buen enjuiciamiento de la belleza artística y para la formación del
gusto es el concepto de lo característico. Él entiende lo bello como '
«lo perfecto, que puede ser o es un objeto de la vista, del oído, o
de la imaginación». Y sigue definiendo lo perfecto como lo que
«corresponde al fin, a lo que la naturaleza o el arte se propone en
la formación del objeto —en su género y especie—; por lo cual no-
sotros, para formar nuestro gusto acerca de lo bello, hemos de di-
rigir nuestra atención tanto como sea posible a las notas indivi-
duales que constituyen una esencia. Pues precisamente estas notas
constituyen lo característico de la misma. Por «carácter» como ley
del arte entiende Hirt «aquella individualidad determinada por la
que se distinguen las formas, el movimiento y los gestos, la fisono-
mía y la expresión, el color local, la luz y las sombras, el claroscu-
ro y la actitud, y todo esto en la forma exigida por el objeto pre-

5. Johann Heinrich MEYER, Geschichte der bildenden Künste bei den Griechen
(continuada por Fr. W. RIEMER), 3 tomos, Dresden, 1824-1836.
6. Aloys HIRT (1759-1839), «Kunstwissenschaftler».

18
 viamente pensado». Esta definición es ya más significativa que mu-
chas otras. Si seguimos preguntando qué es lo característico, en
primer lugar hemos de decir que esto incluye un contenido, por
ejemplo, una determinada sensación, situación, o acción, un deter-
minado suceso, o individuo. Y, en segundo lugar, implica la forma
en que es representado el contenido. A esta forma de la represen-
tación se refiere la ley artística de lo característico, la cual exige
que todo lo particular en la manera de expresión sirva a una deter-
minada designación de su contenido y sea un miembro en la expre-
sión del mismo. La determinación abstracta de lo característico
se refiere, por tanto, a la finalidad, por relación con la cual la obra
de arte resalta realmente el contenido que ha de representar. Vea-
mos una aclaración muy sencilla de este pensamiento y las limi-
taciones inherentes a él.
En el campo dramático, por ejemplo, una acción constituye el
contenido; el drama ha de representar cómo acontece esta acción.
Pero los nombres hacen muchas cosas. Hablan, de tanto en tanto
comen, duermen, se visten, comentan esto o lo otro, etc. Ahora
bien, de todo ello, lo que no está en relación inmediata con tal ac-
ción determinada, como el contenido auténtico, tiene que quedar
excluido, a fin de que nada carezca de significación en relación
con él. Igualmente, en un cuadro que representa tan sólo un mo-
mento de dicha acción, pueden estar recogidos muchos detalles de
la amplísima ramificación del mundo exterior, así, por ejemplo,
determinadas circunstancias, personas, posiciones y otros hechos
que en ese instante no guardan ninguna relación con la acción de-
terminada y no son útiles para el carácter distintivo de la misma.
Ahora bien, según la regla de lo característico, sólo debe entrar en
la obra de arte lo que pertenece en esencia a la aparición y expre-
sión de este contenido precisamente, pues no ha de haber en ella
nada de ocioso y superfluo.
Tenemos aquí una definición importante, que puede justificarse
bajo cierto aspecto. Sin embargo, Meyer, en la obra mencionada,
cree que esta opinión ha pasado sin dejar huellas y, a su juicio,
para bien del arte, pues esa concepción habría conducido proba-
blemente a lo caricaturesco. Para comenzar, el juicio de Meyer
contiene la falsa representación de que en la determinación de lo
bello se trata de dirigir. La filosofía del arte no se esfuerza por dar
preceptos a los artistas, sino que debe constatar qué es lo bello en
general y cómo esto se ha mostrado en lo dado, en las obras de
arte, sin pretender dar tales reglas. Y, por lo que se refiere a la
crítica mencionada, es cierto que la definición de Hirt abarca tam-
bién lo caricaturesco, pues también la caricatura puede ser carac-
terística; pero a la vez hemos de oponerle que en la caricatura un
determinado carácter es acentuado hasta la exageración y, en con-
secuencia, es una sobreabundancia de lo característico. Pero la so-
breabundancia ya no es lo auténticamente exigible para lo caracte-
rístico, sino que constituye una repetición molesta, con lo cual lo

19
característico puede quedar desnaturalizado. Además, lo caricatu-
resco aparece como la característica de lo feo, que por su parte
desfigura. Lo feo se refiere más en concreto al contenido, de modo
que puede decirse que con el principio de lo característico se acep-
ta también lo feo y su representación en la definición fundamental.
De todos modos, acerca de lo que debe y no debe caracterizarse en
la belleza artística, acerca del contenido de lo bello no da ninguna
información más precisa la definición de Hirt, sino que indica so-
lamente una nota formal, la cual, sin embargo, contiene en sí algo
verdadero, aunque en forma abstracta.
La otra pregunta es: ¿Qué opone Meyer al principio artístico
de Hirt?, ¿cuál es su aspecto preferido? Ante todo, él trata solamen-
te del principio artístico en las obras de la Antigüedad. Y ese prin-
cipio ha de contener la definición de lo bello en general. Con esta
ocasión habla de la noción de ideal en Mengs7 y en Winckelmann,
y dice que no puede aceptar enteramente ni rechazar esta ley de
la belleza, mientras que, por el contrario, no tiene ningún reparo
en adherirse a la opinión de un inspirado crítico de arte (Goethe),
la cual para Meyer es decisiva y parece resolver el enigma con
mayor precisión. Goethe dice: «El principio supremo de los anti-
guos era lo significativo, y el resultado supremo de una manera
feliz de tratarlo fue lo bello.» Si miramos más de cerca lo que late
en esa sentencia, de nuevo encontramos en ella dos cosas: el conte-
nido, la cosa, y la forma y manera de la representación. En una
obra de arte empezamos por lo que se nos presenta inmediata-
mente, y sólo entonces preguntamos cuál es allí la significación o
el contenido. Lo externo no tiene una validez inmediata para noso-
tros, sino que suponemos por detrás un interior, una significación,
gracias a la cual queda espiritualizada la manifestación exterior.
Hacia esta alma apunta lo exterior. Pues una manifestación que
significa algo, no se representa a sí misma y lo que ella es como
exterior, sino que representa otra cosa; así, por ejemplo, el sím-
bolo, y más claramente todavía la fábula, cuya moral y doctrina
constituye la significación. E incluso, cada palabra indica ya una
significación y no tiene validez por sí misma. Igualmente, el ojo
humano, la faz, la carne, la piel, la figura entera hacen que por su
mediación aparezca el espíritu, el alma; y aquí la significación es
siempre algo más que lo que se muestra en la aparición inmediata.
De manera parecida la obra de arte debe ser significativa, y no ha
de agotarse con estas o tales líneas, curvas, superficies, oqueda-
des, perforaciones de la piedra, con tales o cuales colores, tonos,
sonidos verbales, o con las peculiaridades de cualquier material
utilizado; sino que ha de desarrollar una vida interior, una sensa-
ción, un alma, un contenido y espíritu, que nosotros llamamos sig-
nificación de la obra de arte.
Sin embargo, con esa significación que exigimos en la obra de

7. Antón Raphael MENGS (1728-1779), pintor y teórico del arte.

20
arte no hemos dicho mucho de nuevo o diferente en comparación
con el principio de lo característico en Hirt.
Según la concepción que hemos esbozado, tenemos, pues, que
los elementos de lo bello son un interior, un contenido, y un exte-
rior, en el cual queda significado el contenido. Lo interior aparece
en lo exterior y se da a conocer a través de ello, por cuanto lo ex-
terior aleja de sí y señala hacia lo interior. No podemos entrar en
detalles más concretos.
c) Las maneras anteriores de este teoretizar, así como las co-
rrelativas reglas prácticas, han sido marginadas violentamente en
Alemania. Se debe esto a que ha pasado a primer plano una poesía
verdaderamente viva. Han sido esgrimidos los derechos del genio,
las obras del mismo y sus efectos frente a las pretensiones de tales
leyes y a los anchos torrentes de agua de las teorías. Desde esta
base de un arte auténticamente espiritual en sí mismo, desde la
capacidad de sentirlo y compenetrarse con él, ha brotado la recep-
tividad y libertad para disfrutar y reconocer también las grandes
obras de arte del mundo moderno, existentes desde hace mucho
tiempo, así como las de la Edad Media e incluso las de pueblos ex-
traños de la Antigüedad (p. ej., las de la India). Muchas de esas
obras, por su antigüedad o por pertenecer a una nación lejana, no
dejan de tener para nosotros algo de extraño. Sin embargo, hay en
ellas un contenido que supera la extrañeza y es común a todos los
hombres. Fue solamente el prejuicio de los teóricos el que marcó
tales obras como producciones de un gusto bárbaro y malo. En
general, este reconocimiento de obras de arte que se hallan fuera
del círculo de aquellas que preferentemente estaban como base en
las abstracciones de las teorías, ha traído consigo en primer lugar
la aprobación de un tipo peculiar de arte: el arte romántico. En
consecuencia, se ha hecho necesario entender el concepto y la na-
turaleza de lo bello con mayor profundidad que en las teorías a
las que hemos aludido. A ello ha ido unido el hecho de que el con-
cepto por sí mismo, el espíritu pensante, ha llegado a un nivel
más profundo del propio conocimiento en sí y en la filosofía, con
lo cual se ha visto inducido a estudiar también la esencia del arte
en una forma más profunda. Por causa de esta evolución general,
aquella manera de reflexionar sobre el arte, aquel teoretizar, ha
quedado anticuado tanto en sus principios como en su desarrollo.
Sólo la erudición de la historia del arte ha conservado su valor
permanente, y habrá de conservarlo tanto más, cuanto, por razón
del mencionado progreso de la receptividad espiritual, se ha ensan-
chado por todas partes su perspectiva. Su negocio y profesión está
en la valoración estética de las obras de arte individuales, y en el
conocimiento de las circunstancias históricas externas que condi-
cionan la obra de arte. Sólo esa valoración, hecha con sensibilidad
y espíritu, y apoyada por conocimientos históricos, permite pe-
netrar en la individualidad total de una obra de arte. Así, por
ejemplo, Goethe ha escrito mucho sobre arte y obras de arte. Esta

21
 forma de consideración no tiene por objeto el auténtico teoretizar,
si bien muchas veces entra en el terreno de principios y categorías
abstractos, e inconscientemente puede incurrir en ello. Sin embar-
go, si no se deja entorpecer en su camino por esas derivaciones,
sino que se centra en las representaciones concretas, proporciona
para la filosofía del arte documentos y confirmaciones intuitivos,
un material histórico concreto que no es el cometido propio de la
filosofía.
Ésta es la primera forma de consideración del arte, que parte
de lo particular y existente.
2. Se distingue esencialmente de ella la parte opuesta, a saber,
la reflexión totalmente teórica, que se esfuerza por conocer lo be-
llo como tal desde sí mismo y por fundamentar su idea
Es conocido que Platón inició una profundización del estudio
filosófico, exigiendo que éste considerara los objetos no en su par-
ticularidad, sino en su universalidad, en su especie, en su ser y
para sí. Él afirmó, en efecto, que lo verdadero no son las acciones
buenas, las opiniones verdaderas, los bellos hombres u obras de
arte en su condición singular, sino que es lo bueno mismo, lo bello
mismo, lo verdadero mismo. Pero si de hecho ha de ser conocido
lo bello según su esencia y concepto, esto sólo puede acontecer me-
diante el concepto pensante, a través del cual penetra en la con-
ciencia pensante la naturaleza lógico-metafísica de la idea en ge-
neral, así como de la idea especial de lo bello. Sin embargo, esta
consideración de lo bello por sí mismo en su idea puede conver-
tirse a su vez en una metafísica abstracta. Y, aunque tomemos a
Platón como base y guía, no obstante, nos resulta insuficiente la
abstracción platónica, incluso para la idea lógica de lo bello. Te-
nemos que esforzarnos por una comprensión más profunda y con-
creta de ésta, pues la falta de contenido que va inherente a la idea
platónica ya no resulta satisfactoria para las exigencias filosóficas
más amplias del espíritu de nuestro siglo. Es incuestionable que
en la filosofía del arte también nosotros tenemos que partir de
la idea de lo bello, pero no podemos aferramos solamente a la
forma inicial de las ideas platónicas en el tema de la filosofía de
lo bello.
3. Con el fin de anticipar transitoriamente la verdadera natu-
raleza de lo bello, digamos que su concepto debe contener en sí
como mediados los dos extremos indicados, uniendo la universali-
dad metafísica con la determinación de la particularidad real. Sólo
entonces el concepto de lo bello es aprehendido en y para sí en su
verdad. Pues, por una parte, es fértil por sí mismo, frente a la es-
terilidad de la reflexión unilateral, puesto que en virtud de su pro-
pio concepto ha de desarrollarse hacia una totalidad de determi-
naciones, y tanto él como su despliegue contienen la necesidad de
sus momentos particulares y del progreso y transición entre éstos.
Y, por otra parte, los momentos particulares, hacia los cuales se
progresa, llevan en sí la universalidad y esencia del concepto, que

22
aparece en ellos como en sus propias particularidades. Los enfo-
ques tratados hasta ahora carecen de estas dos cosas y, por ello,
sólo el indicado concepto pleno conduce a los principios substan-
ciales, necesarios y totales.

III. CONCEPTO DE LO BELLO ARTÍSTICO

Hechas las observaciones anteriores, queremos acercarnos más
al auténtico objeto, a la filosofía del arte bello. Y en tanto inicia-
mos el tratado científico del mismo, hemos de comenzar por su
concepto. Una vez hayamos fijado este concepto, podremos exponer
la división y con ello el plan total del tratado. En efecto, una divi-
sión, si no ha de hacerse en forma meramente extrínseca, como
sucede fuera de la filosofía, debe encontrar su principio en el con-
cepto mismo del objeto.
Pero, en tal caso, tenemos que preguntarnos inmediatamente:
¿De dónde tomaremos este concepto? Si comenzamos con el con-
cepto de lo bello artístico mismo, éste se convierte inmediatamen-
te en un presupuesto, en una mera suposición. Ahora bien, el mé-
todo filosófico no admite meras suposiciones, pues, lo que ha de
valer para él debe ser demostrado en su verdad, es decir, mostrar-
se como necesario.
Expliquemos con brevedad esta dificultad, que afecta a la intro-
ducción a toda disciplina filosófica considerada autónomamente
por sí misma.
En el objeto de toda ciencia ante todo deben considerarse dos
cosas: en primer lugar, que tal objeto existe, y en segundo lugar
lo que él es.
Sobre el primer punto apenas se alza ninguna dificultad en
las ciencias usuales. Es más, podría parecer ridículo si alguien exi-
giera que la astronomía y la física demuestren la existencia del
sol, de los astros, de los fenómenos magnéticos, etc. En estas cien-
cias, que versan sobre lo dado sensiblemente, los objetos son toma-
dos de la experiencia exterior, y, en lugar de demostrarlos, se con-
sidera que es suficiente mostrarlos. Pero ya en las disciplinas no
filosóficas pueden presentarse dudas sobre la existencia de sus ob-
jetos; por ejemplo, en la psicología o doctrina del espíritu puede
presentarse la duda de si existe un alma o un espíritu, es decir,
algo subjetivo subsistente por sí mismo y distinto de lo material,
o en la teología puede cuestionarse si existe un Dios. Además, si
los objetos son de tipo subjetivo, es decir, si sólo están dados en
el espíritu y no como objetos de los sentidos exteriores, sabemos,
por otra parte, que en el espíritu sólo se da lo que él ha producido
por su propia actividad. Con ello entra en juego inmediatamente
la contingencia de si los hombres han producido o no en sí mis-
mos esta representación o intuición interior. Y si es el caso lo pri-
mero, nos hallamos ante la eventualidad de que tal representación
haya desaparecido de nuevo, o ante la hipótesis de que sea una
mera representación subjetiva, cuyo contenido no tiene ningún ser
en y para sí. Por ejemplo, con frecuencia lo bello ha sido conside-
rado como algo que no aparece con necesidad en la representación
según su condición de «en y para sí», sino que tan sólo se encarna
en ella como un mero agrado subjetivo, como un sentido mera-
mente casual. Ya nuestras intuiciones, observaciones y percepcio-
nes exteriores son frecuentemente engañosas y erróneas, pero lo
son mucho más las representaciones interiores, aun cuando estén
dotadas de la mayor viveza y nos arrastren irremisiblemente a la
pasión.
Esa duda, la de si existe o no un objeto de la representación e
intuición interior, y esa contingencia, la de si la conciencia subje-
tiva lo engendra en sí misma, junto con la cuestión de si la forma
de ponerlo ante sí corresponde también a su objeto según su ser
en y para sí, despierta en el hombre la máxima de las necesidades
científicas. Esa exigencia suprema pide que, aun cuando nos pa-
rezca que existe o se da un objeto, éste sea demostrado o mostrado
según su necesidad.
Con tal demostración, si en verdad se lleva a cabo científica-
mente, también se habrá dado satisfacción a la otra pregunta, a
la que indaga lo que es un objeto. Pero el despliegue de este tema
nos conduciría ahora demasiado lejos; por ello insinuaremos tan
sólo lo siguiente.
Si ha de demostrarse la necesidad de nuestro objeto, de lo bello
artístico, habrá que demostrar que el arte o lo bello es un resul-
tado de algo precedente, lo cual, considerado según su verdadero
concepto, conduce con necesidad científica al concepto del arte be-
llo. Ahora bien, en tanto empezamos por el arte y queremos tratar
el concepto y la realidad del mismo en su esencia, pero no lo que
le precede en virtud de su propio concepto, en consecuencia, el
arte, como especial objeto científico, tiene para nosotros un pre-
supuesto que cae fuera de nuestra consideración y que, tratado
científicamente como otro objeto peculiar, pertenece a una discipli-
na filosófica diferente. Así, pues, no queda otro camino que el de
asumir el concepto de arte a manera de lema, por así decirlo, cosa
que se hace de hecho en todas las ciencias filosóficas particulares
cuando se tratan por separado. Pues solamente la filosofía en su
conjunto es el conocimiento del universo como una totalidad orgá-
nica en sí mismo, la cual se desarrolla desde su propio concepto
y, a través de una necesidad que se comporta consigo misma, vuel-
ve al todo en sí, se cierra en conjunción consigo como un mundo
de la verdad. En la coronación de esta necesidad científica, cada
parte individual, por un lado, es un círculo que vuelve hacia sí,
y, por otro lado, guarda una relación necesaria con otros ámbitos;
tiene un detrás de donde se deriva y un delante hacia donde sigue
avanzando, por cuanto engendra fértilmente otra cosa desde sí y

24
hace que ésta brote para el conocimiento científico. Comenzamos,
pues, por la idea de lo bello. Pero no es nuestra meta actual de-
mostrarla, es decir, demostrarla en su necesidad desde los presu-
puestos que preceden a la ciencia, de cuyo seno nace dicha idea.
Eso es más bien asunto de un desarrollo filosófico de la filosofía
entera en sus disciplinas especiales. Para nosotros el concepto de
lo bello y del arte es un presupuesto dado por el sistema de la filo-
sofía. Mas como no podemos tratar aquí este sistema y la conexión
del arte con el mismo, no tenemos todavía ante nosotros el con-
cepto de lo bello en forma científica. Lo que está dado para noso-
tros son solamente sus elementos y aspectos, tal como éstos se en-
cuentran en las diversas representaciones de lo bello y del arte
que posee ya la conciencia usual, o que fueron formuladas con an-
terioridad. Sólo a partir de aquí pasaremos a estudiar más a fondo
tales puntos de vista. La ventaja de nuestra manera de proceder
está en que primeramente logramos una representación general
de nuestro objeto y, a través de una breve crítica, nos familiariza-
mos previamente con los conceptos más elevados de los que nos
ocuparemos luego. De esta manera, nuestra última consideración
introductoria será como un toque de campanas que llama a la os-
tensión de la cosa misma. Y su fin es obtener una concentración
general en el auténtico objeto y mostrar la dirección hacia él.

REPRESENTACIONES USUALES DEL ARTE

Puede presumirse que conocemos la representación usual de la

obra de arte, la cual implica las tres notas siguientes:
1. La obra de arte no es un producto de la naturaleza, sino que
ha nacido por la actividad humana.
2. Ha sido hecha esencialmente para el hombre y, más en con-
creto, para el sentido del hombre, por cuanto en mayor o menor
grado ha sido sacada de lo sensible.
3. Tiene un fin en sí misma.

