TRABAJO: DE COLEGIO DE BACHILLERES DE CHIAPAS

PLANTEL “16” OCOSINGO

RECUPERACIÓN

MATERIA: LITERATURA

DOCENTE: DOLORES GUADALUPE MOLINA DIAZ

NOMBRE DEL ALUMNO: VICTOR DARINEL HERNANDEZ LOPEZ

SEMESTRE: 4°

GRUPO: “F”
 ORIGENES DEL TEATRO:

Los orígenes del teatro se encuentran en antiguos ritos de origen prehistórico, donde el
ser humano empezó a ser consciente de la importancia de la comunicación para las
relaciones sociales. Ciertas ceremonias religiosas tenían ya desde su origen cierto
componente de escenificación teatral.

SUBGÉNEROS DRAMÁTICOS:

Los subgéneros dramáticos son tradicionalmente la tragedia, comedia y drama.

 La tragedia tiene un final trágico.

 La comedia es hilarante.
 El drama muestra ciertas situaciones de la vida.

ORIGEN DEL TEATRO:

Al hablar del origen del teatro nos remontamos a la civilización griega. Esta es
considerada como cuna de la cultura occidental y alcanzó su máximo desarrollo en
distintas áreas del conocimiento como la arquitectura, la filosofía y la literatura. Una de
ellas fueron las artes escénicas, como lo es el arte dramático o el teatro.

El origen del teatro está envuelto en misterio y mito pero está relacionada con la danza, la
música, la magia y las prácticas simbólicas-religiosas. Algunos especialistas señalan que
las primeras obras dramáticas surgieron en la práctica de las fiestas dionisiacas (Dioniso
es el dios del vino, de la vegetación, del ciclo nacimiento muerte y resurrección).

En ellas un coro de hombres disfrazados de chivos a modo de sátiros, entonaban

ditirambos y danzaban con las bacantes o ménades a honor del dios. El propósito era
asemejarse a las divinidades y asimilar algo de su poder de desenfreno y placer. El culto
se popularizó hacia el siglo VIII o VII A.C y sus ritos poco a poco fueron difundiéndose y
llegaron a mezclarse con otros ritos antiguos, orgías y fiestas que parecían una fuerte
lucha entre los poderes superiores que dictan el sufrimiento y la muerte.

Los festivales evolucionaron y en el siglo VI se introdujo un actor que alternaba con el

coro; este conservó el estilo dórico, propio de la poesía coral griega, mientras que el actor
usaba el lenguaje y el estilo jónico de los senarios y yámbicos. De ahí que la
representación denominada tragedia, es de las primeras manifestaciones artísticas, en las
que dialogaban tanto actor como el coro.
 SUBGÉNEROS DE LA DRAMÁTICA:

Géneros mayores

 la tragicomedia o drama: Son obras que presentan de manera conjunta

características de las tragedias y de las comedias.
 La tragedia: es la imitación de una acción elevada y completa, efectuada por los
personajes en acción y no por medio de un relato. La historia trágica imita
acciones humanas en torno al sufrimiento de los personajes y a la piedad, hasta el
momento del reconocimiento de los personajes entre sí o de la toma de conciencia
del origen del mal.
 La comedia: Es la imitación de las personas más vulgares; de aquella única
especie que supone lo ridículo. Describe, intelectualmente deformados, los
aspectos concretos y risibles de la vida cotidiana. Los personajes son de condición
inferior, el desenlace es feliz y optimista, su finalidad es provocar la risa del
espectador.

Géneros menores

 El sainete. Es una pieza breve y cómica, a veces acompañada de música, que se

puede representar de manera independiente. Suele contener una crítica social en
clave humorística y está relacionada en su origen con los entremeses del Siglo de
Oro.
 El entremés y el paso: Es un acto cómico corto referido a un asunto de carácter
popular, que se representa en los entreactos de la obra principal. (La acción y los
personajes del entremés suelen ser más complejos que los del paso)
 La farsa: Es una obra cómica, breve, y sin otra finalidad que la de hacer reír.
Suele tener un marcado carácter satírico o burlesco y se caracteriza por la
exageración de las situaciones. Son textos que se escriben para ser
representados bien por actores, bien por muñecos: títeres, marionetas, guiñol, etc.
 Autosacramental: Obra de tema religioso con un solo acto y está en verso. Los
personajes son alegóricos ( la Hermosura, la Muerte, la Riqueza…) Vivió su época
de esplendor durante del siglo XVII.
 ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN ESCÉNICA:

1. Actores

Los actores son los profesionales encargados de interpretar a los personajes, encarnando
su personalidad, sus motivaciones y los conceptos que simbolizan. Las acciones de los
actores definen lo que pasa en el mundo ficticio en el que transcurre la historia, hacen
avanzar el desarrollo de la trama, y además expresan las emociones que acompañan a la
obra mediante su lenguaje no verbal, utilizando todo el cuerpo y las cualidades de su voz.