1. La obra de arte como producto de ta actividad humana

El primer punto, o sea, la afirmación de que la obra de arte es
un producto de la actividad humana, ha originado:
a) La idea de que esta actividad, como producción consciente
de algo exterior, puede saberse e indicar también, de modo que
otros pueden aprenderla y seguirla. Quizá parezca, en efecto, que
lo que uno hace puede hacerlo o imitarlo también el otro, con tal
que conozca el tipo de procedimiento. De acuerdo con ello se su-
pone que, teniendo un conocimiento general de las reglas de pro-

25
ducción artística, cualquiera puede proponerse la ejecución de lo
mismo y la producción de obras de arte. De esta manera han sur-
gido las teorías indicadoras de reglas y preceptos para la ejecución
práctica, que hemos comentado anteriormente. Ahora bien, lo que
puede producirse siguiendo tales indicaciones no pasa de ser algo
formalmente regular y mecánico. Pues solamente lo mecánico es
de tipo tan externo que, para recibirlo en la representación y po-
nerlo en obra, basta con una actividad volitiva y una habilidad
enteramente vacías, las cuales no son en sí nada concreto, ya que
lo concreto no puede prescribirse mediante reglas generales. Y esto
se hace tanto más patente cuando tales prescripciones no se limi-
tan a lo meramente exterior y mecánico, sino que se extienden a
una actividad artística llena de contenido espiritual. En ese campo
las reglas contienen tan sólo generalidades indeterminadas, por
ejemplo, que el tema debe ser interesante, que es necesario poner
en boca de cada uno las palabras que corresponden a su rango,
edad, sexo, situación. Si aquí hubieran de bastar las reglas, sus
preceptos habrían de ser tan determinados que, por el mero tenor
de su redacción, pudieran ejecutarse sin propia actividad espiri-
tual. Sin embargo, tales reglas, siendo abstractas en su contenido,
se muestran inconsistentes en su pretensión de llenar la concien-
cia del artista. En efecto, la producción artística no es mera acti-
vidad formal según preceptos dados, sino que, como actividad espi-
ritual, es un trabajar desde sí por la conquista de contenidos con
riquezas desconocidas, para poner ante la contemplación espiritual
figuras individualizadas. En ciertos casos esas reglas, en tanto con-
tienen de hecho algo determinado y, por tanto, prácticamente uti-
lizable, pueden ofrecer ciertas orientaciones para detalles muy ac-
cesorios.
b) Por todo ello es comprensible que esa dirección haya sido
abandonada, si bien para caer en lo contrario. En efecto, la obra
de arte ha dejado de considerarse como producto de una actividad
humana general, y ha pasado a ser la obra de un espíritu singular-
mente dotado. Se cree ahora que basta con que el artista dé a
luz su singularidad, que es como una fuerza específica de la natu-
raleza, absteniéndose de mirar a leyes universalmente válidas y
de la intromisión de una reflexión consciente en su producción ins-
tintiva, pues esa conciencia no haría sino mancillar y corromper
sus producciones. En este sentido la obra de arte ha sido conside-
rada como producto del talento y del genio, y se ha resaltado la
vertiente natural que llevan en sí el talento y el genio. En parte,
con razón. Pues el talento es capacidad específica y el genio capa-
cidad general, que el hombre no tiene poder de otorgarse solamen-
te mediante su propia actividad consciente. De esto hablaremos
luego con mayor detención.
Hemos de resaltar un aspecto falso en esta concepción, a saber,
la idea de que en la producción artística la conciencia de la propia
actividad no sólo es superflua, sino también nociva. Entonces la

26
producción del talento y del genio aparece solamente como un es-
tado y, más en concreto, como un estado de entusiasmo. La pre-
sencia de tal estado en el genio se explica, en parte, por un ob-
jeto y, en parte, por su propia voluntad, sin olvidar el buen servi-
cio de una botella de champaña. En Alemania se difundió esta
opinión durante lo que se ha llamado período del genio, inaugura-
do con la primera producción poética de Goethe y reforzado luego
con la de Schiller. Estos poetas, en sus primeras obras, acabaron
con todas las reglas fabricadas hasta entonces, empezando desde
la nada. Así actuaron conscientemente contra aquellas reglas que
ellos dominaban mejor que los demás. Sin embargo, no quiero
entrar más de cerca en las confusiones que dominaron y siguen
dominando acerca del concepto de entusiasmo y genio, y acerca de
lo que puede el genio. Hemos de constatar como aspecto esencial
que, si bien el talento y el genio del artista implican un factor na-
tural, no obstante, requieren ineludiblemente la formación median-
te el pensamiento, la reflexión sobre la manera de su propia pro-
ducción, así como ejercitación y habilidad en el producir. Pues,
en cualquier caso, un aspecto principal de esta producción es un
trabajo exterior, por cuanto la obra de arte lleva consigo una di-
mensión puramente técnica, que se extiende hasta lo manual, don-
de más en la arquitectura y la escultura, menos en la pintura y
la música, y donde menos en la poesía. La habilidad en ese sentido
no se consigue por ningún entusiasmo, sino por la reflexión, la
laboriosidad y la ejercitación. Y el artista necesita esa habilidad
para manejar el material externo y no verse impedido por su re-
sistencia.
Ahora bien, cuanto más elevado se halla el artista, tanto más a
fondo tiene que representar las profundidades del ánimo y del
espíritu, las cuales no son conocidas inmediatamente, sino que sólo
pueden escrutarse por el hecho de que el propio espíritu se dirige
al mundo interior y al exterior. Y así es de nuevo el estudio el
medio por el que el artista lleva este contenido a su conciencia y
logra la materia y el contenido de sus concepciones.
Hemos de reconocer que unas artes necesitan más que otras la
conciencia y el reconocimiento de tal contenido. La música, por
ejemplo, que sólo tiene que habérselas con el movimiento total-
mente indeterminado del interior del espíritu, por así decirlo, con
los tonos de la sensación sin pensamientos, necesita poca o nin-
guna materia espiritual en la conciencia. Por eso, el talento musi-
cal acostumbra a revelarse muy pronto en la juventud, cuando la
cabeza está aún vacía y se dan pocos movimientos del ánimo, pu-
diendo alcanzar alturas muy importantes antes de que el espíritu
y la vida hayan llegado a la experiencia de sí mismos. Y observa-
mos a su vez que, en muchos casos, es compatible una gran maes-
tría en la composición y ejecución musical con una notable falta
de espíritu y carácter. La cosa es distinta en la poesía. Ésta tiene
que ofrecer una representación del hombre rica en contenido y

27
pensamientos, ha de mostrar los intereses y poderes más profun-
dos que lo mueven. Por eso, en la poesía el espíritu y el ánimo
han de estar rica y profundamente formados por la vida, la expe-
riencia y la reflexión, antes de que el genio pueda producir algo
maduro, lleno de contenido y acabado en sí mismo. Los primeros
productos de Goethe y Schiller presentan una espantosa inmadu-
rez, rudeza y barbarie. Este fenómeno, o sea, el hecho de que en
la mayoría de tales intentos sobresale la masa de elementos pro-
saicos, en parte fríos y en parte triviales, es un argumento pri-
mordial contra la opinión usual de que el entusiasmo está ligado
al fuego y al tiempo juvenil. Tan sólo la madurez viril de estos dos
genios, acerca de los cuales podemos decir que por primera vez
ellos supieron dar obras poéticas a nuestra nación y que son nues-
tros poetas nacionales, nos ha regalado obras profundas, genuinas,
nacidas de un verdadero entusiasmo y elaboradas asimismo en la
forma, a la manera como fue el anciano Homero el que recibió la
inspiración de sus eternos e inmortales cantos y los sacó a la luz
del mundo.
c) Un tercer punto de vista en relación con la obra de arte
como producto de la actividad humana, se refiere a la posición de
la obra de arte en comparación con los fenómenos externos de la
naturaleza. La conciencia usual es propensa a la opinión de que
el producto artístico del hombre está a la zaga de los productos
naturales. Pues la obra de arte no tiene ningún sentimiento ni vida
auténtica en sí, sino que, considerada como objeto externo, está
muerta. Ahora bien, acostumbramos a tener en más lo vivo que
lo muerto. Hay que conceder, por supuesto, que la obra de arte no
posee movimiento ni vida en sí misma. Lo vivo por naturaleza es
una organización teleológica hacia dentro y hacia fuera, hasta en
sus partes más pequeñas, mientras que la obra de arte solamente
en su superficie alcanza la apariencia de vida; por dentro, en cam-
bio, es piedra, o madera, o lienzo común, lo mismo que en la poesía
es una representación que se manifiesta en palabras y sílabas. Pero
este aspecto de la existencia externa no es lo que convierte una
obra en un producto del arte bello. La obra de arte es tal por el
hecho de que ha brotado del espíritu y pertenece al suelo del mis-
mo, ha recibido el bautismo de lo espiritual y no representa sino
aquello que ha sido formado en consonancia con el espíritu. El in-
terés humano, o el valor espiritual, que tiene un hecho, o un ca-
rácter individual, o una acción en su trama y desenlace, queda
captado en la obra y resaltado con más pureza y transparencia
de lo que es posible en el suelo del resto de las realidades no ar-
tísticas. Con ello la obra de arte está más elevada que todo pro-
ducto natural, el cual no ha hecho esta transición a través del
espíritu. Así, por ejemplo, la sensación y visión desde las cuales
una pintura representa un paisaje asume, como obra del espíritu,
un rango más elevado que el mero paisaje natural. Pues todo lo
espiritual es mejor que cualquier engendro de la naturaleza. En

28
 todo caso, ningún ser natural representa ideales divinos como es
capaz de hacerlo el arte.
Bajo el aspecto de la existencia exterior, el espíritu sabe dar
una duración a lo que en las obras de arte saca de su propio inte-
rior. En cambio, la vida individual de la naturaleza es caduca, pa-
sajera y mutable en su aspecto, mientras que la obra de arte se
conserva, por más que el verdadero privilegio frente a la realidad
natural consista en el realce de la animación espiritual.
No obstante, esta posición superior de la obra de arte es impug-
nada por otra representación de la conciencia usual. La naturaleza
y sus productos, se dice, son una obra de Dios, han sido creados
por su bondad y sabiduría, mientras que el producto artístico es
solamente una obra humana, hecha por manos del hombre y se-
gún el conocimiento humano. En esta contraposición entre la pro-
ducción natural como una creación divina y la actividad humana
como meramente finita, late la idea errónea de que Dios no opera
en el hombre y por el hombre, sino que el círculo de esta actividad
se reduce a la naturaleza. Hemos de alejar enteramente esta opi-
nión falsa si queremos penetrar en el verdadero concepto del arte;
y, frente a ella, hay que afirmar por el contrario que Dios recibe
más honor de lo hecho por el espíritu que de los engendros y con-
figuraciones de la naturaleza. Pues no sólo hay algo de divino en el
hombre, sino que lo divino actúa en él de una manera totalmente
superior, más adecuada a la esencia de Dios que la acción de la
naturaleza. Dios es espíritu y solamente en el hombre tiene el me-
dio por el que pasa lo divino, a saber, la forma del espíritu cons-
ciente que se produce a sí mismo activamente. En la naturaleza, en
cambio, el medio es lo inconsciente, lo sensible y externo, que en
valor se halla muy por debajo de la conciencia. Cierto que en la
producción artística Dios opera tanto como en los fenómenos na-
turales. Pero lo divino, tal como se manifiesta en la obra de arte
como engendrada por el espíritu, ha logrado en ella un adecuado
punto de transición para su existencia, mientras que la existencia
en la sensibilidad inconsciente de la naturaleza no es una forma
de aparición adecuada a lo divino.
d) Si la obra de arte, como producto del espíritu, ha sido he-
cha por el hombre, hemos de preguntar, finalmente, para sacar un
resultado más profundo de lo que llevamos dicho, cuál es la ne-
cesidad que induce al hombre a producir obras de arte. Por una
parte, esta producción puede considerarse como mero juego de la
casualidad y de las ocurrencias, el cual tanto puede omitirse como
ejecutarse, pues hay otros y mejores medios para poner en obra lo
que pretende el arte, y, además, el hombre lleva en sí intereses
más elevados e importantes de lo que el arte es capaz de satisfacer.
Por otra parte, el arte parece brotar de una tendencia superior y
satisfacer necesidades más elevadas y, en tiempos, incluso la su-
prema y absoluta, por cuanto está ligado a las concepciones más
universales del mundo y a los intereses religiosos de épocas y pue-

29
blos enteros. No podemos responder aquí completamente a la pre-
gunta por la necesidad no casual, sino absoluta del arte, pues ella
es más concreta que la respuesta posible en este contexto. Por
eso, ahora hemos de conformarnos con las siguientes observa-
ciones.
La necesidad universal y absoluta de la que mana el arte (según
su aspecto formal) radica en que el hombre es una conciencia pen-
sante, o sea, él hace por sí mismo y para sí lo que él es y lo que
es en general. Las cosas naturales son tan sólo inmediatamente y
una vez. En cambio, el hombre, como espíritu, se duplica, por
cuanto en primer lugar es como las cosas de la naturaleza, pero
luego es también para sí, se intuye, se representa, piensa, y sólo
es espíritu a través de este activo ser para sí mismo. El hombre
logra esta conciencia de sí en una doble manera: en primer tugar,
teóricamente, en tanto él ha de hacer consciente en el interior lo
que se mueve en el pecho humano, lo que allí arde e impulsa, ha
de intuirse y representar lo que el pensamiento encuentra como
la esencia, tiene que darse forma fija y conocerse solamente a sí
mismo tanto en lo producido por él como en lo recibido de fuera.
En segundo lugar, el hombre se hace para sí mediante la actividad
práctica, por cuanto él tiene la tendencia a producirse y conocerse
en aquello que le es dado inmediatamente, en lo que existe para él
externamente. Lleva a cabo este fin mediante la transformación
de las cosas exteriores, en las que imprime el sello de su propio
interior, para encontrar de nuevo en ellas sus propias caracterís-
ticas. El hombre hace esto para, como sujeto libre, quitar también
al mundo exterior su áspera extrañeza y gozar en la forma de las
cosas exteriores solamente una realidad externa de sí mismo. Ya
la primera tendencia del niño lleva a este cambio práctico de
las cosas exteriores; el niño arroja piedras al torrente y admira los
círculos que se forman en el agua, como una obra en la que logra
la intuición de lo suyo propio. Esa necesidad pasa a través de los
fenómenos más multiformes, hasta llegar a la realización de sí
mismo en las cosas exteriores que se da en la obra de arte. Y no
sólo con el mundo exterior procede el hombre de esta manera, sino
también consigo mismo, con su propia forma natural, que él no
deja tal como la encuentra, sino que la cambia intencionadamente.
Ésta es la causa del atavío y adorno, aunque sólo sea bajo moda-
lidades bárbaras y faltas de gusto, desfiguradoras e incluso per-
niciosas, tal como es el caso en los pies de las mujeres chinas o
en los cortes de orejas o labios. Pues solamente en los formados
se produce por acción espiritual el cambio de la forma, de la con-
ducta y de todo tipo de manifestación.
La necesidad general del arte es, pues, lo racional, o sea, el he-
cho de que el hombre ha de elevar a la conciencia espiritual el
mundo interior y el exterior, como un objeto en el que él reconoce
su propia mismidad. El hombre satisface la necesidad de esta li-
bertad espiritual en cuanto, por una parte, hace interiormente para

30
sí mismo lo que él es, y a la vez realiza exteriormente ese ser
para sí. Con esto, mediante tal duplicación de sí mismo, lleva lo
que hay en él a la intuición y al conocimiento tanto para sí como
para los demás. Ésta es la racionalidad libre del hombre, en la
cual tiene su fundamento y su origen necesario el arte, lo mismo
que toda acción y saber. Sin embargo, veremos más tarde su ne-
cesidad específica, a diferencia de la restante acción política y
moral, de la representación religiosa y del conocimiento científico.

2. La obra de arte como sacada de lo sensible

para el sentido del hombre
Si hasta ahora hemos considerado en la obra de arte el aspec-
to de su producción por el hombre, en lo que viene tenemos que
pasar a la segunda determinación, al hecho de que ha sido produ-
cida para el sentido del hombre y, por tanto, ha sido tomada de lo
sensible en mayor o menor grado.
a) Esta reflexión ha originado la idea de que la obra de arte
está destinada a excitar la sensación y, más en concreto, la sen-
sación adecuada a nosotros, a saber, la agradable. Bajo este aspec-
to, la investigación del arte bello se ha convertido en una investi-
gación de las sensaciones. Así se ha planteado la pregunta por las
sensaciones que debe provocar el arte, por ejemplo, temor y com-
pasión. Y eso a su vez conduce a la pregunta de cómo puede ser
agradable y producir satisfacción la contemplación de una des-
gracia. Esta línea de reflexión abunda especialmente desde los
tiempos de Moisés Mendelssohn, y en sus escritos pueden encon-
trarse muchas consideraciones al respecto. Pero esa investigación
no condujo muy lejos, pues la sensación es la región indetermi-
nada y oscura del espíritu; lo que sentimos permanece encubierto
en la forma de la más abstracta subjetividad individual, y por eso
las diferencias de la sensación son totalmente abstractas, no son
diferencias de la cosa misma. Por ejemplo, el temor, la angustia,
la preocupación, el espanto son modificaciones de una misma ma-
nera de sentir, y se comportan, en parte, como aumentos cuanti-
tativos y, en parte, como formas que no afectan a su contenido
mismo, sino que se muestran indiferentes respecto de él. En el
temor, por ejemplo, se da una existencia por la que el sujeto tiene
interés, pero él ve a su vez cómo se acerca algo negativo que ame-
naza con destruir esta existencia, y así encuentra en sí ambas co-
sas inmediatamente, el interés y la negatividad mencionados como
afecciones contradictorias de su subjetividad. Pero tal temor por
sí mismo no implica todavía ningún contenido, sino que puede re-
cibir lo más diverso y opuesto. La afección como tal es una for-
ma vacía de la afección subjetiva. Es cierto que, por una parte,
esta forma puede ser múltiple en sí misma, como la esperanza, el

31
dolor, la alegría, el placer, y, por otra parte, en esta diferencia
puede haber contenidos diversos, como el sentimiento jurídico, el
sentimiento moral, el sublime sentimiento religioso, etc. Mas por
el hecho de que tal contenido se dé bajo formas diversas del senti-
miento, no aparece todavía su naturaleza esencial y determinada,
sino que permanece una mera afección subjetiva de mí mismo, en
la cual la cosa concreta desaparece como replegada en un círculo
más abstracto. Por eso, la investigación de las sensaciones que el
arte despierta o debe despertar permanece totalmente indetermi-
nada, y es una forma de considerar que abstrae precisamente del
contenido auténtico y de su esencia y concepto concretos. Pues la
reflexión sobre la sensación se conforma con la observación de
la afección subjetiva y de su particularidad, en lugar de hundirse
y profundizar en la cosa, en la obra de arte, dejando de lado la
mera subjetividad y sus estados. Ahora bien, en la sensación no
sólo se conserva esta subjetividad sin contenido, sino que ella es
lo principal, y por eso los hombres sienten tan a gusto. Mas, por
la misma razón, esa manera de considerar se hace aburrida por
su indeterminación y vaciedad, y repulsiva por la atención a las
pequeñas particularidades subjetivas.
b) Puesto que no es la obra de arte en general la que debe pro-
vocar sensaciones —ya que este fin sería común, sin diferencia es-
pecífica, con el de la elocuencia, de la historiografía, de la edifica-
ción religiosa, etc.—, sino la obra de arte en tanto es bella, en
consecuencia, la reflexión quiso buscar una sensación peculiar de
lo bello y un determinado sentido para lo mismo. Mas pronto se
puso de manifiesto que tal sentido no es un instinto ciego y fija-
mente determinado por la naturaleza, el cual distinga por sí mis-
mo lo bello. Por eso se exigió formación para este sentido, y el sen-
tido formado de la belleza se llamó gusto. Éste, aunque fuera un
comprender y hallar lo bello mediante la formación, debía perma-
necer en la forma de la sensación inmediata. Hemos indicado ya
cómo ciertas teorías abstractas se proponían formar el sentido del
gusto, y cómo éste permaneció externo y unilateral. En esa época,
por una parte, los principios generales eran deficientes, y, por otra
parte, la crítica especial de obras particulares de arte no tendía a
fundar un juicio determinado —pues no se daban todavía los me-
dios adecuados para ello—, sino a fomentar la formación del gusto
en general. De ahí que esa formación se quedara en lo indetermi-
nado y, mediante la reflexión, se esforzara solamente por dotar la
sensación como sentido de la belleza en forma tal que pudiera ha-
llarse inmediatamente lo bello, dondequiera que esto se encontra-
ra. Pero la profundidad de la cosa permaneció cerrada al gusto,
pues tal profundidad no sólo reclama el sentido y las reflexiones
abstractas, sino también la razón entera y la dignidad del espíri-
tu. El gusto, en cambio, estaba enfocado hacia la superficie ex-
terna, en torno a la cual juegan las sensaciones y donde los prin-
cipios que adquirían validez eran unilaterales. Por eso, el llamado

32
buen gusto teme ante todos los efectos más profundos y calla allí
donde habla la cosa y desaparecen los aspectos exteriores y acce-
sorios. Pues donde se abren los grandes movimientos y pasiones
de un alma profunda, ya no se trata de finas distinciones del gusto
y de pequeños detalles. El gusto siente que el genio arrebata más
allá de ese terreno y retrocede ante su poder, deja de sentirse se-
guro y no sabe qué hacer.
c) Por eso ha perdido vigencia la moda de atender solamente
a la formación del gusto en el estudio de las obras de arte. El lu-
gar del hombre o del crítico de gusto ha sido ocupado por el ex-
perto. Hemos dicho ya que es necesaria para la consideración del
arte la parte positiva del conocimiento del mismo, entendiendo por
tal un familiarizarse a fondo con todo el círculo de lo individual
en una obra de arte. Pues ésta, por su naturaleza material e indi-
vidual a la vez, surge esencialmente de condiciones especiales de
múltiples tipos, entre las cuales sobresalen el tiempo y el lugar
de su nacimiento, la individualidad determinada del artista y, so-
bre todo, el progreso técnico en el arte. Para una intuición y un
conocimiento a fondo y determinados, e incluso para el disfrute
de un producto artístico, es indispensable tener en cuenta todos
estos aspectos, de los cuales se ocupa principalmente el experto;
y lo que él hace a su manera ha de recibirse con gratitud. Tal
erudición puede considerarse legítimamente como algo esencial,
pero no puede tenerse por lo único y supremo de la relación que el
espíritu asume con las obras de arte y con el arte en general.
Pues el experto puede incurrir en el aspecto negativo de quedarse
en las dimensiones meramente exteriores, en lo técnico, histó-
rico, etc., percibiendo o sabiendo poco o nada de la verdadera
naturaleza de la obra de arte. Y puede incluso juzgar peyorativa-
mente los valores más profundos en comparación con los conoci-
mientos positivos, técnicos e históricos. No obstante, incluso en
tales casos, la pericia, si es auténtica, entra en determinados co-
nocimientos y razones y facilita un juicio razonado, con lo cual va
ligada también la distinción más exacta de los diversos aspectos
de una obra de arte, aunque en parte sean externos, así como la
valoración de la misma.
d) Después de estas observaciones sobre las maneras de con
siderar la obra de arte en tanto es un objeto sensible y guarda una
relación esencial con el hombre como sensible, vamos a considerar
ahora este aspecto en su relación esencial con el arte mismo. Abor-
daremos un doble punto: a ) en parte atendiendo a la obra de arte
como objeto; /?) y en parte atendiendo a la subjetividad del ar-
tista, a su genio, talento, etc., sin entrar ahora en aquello que,
bajo este aspecto, sólo puede brotar del conocimiento del arte en
su concepto general. Pues aquí todavía no nos encontramos verda-
deramente en un fundamento y suelo científico, sino que nos halla-
mos tan sólo en el ámbito de reflexiones externas.
a ) En todo caso la obra de arte se ofrece a la aprehensión sen-

33
sible. Está dispuesta para la percepción sensible, externa o inter-
na, para la intuición y representación sensible, lo mismo que la
naturaleza exterior que nos rodea, o que nuestra propia naturaleza
en su percepción interior. Pues también el habla, por ejemplo, pue-
de ser objeto de la representación y percepción sensible. No obs-
tante, la obra de arte no es solamente para la aprehensión sensi-
ble, como objeto sensible, sino que su posición es de tal tipo
que, como sensible, es a la vez esencial para el espíritu, ya que
éste ha de quedar afectado por ella y de alguna manera ha de en-
contrar satisfacción en ella.
Esa determinación de la obra de arte da información a la vez
sobre el hecho de que ella de ningún modo puede ser un pro-
ducto natural y en su parte natural no tiene que tener la vida de
la naturaleza. No entramos aquí en si un producto de la naturaleza
debe tenerse en menos o en más que una mera obra de arte, lo
cual acostumbra a manifestarse también como menosprecio de lo
uno a lo otro.
Lo sensible de la obra de arte sólo ha de tener existencia en
tanto está ahí para el espíritu del hombre, no en tanto ella como
sensible existe para sí misma.
Si ahora consideramos en qué manera lo sensible existe para
el hombre, nos encontramos con que lo sensible puede comportar-
se de diversas maneras con el espíritu.
a a ) La peor forma, la menos adecuada para el espíritu, es la
aprehensión meramente sensible. Consiste, ante todo, en el mero
ver, oír, palpar, etc., así en horas de distensión espiritual, y para
algunos en todo momento, puede ser una distracción ir de aquí
para allá sin pensar nada, para oír aquí y mirar allá, etc. El es-
píritu no se queda en la mera aprehensión de las cosas exteriores
mediante la mirada y el oído, él las hace para su interior, que pri-
meramente está impulsado a realizarse en las cosas bajo la forma
de la sensibilidad y se comporta con ellas como apetito. En esta
relación apetitiva con el mundo exterior el hombre se encuentra
como singular sensible frente a las cosas como singulares igual-
mente. No se dirige a ellas como pensante, con determinaciones
universales, sino que se comporta según tendencias e intereses
particulares con los objetos particulares y se conserva en ellos, por
cuanto los usa, los consume, y por su inmolación pone en obra su
propia satisfacción. En esa relación negativa el apetito exige para
sí no sólo la apariencia superficial de las cosas exteriores, sino las
cosas mismas en su concreta existencia sensible. El apetito no que-
daría servido con meras pinturas de madera, materia que él qui-
siera utilizar, o de animales, que él quisiera consumir. Igualmente,
el apetito no puede dejar que el objeto subsista en su libertad,
pues él tiende a suprimir esta autonomía y libertad de las cosas
exteriores, a fin de mostrar que ellas están ahí solamente para ser
destruidas y consumidas. Y a la vez el sujeto, como cautivo de los
limitados y aniquilantes intereses particulares de sus apetitos, ni

34,
es libre en sí mismo, pues no se determina por la universalidad y
racionalidad esencial de su voluntad, ni es libre de cara al mundo
exterior, pues el apetito permanece determinado esencialmente por
las cosas y referido a ellas.
El hombre no se comporta con la obra de arte mediante una
relación de apetito. Él deja que la obra exista libremente para sí
misma como objeto, y se refiere a ella sin apetito, como a un ob-
jeto que sólo existe para la vertiente teorética del espíritu. Por
eso la obra de arte, aunque tiene existencia sensible, bajo este as-
pecto no requiere una existencia sensible y concreta, ni una vida
natural, es más, no puede quedarse en este terreno, por cuanto ha
de satisfacer solamente intereses espirituales y ha de excluir de
sí todo apetito. Por eso, evidentemente, el apetito práctico tiene en
más las cosas particulares de la naturaleza orgánica e inorgánica,
las cuales pueden servirle, que las obras de arte, las cuales no ofre-
cen utilidad para su servicio y sólo son objeto de disfrute para
otras formas del espíritu.
/3)8) Frente a la intuición singular sensible y al apetito prácti-
co, una segunda manera en que lo dado exteriormente puede ser
para el espíritu es la relación puramente teórica con la inteligen-
cia. La consideración teórica de las cosas no tiene el interés de
consumirlas en su singularidad y de satisfacerse sensiblemente y
conservarse por su mediación, sino el de conocerlas en su univer-
salidad, el de encontrar su esencia y ley interior y comprenderlas
según su concepto. Por eso el interés teórico hace que las cosas
particulares queden en libertad y se aleja de ellas en su dimensión
singular sensible, pues no es esta singularidad sensible lo que bus-
ca la consideración de la inteligencia. Pues la inteligencia racional
no pertenece al sujeto singular como tal, a diferencia del apetito,
sino al singular como universal a la vez en sí mismo. En tanto el
hombre se comporta con las cosas según esta universalidad, está
allí en juego su razón universal, que tiende a encontrarse a sí
misma en la naturaleza y a restablecer así la esencia interna de
las cosas. Aunque esa dimensión sea el fundamento de la existen-
cia sensible, sin embargo, ésta no puede mostrarla inmediata-
mente. El arte no comparte dicho interés teórico, cuya satisfacción
es el trabajo de la ciencia, en esta forma científica, lo mismo que
no hace causa común con las tendencias de los apetitos meramen-
te prácticos. Pues la ciencia puede partir, ciertamente, de lo sensi-
ble en su singularidad y tener una representación de cómo lo sin-
gular está dado inmediatamente en su peculiar color, forma, mag-
nitud, etc. Pero esto sensible singularizado no tiene, como tal, nin-
guna otra relación con el espíritu, en tanto la inteligencia se dirige
a lo general, a la ley, al pensamiento y concepto del objeto. La in-
teligencia no sólo abandona lo particular sensible en su singula-
ridad inmediata, sino que lo transforma también interiormente,
y así de un concreto sensible hace algo abstracto, algo pensado y,
por ello, esencialmente distiptg de lo que el mismo objeto era

3?
en su aparición sensible. El interés artístico no hace esto, a dife-
rencia de la ciencia.
Así como la obra de arte se manifiesta como objeto externo en
una determinación y singularidad inmediata bajo la dimensión del
color, de la forma, del sonido, etc., o como intuición singular, de
igual manera, si bien la consideración artística se esfuerza por
captar la objetividad como concepto general, lo mismo que la
ciencia, sin embargo, no abandona por completo la objetividad in-
mediata que le ofrecen los sentidos.
El interés artístico se distingue del interés práctico del apetito
por el hecho de que el primero deja que el objeto exista libremen-
te para sí mismo, mientras que el apetito lo usa destructivamente
para su utilidad. En cambio, la consideración artística se distingue
del enfoque teórico de la inteligencia científica en sentido inverso,
pues cultiva el interés por el objeto en su existencia singular y,
en consecuencia, no actúa para transformarlo en su pensamiento
y concepto general.
y y ) De aquí se sigue que lo sensible debe darse en la obra de
arte, pero sólo debe presentarse allí como superficie y apariencia
de lo sensible. Pues el espíritu no busca en lo sensible de la obra
de arte ni la materialidad concreta, la interna completitud em-
pírica y la extensión del organismo, que exige el apetito, ni el pen-
samiento general, meramente ideal, sino que quiere presencia sen-
sible, la cual ciertamente debe permanecer sensible, pero ha de
estar liberada asimismo del armazón de su mera materialidad. Por
eso lo sensible de la obra de arte, en comparación con la existen-
cia inmediata de las cosas naturales, ha sido elevado a mera apa-
riencia, y la obra de arte se halla en el medio entre la sensibilidad
inmediata y el pensamiento ideal. No es todavía pensamiento puro,
pero, a pesar de su sensibilidad, ya no es mera existencia material,
como las piedras, las plantas y la vida orgánica. Más bien, lo sen-
sible en la obra de arte es a su vez algo ideal, que, sin embargo,
no siendo lo ideal del pensamiento, se da todavía externamente
como cosa. Cuando el espíritu deja que los objetos sean libres,
pero sin penetrar en su interior esencial (pues entonces cesarían
por completo de existir externamente para él como singulares),
entonces esta apariencia de lo sensible se presenta exteriormente
para él como la forma, el aspecto, el sonido de las cosas, etc. Por
eso lo sensible del arte se refiere solamente a los dos sentidos teó-
ricos, el de la vista y el del oído, mientras que el olfato, el gusto
y el tacto quedan excluidos del disfrute artístico. En efecto, el ol-
fato, el gusto y el tacto se relacionan con lo material como tal y
con las cualidades inmediatamente sensibles de lo mismo; el olfa-
to con la volatilización material a través del aire, el gusto con la
disolución material de los objetos, y el tacto con el calor, el frío,
la dureza, etc. Por tal razón estos sentidos no pueden habérselas
con los objetos del arte, que han de conservarse en su autonomía
real y no admiten ninguna relación meramente sensible. Lo agrada-

4Q
ble para estos sentidos no es lo bello del arte. El arte, pues, bajo
la dimensión de lo sensible, intencionadamente no produce sino un
mundo de sombras consistentes en formas, tonos e intuiciones.
Y no puede hablarse de que el hombre, en cuanto llama una obra
de arte a la existencia, por mera impotencia y por su limitación
solamente sabe ofrecer una superficie de lo sensible, simples esque-
mas. Pues tales tonos y formas sensibles no aparecen en el arte
tan sólo por sí mismos y por su forma inmediata, sino con el fin
de satisfacer bajo esa forma intereses espirituales superiores,
puesto que ellos son capaces de provocar en el espíritu un sonido
y un eco de todas las profundidades de la conciencia. En esta ma-
nera, lo sensible está espiritualizado en el arte, puesto que lo espi-
ritual aparece en él como realizado de manera sensible.
f j ) Por eso precisamente, sólo se da una obra de arte en tanto
ésta es un punto de transición a través del espíritu y ha brotado
de una actividad producente espiritual. Esto nos conduce a la
otra pregunta, a la que hemos de dar respuesta, a saber, la de
cómo la dimensión sensible, necesaria para el arte, opera en el ar-
tista como subjetividad producente. Esta forma de producción,
como actividad subjetiva, contiene en sí las mismas características
que encontramos objetivamente en la obra de arte; tiene que ser
actividad espiritual, pero teniendo en sí a la vez la dimensión de la
sensibilidad y de la inmediatez. Sin embargo, ni es mero trabajo
mecánico, como pura habilidad inconsciente en el manejo sen-
sible o actividad formal según reglas fijas, que deben aprenderse,
por una parte, ni es, por otra parte, una producción científica
que pasa de lo sensible a las representaciones y pensamientos abs-
tractos o actúa por entero en el elemento del puro pensamiento.
Más bien, en la producción artística, la dimensión de lo espiritual
y de lo sensible deben constituir una unidad. Así, por ejemplo, en
las creaciones poéticas alguien podría proceder de tal manera que
concibiera lo que ha de representarse como pensamientos prosai-
cos dados en un estadio previo, y luego intentara traducirlos a
imágenes, rima, etc., o sea, en forma tal que lo imaginativo se
añadiera meramente como adorno y decoración a las reflexiones
abstractas. Tal manera de proceder no engendraría sino una mala
poesía, pues aquí operaría como actividad separada lo que en la
creación artística sólo tiene validez en su unidad indivisa. Ese
producir auténtico constituye la actividad de la fantasía artística.
Ella es lo racional, que sólo existe como espíritu en tanto se ela-
bora a sí mismo activamente de cara a la conciencia, pues sólo en
forma sensible pone ante sí lo que lleva en sí mismo. Por tanto,
esta actividad tiene un contenido espiritual, que ella configura
sensiblemente, puesto que tan sólo en esa forma sensible es capaz
de adquirir conciencia del mismo. Lo dicho es comparable con la
manera de hacer de un hombre experimentado, lleno de gracia e
ingenio, el cual, aunque sabe muy bien de qué se trata en la vida,
cuál es la sustancia de lo que mantiene unidos a los hombres, qué

4!
es lo que los mueve y da poder en medio de ellos, sin embargo, ni
ha resumido este contenido en reglas generales para sí mismo, ni
sabe explicarlo a otros mediante reflexiones generales. Más bien,
ese hombre esclarece para sí mismo y los demás lo que llena su
conciencia a base de casos especiales, reales o inventados, median-
te ejemplos adecuados, etc. Pues para su representación adquieren
forma todas y cada una de las cosas en imágenes concretas, de-
terminadas en el espacio y el tiempo, sin que puedan faltar el
nombre y todo tipo de circunstancias exteriores. Esa manera de
imaginación no es propiamente creadora, sino que se apoya, más
bien, en el recuerdo de estados vividos, de experiencias hechas. El
recuerdo conserva y renueva la singularidad y la forma exterior en
que acontecieron tales hechos, con todas sus circunstancias, pero
no deja aparecer lo universal por sí mismo. En cambio, la fanta-
sía artísticamente productiva es la fantasía de un gran espíritu y
ánimo, es el concebir y engendrar representaciones y formas, las
cuales encarnan en forma imaginativa y sensible, enteramente
determinada, los intereses más profundos y universales del hom-
bre. De aquí se sigue que la fantasía se debe en parte a un don
natural, al talento, pues su producción necesita la sensibilidad. Es
cierto que también se habla de talento científico, pero las ciencias
presuponen tan sólo la capacidad general de pensar, la cual, en
lugar de comportarse de manera natural como la fantasía, abstrae
precisamente de toda actividad natural, y así podemos decir con
mayor acierto que no hay ningún específico talento científico como
mero don de la naturaleza. La fantasía, en cambio, tiene una ma-
nera instintiva de producir, pues en esencia las imágenes y la sen-
sibilidad de la obra de arte tienen que estar subjetivamente en
el artista como disposición y tendencia naturales, y estos aspectos,
como acción inconsciente, tienen que pertenecer a la dimensión
natural del hombre. Cierto que la capacidad natural no llena por
entero el talento y el genio, pues la producción artística es tam-
bién de tipo espiritual y consciente, pero la espiritualidad debe im-
plicar en sí una vertiente de formación y configuración natural.
Por eso, hasta cierto punto todos pueden practicar el arte, mas
para rebasar el punto en el que propiamente empieza el arte, se
requiere un más elevado talento artístico innato.
Como disposición natural ese talento mayormente se anuncia en
la primera juventud y se manifiesta en la impulsiva inquietud,
viva y constante, de configurar un determinado material sensible,
asumiendo esta manera de manifestación y comunicación como la
única, o como la principal y más adecuada. Por ello, la temprana
habilidad espontánea para lo técnico es, hasta cierto punto, un
signo de talento innato. Para el escultor todo se transforma en
figuras, y desde muy pronto él toma arcilla para configurarla; y lo
que tales talentos llevan en la representación, lo que los excita y
mueve en su interior, se convierte inmediatamente en figura, di-
seño, melodía, o poesía.

4?
 y) En tercer lugar, bajo cierto aspecto en el arte también el
contenido está tomado de lo sensible, de la naturaleza. En todo
caso, aun cuando el contenido sea de tipo espiritual, éste sólo es
capacitado de tal modo que lo espiritual, lo mismo que las rela-
ciones humanas, sea representado como una aparición real con for-
ma exterior.

3. Finalidad del arte

Se pregunta ahora cuál es el interés, el f i n , que se propone el
hombre en la producción de tal contenido bajo la forma de obras
de arte. Éste fue el tercer punto de vista que hemos establecido de
cara a la obra de arte. Su estudio detallado nos conducirá, final-
mente, al verdadero concepto del arte.
Si bajo este aspecto dirigimos una mirada a la conciencia co-
rriente, lo primero que nos llama la atención es su representación
más usual.
a) El principio de la imitación de la naturaleza. Según este
punto de vista, la imitación como habilidad de reproducir con
precisión las formas naturales, tal como están dadas, constituye el
fin esencial del arte. Y la satisfacción plena estaría en el logro de
una representación en concordancia con la naturaleza.
a ) En esa idea se da ante todo la finalidad enteramente for-
mal de que, aquello que ya está en el mundo exterior, ha de ser
hecho por segunda vez por el hombre según se lo permiten sus
propios medios. Pero esa repetición puede considerarse:
a a ) Como un esfuerzo superfluo, pues lo que representamos
miméticamente en los cuadros, en la dramaturgia, etc., a saber,
animales, escenas de la naturaleza, situaciones humanas, lo tene-
mos ya ante nosotros en nuestro jardín, o en la propia casa, o en
sucesos del círculo de amigos o conocidos. Además, este esfuerzo
superfluo puede considerarse incluso como un juego arrogante,
que /}/}) se queda por debajo de la naturaleza. Pues el arte está li-
mitado en sus medios de representación y sólo puede producir en-
gaños unilaterales, por ejemplo, sólo puede producir para un sen-
tido la apariencia de realidad. Y si se queda en el fin formal de la
mera imitación, lo que da es, en lugar de una vida real, una mera
farsa de la vida. Es conocido que los turcos, como mahometanos,
no permiten las pinturas o los retratos de hombres, etc. A este
respecto es interesante el relato de James Bruce,* que, en su viaje
por tierras de Abisinia, habiendo mostrado a un turco peces pin-
tados, primeramente le produjo admiración, pero pronto recibió la
respuesta: «Cuando en el día del juicio este pez se levante contra
ti y diga: me has hecho un cuerpo, pero no un alma viva; ¿cómo
te defenderás contra esta acusación?» También el profeta, según

8. James BRUCE (1730-J794), inglés entregado a los viajes de investigación.

39
leemos en la Sun* dijo a las dos mujeres Ommi Habiba y Ommi
Selma, que le hablaban de cuadros en las iglesias etíopes: «Estas
imágenes acusarán a sus autores en el día del juicio.» Hay, cierta-
mente, ejemplos de una consumada imitación engañosa. Las uvas
pintadas de Zeuxis han sido aducidas desde la Antigüedad como
triunfo del arte y a la vez como triunfo del principio de imitación
de la naturaleza, pues, según se dice, picaban en ellas las palomas
vivas. A estos ejemplos antiguos podría añadirse el más reciente
del mono de Büttner.10 Este mono mascó un escarabajo pintado en
Insektenbelustigungen (1741 ss) de Rosel." Su dueño le perdonó,
pues aunque el mono le había echado a perder el más bello ejem-
plar de la valiosa obra, vio en ello la prueba de lo acertado de las
reproducciones. Pero en éstos y otros ejemplos no hemos de ver
una alabanza de las obras de arte, por el hecho de que éstas enga-
ñan incluso a las palomas y a los monos, sino un reproche de
aquellos que creen ensalzar la obra de arte considerando un efecto
tan bajo como lo último y supremo de la misma. Digamos en con-
junto que, por la mera imitación, la obra de arte no ganará su
desafío a la naturaleza, sino que será semejante a un gusano que
intentara andar a cuatro patas detrás de un elefante, y y ) En ese
fracaso siempre relativo de la reproducción, frente al prototipo
de la naturaleza, el único fin que queda es la complacencia en la
obra de arte por la producción de algo semejante a la naturaleza.
En todo caso, el hombre puede alegrarse de que, lo que ya existe,
sea producido también por su propio trabajo, habilidad y activi-
dad. Pero precisamente esa alegría y admiración, cuanto más se-
mejante sea la reproducción al prototipo natural, tanto más dará
la impresión de frialdad, o se trocará en tedio y aversión. Hay re-
tratos que, según se ha dicho con ingenio, son semejantes hasta
la náusea. A propósito de esta complacencia en la imitación como
tal, Kant aduce otro ejemplo, a saber: pronto nos hartamos de un
hombre que sabe imitar perfectamente el gorjeo del ruiseñor, si
descubrimos que el autor es un hombre. Descubrimos en ello un
mero artificio, que ni es la libre producción de la naturaleza, ni una
obra de arte. En efecto, de la libre fuerza productiva del hombre
esperamos algo diferente de tal música, que sólo nos interesa cuan-
do ella, como en el gorjeo del ruiseñor, es semejante sin ninguna
intención al tono de la sensación humana y brota de una auténtica
vida. En general, esta alegría sobre la habilidad en la imitación
no puede ser sino limitada, y es más propio del hombre alegrarse
de aquello que él produce por sí mismo. En este sentido tiene un
elevado valor el hallazgo de cualquier obra técnica insignificante,
y el hombre puede estar más orgulloso de haber inventado el mar-
tillo, el clavo, etc., que de realizar obras de imitación. Pues este
9. Prescripciones religiosas de los sunitas.
10. Christian Wilhelm BÜTTNER (1716-1801), investigador en el campo de las
ciencias naturales.
11. August Johann VON ROSENHOF (1705-1759), zoólogo y pintor,