Los actores de las obras de teatro trabajan de un modo diferente a los de medios
artísticos de tipo audiovisual como el cine, entre otras cosas por las características
materiales de su trabajo: no hay muchos intentos, hay que hacer que lo que sea hace sea
comprensible por la parte del público que está más alejada, y hay que lidiar con las
limitaciones de espacio que están ligadas al escenario.

2. Escenografía

La escenografía es uno de los elementos del teatro que están más integrados en el
escenario, y de hecho, el escenario puede ser entendido como parte de la escenografía.
Es el conjunto de los objetos y los decorados que se utilizan para representar el espacio
en el que transcurren los actos, y pueden ir cambiando a medida que se pasa de un lugar
a otro (la sustitución de parte o la totalidad de los objetos de la escenografía suele darse
en los “oscuros”, cuando el público no puede ver bien lo que pasa).

3. Audiencia

La audiencia es uno de los elementos del teatro que pasan desapercibidos por darse por
supuestos, pero lo cierto es que el público de la obra nunca llega a ser un agente
totalmente pasivo; participa en la creación de la obra, incluso aunque las personas
individuales que lo conforman no sean conscientes de ello.

De hecho, la concepción de una obra de teatro se lleva a cabo teniendo en mente las
características culturales, sociales y psicológicas de la audiencia, de manera que todo lo
que pasa pueda ser comprendido. Esta es una de las diferencias entre una obra de teatro
y una representación de tipo ritual-religiosa, en la que no es imprescindible que el público
entienda lo que está pasando.

Por otro lado, también hay casos en los que los actores interactúan con el público verbal o
físicamente, para desarrollar la narración juntos de manera más o menos improvisada.

4. Guión

El guión es el texto en el que se describe todo lo importante que ocurre en la obra de

teatro, poniendo especial atención a las líneas de diálogo. Es el elemento de la obra de
teatro que plasma por escrito las ideas y temas que se trabajan en la representación, y su
autor es el dramaturgo.
Además, el guión o texto de una obra de teatro sigue un desarrollo en el que la carga
dramática de la obra va ascendiendo desde los primeros minutos hasta los momentos
cercanos al final; esta estructura se divide en las fases conocidas como planteamiento,
nudo (con punto de no retorno) y desenlace.

Por otro lado, cada una de estas partes se divide a su vez en actos, que se diferencian
por su contexto espacio-temporal, el momento y el lugar en el que transcurre la historia, y
están separados por “oscuros” (un apagado general de luces). Los actos son unidades en
las que se divide la trama, y aparecen en todas las artes escénicas en general.

5. Iluminación

Aunque en muchas obras de teatro la iluminación solo tiene el propósito de que sea vea
bien lo que ocurre en el escenario y, como máximo, marcar cuáles son los momentos de
transición de una escena a otra (mediante el apagado de luces), existen muchas
posibilidades para utilizarla de un modo que dote de significado a la obra.

Por ejemplo, los focos se pueden articular para dirigir la atención de la audiencia a un
punto determinado del escenario mientras se esconden ciertos objetos, pueden usarse
varios de ellos de manera coordinada para generar una sensación concreta mediante sus
patrones de movimiento, y también pueden llenar el escenario de diferentes colores,
dependiendo de lo que pase.

Las posibilidades con este elemento del teatro son múltiples, ya que se puede jugar con el
movimiento del haz de luz y los colores que proyecta. De hecho un foco de luz puede ser
un personaje más de la obra, dialogando con el resto de personajes a pesar de no tener
voz, mediante la creación de los contextos apropiados.

6. Maquillaje

El maquillaje es uno de los elementos del teatro que es de naturaleza cosmética, aunque
eso no significa que su objetivo principal sea el de embellecer a los personajes: de hecho,
en muchos casos el efecto que produce es el contrario, dado que con las técnicas
actuales se puede modificar el relieve de la cara de los actores para que adopten
expresiones grotescas.

De hecho, ofrecer al público personajes atractivos no tiene por qué figurar entre las
prioridades de la obra de teatro. El maquillaje se usa con una gran diversidad de
propósitos, entre los que encontramos varias finalidades técnicas, y otras que son de
contenido.

Entre las finalidades técnicas del maquillaje destacan el contrarrestar los efectos de la
distancia y de la iluminación artificial de cara a que el público tenga una imagen más clara
y fiel de cómo lucen los personajes. De esta manera, incluso estando en las zonas más
alejadas del escenario es posible ver las líneas de expresión de quien está actuando, y
los focos no queman la imagen que se tiene de la cara de los actores.
Por otro lado, las finalidades de contenido a las que se llega utilizando el maquillaje son
aquellas que tienen que ver con el tipo de ideas y simbologías que se pretende expresar
mediante la apariencia de los personajes. En este aspecto entra en juego la teoría del
color, y su manera de darnos información indirecta acerca de lo que está pasando gracias
al uso de los colores, los cuales están asociados a ciertos conceptos y sensaciones.