40
celo abstracto por la imitación ha de equipararse al artificio de
aquel que había aprendido a lanzar lentejas sin fallar a través de
un pequeño orificio. Él hizo que Alejandro viera esta habilidad;
pero Alejandro le regaló una fanega de lentejas como premio por
este arte sin utilidad ni contenido.
¡3) Además, en tanto el principio de la imitación es totalmente
formal, cuando se convierte en fin desaparece en él lo objetiva-
mente bello. Pues ya no se trata de cómo está hecho lo que debe
imitarse, sino tan sólo de que sea imitado rectamente. El objeto
y el contenido de lo bello se considera totalmente indiferente. En
animales, hombres, objetos, acciones, caracteres, se habla de una
diferencia entre lo bello y lo feo; pero en tal principio esto se que-
da en una diferencia que no pertenece propiamente al arte, pues
éste se reduce a la imitación abstracta. Entonces, de cara a la elec-
ción de los objetos y a su distinción entre bellos y feos, ante la
falta mencionada de un criterio para las formas infinitas de la na-
turaleza, lo último a lo que podemos recurrir será el gusto subje-
tivo, pues él no permite que se le señalen reglas y sobre él no
puede disputarse. En efecto, si parte del gusto lo que los hombres
llaman bello y feo en la elección de los objetos que deben repre-
sentarse, y, en consecuencia, lo que consideran digno de ser imi-
tado por parte del arte, entonces se hallan abiertos todos los ám-
bitos de objetos naturales, pues apenas habrá uno que eche de
menos a un amante. Así entre los hombres sucede que, si bien no
todo marido ama a su mujer, por lo menos cada novio encuentra
bella a su novia —incluso con exclusividad—, y que el gusto sub-
jetivo de esa belleza no tiene ninguna regla fija, lo cual es una
suerte para ambas partes. Y si más allá de los individuos y de su
gusto casual miramos al gusto de las naciones, también éste es
muy variado y opuesto. Oímos decir con frecuencia que una belleza
europea desagradaría a un chino o incluso a un hotentote, por
cuanto el chino tiene un concepto de belleza totalmente distinto
del que posee un negro, que a su vez difiere en ello del europeo,
etcétera.
Si consideramos las obras de arte de esos pueblos extraeu-
ropeos, por ejemplo, las imágenes de sus dioses, las cuales sur-
gieron de su fantasía como dignas de veneración y sublimes, pue-
de suceder que a nosotros nos parezcan ídolos horribles, y quizá
su música suene muy mal en nuestros oídos. Y, a la inversa, ellos
tendrán por insignificantes o feas nuestras esculturas, pinturas y
músicas.
y) Abstraigamos ahora también de un principio objetivo para
el arte, si lo bello ha de basarse en el gusto subjetivo y particular.
De hecho, si atendemos al arte mismo, nos encontramos con que
la imitación de lo natural, que habría de ser un principio general
y, por cierto, un principio acreditado por gran autoridad, no puede
tomarse por lo menos en esta forma general, totalmente abstracta.
Pues si miramos a las diversas artes, se pone de manifiesto que,

41
así como la pintura y la escultura nos representan objetos que1
son semejantes a los naturales o cuyo tipo está tomado esencial-
mente de la naturaleza, por el contrario, las obras arquitectónicas,
que pertenecen también a las bellas artes, lo mismo que las obras
poéticas, en tanto éstas no se limitan a una mera descripción, no
pueden considerarse imitaciones de la naturaleza. Y si quisiéramos
afirmar esto, por lo menos nos veríamos obligados a hacer gran-
des rodeos, pues deberíamos condicionar la afirmación de múlti-
ples maneras, y la llamada verdad habrá de reducirse a probabi-
lidad como máximo. Y si habláramos de probabilidad, se presen-
taría de nuevo una gran dificultad en la determinación de lo que
es probable y de lo que no lo es. Además, las creaciones totalmen-
te fantásticas y arbitrarias no pueden excluirse todas de la poesía,
cosa que nadie pretende.
Por eso, el fin del arte habrá de cifrarse en algo distinto de la
mera imitación de lo dado, la cual, en todo caso, puede propiciar
los artefactos técnicos, pero no las obras de arte. Evidentemen-
te, es un factor esencial a la obra de arte el que tenga como base
la configuración de la naturaleza, pues la representación artística
tiene forma de aparición externa y, con ello, forma natural de apa-
rición. Para la pintura, por ejemplo, es un estadio importante co-
nocer y reproducir en los matices más pequeños los colores en su
relación recíproca, los efectos y reflejos de la luz, etc., así como
las formas y figuras de los objetos. En este sentido, recientemente
apareció de nuevo el principio de la imitación de la naturaleza y
de la naturalidad en general. Se argumentaba que un arte débil,
nebuloso y decaído había de ser conducido de nuevo al vigor y de-
terminación de la naturaleza. Por otra parte, frente a lo arbitrario
y convencional, carente de arte y naturaleza, en lo cual se había
extraviado la producción artística, se esgrimía la legalidad, la ló-
gica inmediata y firme en sí misma de la naturaleza. Por un lado,
en esa tendencia hay un aspecto acertado, pero la naturalidad exi-
gida no es como tal lo substancial y primero que está como base
en el arte. Y por más que la aparición externa en su naturalidad
constituya una característica esencial, sin embargo, ni la naturali-
dad ya dada es la regla, ni la mera imitación de los fenómenos ex-
teriores como tales es el fin del arte.
b) Por eso seguimos preguntando cuál es el contenido del arte
y por qué este contenido debe representarse. En este sentido en-
contramos en nuestra conciencia la representación usual de que
la tarea y el fin del arte es llevar a nuestro sentido, a nuestra sen-
sación y nuestro entusiasmo todo lo que tiene cabida en el espíritu
del hombre. El arte debería, pues, realizar aquella famosa frase:
«Nihil humani a me alienum puto.» De ahí que su fin quede cifrado
en despertar y vivificar los dormidos sentimientos, inclinaciones y
pasiones de todo tipo, en llenar el corazón y en hacer que el hom-
bre, de forma desplegada o replegada, sienta todo aquello que el
ánimo humano puede experimentar, soportar y producir en lo más

42
íntimo y secreto, todo aquello que puede mover y excitar el pecho
humano en su profundidad y en sus múltiples posibilidades, y todo
lo que de esencial y elevado tiene el espíritu en su pensamiento
y en su idea, en ofrecer al sentimiento y a la intuición para su dis-
frute la gloria de lo noble, eterno y verdadero. Igualmente, el arte
ha de hacer comprensible la desdicha y la miseria, el mal y el de-
lito, tiene que enseñar a conocer en lo más mínimo todo lo detes-
table y terrible, así como todo agrado y felicidad, y debe hacer
que la imaginación se regale en la fascinación seductora de las
deliciosas intuiciones y percepciones sensibles. El arte, por una
parte, ha de aprehender esta omnilateral riqueza del contenido,
para complementar la experiencia natural de nuestra existencia ex-
terior; y, por otra parte, ha de excitar las pasiones mencionadas
a fin de que las experiencias de la vida no nos dejen intactos y
cultivemos nuestra receptividad para todos los fenómenos. Pero
tal excitación no se produce en este campo por la experiencia real,
sino solamente por la apariencia de la misma, por cuanto el arte,
por un engaño, pone sus producciones en lugar de la realidad. La
posibilidad de este engaño por la apariencia del arte se debe a que,
en el hombre, toda la realidad debe pasar a través del medio de
la intuición y representación, pues sólo por ese medio penetra en
el ánimo y la voluntad. A este respecto, es indiferente que el arte
se sirva de la inmediata realidad exterior, o bien lleve a cabo su
obra por otro medio, a saber, mediante imágenes, signos y repre-
sentaciones que llevan en sí y representan el contenido de la reali-
dad. El hombre puede representarse cosas que no son reales como
si lo fueran. Por eso, el que sea la realidad exterior o sólo la ex-
periencia de la misma la que nos hace presente una situación,
una relación, un contenido de vida, es indiferente para nuestro áni-
mo. El fin está en que, en conformidad con la esencia de tal con-
tenido, nos sintamos turbados y nos alegremos, nos sintamos afec-
tados y conmovidos, y en que recorramos las pasiones de ira, odio,
compasión, angustia, temor, amor, respeto y admiración, honor y
fama.
Lo que, por tanto, se considera como el poder peculiar y seña-
lado del arte consiste sobre todo en que él despierte en nosotros
todas las sensaciones, en que nuestro ánimo sea llevado a través
de todo contenido de vida, en que todos esos movimientos interio-
res se realicen a través de una presencia externa meramente en-
gañosa.
En cuanto, de esa manera, el arte ha de tener la finalidad de
acuñar lo bueno y lo malo en el ánimo y la representación, forta-
leciéndolos para lo más noble, así como la de atenuar los senti-
mientos más egoístas de agrado, con ello se le ha señalado una
tarea totalmente formal, y sin un fin firme por sí mismo no ha-
bría sino una forma vacía para todo tipo posible de contenido.
c) De hecho el arte reviste también este aspecto formal de que
puede adornar y llevar ante la intuición y sensación toda materia

43
posible, a la manera como el raciocinio puede elaborar todos los
posibles objetos y formas de acción, pertrechándolos de razones y
justificaciones. Pero en medio de esa multiplicidad de contenido se
impone inmediatamente la siguiente observación. Las diversas sen-
saciones y representaciones, que ha de excitar o afianzar el arte,
se cruzan, se contradicen y se suprimen entre sí. Pero, bajo este
aspecto, el arte, cuanto más entusiasma para lo contrario, lo que
hace es profundizar la contradicción entre los sentimientos y pa-
siones, de modo que nos lleva a danzar bacánticamente, o bien, lo
mismo que el razonamiento, conduce a la sofística y al escepticis-
mo. Por ello, esa misma multiplicidad de materia impide que nos
quedemos en una determinación tan formal, por cuanto la raciona-
lidad que penetra en esta variopinta diversidad nos exige que, a
pesar de elementos tan contradictorios, lleguemos a ver cómo sur-
ge y se consigue un superior fin general. Así, para la convivencia
de los hombres y para el Estado, se aduce la meta final de que
todas las facultades humanas y todas las fuerzas individuales se
desarrollen y manifiesten en todos los aspectos y direcciones. Sin
embargo, frente a un punto de vista tan formal pronto se plantea
la pregunta de cuál es la unidad en la que se reúnen tan variadas
configuraciones, de cuál es el fin uno que ellas tienen como con-
cepto fundamental y meta última. Lo mismo que en el concepto
del Estado, también en el concepto del arte surge la necesidad de
un fin substancial que, en parte, sea común a los aspectos particu-
lares y, en parte, sea superior a ellos.
La reflexión comienza por considerar que tal fin substancial se
cifra en que el arte tiene la capacidad y la vocación de suavizar la
rudeza de las pasiones.
%) De cara a ese primer punto de vista hay que averiguar cuál
es el aspecto peculiar del arte que ofrece la posibilidad de supri-
mir lo rudo y atar y formar las tendencias y pasiones. La rudeza
en general tiene su fundamento en un directo egocentrismo de las
tendencias, que buscan en exclusiva la satisfacción de su apetito.
Pero el apetito es tanto más rudo y dominador, cuanto, como único
y limitado, más ocupa al hombre entero, de modo que él, como
universal, no tiene el poder de desligarse de esa determinación y
de llegar a ser para sí mismo como universal. Y si en tal caso el
hombre dice, por ejemplo: «La pasión es más fuerte que yo», cier-
tamente para la conciencia el yo abstracto está separado de la pa-
sión particular, pero sólo de manera muy formal, por cuanto, con
tal separación, se dice únicamente que el yo como universal no se
toma para nada en consideración contra el poder de la pasión. Por
tanto, lo selvático de la pasión consiste en la unidad del yo como
universal con el contenido limitado de su apetito, de modo que el
hombre no tiene ninguna voluntad más fuera de esa pasión singu-
lar. El arte suaviza tal rudeza y fuerza desenfrenada de la pasión,
ante todo, por el hecho de que representa para el hombre lo que
éste siente y hace en tal estado. Y aun cuando el arte se limite a

44
poner ante la intuición imágenes de las pasiones, e incluso cuando
se muestre lisonjero con ellas, en esto mismo se da ya una fuerza
atenuante, por cuanto así el hombre adquiere conciencia de aque-
llo que, de otro modo, sólo se da de manera inmediata. Pues ahora
el hombre considera sus impulsos y tendencias, los cuales sin la
reflexión lo desgarran; ahora, en cambio, se ve fuera de ellos y co-
mienza a enfrentárseles con libertad, por el hecho de ponerlos ante
sí como algo objetivo. Por eso puede suceder frecuentemente que
el artista, siendo presa del dolor, disminuya y suavice la intensi-
dad de su propia sensación por la representación de éste para sí
mismo. Incluso en las lágrimas se da ya un consuelo; en efecto, el
hombre, primeramente absorto y concentrado por completo en su
dolor, puede luego por lo menos exteriorizar en forma inmediata
esto que era tan sólo interior. Es más lenitiva todavía la expresión
del interior en palabras, imágenes, tonos y formas. Por eso fue una
buena costumbre el que en las defunciones y los funerales asistie-
ran plañideras para expresar el dolor en forma intuitiva. También
en los pésames se le hace presente al hombre el contenido de su
desdicha; ante las muchas manifestaciones de condolencia, él re-
flexiona sobre esto y así se siente aliviado. El llorar y expresarse
ha sido considerado desde la Antigüedad como un medio para libe-
rarse del peso oprimente de la preocupación o, por lo menos, como
un medio de llevar alivio al corazón. Por tanto, la atenuación del
poder de la pasión encuentra su fundamento general en que el
hombre es desligado de su cautividad inmediata en una sensación
y adquiere conciencia de la misma como de algo exterior a él, con
lo que debe comportarse en forma ideal. El arte, mediante sus re-
presentaciones, dentro de la esfera sensible libera a la vez del po-
der de la sensibilidad. Cierto que puede asumirse la forma de ha-
blar corriente según la cual el hombre ha de permanecer en uni-
dad inmediata con la naturaleza; pero tal unidad en su abstracción
es precisamente barbarie y salvajismo. Y el arte, en cuanto disuel-
ve esta unidad para el hombre, lo eleva con manos suaves sobre
la cautividad en la naturaleza. La ocupación con sus objetos per-
manece puramente teórica y, aunque de partida la atención se cen-
tre en las representaciones, no obstante, se centra también en la
significación de las mismas, en la comparación con otro contenido
y en la apertura de la contemplación y de sus perspectivas para la
universalidad.
/?) Conecta con esto el segundo enfoque que se ha dado fin
esencial del arte, la purificación de las pasiones, la enseñanza y el
perfeccionamiento moral. Pues la idea de que el arte debe moderar
la dureza, formar las pasiones, permaneció enteramente formal y
general, de modo que prosigue la cuestión acerca de una manera
determinada y de un f i n esencial de esta formación.
a a ) Es cierto que el punto de vista de la purificación de la pa-
sión sufre del mismo defecto que el anterior, relativo a la atenua-
ción de las tendencias; pero, por lo menos, resalta más en concreto

45
que las representaciones del arte requieren una norma en la que
debe medirse su dignidad o falta de dignidad. Esta norma es la efi-
cacia con que en las pasiones se separa lo puro de lo impuro.
Por eso es necesario un contenido que sea capaz de manifestar esta
fuerza purificante; y en tanto la producción de tal efecto es el fin
substancial del arte, el contenido purificante tiene que hacerse
consciente bajo el aspecto de su universalidad y su carácter esen-
cial.
jffyS) Desde este último punto de vista se ha dicho que el fin
del arte es instruir. Por tanto, de un lado, lo peculiar del arte con-
siste en el movimiento de los sentimientos y en la satisfacción in-
herente a ese movimiento, al temor, a la compasión, a la afección
dolorosa, a la conmoción, o sea, en el interés satisfactorio de los
sentimientos y pasiones, en una complacencia, placer y recreación
por las obras de arte, por su representación y efecto. Pero, de otro
lado, este fin ha de tener su fin superior solamente en la instruc-
ción, en la fábula docet y , con ello, en la utilidad que la obra de
arte pueda tener para el sujeto. En ese sentido la sentencia de Ho-
racio
Et prodesse volunt et delectare poetae"
dice concentradamente en pocas palabras lo que más tarde se ha
expuesto de infinitas maneras, hasta la trivialidad, y, llevada a su
extremo, ha pasado a ser la concepción más superficial del arte.
Hemos de preguntarnos si la instrucción está contenida en la obra
de arte directa o indirectamente, explícita o implícitamente. Si, en
general, se trata de un fin general y no casual, este fin último, dada
la esencia espiritual del arte, tiene que ser espiritual y, por cierto,
no un fin casual, sino un fin que sea en y para sí. Volviendo a la
instrucción, ésta sólo puede radicar en que la obra de arte haga
consciente el contenido espiritual que es en y para sí. Bajo ese as-
pecto hemos de afirmar que el arte, cuanto más elevado se halla,
tanto más debe asumir en sí tal contenido, y sólo en su esencia
encuentra la norma acerca de si lo expresado es adecuado o ina-
decuado. El arte se ha convertido de hecho en el primer maestro
de los pueblos.
Pero si el fin de la instrucción es tratado de tal manera que la
naturaleza general del contenido representado quede resaltado y
se explicite directamente por sí mismo como una afirmación abs-
tracta, como una reflexión prosaica, como una doctrina general, en
lugar de aparecer de manera meramente indirecta e implícita
en la concreta forma artística, entonces, por causa de tal separa-
ción, la forma sensible, imaginativa, que por primera vez convierte
la obra de arte en obra de arte, se reduce a un acompañamiento

12. De arte poética, v. 333: Aut prodesse volunt aut delectare poetae («Los poe-
tas quieren, o bien ser útiles, o bien agradar»),

46
superfiuo, a una cascara, que, como mera cascara, es una aparien-
cia, puesta explícitamente como mera apariencia. Pero con ello se
desfigura la naturaleza de la obra de arte. Pues la obra de arte ha
de poner un contenido ante la intuición no en su universalidad
como tal, sino traduciendo esta universalidad a forma sensiblemen-
te individualizada y singularizada. Si la obra de arte no brota de
este principio, sino que resalta lo universal bajo el matiz de una
doctrina abstracta, entonces lo imaginativo y sensible es un mero
adorno externo y superfiuo, y la obra de arte pasa a ser una reali-
dad fraccionada, donde el contenido y la forma ya no se presentan
como recíprocamente entrelazados. Lo singular sensible y lo uni-
versal de naturaleza espiritual se comportan como extrínsecos en-
tre sí. Además, si el fin del arte se limita a la utilidad doctrinal,
en tal caso el otro aspecto, el de la complacencia, el de la distrac-
ción y recreación, es tomado como inesencial por sí mismo, y la
substancia de este aspecto consistiría solamente en la utilidad de
la doctrina, a la que acompaña. Pero con ello queda dicho a la vez
que el arte no lleva en sí su destinación y su fin último, sino que
su concepto radica en una cosa distinta, a la que sirve como me-
dio. En este caso el arte es solamente uno de los muchos medios
que son útiles y se usan para el fin de la instrucción. Y con ello
hemos llegado al límite en el que el arte ha de dejar de ser ñn por
sí mismo, por cuanto se degrada a un mero juego de la distrac-
ción o a un simple medio de la instrucción.
y y ) Esa línea aparece con toda agudeza cuando preguntamos
de nuevo por un fin último en aras del cual deben purificarse las
pasiones e instruirse los hombres. Recientemente se ha conside-
rado con frecuencia como tal fin el perfeccionamiento moral. Y el
fin del arte se ha cifrado en preparar las inclinaciones e impulsos
para el perfeccionamiento moral y en conducirlos a esta meta fi-
nal. En esa representación la instrucción y la purificación van uni-
dos, por cuanto el arte, mediante el conocimiento del verdadero
bien moral, o sea, mediante la instrucción, incita a la purificación,
con lo cual debe producir el perfeccionamiento del hombre como
su utilidad y fin supremo.
Por lo que se refiere al arte en relación con el perfeccionamiento
moral, podemos decir a este respecto lo mismo que hemos dicho
sobre el fin de la instrucción. Es fácil conceder que el arte en su
principio no se propone lo inmoral ni su fomento. Pero una cosa
es no proponerse la inmoralidad, y otra no hacer de lo moral el
fin explícito de la representación. De cada obra de arte puede sa-
carse una buena lección moral, pero, en cualquier caso, se trata
de una explicación y, por eso, es cuestión de quién extrae de allí
la moral. Así las descripciones inmorales pueden defenderse con
el argumento de que es necesario conocer el mal, el pecado, para
actuar moralmente. Se ha dicho, a la inversa, que la representa-
ción de María Magdalena, la bella pecadora, que luego hizo peni-
tencia, ha inducido a muchos al pecado, pues el arte muestra lo

47
hermoso que es hacer penitencia, lo cual exige haber pecado. Pero
la teoría del perfeccionamiento moral, desarrollada consecuente-
mente, no se conformará con que a partir de una obra de arte se
interprete una moral, sino que, por el contrario, pedirá que la doc-
trina moral brille claramente como el fin substancial de la obra
de arte; y sólo tolerará en la representación objetos morales, ca-
racteres morales, acciones y hechos morales. Pues el arte tiene la
posibilidad de elegir sus objetos, a diferencia de la historiografía
o de las ciencias en general, cuya materia está dada previamente.
Bajo este aspecto, para enjuiciar a fondo el punto de vista rela-
tivo a los fines morales del arte, hay que preguntar por la concep-
ción concreta de la moral que ahí late. Si consideramos más de
cerca el punto de vista de la moral, tal como acostumbramos a
tomarla hoy en el mejor sentido de la palabra, pronto veremos
que su concepto no coincide inmediatamente con lo que llamamos
virtud, moralidad, justicia, etc. Un hombre éticamente virtuoso no
es por eso mismo moral. Pues pertenecen a la moral la reflexión
y la conciencia determinada de lo que es deber, así como la acción
desde esta conciencia precedente. El deber mismo es la ley de la
voluntad, que, de todos modos, el hombre establece libremente por
sí mismo; y él se decide a este deber, por mor de la obligación y
de su cumplimiento, en cuanto hace el bien por la persuasión lo-
grada de que es el bien. Pero esa ley, el deber, que se elige y eje-
cuta por amor al deber como norma por libre persuasión y con-
ciencia interna, es por sí misma lo universal abstracto de la vo-
luntad, que tiene su oposición directa en la naturaleza, el impulso
sensible, los intereses egoístas, las pasiones y todo lo que, en resu-
men, se llama «ánimo y corazón». En esta oposición cada parte
suprime la otra, y puesto que ambas están dadas como opuestas
en el sujeto, éste, al decidirse desde sí, tiene la opción de seguir la
una o la otra. Pero, desde este punto de vista, tal decisión y la
acción realizada en consonancia con ella se hacen morales sola-
mente por la persuasión libre del deber, de un lado, y por la vic-
toria no sólo sobre la voluntad particular, sobre los impulsos y
tendencias naturales, sobre las pasiones, etc., sino también sobre
los sentimientos nobles y las tendencias superiores, de otro lado.
Pues la moderna concepción moral parte de la oposición fija entre
la voluntad en su universalidad espiritual y la voluntad en su na-
tural particularidad sensible. Por eso lo moral no consiste en la
mediación consumada entre estas partes opuestas, sino en su lucha
recíproca, la cual lleva consigo la exigencia de que las tendencias,
en su pugna contra el deber, se sometan a éste.
La oposición mencionada se presenta para la conciencia no sólo
en el ámbito limitado de la acción moral, sino también en la cons-
tante división y contraposición entre lo que es en y para sí y lo
que es realidad y existencia exterior. Entendida en forma total-
mente abstracta, esta oposición es la que se da entre lo universal,
que queda fijado para sí mismo, y lo particular, que también que-