7. Vestuario

Como elemento constitutivo a una obra de teatro, el vestuario se parece mucho al

maquillaje, ya que también consiste en aplicar productos a los actores para que expresen
sensaciones e ideas mediante su simple presencia, y también en este caso se juega con
las paletas de colores para transmitir conceptos de manera inmediata, sin necesidad de
hablar.

Sin embargo, una característica propia del vestuario es que **la ropa puede ser cambiada
o eliminada rápidamente, incluso como parte del transcurso narrativo **que está incluido
en la historia, algo que no ocurre con el maquillaje.

Por ejemplo, si llegado un momento dado el protagonista pierde su sombrero, este hecho
tan sencillo puede expresar pérdida del control, pérdida de la autoridad que le confiere su
pertenencia a cierta institución, sometimiento a otros, etc.

8. Sonido

El sonido de una obra de teatro está compuesto por la música y los efectos de sonido
complementarios que ayudan a entender lo que pasa en la historia. La música puede ser
diegética o extradiegética, es decir, puede formar parte de la historia y ser escuchada por
los personajes, o puede acompañar a la historia, sin formar parte de lo que pasa en ella
de manera literal.

9. Voz over

La voz over (o voice over, en inglés) es una serie de enunciados que son emitidos por
alguien que no pertenece a lo que está ocurriendo en el acto de la obra de teatro, y que
no está a la vista del público, normalmente para dar información que narra o que
acompaña al desarrollo de la trama dando información añadida. Muchas veces se trata de
una grabación de voz que se complementa con los efectos de sonido.

10. Director

El director de la obra es la persona encargada de coordinar el resto de elementos del

teatro, tanto los materiales (decorados, iluminación, etc.) como los referentes a las
acciones que deben realizar los actores para interpretar a sus personajes, en todo
momento.
Por otro lado, el trabajo del director se hace más notorio antes de la puesta en práctica de
la obra frente al público, que durante esta; de hecho, no se sitúa en el escenario, sino
fuera de él, para tener una visión más general y panorámica de todo lo que ocurre a la
vez.

GUION TEATRAL:

Cuaderno, guión teatral, guión de historia, libreto o cuadernillo es la denominación

tradicional para el conjunto de cartillas, libreta o cuaderno en el que el autor de una obra
de teatro. Es el que contiene el texto de una obra dramática o un musical, escrita para su
puesta en escena y, seguramente los casos, con anotaciones, acotaciones y directrices
para actores y otros miembros del elenco teatral.

Tipos de libretos teatrales

 Libreto del actor o cuaderno del personaje.

 Libreto del director, guion técnico del director de escena.
 Libreto del apuntador o libro del apuntador, es un tipo de guion técnico.
 Libreto de luces, guion técnico de los iluminadores.
 Libreto de tramoya.
 Libreto de vestuario, para los sastres y ciertos aspectos de la herramienta
escenografía.
 Libreto del traspunte o hijuela, libro técnico del traspunte.
 Libreto del utilero o utilería.

MODALIDAD DISCURSIVA:

Las modalidades discursivas determinan el modo en que se usa el lenguaje en las

diversas situaciones de comunicación, en relación con su grado de compromiso frente a lo
que dice (modalidad personal), con los participantes de la interacción (modalidad
interpersonal), y con sus intenciones comunicativas (modalidad funcional). Cada uno de
estos aspectos determina las elecciones lingüísticas que los participantes realizan para
elaborar sus mensajes. A partir de estos elementos, podemos hablar de tres tipos de
modalidades básicas.

Modalidad personal

La modalidad personal se relaciona con la identidad y la posición de los participantes y

permite señalar qué tanto se involucran con lo que dicen, es decir, si personalizan o no su
discurso: pueden decidir hablar desde su yo o hablar desde una voz impersonal; o sea,
utilizando la tercera persona. Un tenor personalizado es común en las conversaciones
cotidianas, mientras que un tenor impersonal es característico de las situaciones de
comunicación más formales, como, por ejemplo, el reportaje que leíste sobre los hombres
y la crianza. En él, el escritor no usa su “yo” para hablar del tema, sino que lo hace desde
un punto de vista externo, despersonalizando su discurso. El uso de “nosotros” se sitúa en
la frontera entre lo personal y lo impersonal.
Modalidad interpersonal

La modalidad interpersonal se basa en la relación que se establece entre los participantes

de una situación comunicativa y se sustenta en dos ejes: proximidad/distancia y
jerarquía/solidaridad. Es aquí donde hablamos de simetría y asimetría entre los
participantes. Considerando la relación que establece con su oyente o receptor, el emisor
escogerá diferentes formas lingüísticas, como tratamientos corteses o informales (usted o
tú), palabras más simples o complejas, entre otros. Podemos decir que el tono
interpersonal se define por quién habla y a quién.

Modalidad funcional

La modalidad funcional se relaciona con las intenciones comunicativas de los

participantes. Se define por el propósito con el que se produce un mensaje, ya que según
sea su propósito, el emisor podrá escoger diferentes formas lingüísticas: puede querer ser
expresivo, directo, didáctico, crítico, provocativo, informativo, entre otras, lo que
determinará las palabras que escoge para elaborar su mensaje. Por ejemplo, una carta de
amor tiene un tenor funcional de tipo más expresivo que una carta al director de un diario,
que puede tener un tenor informativo o crítico, como en el caso del reportaje que leíste, en
donde el tenor funcional puede ser caracterizado como informativo y reflexivo.

LOS PARLAMENTOS:

El parlamento teatral es la sección de un libreto que será interpretada por uno de los
actores de la obra. Según la Real Academia Española, el parlamento en una obra de
teatro es una intervención hablada y medianamente extensa de uno de los personajes.

1- Diálogo

Consiste en el intercambio de ideas durante la dramatización. Se trata de una

conversación fluida entre dos o más personajes.

2- Monólogo

Es una conversación de un personaje consigo mismo. Los monólogos simulan un

pensamiento en voz alta del intérprete, lo que permite que manifieste su voz interior frente
a la audiencia.

3- Aparte

Se trata de una frase o una palabra aislada de los diálogos entre los personajes de la
obra; en este caso, el parlamento va dirigido directamente al auditorio.

Al momento de hacer un aparte, se da por sentado que el resto de los personajes en

escena no son partícipes de esta intervención.

LAS ACOTACIONES:
En el teatro, la acotación se refiere a las notas o comentarios de naturaleza descriptiva
que el autor incluye en la obra teatral para explicar detalles relativos a los movimientos y
acciones de los personajes en escena, así como todo lo relacionado con la puesta
escénica.

Las acotaciones no forman parte del texto pronunciado por los actores, y su función es
más bien indicar a los actores y al director ciertos aspectos de la representación teatral,
como gestualidad, tono de voz, expresiones, etc.

Las acotaciones, en general, aparecen en todos los textos de carácter dramático, sean
para teatro, televisión, cine u ópera.

TRAMA:

La trama es un orden cronológico de los diversos acontecimientos presentados por un

autor o narrador a un lector. La trama se diferencia del argumento en que esta busca
establecer conexiones causadas entre los distintos elementos de la narración, y no
solamente describir una simple sucesión de una secuencia de acontecimientos, los
acontecimientos secundarios o complementarios suelen ser denominados subtramas o
tramas secundarias.

ESPACIO:

Se define espacio escénico como el lugar donde un actor representa un personaje. ... De
esta definición se deduce tanto su función práctica como simbólica: Espacio escénico
significa el lugar donde un actor representa. Significa también el lugar en el que el
personaje se encuentra.

TIEMPO:

Tiempo escénico: Es el que transcurre en la obra, el tiempo en que transcurre la acción de

la misma, que es independiente del tiempo cronológico. Pueden ser años que en escena
duren minutos.

PERSONAJES:

Un personaje es cada una de las personas o seres ya sean reales o imaginarios que
aparecen en una obra artística, ya sea teatral, cinematográfica o literaria. Suelen
destacarse aquellos con aspecto humano o los seres conscientes de cualquier tipo, que
se imagina que existen dentro del universo de una obra.
 ESTRUCTURA DE LA OBRA TEATRAL:

1. ESTRUCTURA DE LA OBRA TEATRAL Espectáculo: conjunto de elementos muy

diversos que incluyen el baile y la danza y que, a veces, termina en una mezcla de
cómicos y público bailando juntos la zarabanda .. 1.LOA O PRÓLOGO RECITADO venía
a continuación y aspiraba a llamar la atención del público y conseguir su silencio ( ruido
estridente para atraer la atención de un público muy, muy ruidoso. Después, música de
guitarra, vihuela, trompetas, cantos... daban la bienvenida). 2. Primer ACTO o JORNADA
de la comedia. 3. En el ENTREACTO , se representaba un ENTREMÉS (para muchos,
parte más apetecida y esperada que en ocasiones salvaba una mala obra): pieza corta,
cómica, con personajes bajos que viven situaciones cotidianas.