48
da fijado frente a lo universal. Eso aparece más concretamente en
la naturaleza como oposición de la ley abstracta frente a la pleni-
tud de lo singular, como pluralidad de fenómenos peculiares por
sí mismos. En el espíritu lo dicho se presenta como lo sensible y
lo espiritual en el hombre, como lucha del espíritu contra la carne,
del deber por el deber, del mandato frío contra el interés especial,
contra el ánimo cálido, contra los impulsos y tendencias sensibles,
contra lo individual en general. Eso aparece asimismo como dura
oposición de la libertad interna frente a la necesidad extema; y,
finalmente, como contradicción entre el concepto muerto, vacío
en sí, y la plena vitalidad concreta, entre la teoría, el pensamiento
subjetivo, y el pensamiento objetivo y la experiencia.
Estos contrastes son oposiciones que no han inventado, por
ejemplo, el chiste de la reflexión o la filosofía escolástica, sino que
han ocupado e inquietado la conciencia humana desde siempre
bajo múltiples formas, si bien es la formación reciente la que los
ha desarrollado en forma más aguda y llevado hasta la cumbre
de la oposición más tenaz. La formación espiritual, el entendimien-
to moderno suscita en el hombre esta oposición, la cual, por así
decirlo, lo convierte en anfibio, por cuanto él tiene que vivir en
dos mundos, los cuales se contradicen. La conciencia anda errante
en esa contradicción y, arrojada de una parte a la otra, es incapaz
de satisfacerse por sí misma bien en una parte, o bien en la otra.
Pues, por un lado, vemos al hombre cautivo en la realidad coti-
diana y en la temporalidad terrestre, oprimido por las necesidades
y la indigencia, por la naturaleza, enredado en la materia, en los
fines sensibles y en su disfrute, dominado y desgarrado por las ten-
dencias y pasiones naturales. Y, por otra parte, el hombre se eleva
a las ideas eternas, a un reino del pensamiento y de la libertad;
como voluntad, se da leyes y determinaciones generales, despoja
el mundo de su realidad viva y floreciente, y lo disuelve en abs-
tracciones, por cuanto el espíritu afirma su derecho y su dignidad
solamente en el abuso de una naturaleza despojada de derechos,
que él entrega a la necesidad y al poder que ha experimentado en
la misma. Pero, en medio de esa escisión de la vida y la concien-
cia, la formación y el entendimiento modernos sienten la exigencia
de que se disuelva tal contradicción. Sin embargo, el entendimien-
to no puede deshacerse de la firmeza de las oposiciones. De ahí
que la solución permanezca para la conciencia un mero deber; y
el presente y la realidad se mueven inquietos de aquí para allá,
buscando una reconciliación, pero sin hallarla. Por ello se plantea
la pregunta de si tal oposición, que se extiende por doquier, que
no va más allá del mero deber y del postulado de la solución, es
lo verdadero y el fin supremo en y para sí. Si la formación general
ha caído en tal contradicción, la tarea de la filosofía será superar
las oposiciones, es decir, mostrar que no es verdadera la una en
su abstracción, ni la otra en una unilateralidad similar sino que
ambas partes se disuelven a sí mismas. La verdad está en la me-

49
diación y reconciliación de ambas, y esta mediación no es una
mera exigencia, sino que es lo realizado en y para sí, y lo que debe
realizarse constantemente. Este punto de vista coincide inmediata-
mente con la fe y el querer espontáneo, que pone ante la represen-
tación esta oposición resuelta, y la propone y desarrolla como fin
de la acción. La filosofía aporta solamente la penetración en la
esencia de la oposición, en tanto muestra que, lo que es verdad,
no es otra cosa que la disolución de aquélla, por el hecho de que
no son en verdad la oposición y sus aspectos, sino que éstos son
verdaderamente en la reconciliación.
En tanto el fin último, el perfeccionamiento moral, apuntaba
hacia un enfoque superior, ahora tendremos que reivindicar tam-
bién para el arte este punto de vista superior. Con ello se cae por
su base la falsa posición según la cual el arte, a través de la ins-
trucción y el perfeccionamiento, ha de servir como medio para
fines morales y para el supremo fin moral del mundo, de modo
que él no tiene su meta substancial en sí mismo, sino en otro. Por
eso, si seguimos hablando ahora de un fin último, hemos de alejar
en primer lugar la torcida concepción que asocia a la pregunta
por un fin la significación accesoria de una utilidad. Lo falso está
en que, entonces, la obra de arte ha de referirse a otra cosa, la
cual se presenta para la conciencia como lo esencial, como lo que
ha de ser, de modo que la obra de arte sólo tendría validez como
un instrumento útil para la realización de este fin, que sería válido
por sí mismo y se hallaría fuera de la obra de arte. Hay que afir-
mar, en contra de lo anterior, que el arte está llamado a descubrir
la verdad bajo la forma de la configuración artística, a represen-
tar dicha oposición como reconciliada, con lo cual tiene su fin úl-
timo en sí mismo, en esta representación y este descubrimiento.
Pues otros fines, como la instrucción, la purificación, el perfeccio-
namiento, la obtención de dinero, la aspiración a la fama y al ho-
nor, no afectan a la obra de arte y no determinan su concepto.

DEDUCCIÓN HISTÓRICA DEL VERDADERO CONCEPTO DE ARTE

Desde esta conclusión en la que desemboca la reflexión, hemos

de comprender ahora el concepto de arte según su necesidad in-
terna, pues, históricamente, de ahí salió el verdadero conocimiento
y aprecio del arte. En efecto, la oposición a la que nos hemos refe-
rido se hizo valer no sólo dentro de la formación reflexiva en ge-
neral, sino también en la filosofía como tal; y sólo cuando la filo-
sofía supo superar a fondo la reflexión general, comprendió tam-
bién su propio concepto y, con ello, el concepto de la naturaleza y
del arte.
Así, este punto de vista, lo mismo que es el nuevo descubrimien-
to de la filosofía en general, es también el nuevo descubrimiento
de la ciencia artística; y, propiamente, a este redescubrimiento

50
debe por primera vez la estética como ciencia su verdadero naci-
miento y el arte su valoración superior.
Por eso quiero tocar brevemente la parte histórica de esta tran-
sición que tengo en mente; de un lado, en aras de lo histórico y,
de otro, porque con ello quedan designados más de cerca los pun-
tos de vista que nos interesan, en base a los cuales queremos se-
guir construyendo nuestra obra. Esta base, según su determinación
más general, consiste en que lo artísticamente bello ha sido cono-
cido como uno de los medios por los que se disuelve y conduce
nuevamente a la unidad el mencionado contraste y oposición del
espíritu, que descansa abstractamente en sí mismo, y de la natu-
raleza, tanto de la que aparece externamente, como de la interna,
la del sentimiento y ánimo subjetivo.

1. La filosofía kantiana
Kant no sólo sintió la necesidad de este punto de unión, sino
que lo conoció y lo expuso también en forma determinada. En ge-
neral, Kant tomó como base, tanto para el entendimiento como
para la voluntad, la racionalidad que se refiere a sí misma, la liber-
tad, la autoconciencia que se siente y sabe a sí misma como infini-
ta. Y este conocimiento del carácter absoluto de la razón en sí mis-
ma, que ha producido un viraje de la filosofía en tiempos recientes,
este punto de partida absoluto, no tiene por qué refutarse, pues
merece, más bien, reconocimiento, aunque consideremos insufi-
ciente la filosofía kantiana. Kant, en efecto, cae de nuevo en las
oposiciones fijas entre pensamiento subjetivo y objetos, entre uni-
versalidad abstracta y singularidad sensible de la voluntad. Y así
fue él sobre todo el que llevó a su coronación la mencionada opo-
sición de la moralidad y el que, a su vez, resaltó la parte práctica
del espíritu por encima de la teórica. Ante esa fijeza de la oposi-
ción, tal como ésta se presenta para el pensar del entendimiento,
Kant no tenía otra salida que la de cifrar la unidad en la forma
subjetiva de las ideas de la razón. Según él, no puede demostrarse
que a estas ideas corresponda una realidad adecuada, pues son,
más bien, postulados que, ciertamente se deducen de la razón prác-
tica, pero no son cognoscibles como un en sí esencial a través del
pensamiento, de modo que su cumplimiento práctico permanece
un mero deber, constantemente desplazado a lo infinito. Y así Kant
ofreció una representación de la contradicción reconciliada, pero
sin desarrollar científicamente su verdadera esencia, ni poderla
exponer como lo verdadera y únicamente real. Kant significó tam-
bién un avance en tanto encontró la unidad exigida en lo que él
llamó el entendimiento intuitivo. Sin embargo, también aquí se
quedó en la oposición entre lo subjetivo y lo objetivo. Por eso, si
bien él señala la disolución abstracta de la oposición entre con-
cepto y realidad, entre universalidad y particularidad, entre enten-

51
dimiento y sensibilidad y, con ello, muestra la idea, sin embargo,
hace de esta disolución y reconciliación algo meramente subjetivo,
no algo verdadero y real en y para sí. A este respecto es instructiva
y sorprendente su Crítica del juicio, donde él estudia el juicio esté-
tico y el teleológico. Kant considera los objetos bellos de la natu-
raleza y del arte, los productos teleológicos de la naturaleza, a tra-
vés de los cuales se acerca al concepto de lo orgánico y de lo vivo,
solamente bajo el aspecto subjetivo del juicio reflexionante. Define
la facultad del juicio en general como la capacidad de pensar lo
particular como contenido bajo lo general. Y usa la expresión jui-
cio reflexionante «cuando está dado solamente lo particular y la re-
flexión debe hallar lo universal que le corresponde»." Ésta requiere
para ello una ley, un principio, que debe darse a sí misma, y como
tal ley establece Kant la finalidad. En el concepto de libertad de
la razón práctica, el cumplimiento del fin se queda en un mero de-
ber. Por el contrario, en el juicio teleológico sobre lo vivo Kant
se propone considerar el organismo vivo de tal manera que el con-
cepto, lo general, contenga también lo particular y, en cuanto fin,
determine lo particular y externo, la constitución de los miem-
bros, no sólo desde fuera, sino desde dentro mismo, de tal manera
que lo particular corresponda por sí mismo al fin. Pero ese juicio
no implica un conocimiento de la naturaleza objetiva de la cosa
en cuestión, sino que expresa solamente una forma de reflexión
subjetiva. De manera semejante, Kant entiende el juicio estético
de tal modo que éste, ni brota del entendimiento como tal, en
cuanto facultad de los conceptos, ni de la intuición sensible y de
su variada multiplicidad como tal, sino del libre juego del enten-
dimiento y de la imaginación. En esa concordancia de las faculta-
des cognoscitivas el objeto es referido al sujeto y a su sentimiento
de agrado y complacencia.
a) Ahora bien, esta complacencia, en primer lugar, ha de ca-
recer de todo interés, es decir, no ha de tener relación con nues-
tra facultad apetitiva. Si, por ejemplo, sentimos interés por satis-
facer nuestra curiosidad, o un interés sensible por una necesidad
de nuestros sentidos, o tenemos un apetito de posesión y de uso,
entonces los objetos no son importantes por sí mismos para no-
sotros, sino que son importantes por causa de nuestra necesi-
dad. En tal caso lo existente sólo tiene valor de cara a dicha ne-
cesidad, y la relación se comporta de la siguiente manera: en una
parte está el objeto y en la otra una determinación, distinta de él;
nosotros referimos el objeto a esa determinación. Si, por ejem-
plo, consumo el objeto para alimentarme, este interés radica sola-
mente en mí y permanece extraño al objeto. Kant afirma que la
relación con lo bello no es de este tipo. El juicio estético deja que
lo dado fuera subsista libremente para sí mismo, y brota de un

13. Introducción, IV.

52
agrado que emana del objeto de por sí, por cuanto tal agrado per-
mite que el objeto tenga su fin en sí mismo. Hemos visto antes la
importancia que reviste esta consideración.
b) Kant dice, en segundo lugar, que lo bello es lo que, sin
concepto, o sea, sin categoría del entendimiento, se representa
como objeto de una satisfacción universal. Para valorar lo bello
se requiere un espíritu formado; el hombre corriente y moliente
no tiene ningún juicio sobre lo bello, en tanto este juicio pretende
validez universal. Lo universal, primeramente, es como tal algo
abstracto; pero lo que es verdadero en y para sí contiene el des-
tino y la exigencia de adquirir validez universal. En ese sentido,
también lo bello ha de ser reconocido universalmente, aunque los
meros conceptos del entendimiento no puedan pronunciar ningún
juicio acerca de esto. Por ejemplo, lo bueno, lo recto de acciones
particulares se subsume bajo conceptos generales, y la acción se
tiene por buena si corresponde a estos conceptos. En cambio, lo
bello ha de despertar inmediatamente, sin tal relación, una satis-
facción universal. Esto significa simplemente que nosotros, en la
consideración de lo bello, no somos conscientes del concepto y de
la subsunción bajo el mismo, no tematizamos la separación entre
el objeto particular y el concepto general, la cual en otros casos
se hace presente en el juicio.
c) En tercer lugar, lo bello ha de tener la forma de la finali-
dad en manera tal que ésta se perciba en el objeto sin represen-
tación de un fin. En el fondo, esto no hace sino repetir lo ya tra-
tado. Un producto de la naturaleza, por ejemplo, una planta, un
animal, está organizado teleológicamente y, en esta finalidad, está
ahí para nosotros de manera inmediata, de modo que no tenemos
ninguna representación del fin por sí mismo, como separado y
distinto de la realidad actual del mismo. En esta manera tiene que
aparecemos también lo bello como finalidad. En la teleología finita
el fin y el medio permanecen extrínsecos entre sí, por cuanto el
fin no guarda una esencial relación interna con el material de su
ejecución. En este caso, la representación del fin por sí mismo se
distingue del objeto, en el que aquél aparece como realizado. Lo
bello, por el contrario, existe como ideológico en sí mismo, sin
que el medio y el fin se muestren por separado como aspectos dis-
tintos. El fin de los miembros, por ejemplo, del organismo, es la
vida, que existe en los miembros mismos; por separado dejan de
ser miembros. Pues, efectivamente, en lo vivo el fin y sus mate-
riales están unidos de manera tan inmediata, que lo existente sólo
es en tanto el fin inhabita en ello. Desde este punto de vista lo be-
llo no ha de llevar en sí la finalidad como una forma extema, sino
que, más bien, la correspondencia teleológica de lo interno y lo
extemo debe ser la naturaleza inmanente del objeto bello.
d) Finalmente, Kant afirma acerca del objeto bello que éste,
sin concepto, ha de ser reconocido como objeto de una satisfac-
ción necesaria. Necesidad es una categoría abstracta e insinúa una

53
esencial relación interna de dos partes; si se da lo uno y porque se
da lo uno, se da también lo otro. Lo uno contiene a su vez lo otro
en su determinación, como, por ejemplo, la causa no tiene ningún
sentido sin el efecto. Lo bello tiene en sí esa necesidad de la com-
placencia sin ninguna relación con los conceptos, es decir, con las
categorías del entendimiento. Así, por ejemplo, nos agrada lo regu-
lar, que está hecho según un concepto del entendimiento; pero
Kant, para el agrado del que estamos tratando, exige más que la
unidad e igualdad de tal concepto del entendimiento.
Lo que encontramos en todas estas afirmaciones kantianas es
la exigencia de que esté unido lo que, por lo demás, se presupone
como separado en nuestra conciencia. Esta separación se halla su-
perada en lo bello, por cuanto allí se compenetran perfectamente
lo universal y lo particular, el fin y el medio, el concepto y el ob-
jeto. Y de hecho Kant considera la belleza artística como una con-
cordancia en la que lo particular mismo es adecuado al concepto.
A primera vista lo particular como tal es casual frente a las otras
cosas particulares y frente a lo universal; pero precisamente esto
casual, el sentido, el sentimiento, el ánimo, la tendencia, no sólo
queda subsumido en el arte bajo categorías generales del enten-
dimiento y dominado por el concepto de libertad en su universali-
dad abstracta, sino que, además, se une internamente con ello y
se muestra en y para sí como adecuado a lo mismo. Por consi-
guiente, en lo bello artístico toma cuerpo el pensamiento; y allí la
materia no sólo es determinada exteriormente por el pensamiento,
sino que ella misma existe con libertad, por cuanto lo natural, lo
sensible, el ánimo, etc., tiene medida, fin y concordancia en sí mis-
mo. A su vez, en la belleza artística la percepción y la sensación
están elevadas a la universalidad espiritual, pues el pensamiento
no sólo renuncia a su enemistad frente a la naturaleza, sino que
se alegra también en ella, haciendo que la sensación, el placer y el
disfrute estén legitimados y santificados, con lo cual la naturaleza
y la libertad, la sensibilidad y el concepto hallan su derecho y sa-
tisfacción en una unidad conjunta. Pero también esta reconcilia-
ción en apariencia consumada, a la postre, según Kant, no es más
que subjetiva, tanto en lo relativo al juicio como en lo tocante a
la producción activa, sin alcanzar lo verdadero y real en y para sí.
Estos son los principales resultados de la Crítica de Kant, en
tanto ésta puede interesarnos aquí. Ella constituye el punto de par-
tida para la verdadera comprensión de lo artísticamente bello, si
bien esta comprensión sólo puede afirmarse superando los defec-
tos kantianos y aprehendiendo en una forma superior la verdadera
unidad entre necesidad y libertad, particular y universal, sensible
y racional.

54
 2. Schiller, Winckelmann, Schelling
Es fuerza reconocer que, con anterioridad a la filosofía misma,
el primero en exigir y expresar la totalidad y la reconciliación fue
el sentido artístico de un espíritu profundo, con sobradas dotes
filosóficas, que superó aquella infinitud abstracta del pensamiento,
aquel deber por el deber, aquel entendimiento sin forma, que per-
cibe la naturaleza y la realidad, el sentido y la sensación solamen-
te como un límite, como algo enemigo por completo y contrario
a él. Hay que reconocer a Schiller el gran mérito de haber roto la
subjetividad y abstracción kantiana del pensamiento, osando, más
allá de esto, el intento de concebir intelectualmente la unidad y
la reconciliación como lo verdadero y de realizarlos en forma ar-
tística. Pues Schiller, en sus consideraciones estéticas no sólo se
mantuvo firme en el arte y en sus intereses, sin preocuparse de la
relación con la filosofía auténtica, sino que, por otra parte, com-
paró su interés por lo bello artístico con los principios filosóficos
y, por primera vez desde éstos y con éstos, penetró con mayor pro-
fundidad en la naturaleza y el concepto de lo bello. Se advierte
asimismo en un período de sus obras que él se demoró en el pen-
samiento filosófico más de lo que era necesario para una mirada
sin prejuicios a la belleza de la obra de arte. La intención de re-
flexiones abstractas e incluso el interés por el concepto filosófico
pueden advertirse en algunas de sus poesías. Se ha esgrimido esto
como reproche contra él, en especial para posponerlo a Goethe,
con su equilibrada naturalidad y objetividad, no mancillada por el
concepto. Sin embargo, bajo este aspecto, Schiller, como poeta,
no hizo sino pagar la culpa de su tiempo, y fue una complicidad
en la culpa la que se extendió hasta este ánimo profundo y alma
elevada, para gloria suya y ventaja de la ciencia y del conocimien-
to. En el mismo tiempo, Goethe sustrajo el mismo impulso cientí-
fico a su auténtica esfera, al arte poético. Y si Schiller se hundió
en la consideración de las profundidades internas del espíritu,
Goethe condujo su propia peculiaridad hacia la parte natural del
arte, hacia la naturaleza exterior, hacia los organismos vegetales
y animales, hacia los cristales, las formas de nubes y los colores.
Goethe mostró un gran sentido en ese ámbito de investigación
científica. Y en tal ámbito echó por la borda la mera considera-
ción del entendimiento y su error, lo mismo que Schiller, por otra
parte, frente al enfoque del querer y del pensar bajo la luz del en-
tendimiento, supo resaltar la idea de la libre totalidad y belleza.
Una serie de producciones de Schiller pertenece a esa visión de la
naturaleza del arte, en particular las Cartas sobre la educación
estética. Schiller toma como principal punto de partida el hecho
de que cada hombre individual lleva en sí la disposición para lle-
gar a ser un hombre ideal. Según él, este hombre verdadero es re-
presentado por el Estado, que es la forma objetiva, general, canó-
nica, por así decirlo, en la que la multiplicidad de los sujetos par-

55
ticulares se recapitula e intenta enlazarse en la unidad. Ahora bien,
pueden concebirse dos maneras de encuentro entre el hombre en
el tiempo y el hombre en la idea. Por una parte, de forma que el
estado, como la especie de lo moral, de lo jurídico, de lo inteli-
gente, supere la individualidad; y, por otra parte, de forma que el
individuo se eleve a la especie y el hombre del tiempo se enno-
blezca hasta llegar al de la idea. La razón, según Schiller, exige la
unidad como tal, lo adecuado a la especie, y la naturaleza pide
multiplicidad e individualidad; ambas leyes mandan por igual so-
bre el hombre. En el conflicto entre estas dos partes opuestas, la
educación estética debe realizar precisamente la exigencia de su
mediación y reconciliación, pues, a juicio de Schiller, tiende a for-
mar las inclinaciones, la sensibilidad, los impulsos y el ánimo de
tal manera que la naturaleza se haga racional en sí misma y, en
consecuencia, también la razón, la libertad y la sensibilidad salgan
de su abstracción, a fin de que, unidas con la parte de la natura-
leza, en sí racional, reciban en ella carne y sangre. Lo bello es, por
tanto, la formación unitaria de lo racional y lo sensible, entendida
como lo verdaderamente real. Ya en Sobre la gracia y la dignidad,
lo mismo que en las poesías, este aspecto queda resaltado por el
hecho de que Schiller alaba particularmente a las mujeres, en cuyo
carácter descubre y resalta la unión espontánea de lo espiritual y
lo natural.
Esta unidad de lo general y lo particular, de la libertad y la
necesidad, de lo espiritual y lo natural, que Schiller captó cientí-
ficamente como principio y esencia del arte y que con tenaces es-
fuerzos quiso llevar a la vida real mediante el arte y la formación
estética, más tarde, como la idea misma, se convirtió en principio
del conocimiento y de la existencia. Y así la idea misma fue cono-
cida como lo único verdadero y real. De esa manera, con Schelling
la ciencia alcanzó su punto de vista absoluto.
Y si el arte ya había comenzado a afirmar su naturaleza y dig-
nidad peculiar en relación con los intereses supremos del hombre,
ahora se encontraba también el concepto y el lugar científico del
arte. En efecto, aunque éste bajo cierto aspecto recibiera un enfo-
que torcido (no es aquí el lugar para tratar de ello), sin embargo
fue acogido en su elevado y verdadero destino. Con anterioridad,
Winckelmann se había entusiasmado por la intuición de los idea-
les antiguos. Esto hizo que se despertara en él un nuevo sentido
para la consideración del arte, que se desgajó del punto de vista
de los fines comunes y de la mera imitación de la naturaleza. Este
autor incitó a encontrar la idea del arte en las obras artísticas y
en la historia de aquél. Pues Winckelmann ha de considerarse
como un hombre que en el campo del arte supo abrir un nuevo
órgano y formas totalmente nuevas de consideración para el espí-
ritu. No obstante, su punto de vista influyó poco en la teoría y en
el conocimiento científico del arte.
Por tocar el curso ulterior de la evolución, aunque sólo sea bre-

56
vemente, hagamos una alusión a August Wilhelm y Friedrich von
Schlegel. Estos autores se hallan ya cercanos al nuevo despertar
de la idea filosófica. Ávidos de distinción y de lo llamativo, se
apropiaron de la idea filosófica, en tanto lo permitía la receptivi-
dad de sus naturalezas, que, por lo demás, no eran filosóficas, sino
esencialmente críticas. En efecto, ninguno de los dos puede alzarse
con pretensiones de fama especulativa. Pero fueron ellos los que,
con talento crítico, se situaron en las cercanías del punto de vista
de la idea. Con gran parresia y audacia innovadora, aunque con
precarios ingredientes filosóficos, se lanzaron a una aguda polémi-
ca contra las opiniones anteriores, y así, en diversas ramas del
arte, introdujeron una nueva norma de juicio, así como puntos de
vista que eran superiores a los de los enemigos. Pero como su crí-
tica no iba acompañada por un conocimiento filosófico a fondo de
su norma, ésta contenía algo indeterminado y oscilante, de modo
que los autores en cuestión a veces hacían demasiado y otras de-
masiado poco. Por ello, aunque debe reconocérseles el mérito de
haber sacado a la luz con esmero cosas anticuadas y menosprecia-
das por el tiempo, como la antigua pintura italiana y de los Países
Bajos, los Nibelungos, etc., así como de haber investigado con celo
y dado a conocer cosas poco conocidas, como la poesía y mitología
india, sin embargo, ellos concedieron demasiado valor a tales épo-
cas. A veces cayeron en la admiración de lo mediocre, por ejemplo,
de los saínetes de Holberg, o concedieron una dignidad universal
a lo que sólo era relativamente valioso, o incluso tuvieron la osa-
día de mostrar un entusiasmo supremo por una dirección desviada
y por puntos de vista subordinados.

3. La ironía
A partir de esta dirección y, en especial, de las reflexiones y
doctrinas de Friedrich Schlegel, se desarrolló además bajo múl-
tiples formas la llamada ironía. Bajo uno de sus aspectos, ésta
tuvo su fundamento más profundo en la filosofía de Fichte, en tan-
to los principios de su filosofía fueron aplicados al arte. Friedrich
von Schlegel, lo mismo que Schelling, partieron de la posición fich-
teana, el segundo para superarlo, y el primero para sustraerse a él
después de darle una acuñación peculiar. Por lo que se refiere a la
relación más inmediata de afirmaciones de Fichte con una de las
direcciones de la ironía, basta con que resaltemos el siguiente as-
pecto. Fichte establece el yo y, por cierto, un yo abstracto y for-
mal, como principio absoluto de todo saber, de todo conocimiento
y razón. Este yo es en sí totalmente simple y, por una parte, en
él está negado todo contenido, particularidad y determinación,
pues toda cosa se hunde en esa libertad y unidad abstracta, y, por
otra parte, cualquier contenido que tenga validez para el yo sólo
existe como puesto y reconocido por él. Lo que es, es solamente

57
 por el yo, y lo que es a través de mí, yo puedo igualmente aniqui-
larlo de nuevo.
Pero si nos quedamos en estas formas enteramente vacías, que
toman su origen en la dimensión absoluta del yo abstracto, nada
es valioso como considerado en y para sí; las cosas sólo tienen va-
lor como producidas por la subjetividad del yo. Pero entonces el
yo pasa a ser señor y maestro de todo, y en ninguna esfera de la
moralidad, del derecho, de lo humano y divino, de lo profano y
sagrado hay algo que no deba ser puesto por el yo, el cual puede
asimismo aniquilarlo de nuevo. En consecuencia, todo en y para
sí es mera apariencia, no es verdadero y real por mor de sí, sino
que es un mero aparecer a través del yo, hallándose a libre dispo-
sición de su poder y arbitrio. El conceder validez y el suprimir se
hallan enteramente bajo el arbitrio del yo, que como tal es ya en
sí yo absoluto.
En tercer lugar, el yo es individuo vivo, activo, y su vida con-
siste en hacer su individualidad para sí y para otros, en exteriori-
zarse y darse forma de aparición. Pues todo hombre, en cuanto
vive, intenta realizarse y se realiza. De cara a lo bello y al arte, lo
dicho recibe el sentido de vivir como artista y de configurar la pro-
pia vida artísticamente. Y yo vivo como artista, de acuerdo con
este principio, cuando toda mi acción y exteriorización en general,
en tanto afecta a un contenido, permanece mera apariencia para
mí y asume una forma que se halla enteramente en mi poder. En-
tonces yo no tomo verdaderamente en serio ni este contenido, ni
su exteriorización y realización. Pues la verdadera seriedad sólo se
produce por un interés substancial, por una cosa, verdad, morali-
dad, etc., que tiene contenido en sí misma, por un contenido que
como tal es esencial para mí, de modo que yo sólo me hago esen-
cial para mí mismo en tanto me he sumergido en tal contenido y
me he hecho adecuado a él en todo mi saber y hacer. En aquella
posición donde el yo que lo pone y disuelve todo desde sí es el ar-
tista, a cuya conciencia ningún contenido se presenta como abso-
luto, como válido en y para sí, pues todo contenido se ofrece como
aniquilable apariencia puesta por uno mismo, no hay lugar alguno
para la mencionada seriedad, puesto que sólo se atribuye validez
al formalismo del yo. Es cierto que otros pueden tomar en serio
mi aparición, en la que yo me doy a ellos, pues quizá creen que
yo pretendo de hecho mostrar la cosa misma; pero con ello son
simplemente víctimas de un engaño, son pobres y torpes sujetos,
sin órgano y capacidad para comprender y alcanzar la altura de
mi punto de vista. De esa manera se me muestra que no todos son
tan libres (es decir, formalmente libres) de ver un mero producto
del propio poder arbitrario en todo lo que tiene valor, dignidad y
santidad para el hombre, un producto en el que cada yo puede ha-
cer o dejar de hacer que todo eso tenga validez, sea determinante
para él y lo llene. Este virtuosismo de una vida irónico-artística se
aprehende a sí mismo como una genialidad divina, para la cual

58
todas y cada una de las cosas es tan sólo una criatura sin esencia,
a la que no se ata el creador libre, que se sabe inmune y desligado
de todo, por el hecho de que tanto puede crear como aniquilar.
Quien se halla en ese punto de vista de una genialidad divina, mira
a los demás hombres desde arriba, y éstos se presentan para él
como limitados y vulgares, por cuanto el derecho, la moralidad,
etc., siguen siendo para ellos fijos, obligatorios y esencialmente
válidos. Así, el individuo que vive como artista, ciertamente entra
en relaciones con los demás, vive con amigos, personas amadas,
etc., pero, como genio, tiene por nula esta relación con una reali-
dad determinada, con acciones especiales, así como con lo univer-
sal en y para sí, y se comporta irónicamente frente a esto.
Ésa es la significación general de la genial ironía divina, como
concentración del yo en sí mismo, para el cual están rotos todos
los vínculos y que sólo quiere vivir en la felicidad del propio dis-
frute. Fue Friedrich von Schlegel el que descubrió esta ironía, y
muchos otros han hablado y siguen hablando de ella con mayor o
menor acierto o desacierto.
La forma más inmediata de tal negatividad de la ironía es, por
una parte, la vanidad de todo lo objetivo, de lo moral, de lo que
habría de tener un contenido en sí, la nulidad de todo lo objetivo
y de lo que tiene validez en y para sí. Si el yo se queda en esta po-
sición, todo se presenta para él como nulo y vano, con excepción
de la propia subjetividad, que con ello es también hueca, vacía y
fatua. Por otra parte, el yo no puede encontrarse satisfecho en este
disfrute de sí mismo, sino que tiene que llegar a sentirse deficien-
te, de manera que experimente sed de lo fijo y substancial, de inte-
reses determinados y esenciales. Pero con ello se produce la infe-
licidad y la contradicción de que el sujeto, por una parte, quiere
entrar en la verdad y aspira a la objetividad, pero, por otra parte,
no es capaz de sustraerse a este retraimiento y soledad, ni de des-
ligarse de esta insatisfactoria interioridad abstracta, por lo cual
cae en aquella añoranza que, según hemos visto, surge también de
la filosofía de Fichte. La insatisfacción de este silencio y desvali-
miento —que no puede actuar ni tocar nada, para no renunciar a
la armonía interna, y que, en su aspiración a la realidad y a lo
absoluto, permanece, sin embargo, irreal y vacío, aunque puro en
sí—, hace que surja la enfermiza añoranza y belleza del alma. Pues
un alma verdaderamente bella actúa y es real. Pero tal añoranza
es solamente el sentimiento de la nulidad del vacío sujeto fatuo,
al que falta la fuerza para salir de esta vanidad y poderse llenar
de contenido substancial.
Pero en tanto la ironía se ha convertido en forma de arte, no
se redujo a configurar artísticamente la propia vida y la indivi-
dualidad especial del sujeto irónico, sino que, además de la obra
artística de las propias acciones, etc., el artista tenía que producir
también obras de arte como productos de la fantasía. El principio
de estas producciones, que propiamente sólo pueden brotar en la

59
poesía, es a su vez la representación de lo divino como lo irónico.
Pero lo irónico, como la individualidad genial, consiste en la auto-
aniquilación de lo glorioso, de lo grande, de lo eminente, y, así,
también las obras objetivas de arte sólo tendrían que representar
el principio de la subjetividad absoluta para sí, mostrando como
nulo y en su propia destrucción lo que el hombre tiene de valor y
dignidad. En ello va implicado no sólo que no se toma en serio lo
justo, lo moral, lo verdadero, sino también que no hay nada en lo
elevado y óptimo, por cuanto esto se refuta y aniquila a sí mismo
en su aparición en individuos, caracteres y acciones, con lo cual es
la ironía sobre sí mismo. Esta forma, tomada abstractamente, bor-
dea casi el principio de lo cómico, si bien lo cómico en este paren-
tesco debe distinguirse esencialmente de lo irónico. Pues lo cómico
tiene que limitarse a que, lo que se aniquila a sí mismo, sea algo
nulo en sí mismo, un fenómeno falso y contradictorio, una extrava-
gancia, por ejemplo, una testarudez, un capricho especial frente a
una pasión poderosa o, también, frente a un principio supuesta-
mente sostenible y una máxima firme. Es una cosa totalmente dife-
rente cuando, de hecho, lo moral y verdadero, un contenido subs-
tancial en sí, se representa como nulo en un individuo y a través
de él. Entonces tal individuo es nulo y despreciable en su carácter,
y también se representa la debilidad y falta de carácter. Por ello,
en estas distinciones entre lo irónico y lo cómico, se trata esen-
cialmente del contenido de lo que se destruye. Y este contenido
son los sujetos malos, ineptos, que no pueden permanecer en sus
fines firmes e importantes, sino que renuncian a ellos y los destru-
yen en su persona. La ironía ama esta modalidad de la falta de
carácter. Pues el verdadero carácter incluye, por una parte, un con-
tenido esencial de los fines y, por otra parte, el retener firmemente
el fin, de modo que la individualidad perdería toda su existencia si
hubiera de dejarlo escapar y renunciar a él. Esta firmeza y subs-
tancialidad constituye el tono fundamental del carácter. Catón
sólo puede vivir como romano y republicano. Pero si la ironía se
toma como tono fundamental de la representación, entonces se
toma lo más artificioso como verdadero principio de la obra de
arte. Pues, en parte, aparecen allí figuras vulgares, y otras caren-
tes de contenido y actitud, por cuanto lo substancial se muestra
en ellas como lo nulo; y, en parte, se presentan las mencionadas
añoranzas y contradicciones no resueltas del ánimo. Tales repre-
sentaciones no pueden despertar un interés verdadero. De ahí la
queja frecuente, por parte de la ironía, acerca de la falta de sen-
tido profundo, de visión artística y genio en el público, el cual no
entiende estas alturas de la ironía; es decir, al público no le gusta
esta villanía y eso que, en parte, es ridículo y, en parte, carece de
carácter. Y es bueno que no agraden estas naturalezas sin conte-
nido, añorantes; es un consuelo que tal deslealtad e hipocresía no
resulten atrayentes, sino que hagan aspirar al hombre a intereses

60
plenos y verdaderos, encarnados en caracteres que permanecen fie-
les a sus contenidos importantes.
Como nota histórica deberíamos añadir que, sobre todo, Sol-
ger y Ludwig Tieck asumieron la ironía como principio supremo
del arte.
No es éste el lugar propicio para hablar de Solger " como lo
merece; por eso me conformaré con algunas observaciones. Sol-
ger, a diferencia de muchos otros, no se conformaba con una su-
perficial formación filosófica, sino que su auténtica y más íntima
tendencia especulativa le incitaba a penetrar en la profundidad de
la idea filosófica. Así llegó al momento dialéctico de la idea, al pun-
to que yo llamo «infinita negatividad absoluta», a la actividad de
la idea, que en lo finito y particular se niega a sí misma como lo
infinito y universal, y suprime de nuevo esta negación para resta-
blecer lo universal e infinito en lo finito y particular. Solger se atu-
vo firmemente a tal negatividad y, en todo caso, ésta es un mo-
mento en la idea especulativa, si bien, entendida como mera in-
quietud y disolución dialéctica de lo infinito y de lo finito, es sola-
mente un momento, y no la idea entera, contra lo que Solger pre-
tende. La vida de Solger quedó segada demasiado pronto. Por eso
no pudo llegar a un desarrollo concreto de la idea filosófica. De
ahí que quedara anclado en este aspecto de la negatividad, que está
emparentado con la disolución irónica de lo determinado y de lo
substancial en sí, y en el que él veía el principio de la actividad
artística. Sin embargo, en la realidad de su vida, puesto que goza-
ba de un carácter firme, serio y esmerado, ni fue él mismo un ar-
tista irónico en la forma antes descrita, ni puede decirse que fuera
de naturaleza irónica su profundo instinto para las verdaderas
obras de arte, el cual había sido educado por el estudio duradero
del arte. Dicho sea esto en justificación de Solger, que, por su vida,
filosofía y arte, merece distinguirse de los apóstoles de la ironía a
los que hemos aludido anteriormente.
La formación de Ludwig Tieck procede también de aquel perío-
do en el que Jena ejercía la capitalidad cultural. Tieck, como tan-
tos otros miembros de estos círculos distinguidos, se muestra
muy familiarizado con tales expresiones, pero sin decir lo que
ellas significan. Así Tieck pide constantemente ironía; pero, cuan-
do pasa a enjuiciar las grandes obras de arte, si bien es excelente
el reconocimiento y la descripción de su grandeza, sin embargo,
cuando creeríamos estar ante la mejor oportunidad de que se nos
muestre qué es la ironía en tales obras, por ejemplo en Romeo y
Julieta, nos sentimos francamente defraudados, pues no aparece ni
rastro de ironía.

14. Karl Wilhelm Ferdinand SOLGER (1780-1819), Erwin. Vier Gespräche über das
Schöne und die Kunst, 2 tomos, Berlín, 1815.

61
5.
DIVISIÓN
Después de tantas observaciones preliminares, es hora de que
pasemos al estudio de nuestro objeto mismo. Pero, bajo este as-
pecto, la introducción, en la que todavía nos encontramos, no pue-
de hacer otra cosa que diseñar una visión conjunta del curso que
ha de seguir el desarrollo posterior de nuestro tratado científico.
Ahora bien, como hemos dicho que el arte brota de la idea abso-
luta misma y hemos indicado que su fin es la representación sen-
sible del absoluto, en esta visión de conjunto habremos de mos-
trar, por lo menos en rasgos generales, cómo las dimensiones par-
ticulares del concepto de lo bello artístico se originan a manera
de una representación del absoluto. Por eso intentaremos ofrecer
una representación de este concepto en sus rasgos más generales.
Hemos dicho ya que el contenido del arte es la idea y que su
forma es la configuración imaginativa y sensible de la misma. El
arte tiene que hacer de mediador para que ambas partes consti-
tuyan una totalidad libre y reconciliada. De aquí se desprende
como primera exigencia que el contenido de la representación ar-
tística ha de mostrarse en sí mismo capaz de tal representación.
Pues de otro modo no obtenemos sino un mal enlace, por cuanto
un contenido inflexible a la imagen y a la aparición externa, ten-
dría que asumir esa forma, una materia prosaica por sí misma
habría de encontrar su manera adecuada de aparición en una for-
ma que por naturaleza se le opone. La segunda exigencia, que se
deriva de la primera, pide que el contenido del arte no sea abs-
tracto en sí mismo, lo cual no ha de entenderse en el sentido ex-
clusivo de lo sensible como lo concreto, por oposición a todo lo
espiritual y pensado como lo simple y abstracto en sí. De hecho,
todo lo verdadero del espíritu y de la naturaleza es en sí concreto
y, pese a la universalidad, tiene en sí subjetividad y particularidad.
Si, por ejemplo, decimos acerca de Dios que él es el Uno simple,
la esencia suprema como tal, con ello hemos expresado solamente
una abstracción muerta de un entendimiento desconectado de la
razón. Un Dios así, que no ha sido captado todavía en su verdad
concreta, no aportará ningún contenido para el arte, en especial
para las artes plásticas. De ahí que judíos y turcos, a diferencia de
los cristianos, no pudieran ofrecer una representación artística po-
sitiva de su Dios, que apenas si llega a ser tal abstracción del en-
tendimiento. En el cristianismo, por el contrario, Dios está repre-
sentado en su verdad y, en consecuencia, como concreto en sí,
como persona, como sujeto y, en forma más determinada, como
espíritu. Lo que él es en cuanto espíritu, se explicita para la ma-
nera de entender religiosa como trinidad de personas, que consti-
tuyen a su vez una unidad. Aquí se da la esencia, la universalidad
y lo particular, así como su unidad reconciliada, y por primera
vez esta unidad es lo concreto. Y así como un contenido, para ser
verdadero en general, ha de ser de tipo concreto, de igual manera