2. ESTRUCTURA DE LA OBRA TEATRAL 4.En este entreacto se representaba una

JÁCARA: obrita versificada en romance, que relataba hechos festivos de gente de los
bajos fondos. Divertía y rompía la tensión provocada por el “nudo” de la comedia.
También podía venir aquí un BAILE , un entremés más corto en el que la parte musical
tenía más importancia que la hablada. 5. Tercer ACTO O JORNADA de la comedia. 6.
Final a base de música o baile , habitualmente una MOJIGANGA o baile de máscaras en
la que aparecían personajes disfrazados con vestimentas estrafalarias en un clima de
caos subrayado por una música estrepitosa en la que cobraban importancia los gestos
provocativos.

ESTRUCTURA INTERNA DE LA OBRA TETRAL:

La estructura interna de la obra dramática se compone, en primera instancia, de una

acción dramática que engloba el conflicto dramático, su presentación, su desarrollo, en
donde se da el clímax, y el desenlace. ... Este término hace referencia a todo el
entramado de acciones que permiten el desarrollo de la obra dramática.

La estructura interna clásica de un texto dramático está dada por: Inicio o introduccción:
se presentan los personajes, el lugar y el principio de la acción. Desarrollo o nudo: donde
se inician los acontecimientos centrales, se complejiza la acción y se genera un conflicto.

En la misma linea, ¿cuál es la diferencia entre una obra dramatica y una obra teatral?

Es decir, una obra dramática es una obra teatral ajustada a un genero en particular, el
drama. Las obras teatrales son un genero literario que se caracterizan por tener personas
y diálogos, ademas de darse sobre un escenario.
 ESTRUCTURA ESTERNA O DE REPRESENTACIÓN:

ACTO

Es cada una de las partes en las que se divide la obra teatral. Dichas partes son
señaladas durante la representación por la subida y bajada del telón o el encendido y
apagado de luces.

En cada acto se desarrolla un conflicto particular.

El número de actos de una obra oscila entre tres y cinco.

CUADRO

Es la sucesión de varias escenas en un mismo decorado.

ESCENA

Es cada una de las partes en que se divide el acto de una obra dramática, reconocibles
por la actuación de ciertos personajes: la entrada de uno nuevo o la salida (el mutis, como
se denomina en el lenguaje teatral) de cualquiera de los presentes marcan el inicio de una
nueva escena.

TENDENCIAS ACTUALES DEL TEATRO:

Las tendencias actuales del teatro son el resultado de la evolución que ha experimentado
esta rama de las artes escénicas durante las últimas décadas. Hoy en día hay una gran
variedad de escuelas estéticas diferentes, sin que sea posible establecer cuál es la
dominante. Entre las más destacadas se encuentran las del surrealismo, el simbolismo, el
teatro del absurdo o la performance.

Esto no significa que otras escuelas más clásicas, como la comedia, el sainete, el drama
o la parodia hayan desaparecido de la escena, aunque algunas de ellas han ido
introduciendo nuevos elementos estilísticos y estéticos para adaptarse a los nuevos
tiempos.

Desde los principios de la civilización, el teatro ha formado parte de las expresiones

artísticas de la humanidad. Se trata de un arte con más de 2500 años de historia y que ha
ido evolucionando a la par que la propia sociedad.
Teatro del absurdo

El teatro del absurdo es una corriente del teatro que apareció a partir de los años 40 del
siglo XX, después de la Segunda Guerra Mundial. En ese contexto posterior al conflicto,
sus autores reflejaban el sinsentido de un mundo sin esperanzas y destruido. La temática
principal suele ser lo absurdo de la condición humana.

La principal característica de esta corriente es, precisamente, la representación de lo

absurdo, de las situaciones sin lógica. Las obras, que buscaban romper con la tradición
teatral clásica, se distinguen por los cambios repentinos en los personajes, por unas
causas que provocan efectos contrarios a la lógica y por un ritmo basado en lo emocional.

Entre los autores más representativos se encuentran Luigi Pirandello, Antonin Artaud,
Dino Buzzati o Samuel Beckett, aunque entre todos ellos sobresale la obra de Eugene
Ionesco.

Ionesco, nacido en Rumanía en 1909, es considerado por muchos como la gran

referencia de esta corriente dramática. Entre sus obras más importantes destacan La
cantante calva, La lección y El rinoceronte.

Teatro pobre

En esta corriente teatral, el énfasis está puesto en el trabajo de los actores en lugar de
estar centrado en la puesta en escena.

El creador del Teatro pobre fue Jerzy Grotowski, un director polaco que empezó a
representar este tipo de obras en el Laboratorio de Teatro y que reflejó sus teorías en el
libro Hacía un teatro pobre, de 1968.

Grotowski definió este tipo de representaciones como aquellas que no contenían

elementos innecesarios para desarrollar la puesta en escena.