62
el arte exige también concreción, pues lo que en sí es tan sólo un
universal abstracto no está destinado a progresar hacia lo particu-
lar, hacia la aparición y la unidad consigo en la misma. En tercer
lugar, si a un contenido verdadero y, por eso, concreto ha de co-
rresponderle una forma y configuración sensible, ésta tiene que
ser a su vez individual en sí, enteramente concreta y singular. El
hecho de que lo concreto corresponde a ambos aspectos del arte,
tanto al contenido como a la representación, es precisamente el
punto en el que coinciden ambos y pueden corresponderse entre
sí, a la manera como, por ejemplo, la forma natural del cuerpo hu-
mano es sensiblemente concreta, y como tal es capaz de represen-
tar al espíritu concreto y de mostrarse adecuado a él. Así, pues,
es inadmisible la idea de que se deba a la mera casualidad el he-
cho de que se tome una aparición real del mundo exterior para
tal forma verdadera. Pues el arte no asume esta forma ni porque
la encuentre dada así, ni porque no haya ninguna otra. Más bien,
el contenido concreto mismo implica también la dimensión de una
aparición exterior y real, de una aparición sensible. En consecuen-
cia, esa dimensión sensible y concreta, en la cual se acuña un con-
tenido que según su esencia es espiritual, es esencial para lo inte-
rior. Lo exterior de la forma, por cuya mediación el contenido se
hace intuible y representable, tiene la finalidad de estar ahí sola-
mente para nuestro ánimo y espíritu. Ésta es la única razón de
que el contenido y la forma artística estén configurados en recí-
proca compenetración. Lo que es tan sólo sensiblemente concreto,
la naturaleza externa como tal, no tiene su origen exclusivo en esa
finalidad. El variado colorido en el plumaje de las aves sigue res-
plandeciendo aunque no lo veamos, y su canto no se extingue cuan-
do dejamos de oírlo. El cirio, que florece una sola noche, se mar-
chita sin ser admirado en las soledades de los bosques del sur; y
estos bosques mismos, trenzados de la más bella y exuberante ve-
getación, y mecidos en los más aromáticos olores, también se con-
sumen y marchitan sin que nadie goce de ellos. En cambio, la obra
de arte no existe tan despreocupadamente para sí misma, sino que
es esencialmente una pregunta, una interpelación al pecho para
provocar una resonancia, es una llamada a los ánimos y espíritus.
Aunque, bajo este aspecto, la dimensión sensible del arte no
es casual, a la inversa, tampoco es la forma suprema de aprehen-
der lo espiritualmente concreto. La forma superior frente a la re-
presentación a través de lo sensiblemente concreto es el pensa-
miento, que, si bien es abstracto en un sentido relativo, sin embar-
go, para ser verdadero y racional, no puede ser unilateral, sino
que ha de ser pensamiento concreto. La diferencia en la medida
en que un determinado contenido tiene como forma adecuada la
representación sensible del arte o, por el contrario, exige según
su naturaleza una forma superior, más espiritual, se pone inme-
diatamente de manifiesto, por ejemplo, en la comparación de los
dioses griegos con el Dios que se ofrece a nuestra representación

63
en el cristianismo. El dios griego no es abstracto, sino que es indi-
vidual y se halla cercano a la forma natural; el Dios cristiano tam-
bién es una personalidad concreta, pero es tal como espiritualidad
pura, y ha de ser sabido como espíritu y en el espíritu. Por ello,
el elemento de su existencia es esencialmente el saber interior y
no la forma natural externa, a través de la cual sólo podría repre-
sentarse imperfectamente y no según toda la profundidad de su
concepto.
Ahora bien, el arte tiene la tarea de representar la idea para la
intuición inmediata en forma sensible y no bajo la forma del pen-
samiento y de la espiritualidad pura. Y esta representación tiene
su valor y dignidad en la correspondencia y unidad entre ambas
partes, entre la idea y su forma. En consecuencia, la altura y exce-
lencia del arte en la realidad correspondiente a su concepto de-
penderá del grado de interioridad y unidad en que la idea y la
forma aparezcan elaborados en recíproca compenetración.
Esta verdad superior, debida al grado de espiritualidad que ha
logrado la configuración adecuada al concepto de espíritu, ofrece
el punto de partida para la división de la ciencia del arte. Pues el
espíritu, antes de llegar al concepto de su esencia absoluta ha de
recorrer diversos estadios que se fundan en ese concepto mismo.
Y al despliegue del contenido que él se da a sí mismo corresponde
un curso correlativo de configuraciones artísticas, en cuya forma
el espíritu, como artístico, se da a sí mismo la conciencia de sí.
Este curso del espíritu artístico tiene por su propia naturaleza
dos aspectos diferentes. En primer lugar, esa evolución es espiri-
tual y universal, por el hecho de que se configura artísticamente
la serie sucesiva de determinadas concepciones del mundo, enten-
didas como la conciencia determinada, pero envolvente de lo natu-
ral, de lo humano y de lo divino. En segundo lugar, la evolución
interna del arte tiene que darse existencia inmediata y sensible,
y las formas determinadas de la existencia sensible del arte son
a su vez una totalidad de diferencias necesarias del arte, a saber,
las artes particulares. Ciertamente, la configuración artística y sus
diferencias, como espirituales, son de tipo general, y no están li-
gadas a un material, de modo que la existencia sensible se dis-
tingue a su vez de múltiples maneras; ahora bien, de suyo, lo
mismo que el espíritu tiene su alma interna en el concepto, de
igual manera un determinado material sensible guarda una rela-
ción más estrecha y una secreta concordancia con las diferencias
espirituales y las formas de la configuración artística.
Sin embargo, la división completa de nuestra ciencia compren-
de tres partes principales.
Primeramente una parte general, cuyo contenido y objeto es la
idea general de lo bello artístico como el ideal, así como su rela-
ción con la naturaleza, por una parte, y con la producción subje-
tiva del arte, por otro.
Segundo, a partir del concepto de lo bello artístico se desarro-

64
lia una parte especial, por el hecho de que las diferencias esen-
ciales que ese concepto contiene en sí se desarrollan en una serie
sucesiva de formas especiales de configuración.
En tercer lugar, tenemos una última parte que debe considerar
los modos singulares de lo bello artístico, por cuanto el arte pro-
gresa hacia la realización sensible de sus formas y se redondea
en un sistema de las artes particulares y de sus géneros y especies.
I. Por lo que se refiere a la primera y segunda parte, para ha-
cer comprensible lo que sigue, hemos de recordar que la idea,
entendida como lo bello artístico, no es la idea en cuanto tal, la
que la lógica metafísica intenta comprender como el absoluto,
sino la idea que ha salido a configurarse a manera de realidad y
se halla en una unidad de correspondencia inmediata con esta
realidad. Pues, ciertamente, la idea como tal es lo verdadero mis-
mo en y para sí, pero es lo verdadero según su universalidad toda-
vía no objetivada. En cambio, la idea, entendida como lo bello
artístico, tiene la determinación más concreta de ser por esencia
realidad individual, así como una configuración individual de la
realidad, la cual lleva inherente la característica esencial de hacer
que aparezca la idea. Con ello hemos expresado ya la exigencia de
que la idea y su configuración como realidad concreta han de ha-
llarse en una completa adecuación recíproca. Así entendida la
idea, como realidad configurada en concordancia con su concepto,
es el ideal. Ahora bien, la tarea de tal correspondencia podría en-
tenderse de manera totalmente formal, en el sentido de que la
idea puede hacerse esta o la otra idea determinada con la única
condición de que la forma real, cualquiera que ella sea, represente
precisamente esta idea determinada. En tal caso, la necesaria ver-
dad del ideal se confunde con la mera corrección, la cual consiste
en que una determinada significación quede expresada en la for-
ma correspondiente, de modo que su sentido pueda volver a en-
contrarse inmediatamente en la forma. El ideal no ha de tomarse
en este sentido. Pues un determinado contenido puede representar-
se adecuadamente y por entero según la norma de su esencia, sin
que por ello vaya a tener pretensiones de ser el ideal de lo bello
artístico. Es más, en comparación con la belleza ideal, la represen-
tación parecerá incluso deficiente. En este sentido, hemos de no-
tar de antemano lo que sólo más tarde podremos mostrar, a saber,
que la deficiencia de la obra de arte no siempre habrá de conside-
rarse como falta de habilidad subjetiva, puesto que la deficiencia
d e la forma emana también de la deficiencia del contenido. Así,
por ejemplo, los chinos, los indios, los egipcios, en sus formas ar-
tísticas, imágenes de dioses e ídolos, se quedaron en lo informe o
en una forma con determinación mala o falta de verdad, y no
pudieron apoderarse de la belleza porque sus representaciones
mitológicas, el contenido y el pensamiento de sus obras artísticas,
eran todavía indeterminados en sí o tenían una mala determina-

6?
ción, no eran el contenido absoluto en sí mismo. Por ello, cuanto
más primorosas llegan a ser las obras de arte, tanto más profunda
es la verdad interna que reviste su contenido y pensamiento. A este
respecto, no hemos de atender solamente a la mayor o menor ha-
bilidad con que se captan e imitan las formas naturales, tal como
están dadas en la realidad exterior. Pues, en determinados esta-
dios de la conciencia y representación artísticas, el abandono y la
desfiguración de las formas naturales no se deben a una falta de
ejercitación técnica, carente de intención, sino a un cambio inten-
cionado, que parte del contenido presente en la conciencia y es
exigido por él. Desde este punto de vista, hay un arte imperfecto
que en su esfera determinada puede ser enteramente consumado
en su dimensión técnica, así como en otras dimensiones, y, sin em-
bargo, parecer defectuoso de cara al concepto del arte y al ideal.
Sólo en el arte supremo la idea y la representación se correspon-
den entre sí verdaderamente, en el sentido de que la forma de la
idea es en sí misma la forma verdadera en y para sí, porque el
contenido de la idea que aquélla expresa es él mismo el verdadero.
Esto incluye, según hemos insinuado ya, que la idea esté determi-
nada en sí misma y por sí misma como totalidad concreta, de
modo que tenga en sí el principio y la medida de su particulariza-
ción y determinación. Por ejemplo, la fantasía cristiana sólo podrá
representar a Dios en forma humana y en su expresión espiritual,
porque aquí Dios mismo es conocido enteramente como espíritu en
sí. Por así decirlo, la determinación es el puente hacia la apa-
rición. Donde esta determinación no es una totalidad que fluye de
la idea misma, donde la idea no es representada como la que
se determina y particulariza a sí misma, permanece abstracta,
y no tiene en sí, sino fuera de sí, la determinación y, con ello,
el principio de la forma de aparición particular que es adecuada
a ella. Por eso, la idea todavía abstracta no tiene aún la forma
como puesta por sí misma, sino que la tiene como algo exter-
no. Por el contrario, la idea concreta en sí lleva en sí misma el
principio de su propia forma de aparición, con lo cual es su pro-
pio configurar libre. De esa manera la idea verdaderamente con-
creta produce la forma verdadera, y esta correspondencia de am-
bas es el ideal.
II. Pero como así la idea es unidad concreta, esta idea a su
vez sólo puede penetrar en la conciencia artística por el desplie-
gue y la nueva mediación de los momentos particulares de la
idea, y gracias a esa evolución la conciencia artística recibe una
totalidad d e estadios y formas particulares. Por tanto, una vez
que hemos considerado lo bello artístico en y para sí, hemos de
ver cómo el todo de lo bello se despliega en sus determinaciones
especiales. Así obtendremos como segunda parte la doctrina d e
las formas del arte. Estas formas tienen su origen en las formas
diferentes de captar la idea como contenido, lo cual condiciona una

66
diferencia de la configuración en la que ella aparece. En conse-
cuencia, las formas del arte no son sino los diversos tipos de rela-
ción entre contenido y forma, relaciones que brotan de la idea
misma y ofrecen así el verdadero fundamento para la división de
esa esfera. Pues la división tiene que radicar siempre en el con-
cepto, cuya particularización y división es.
Hemos de considerar aquí tres relaciones de la idea con su
forma.
1. En primer lugar, la idea constituye el principio en tanto
ella, hallándose todavía en la indeterminación y falta de claridad,
o en una determinación mala, carente de verdad, se convierte en
contenido de las formas del arte. Como indeterminada, todavía
no tiene en sí misma aquella individualidad que reclama el ideal;
su abstracción y unilateralidad hace que la forma exterior sea de-
ficiente y casual. Por eso, la primera forma del arte es más un
mero buscar la configuración que una facultad de verdadera repre-
sentación. La idea todavía no ha encontrado la forma en sí misma
y, por esto, permanece todavía un esfuerzo por conseguirla y una
aspiración a ella. Podemos dar a esta forma la denominación gene-
ral de forma simbólica del arte. Aquí la idea tiene la forma fuera
de sí misma, en la materia natural sensible; el configurar parte
ahora de ella y queda ligado a ella. Los objetos de la intuición
natural, por una parte, son dejados tal como son, pero a la vez
se pone en su interior la idea sustancial como su significación, de
modo que ellos reciben ahora la tarea de expresarla y han de ser
interpretados como si la idea estuviera presente en los mismos.
Esto implica que los objetos de la realidad llevan en sí un aspecto
por el que son capaces de representar una significación general.
Pero como todavía no es posible una correspondencia perfecta,
esa referencia sólo puede afectar a una determinación abstracta,
como cuando, por ejemplo, con el león significamos la fuerza.
En tal relación abstracta se hace consciente, por otra parte, la
lejanía entre la idea y la manifestación natural. Y cuando la idea,
que ya no da expresión a ninguna otra realidad, sale a la luz en
todas estas formas y se busca allí en medio de la inquietud y falta
de medida de las mismas, pero sin poderse encontrar adecuada-
mente en ellas, entonces eleva a lo indeterminado y desmedido las
formas de la naturaleza y los fenómenos de la realidad. Vacila en
su entorno, se prepara y fermenta a su vera, les inflige violencia,
las desfigura y extiende de manera innatural, con el fin de elevar la
aparición a la idea mediante la dispersión, la desmesura y el lujo
de las formas. Pues la idea es todavía aquí lo más o menos inde-
terminado, lo incapaz de recibir forma, mientras que los objetos
naturales son plenamente determinados en su forma.
Por eso, dada la inadecuación entre ambos polos, la relación
de la idea con la objetividad se hace negativa, pues ella misma,
como interior, está descontenta con tal exterioridad y se mantiene
elevada sobre toda esta plenitud de formas, que no le corres-

67
 ponden, como su interior substancia general. Por supuesto, en di-
cha elevación, la aparición natural y la figura y datos humanos
se toman y dejan tal como son, aunque se conocen también como
inadecuados a su significación, que descuella sobre todo contenido
del mundo.
Dichos aspectos constituyen en general el carácter del primer
panteísmo artístico en Oriente, el cual, por una parte, pone la
significación absoluta incluso en los peores objetos, y, por otra
parte, fuerza violentamente las formas de manifestación para que
expresen su concepción del mundo. Con ello se hace bizarro, gro-
tesco y falto de gusto, o bien, despreciando la libertad infinita,
pero abstracta de la sustancia, se vuelve contra todas las apari-
ciones como nulas y perecederas. Con ello la significación no pue-
de acuñarse perfectamente en la expresión, y, pese a tanta aspira-
ción e intento, se mantiene, sin embargo, la inadecuación entre
idea y forma. Ésta es la primera forma de arte, la simbólica, con
su búsqueda, efervescencia, enigma y elevación.
2. En la segunda forma de arte, que denominaremos la clásica,
está borrado el doble defecto de la forma simbólica. Ésta es im-
perfecta porque, de un lado, la idea entra en la conciencia sola-
mente en una determinación o indeterminación abstracta, y, de
otro lado, por ello mismo la coincidencia entre significación y
forma tiene que permanecer deficiente y abstracta. Como disolu-
ción de este doble defecto, la forma clásica del arte es la libre
acuñación adecuada de la idea en la forma que propiamente per-
tenece a ella según su concepto, con la cual, en consecuencia,
puede llegar a una concordia libre y perfecta. Así, por primera
vez la forma clásica da la producción e intuición del ideal consu-
mado y lo establece como realizado.
Sin embargo, la adecuación entre concepto y realidad en lo clá-
sico, lo mismo que en lo tocante al ideal, no puede tomarse en
el sentido meramente formal de la coincidencia de un contenido
con su configuración externa. De otro modo, todo retrato de la na-
turaleza, toda fisonomía, región, flor, escena, etc., que constituye
el fin y contenido de la representación, sería ya clásico por esa
congruencia de contenido y forma. Por el contrario, en lo clásico
la peculiaridad del contenido consiste en que él mismo es idea
concreta y como tal es lo espiritual concreto; pues sólo lo espi-
ritual es lo verdaderamente interior. Y de cara a ese contenido
hay que preguntar ¿qué es aquello, entre todo lo natural, que de
por sí corresponde a lo espiritual en y para sí? Tiene que ser el
concepto original mismo el que ha inventado la forma para la es-
piritualidad concreta, de modo que ahora el concepto subjetivo
—en nuestro caso el espíritu del arte— no ha hecho sino encon-
trarlo y hacerlo adecuado, como existencia natural informada, a
la libre espiritualidad individual. Esta forma, que tiene en sí mis-
ma la idea como espiritual —y, por cierto, la espiritualidad deter-
minada individualmente—, cuando tiene que salir a la aparición

n
 temporal es la forma humana. Con frecuencia el personificar y hu-
manizar han sido denigrados como si fueran una degradación de
lo espiritual. Pero el arte, en tanto tiene que conducir lo espiritual
a la intuición sensible, no puede menos de pasar a esta humaniza-
ción, pues el espíritu sólo en el cuerpo humano aparece de mane-
ra adecuadamente sensible. Bajo este aspecto la metempsícosis es
una representación abstracta, y la fisiología debería considerar
como uno de sus principios fundamentales el hecho de que lo vivo
en su evolución tiene que progresar necesariamente hacia la for-
ma del hombre como única aparición sensible adecuada al espí-
ritu.
Pero, en el arte clásico, el cuerpo humano en sus formas ya no
es mera existencia sensible, sino que está allí solamente como
existencia y forma natural del espíritu, por lo cual ha de estar sus-
traído a la indigencia de lo meramente sensible y a la finitud ca-
sual de la aparición. Así la forma queda purificada para expresar
en sí el contenido adecuado a ella. Y, por otra parte, si la con-
cordancia entre significación y forma ha de ser perfecta, también
la espiritualidad, que constituye el contenido, ha de ser de tal ín-
dole que sea capaz de expresarse en la forma natural del hombre,
sin descollar por encima de esta expresión en lo sensible y cor-
poral. Con ello el espíritu queda determinado aquí como más par-
ticular, como más humano, no como el espíritu totalmente absolu-
to y eterno, pues éste sólo puede expresarse y manifestarse como
espiritualidad.
Y, a su vez, ese defecto es el punto en el que se disuelve la
forma del arte clásico y exige la transición a un tercer estadio más
elevado, a saber, el romántico.
3. La forma del arte romántico suprime de nuevo la unión
consumada de idea y realidad y, en un nivel superior, se pone en
la diferencia y oposición de ambas dimensiones, en aquella dife-
rencia que la forma simbólica del arte aún no había logrado supe-
rar. En efecto, la forma clásica del arte había logrado lo máximo
que la manifestación sensible puede alcanzar, y si en ella hay algo
defectuoso, eso se debe al arte mismo y a la limitación de la esfe-
ra artística. Esa limitación se debe al hecho de que el arte en ge-
neral objetiva de manera sensiblemente concreta lo que, según su
concepto, es el infinito universal concreto, el espíritu; y en su for-
ma clásica el arte establece una unidad consumada de la exis-
tencia espiritual y de la sensible como correspondencia de am-
bas. Pero, de hecho, en esa fusión el espíritu no es representado
según su verdadero concepto. Pues el espíritu es la subjetividad in-
finita de la idea, la cual, como interioridad absoluta, no puede con-
figurarse libremente desde sí misma y para sí misma si perma-
nece derramada en lo corporal como existencia adecuada a ella.
En virtud de este principio, la forma romántica del arte suprime
de nuevo la unidad indivisa de lo clásico, pues ha logrado un con-
tenido que va más allá de la forma clásica del arte y de su mane-

7?
ra de expresión. Este contenido coincide con la conocida concep-
ción cristiana de Dios como espíritu, a diferencia de los dioses
griegos, que eran el contenido esencial y adecuado de la forma
clásica. En ésta el contenido concreto en sí es la unidad de la na-
turaleza humana y de la divina, una unidad que, porque es sola-
mente inmediata y en sí, llega también a su manifestación adecua-
da en forma inmediata y sensible. El dios griego es para la intui-
ción ingenua y para la representación sensible. Por eso, tiene su
forma en lo corporal del hombre, y el círculo de su poder y de su
esencia es algo individual de tipo particular, una substancia y un
poder frente al sujeto, con los cuales el interior subjetivo está en
unidad solamente en sí, pero no posee esa unidad como saber sub-
jetivo interno. Y el estadio superior es ahora el saber de esta uni-
dad que es en sí, la cual en la forma clásica del arte era el con-
tenido según su representabilidad consumada en lo corporal. Aho-
ra bien, esa elevación del en sí al saber consciente de sí mismo
trae consigo una diferencia enorme. Se trata de la diferencia in-
finita que separa al hombre, por ejemplo, del animal. El hombre
es animal, pero incluso en sus funciones animales no se queda
en un en sí como el animal, sino que se hace consciente de ellas,
las conoce y las eleva a ciencia consciente, tal como hace, por
ejemplo, con el proceso de digestión. Con ello el hombre desata
el límite de la inmediatez que es en sí, de modo que, precisamente
porque sabe que es animal, deja de ser animal y se da el saber de
sí mismo como espíritu. Si, de esa manera, el en sí del estadio
anterior, la unidad de la naturaleza humana y de la divina, es ele-
vado de una unidad inmediata a una unidad consciente, entonces
el verdadero elemento para la realidad de este contenido ya no
es la inmediata existencia sensible de lo espiritual, la forma cor-
poral humana, sino la interioridad consciente d e sí misma. Por
eso, el cristianismo, porque representa a Dios como espíritu, y no
como individual y especial, sino como absoluto, porque lo repre-
senta en espíritu y en verdad, se aleja de lo sensible de la repre-
sentación y se recoge en la interioridad espiritual, haciendo que
sea ésta y no lo corporal el material y la existencia de su conte-
nido. Asimismo, la unidad de la naturaleza humana y de la divina
es una unidad sabida, la cual sólo puede realizarse por el saber
espiritual y en el espíritu. Por eso, el nuevo contenido así logrado
no está vinculado a la representación sensible, como correspon-
diente a él, sino que se libera de esta existencia inmediata, que
ha de ser puesta negativamente, superada y sometida a reflexión
en la unidad espiritual. Así, el arte romántico es el arte que se
trasciende a sí mismo, si bien dentro de su propio ámbito y bajo
la forma artística misma.
Por ello, podemos decir brevemente que en este tercer estadio
el objeto es la libre espiritualidad concreta, que, como espirituali-
dad, tiene que aparecer para el interior espiritual. El arte, medi-
do en este objeto, ya no puede trabajar para la intuición sensi-