Entre esos elementos sobrantes se encontraban la decoración excesiva, el maquillaje o

los vestuarios saturados. En algunos casos, este autor incluso propugnaba prescindir de
los efectos de sonido y de una iluminación demasiado visible.

El pilar fundamental para el teatro pobre es la relación entre los espectadores y los
actores. Estos, al carecer de los elementos antes mencionados, debe formarse en el uso
expresivo de su cuerpo.

Algunas de las obras de referencia fueron las adaptaciones de Caín (George Gordon
Byron), La historia trágica del doctor Fausto (Christopher Marlowe) o El príncipe constante
(Calderón de la Barca).

Teatro negro

La capital de la actual Checa, Praga, fue el lugar donde apareció esta corriente teatral en
los años 50 del siglo XX. Sus principales características son la falta de diálogos, una
escenografía sin apenas luces y sobre un fondo negro y unos actores que visten de ese
mismo color. Esto lleva a que apenas puedan verse en el escenario.

Por lo tanto, el espectador solo va a contemplar lo que el director quiera mostrar

claramente. En las obras se utiliza una combinación de música, danza, efectos luminosos
y trucos.

A pesar de que hoy en día existen ejemplos de este tipo de teatro en otros lugares, Praga
sigue siendo su sede central. La obra más representativa es Antología.

PERFORMANCE:

Una performance es una obra de arte o muestra artística creada a través de acciones
realizadas por el artista u otros participantes, pudiendo ser en vivo, documentadas,
espontáneas o escritas, presentada a un público dentro de un contexto de artes
escénicas, tradicionalmente interdisciplinario.

OTRAS FORMAS TEATRALES DEL SIGLO XXI:

El teatro posmoderno es el teatro de la corporalidad autosuficiente y minimalista, que se

ejecuta con acciones improvisadas ante estímulos, sin necesidad de una idea que
dinamice la creatividad artística; en este sentido, hereda técnicas procedentes de la danza
contemporánea.

TEATRO FÍSICO:

El teatro físico es todo aquel teatro cuyo principal medio de creación y expresión es el
cuerpo como la danza, el mimo, la acrobacia o las artes marciales, en lugar de los
aspectos psicológicos en la creación del personaje.

Al ser una forma de teatro menos literal, potencia la imaginación y capacidad de sugestión
del espectador. El teatro físico suele considerarse un teatro experimental, opuesto al
naturalismo y el realismo, que busca generar experiencias más visuales, sensoriales y
viscerales en el espectador. El teatro físico no corresponde a un único estilo que pueda
caracterizarse, sino a una diversidad de trabajos, que comúnmente comparten ciertos
puntos en común

TEATRO EXPERIMENTAL:

El teatro experimental es un producto intelectual artístico que reúne: letras, artes y

tecnología en sitio o lugar en que se realiza la acción ante espectadores o participantes.
Generalmente se presenta en locales pequeños y, a menudo, en representaciones
excepcionales.1Lo pueden realizar no solo jóvenes y adultos sino también niños. Dónde
es más importante la construcción artística que el argumento.

La experimentación en el teatro puede tener diversas motivaciones, tales como innovar en

una búsqueda espontánea por generar acciones sociales rebeldes o provocadoras, o
probar ejercicios con el fin de desencadenar un resultado inesperado del acontecimiento
dramático.

ENSAYO LITERARIO:

Un ensayo literario, a veces referido simplemente como ensayo, es una disertación breve
y en prosa, que analiza o reflexiona en torno a un tema de libre escogencia y abordaje por
parte del autor. ... No debe, por tanto, confundirse un ensayo con una monografía o un
documento técnico (como una tesis).

ORIGEN Y DESARROLLO DEL ENSAYO LITERARIO:

El ensayo es una composición literaria que tiene por objeto presentar las ideas del autor
sobre un tema y que se centra, por lo general, en un aspecto concreto. Con frecuencia,
aunque no siempre, el ensayo es breve y presenta un estilo informal. El género se
diferencia así de otras formas de exposición como la tesis, la disertación o el tratado.

Origen del ensayo

Si bien algunas obras de escritores latinos como Cicerón, Séneca y Plutarco pueden
considerarse prototipos del género, el ensayo es fundamentalmente creación del escritor
francés Michel Eyquem de Montaigne. El desarrollo de esta forma literaria es resultado de
la preocupación por el ser humano demostrada durante el renacimiento, que estimuló la
exploración del yo interior en relación con el mundo exterior.

Los Ensayos de Montaigne (como el propio autor quiso llamar a las breves y personales
meditaciones en prosa que comenzó a publicar en 1580) surgieron en una época de
grandes cambios intelectuales y sociales; un periodo en el que los europeos revisaron sus
opiniones y valores sobre temas de muy diversa naturaleza: la muerte y la posibilidad de
una vida futura, el viaje y la exploración o las relaciones sociales. Temas que todavía hoy
son los principales asuntos del ensayo contemporáneo.

Estructura

Introducción: Es la que expresa el tema y el objetivo del ensayo; explica el contenido y los
subtemas o capítulos que abarca, así como los criterios que se aplican en el texto, es el
10% del ensayo y abarca más o menos 6 renglones.

Esta parte constituye la presentación del tema sobre el que el autor va a desarrollar su
propio punto de vista, así como de las razones por las cuales considera importante
aproximarse a dicho tema. Además, esta parte puede presentar el problema que plantea
al tema al cual vamos a abocar nuestros conocimientos, reflexiones, lecturas y
experiencias.

Si este se plantea, entonces el objetivo del ensayo será presentar nuestro punto de vista
sobre dicho problema (su posible explicación y sus posibles soluciones). La mayoría de
las veces, sin embargo, el ensayo plantea un tema bastante genérico como para
adentrarse en él con toda la libertad del que divaga con sus opiniones y creencias, pero
paseando a través de un territorio desconocido.

Desarrollo

Contiene la exposición y análisis del mismo, se plantean las ideas propias y se sustentan
con información de las fuentes necesarias: libros, revistas, Internet , entrevistas y otras.
Constituye el 80% del ensayo. En él va todo el tema desarrollado, utilizando la estructura
interna: 60% de síntesis, 10% de resumen y 10% de comentario.

Se sostiene la tesis, ya probada en el contenido, y se profundiza más sobre la misma, ya

sea ofreciendo contestaciones sobre algo o dejando preguntas finales que motiven al
lector a reflexionar.

CARACTERÍSTICAS DEL ENSAYO LIETARIO:

El ensayo literario es un género discursivo que tiene como objetivo defender una idea o
un punto de vista; así mismo, busca analizar e interpretar un tema determinado a partir de
un razonamiento lógico. Se le considera literario porque cuenta con un valor estético que
se refleja en su estilo y en la manera de usar el lenguaje.

SUBJETIVIDAD:

Es un texto subjetivo donde se combinan la experiencia del ensayista, hábitos de estudio,

trabajo literario y opiniones de una persona que muestra interés en la literatura. Los
ensayos literarios tienen características comunes: subjetividad, sencillez y estilo del
ensayista.

CARÁCTER DIALOGAL:

Cuando hablamos del carácter dialogal del ensayo no nos referimos a la forma, rara vez
encontramos un ensayo en un texto con la forma externa de un diálogo entre dos o más
personas. Lo dialogal en el ensayo se encuentra en el tono conversacional que emplea el
ensayistas.

DIGRESIONES:

Una digresión (del latín digressio, -onis, apartarse, en griego, « παρέκβασις (parékbasis)»)
es una figura literaria y técnica narrativa que consiste en un cambio temporal del tema en
el curso de un relato, y más generalmente de un discurso, para evocar una acción
paralela o para hacer intervenir al narrador o al autor (la epífrasis de los romanos, o la
parábasis del género teatral) cuyo efecto es romper el hilo del discurso con un cambio de
tema intencionado. Considerada un adorno inútil para la retórica antigua, la digresión es
sin embargo una técnica narrativa probada. Permite dilatar el relato, pausar, divertir o
ironizar, o, en fin, insertar un comentario del autor.

TEMÁTICA LIBRE:
Otra definición más sencilla y clara es que un ensayo es un escrito libre. Esto quiere decir
que el tema sobre el que trate dicho escrito podrá ser libre y personal, cada autor
escogerá el que más le interese.

ESTRUCTURA NO RIGIDA:

Un ensayo literario de estructura no rígida es un tipo de organización de estudios

científicos sobre un tema específico, que no cumple con todas las pautas estipuladas por
el rigor de los escritos tipo artículos científicos.

REPRESENTANTES DEL ENSAYO LITERARIO CONTEMPORÁNEO:

Alfonso Reyes

(Alfonso Reyes Ochoa; Monterrey, 1889 - Cuidad de México, 1959) Ensayista, crítico,
poeta y narrador mexicano relacionado con la mejor tradición literaria occidental, desde la
antigüedad grecolatina hasta las creaciones de Mallarmé y la estética simbolista. Ejerció
un notable magisterio en la cultura de su tiempo, promovió la fundación de sólidas
instituciones dedicadas a la difusión del conocimiento y marcó la obra de casi todos los
escritores mexicanos posteriores a él, como Octavio Paz y Carlos Fuentes. Algunas de
sus obras son la experiencia literaria (1942), el deslinde. Prolegómenos a la teoría literaria
(1944) y tres puntos de exégesis literaria (1945). En cercana línea agrego dos trabajos de
historia: la crítica en la edad ateniense (1941) y la antigua retórica (1942).