70
ble, sino para la interioridad, que se recoge en sí y encuentra el
objeto en su propio interior, para la interioridad subjetiva, para
el ánimo, para el sentimiento, que como espiritual aspira a la li-
bertad en sí mismo y busca y tiene su reconciliación solamente en
el espíritu interior. Este mundo interior constituye el contenido
de lo romántico y, por eso, tendrá que ser representado como tal
interior y con la apariencia de tal interioridad. La interioridad ce-
lebra su triunfo sobre lo exterior y hace que este triunfo aparezca
en lo exterior mismo, con lo cual queda desvirtuada la aparición
sensible.
Por otra parte, también esta forma, como todo arte, necesita
de lo exterior para su expresión. Ahora bien, en tanto la espiritua-
lidad se ha retirado hacia sí desde lo exterior y desde la unidad in-
mediata con ello, la exterioridad sensible de la forma, lo mismo
que en el arte simbólico, es asumida y representada como inesen-
cial y transitorio y, de igual manera, el espíritu y la voluntad sub-
jetivos y finitos son asumidos y representados hasta en lo parti-
cular y arbitrario de la individualidad, del carácter, de la acción,
de la aventura, del embrollo, etc. La dimensión de la existencia
exterior queda confiada a la casualidad y a las aventuras de la fan-
tasía, cuyo capricho lo mismo puede reflejar lo dado tal como está
dado, que arrojar revueltas y desfigurar en manera grotesca las
formas del mundo exterior. Pues, a diferencia de lo clásico, lo ex-
terno ya no tiene el concepto y la significación en sí mismo, sino
en el ánimo, que ya no encuentra su aparición en lo exterior y en
su forma de realidad, sino en sí mismo. Y el ánimo es capaz de
conservar o recuperar la reconciliación consigo en medio de todo
lo casual, en medio de lo accidental que se configura para sí, en
medio de la desgracia y del dolor, e incluso en medio del delito
mismo.
Con ello, al igual que en lo simbólico, aparece de nuevo la indi-
ferencia, la inadecuación y separación entre la idea y la forma, si
bien con la diferencia esencial de que en lo romántico la idea,
cuya deficiencia en el símbolo producía el defecto de la forma,
ahora tiene que aparecer consumada en sí como espíritu y ánimo.
Por razón de esa consumación superior, se sustrae a la unión co-
rrespondiente con lo exterior, por cuanto sólo puede buscar y rea-
lizar en sí su verdadera realidad y aparición.
En términos generales, éste es el carácter de la forma simbóli-
ca, clásica y romántica del arte como las tres relaciones de la idea
con su forma en el ámbito artístico. Las tres formas consisten en
la búsqueda, la consecución y la superación del ideal como la ver-
dadera idea de la belleza.
III. En contraste con las dos primeras partes, la tercera pre-
supone el concepto del ideal y las formas generales del arte, por
cuanto ella es solamente la realización de las mismas en un deter-
minado material sensible. Ppr eso, ahora ya no tepemos que ha-

71
bérnoslas con el desarrollo interno de la oeiieza artística según
sus generales determinaciones fundamentales, sino que hemos
de considerar cómo estas determinaciones aparecen en la exis-
tencia, se distinguen hacia fuera y realizan cada momento del
concepto de belleza en forma autónoma para sí misma como obra
de arte, y no como forma solamente general. Pero como ahora son
las diferencias propias, inmanentes a la idea de la belleza, las
que el arte traduce a la existencia exterior, en esta tercera parte
las formas generales del arte tienen que mostrarse como la deter-
minación fundamental para la articulación y delimitación de las
artes particulares. O bien, por decirlo de otro modo, las formas del
arte llevan en sí las mismas diferencias esenciales que se nos pre-
sentaban en las formas generales del arte. La objetividad exterior
en la que toman cuerpo estas formas a través de un material sen-
sible y, por eso, especial, hace que ellas se desplieguen en las artes
particulares, en tanto cada forma encuentra su realización adecua-
da en un determinado material externo y en su forma de represen-
tación. Por otra parte, esas formas del arte, como formas generales
en su determinación, rebasan también su realización especial a
través de un determinado tipo de arte, y logran igualmente su exis-
tencia a través de las otras artes, si bien en manera subordinada.
Por eso, las artes particulares, de un lado, pertenecen específica-
mente a una de las formas generales del arte y constituyen su
adecuada realidad artística exterior, y, de otro lado, en su forma
de configuración externa representan la totalidad de las formas del
arte.
Por tanto, en la tercera parte tenemos que habérnoslas de ma-
nera general con lo bello artístico, tal como esto se desarrolla en
un mundo de belleza realizada en las artes y en sus obras. El con-
tenido de este mundo es lo bello, y lo bello verdadero, según veía-
mos, es la espiritualidad configurada, el ideal y, más en concreto,
el espíritu absoluto, la verdad misma. Esta región de la verdad
divina, representada artísticamente para la intuición y el senti-
miento, constituye el punto central del mundo entero del arte
como la forma autónoma, libre, divina que se ha apropiado com-
pletamente lo exterior de la forma y del material, y sólo lo lleva
en sí como manifestación de sí misma. Pero como lo bello se de-
sarrolla aquí a manera de realidad objetiva y así se distingue se-
gún la particularidad autónoma de los aspectos y momentos parti-
culares, en consecuencia este centro, en cuanto devenido realidad
auténtica, se contrapone a sus extremos. Uno de esos extremos es
la objetividad carente todavía de espíritu, el mero entorno natu-
ral del dios. Aquí se configura lo exterior como tal, que no tiene
en sí, sino en otro, su fin y contenido espiritual.
El otro extremo, por el contrario, es lo divino, como interior y
sabido, en cuanto múltiple y particular existencia subjetiva de la
divinidad. Es la verdad tal como está operante y viva en el espíritu
de los sujetos particulares, ya no derramada en su forma exterior,

72
sino retornada al interior subjetivo e individual. Con ello lo divino
en cuanto tal queda diferenciado de su manifestación pura como
divinidad, y entra así en el reino de lo particular, que pertenece a
todo saber, sentir, intuir y percibir en su condición subjetiva e in-
dividual. En el campo análogo de la religión, con la que el arte
en su estadio supremo se halla en relación inmediata, encontramos
la misma diferencia en el sentido de que, por un lado, se halla la
vida terrestre, natural en su finitud, y luego, en segundo lugar,
la conciencia convierte para sí misma a Dios en objeto, mante-
niendo así la distinción entre subjetividad y objetividad, hasta lle-
gar finalmente a Dios en el culto de la comunidad, al Dios que está
vivo y presente en la conciencia subjetiva. Estas tres diferencias
principales aparecen también con un desarrollo autónomo en el
mundo del arte.
1. La primera de las artes particulares, con la que debemos
iniciar esta determinación fundamental, es la arquitectura bella.
Su tarea consiste en elaborar la naturaleza exterior inorgánica, de
modo que ésta quede emparentada con el espíritu como mundo ex-
terior adecuado al arte. Su material es lo material mismo en su
exterioridad inmediata como masa mecánica pesada, y sus formas
son las de la naturaleza inorgánica, que el entendimiento ordena
según relaciones abstractas de simetría. Puesto que en tales for-
mas y material no puede realizarse el ideal como espiritualidad
concreta y, con ello, la realidad representada se mantiene externa
e impenetrada frente a la idea, o se mantiene frente a ella en una
relación abstracta, en consecuencia el tipo fundamental de la ar-
quitectura es la forma simbólica del arte. Pues la arquitectura pre-
para solamente el camino a la realidad adecuada de Dios y force-
jea a su servicio con la naturaleza objetiva, para trabajarla arran-
cándola de los matorrales de la finitud y de la informidad casual.
Así allana el camino para Dios, da forma a su entorno exterior y
le edifica su templo como el espacio para la concentración interior
y para la dirección hacia los objetos absolutos del espíritu. Hace
subir un cerco para la concentración de los congregados, como
protección contra la amenaza de la tormenta, contra la lluvia, el
mal tiempo y los animales salvajes, y revela un quererse concen-
trar, si bien en forma exterior, aunque adecuada al arte. La ar-
quitectura puede acuñar más o menos esta significación a su ma-
terial y a sus formas, según que la determinación del contenido
para el que trabaja sea más o menos importante, más concreto o
más abstracto, más profundo o más oscuro y superficial. En ese
sentido, puede querer ir tan lejos que en sus formas y material
proporcione una adecuada existencia artística a dicho contenido;
pero entonces ha rebasado ya su propio territorio y ha iniciado
su oscilación hacia un estadio más elevado, la escultura. Pues su
límite está en que mantiene lo espiritual como interior frente a
sus formas externas, y así indica lo lleno de alma tan sólo a ma-
nera de una cosa diferente.

73
 2. Así, mediante la arquitectura, el mundo exterior inorgánico
queda purificado, ordenado simétricamente y emparentado con el
espíritu; y el templo de Dios, la casa de su comunidad, está ante
nosotros acabado. En segundo lugar, Dios mismo entra en este
templo, por cuanto el rayo de la individualidad cae en la masa pe-
sada, la penetra, y la infinita forma misma del espíritu, ya no su
mera forma simétrica, concentra la corporalidad y la configura.
Ésta es la tarea de la escultura. Por el hecho de que en ella el inte-
rior espiritual, que en la arquitectura sólo podía insinuarse, inha-
bita en la forma sensible y en su material exterior, de modo que
ambas dimensiones se acuñan la una en la otra sin predominar
ninguna, la escultura tiene su tipo fundamental en la forma clá-
sica del arte. De ahí que lo sensible por sí mismo no retenga nin-
guna expresión que no sea la de lo espiritual, lo mismo que, a la
inversa, la escultura no puede representar con perfección ningún
contenido espiritual que no pueda plasmarse adecuadamente en
forma corporal. Pues por la escultura el espíritu ha de estar silen-
cioso y feliz en su forma corporal, en unidad inmediata con ella,
y la forma ha de estar vivificada por el contenido de la individua-
lidad espiritual. Así, el material sensible externo ya no es elabora-
do meramente según su cualidad mecánica, como masa pesada, ni
bajo las formas de lo inorgánico, como indiferentes todavía frente
al color, etc., sino en las formas ideales de la figura humana, y
esto según la totalidad de las dimensiones espaciales. Bajo este
último aspecto, hemos de constatar en relación con la escultura
que en ella aparece primeramente lo interior y espiritual en su
quietud eterna y en su autonomía esencial. A esa quietud y unidad
consigo corresponde solamente aquel exterior que se mantiene él
mismo en tal unidad y quietud. Y este exterior es la forma según
su espacialidad abstracta. El espíritu representado en la escultura
es el que está profundizado en sí mismo, no el astillado en el jue-
go de las casualidades y pasiones. Por eso, la escultura no abando-
na lo exterior a semejante multiplicidad en su aparición, sino que
aprehende allí únicamente el aspecto de la espacialidad abstracta
en la totalidad de sus dimensiones.
3. Cuando la arquitectura ha ejecutado ya el templo y la mano
escultórica ha puesto allí la estatua del dios, en tercer lugar, en
los amplios espacios de su casa se halla enfrente la comunidad.
Ella es la reflexión espiritual en sí misma de aquella existencia
sensible, es la subjetividad e interioridad animada, por la que la
particularización, la singularización y su subjetividad se convier-
ten en el principio determinante para el contenido del arte, lo mis-
mo que para el material que representa externamente. La unidad
ensimismada del dios en la escultura se rompe en la multiplicidad
de la interioridad singularizada, cuya unidad no es sensible, sino
simplemente ideal. Y por primera vez así es Dios mismo en ese ir
de aquí para allá, como este cambio de la unidad en sí y realiza-
ción en el saber subjetivo y en su particularización, como univer-

74
salidad y unión de los muchos, por primera vez así es verdadera-
mente espíritu, el espíritu en su comunidad. En ésta Dios está sus-
traído tanto a la abstracción de una identidad cerrada en sí mis-
ma, como a la sumersión inmediata en la corporalidad, según la
manera que la escultura tiene de representarlo, y queda elevado a
la espiritualidad y al saber en este reflejo, que aparece como esen-
cialmente interior y como subjetividad. Con ello el contenido su-
perior es ahora lo espiritual y, por cierto, como absoluto. Sin em-
bargo, a causa del mencionado desmembramiento, aparece a la
vez como espiritualidad particular, como ánimo particular. Y pues-
to que se presenta como asunto principal, no el descanso sin ne-
cesidades del dios en sí mismo, sino el aparecer en general, el ser
para otro, el manifestarse, ahora se hace objeto de la represen-
tación artística la abigarrada subjetividad en su vivo movimiento
y actividad como pasión humana, como acción y acontecimiento,
en general, el amplio campo del sentir, querer y omitir humanos.
Y ahora el elemento sensible del arte ha de mostrarse igualmente
como particularizado en sí mismo y adecuado a la interioridad
subjetiva. Lo que ofrece tal material es el color, el tono y, final-
mente, el tono como mera designación de intuiciones y representa-
ciones internas. Y como formas de realización de dicho contenido
mediante este material obtenemos ahora la pintura, la música y la
poesía. Puesto que aquí la materia sensible aparece particulariza-
da en sí misma y puesta siempre idealmente, alcanza también la
mejor manera de correspondencia al contenido espiritual del arte
en general, y la conexión entre significación espiritual y material
sensible alcanza una intimidad superior en comparación con la ar-
quitectura y la escultura. Sin embargo, esta unidad más íntima se
decanta enteramente hacia la parte subjetiva y, en tanto el con-
tenido y la forma tienen que particularizarse y ponerse idealmen-
te, sólo se produce a precio de la universalidad objetiva del con-
tenido y de la mezcla con lo inmediatamente sensible.
Y si la forma y el contenido se elevan a la idealidad en tanto
abandonan la arquitectura simbólica y el ideal clásico de la es-
cultura, estas artes toman su tipo de la forma romántica del arte,
pues son las más adecuadas para acuñar su manera de configura-
ción. Pero constituyen una totalidad de artes porque lo romántico
mismo es en sí la forma más concreta.
La articulación interna de esta tercera e s f e r a de las artes par-
ticulares puede deslindarse como sigue.
a) La primera de las artes, la que se halla más cerca de la es-
cultura, es la pintura. El material que ella usa para su contenido
y la configuración del mismo es lo visible como tal, en tanto lo
particulariza, o sea, en tanto se determina como color. Ciertamen-
te, el material de la arquitectura y de la escultura es asimismo vi-
sible y tiene color, pero no es como en la pintura el hacer visible
en cuanto tal, lo cual sucede por el hecho de que la luz, la cual en
75
sí es simple, se especifica en su opuesto, lo oscuro, y en unión con
ello se convierte en color.
La escultura, aunque sea de manera concentrada y en formas
orgánicas, mantiene la totalidad del espacio sensible. Por el con-
trario, la visibilidad subjetivada y puesta idealmente en la pintura
no requiere ni la abstracta diferencia mecánica de masas que se
da en la materialidad pesada de la arquitectura, ni la totalidad del
espacio sensible que es típico de la escultura. Más bien, la visibi-
lidad y el hacer visible de la pintura tiene sus diferencias en forma
más ideal, como la particularidad de los colores, y así libera al
arte de la completud espacial-sensible de lo material, en tanto se
limita a la dimensión de la superficie.
Por otra parte, también el contenido alcanza la más amplia
particularización. Cuanto cabe en el pecho humano como sensa-
ción, representación, fin, cuanto él puede acuñar fuera como ac-
ción, constituye el variado contenido de la pintura. Aquí recibe su
lugar el reino entero de lo particular, desde el contenido supremo
del espíritu hasta los objetos más singulares de la naturaleza. Pues
también la naturaleza finita en sus escenas y manifestaciones
particulares tiene cabida aquí, siempre que una alusión cualquiera
a un elemento del espíritu pueda hermanarla más de cerca con
el pensamiento y la sensación.
b) La segunda de las artes por las que se realiza lo romántico
es la música, que viene después de la pintura. Su material, aunque
todavía es sensible, sigue progresando hacia una más profunda
subjetividad y especialización. La pintura dejaba subsistir todavía
la apariencia total del espacio e incluso la fingía intencionadamen-
te. La música, en cambio, por su posición ideal de lo sensible, su-
prime el fuera de sí indiferente del espacio e idealiza el uno indi-
vidual del punto. Y como tal negatividad el punto es concreto en
sí y es un suprimir activo dentro de la materialidad, lo cual suce-
de a manera de movimiento y temblor del cuerpo material en sí
mismo en su relación consigo. Esa incipiente idealidad de la ma-
teria, que ya no aparece como espacial, sino como idealidad tem-
poral, es el tono, lo sensible puesto negativamente, cuya visibilidad
abstracta se ha transformado en posibilidad de audición, por cuan-
to el tono desliga lo ideal de su cautividad en lo material. Esta
primera intimidad y animación de la materia da el material para
la intimidad y alma todavía indeterminada del espíritu, y hace que
sus vibraciones suenen y se extingan en el ánimo con toda la esca-
la de sus sensaciones y pasiones. En tal manera, lo mismo que la
escultura es el centro entre la arquitectura y las artes de la sub-
jetividad romántica, la música constituye a su vez el punto central
de las artes románticas, y es el punto de transición entre la abs-
tracta sensibilidad espacial de la pintura y la espiritualidad abs-
tracta de la poesía. Lo mismo que la arquitectura, la música, como
contraste entre la sensación y la interioridad, implica la conse-
cuencia de una comprensible relación cuantitativa, y asimismo

76
lleva en sí la base de una legalidad fija de los tonos y de su com-
posición.
c) Finalmente, la tercera representación espiritual de la for-
ma romántica del arte ha de buscarse en la poesía. Su peculiari-
dad característica radica en el poder con que somete al espíritu
y a sus representaciones aquel elemento sensible del que la músi-
ca y la pintura habían empezado a liberar al arte. Pues el tono, el
último material externo de la poesía, en ella ya no es la sensación
que suena, sino un signo sin significación por sí mismo y, por
cierto, un signo de la representación hecha concreta en sí, y ya no
de la sensación indeterminada y de sus matices y grados. El tono
se convierte con ello en palabra como sonido articulado en sí,
cuyo sentido es designar representaciones y pensamientos, por
cuanto el punto negativo en sí, hacia el cual progresaba la música,
ahora aparece como el consumado punto concreto, como el punto
del espíritu, como el individuo consciente de sí, que une desde sí
mismo el espacio infinito de la representación con el tiempo del
tono. Sin embargo, este elemento sensible, que en la música toda-
vía era inmediatamente uno con la interioridad, aquí queda sepa-
rado de los contenidos de la conciencia, mientras que el espíritu
determina este contenido para representárselo por sí mismo y en
sí mismo, y, aunque se sirve del tono para expresarlo, sin embar-
go, lo usa como un signo sin valor ni contenido en sí. Según esto,
el signo puede ser una mera letra, pues lo audible, lo mismo que
lo visible, ha descendido a ser una mera insinuación del espíritu.
En consecuencia, el auténtico elemento de la plasmación poética
es la representación poética misma y la intuición espiritual. Ahora
bien, en tanto este elemento es común a todas las formas del arte,
la poesía se extiende a través de todas ellas y se desarrolla autó-
nomamente en ellas. El arte poético es el arte general del espíritu
que ha llegado a ser libre en sí, que para su realización ya no está
ligado al material de la sensibilidad externa, que se explaya sola-
mente en el espacio interior y en el tiempo interior de las repre-
sentaciones y sensaciones. Y precisamente en este estadio supre-
mo el arte asciende por encima de sí mismo, dado que abandona
el elemento de la sensibilidad reconciliada del espíritu y, desde la
poesía de la representación, pasa a la prosa del pensamiento.
Ésta es la totalidad articulada de las artes particulares: el arte
externo de la arquitectura, el objetivo de la escultura y el subje-
tivo de la pintura, música y poesía. Se han intentado muchas otras
divisiones, pues la obra de arte ofrece tal riqueza de aspectos que,
como ha sucedido con frecuencia, ora se toma esto, ora lo otro
como fundamento de división, así, por ejemplo, el material sensi-
ble. La arquitectura es entonces la cristalización y la escultura la
figuración orgánica de la materia en su totalidad sensible y espa-
cial; la pintura es la superficie pintada y la línea; y en la música
el espacio en general pasa al punto lleno en sí del tiempo; final-

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mente, en la poesía el material externo queda degradado como ca-
rente de valor. Estas diferencias han sido enfocadas también según
el aspecto abstracto de la espacialidad y de la temporalidad. Sin
embargo, tal particularidad abstracta de la obra de arte, lo mismo
que el material, si bien puede perseguirse consecuentemente en su
peculiaridad, no puede sostenerse como lo que en definitiva funda-
mente, pues ese aspecto deriva su origen de un principio superior
y, por ello, tiene que someterse a él.
Hemos visto que esto superior son las formas artísticas de lo
simbólico, lo clásico y lo romántico, que constituyen los momentos
generales de la idea de la belleza.
Su relación con las artes particulares en su forma concreta con-
siste en que éstas se comportan como existencia real de las formas
del arte. Pues el arte simbólico encuentra su realidad más adecua-
da y su máxima aplicación en la arquitectura, donde está presente
según su concepto completo y, por así decirlo, todavía no ha sido
degradado a la condición de naturaleza inorgánica de otro arte. En
cambio, para la forma clásica del arte la realidad incondicional es
la escultura, que asume la arquitectura solamente como marco
envolvente y, por otra parte, todavía no se halla en condiciones
para acuñar la pintura y la música como formas absolutas de su
contenido. Finalmente, la forma del arte romántico se apodera
de la expresión pictórica y musical en manera autónoma e incon-
dicional, así como de la representación poética. Ahora bien, la poe-
sía es adecuada a todas las formas de lo bello y se extiende a tra-
vés de todas ellas, pues su auténtico elemento es la fantasía bella,
y la fantasía es necesaria para toda producción de la belleza, a
cualquier forma que ésta pertenezca.
Cuanto quiera que las artes particulares realicen en obras sin-
gulares de arte, no es otra cosa, según su concepto, que la idea
de la belleza en su proceso de desarrollo. Como su realización su-
prema se alza el grandioso panteón del arte, cuyo constructor y
arquitecto es el espíritu de lo bello que se aprehende a sí mismo,
aun cuando sólo en su evolución milenaria haya de consumar la
historia universal.

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