Octavio Paz

Octavio Paz Lozano. (México D.F., 31 de marzo de 1914 - Coyoacán, México, 19 de abril
de 1998). Poeta y escritor mexicano, ganador del premio Nobel de Literatura en 1990, uno
de los más influyentes escritores del siglo xx. A partir de su ensayo El laberinto de la
sociedad publicado en 1950, Octavio Paz se convierte en una voz buscada y escuchada
en México, aunque se inicia antes. Con El laberinto de la soledad, en 1950, se evidencia
una creciente madurez en su prosa, una seguridad en su pensamiento crítico y confianza
en su narrativa reflexiva, marca el inicio de sus libros ensayísticos como por ejemplo en El
arco y la lira, Los hijos del limo, La otra voz, y en total más de una veintena de
publicaciones de este género literario.

Jorge Luis Borges

Jorge Luis Borges Acevedo, nació en Buenos Aires, el 24 de agosto de 1899. Poeta,
ensayista y escritor. Estudió en Ginebra e Inglaterra. Publicó ensayos y manifiestos en
revistas literarias, francesas y españolas. Junto con Macedonio Fernández participó en la
fundación de las revistas Prisma y Prosa y firma el primer manifiesto ultraísta. En 1923
pública su primer libro de poemas, Fervor de Buenos Aires, y en 1935 Historia Universal
de la infamia, compuesto por una serie de relatos breves, formato que utilizó en sus
publicaciones. Durante los años treinta su fama crece en Argentina y pública diversas
obras en colaboración con Bioy Casares, de entre las que cabe subrayar Antología de la
literatura fantástica.

Carlos Monsiváis

Carlos Monsiváis, escritor mexicano, nació en la Cuidad de México el 4 de mayo de 1938,

considerado como uno de los grandes autores contemporáneos en lengua española,
personaje relevante del mundo cultural de su país. Monsiváis cultivó diversos géneros,
pero se le considera fundamentalmente cronista, y ensayista, gran parte de su obra está
diseminada en revistas, periódicos, suplementos culturales y libros de ensayo. Se
considera el padre de la crónica moderna mexicana. Su estilo estilo es principalmente
crítico, utiliza la ironía y el humor ácido para, por un lado, poner en evidencia a la realidad,
y por otro divertirse a costa de ellas. Ganador de diversos premios, entre los que destacan
el Anagrama de Ensayo, el Juan Rulfo o el nacional de periodismo.

Carlos Fuentes

Carlos Fuentes Macías (Panamá, 11 de noviembre de 1928-Cuidad de México, 15 de

mayo de 2012) fue un reconocido escritor mexicano de novelas y ensayos. Entre sus
obras más conocidas se encuentran "La región más transparente", (1958), "Aura", (1962),
y "La muerte de Artemio Cruz", (1962). A los 26 años escribió su primer libro, "Los días
enmascarados" (1954), una colección de relatos breves que tuvo una buena acogida por
parte de la crítica. En esta obra refleja ya su interés por tratar en sus obras la identidad
mexicana. A lo largo de su vida recibió premios como el Premio Miguel de Cervantes en
1987 y el premio Real Académica Española de creación Literaria. Formó parte del boom
de autores latinoamericanos.

José Vasconcelos
(José Vasconcelos Calderón; Oaxaca, 1882 - Cuidad de México, 1959) político, pensador
y escritor mexicano. Fue el fundador del Ministro de Educación en su país, desde el cual
desarrolló una fecunda y extraordinaria labor, lo que le mereció el sobrenombre de El
maestro de la juventud de América. El ensayo y su dilatada labor como periodista: Gabino
Barrera y las ideas contemporáneas (1910) o Prometeo vencedor (1920). En este
apartado puede incluirse una abundantísima obra periodística, que abarca e incide en
todas las vertientes de la actualidad y la cultura. Otra faceta destacada de su actividad
intelectual tuvo como escenario los trabajos históricos, como su Breve historia de México
(1937) o Hernán Cortés, creador de la nacionalidad (1941).

Elena Poniatowska

Helena Elizabeth Louise Amélie Paula Dolores Poniatowska (19 de mayo de 1932), es
una narradora y ensayista mexicana (de origen Francés) creadora de un rico mundo de
ficción, a lo largo de su trayectoria cultivó varios géneros: novela, ensayo, testimonio,
crónica, entrevista y poesia. Todos sus libros guardan una contaste temática y configuran
un entramado que da cuenta del presente mexicano: se centran en la sociedad, las
relaciones entre hombres y mujeres, el trabajo y el desempleo, el prevaleciente racismo,
las costumbres y tradiciones del país, las tragedias nacionales como (el terremoto de
1985) o el papel de la mujer. En 1955 publicó su primera novela, Lilus Kikus .