El contrabajo

El contrabajo es el instrumento de cuerdas frotadas más grande y el

que posee el sonido más grave, este tiene cuatro (o menos a menudo) cinco
cuerdas afinadas por 4ths, toca una octava más baja que el violonchelo. En
el arte de la música occidental es mejor conocido por su contribución en la
orquesta, donde este suministra no sólo el poder y el peso, sino también una
solida base rítmica, también ha sido usado como un instrumento continuo.
Más raras veces el contrabajo es oído como un solista, siendo que en el
campo de su repertorio (sorprendentemente grande) incluye más de 200
conciertos.

HISTORIA

La investigación sobre la evolución del contrabajo revela una intrincada

red de varios cientos de años de cambios en el diseño y la moda de las
dimensiones del instrumento y por lo tanto en su número de cuerdas y
afinación.

El cuadro se complica aún más por el uso simultáneo en diferentes

países de las diferentes formas del contrabajo durante un mismo período. La
ilustración más antigua conocida de un tipo de contrabajo data de 1516, pero
en 1493 Próspero escribió de " viols as big as myself”. Planyavsky (1970)
señaló que es más importante buscar un indicio de contrabajo buscando en
la afinación de los instrumentos en lugar de buscar cualquier instrumento por
su forma o nombre en particular. Una voz de bajo profunda es encontrada
entre las violas, en ellas existió simultáneamente dos métodos de afinación,
una utilizaba solo 4ths, y la otra una combinación de 3rds y 4ths. Agricola
escribió de la viola de di contrabasso como ser la voz más profunda
disponible, Se refería a un instrumento comparable con el realizado por
Hanns Vogel en 1563 que se encuentra ahora en el Germanisches
Nationalmuseum, Nuremberg, este bajo esta adornado bellamente y
equipado con trastes como otras violas, esta afinado G-C-F-A-d-g.
Esta afinación fue catalogada por Praetorius (el Sintagma musicum, 2/1619)
para Violone de seis cuerdas (un nombre también utilizada de forma confusa
en el siglo 16 para designar a los bajos de la familia de violas da gamba). Una
ventaja de este instrumento consistía en que podían ser usadas las cinco
primeras cuerdas para tocar dentro del registro de violoncelo y usando los
cinco inferiores podía tocar la voz del bajo. Este violone en G a menudo era
usado solo para el trabajo de continuo. Praetorius catalogó varias otras
afinaciones, tanto agudas como graves, para violone de cinco y seis cuerdas,
pero la más interesante de todas es la afinación grave D '-E '-A '-D’-G’, sólo a
un paso de la afinación moderna del instrumento (contrabajo) E'-A '-D’-G .

Algunos bajos finos, muchos de los cuales probablemente fueron

convertidos de su forma original de tres - a posteriores de cuatro cuerdas,
fechan a partir de finales del siglo 16 y principios del 17. Un ejemplo notable
es el de Gasparo da Salò, poseído por Dragonetti y ahora resguardado
museum of S Marco, Venice. Un hermoso violone de seis cuerdas y de
construcción mucho más ligera hecho por el aprendiz de Da Salo, GP Maggini
está en el Museo Horniman, Londres. Este tiene forma de violín, con la
espalda plana, que lo hace comparable con viol-shaped violone de Ventura
Linarol (Padua, 1585) en el Kunsthistorisches Museum, Viena.

Durante el temprano siglo XVII el bajo de cinco cuerdas era más

comúnmente usado en Austria y Alemania. Leopold Mozart se refirió en la
edición 1787 de su Violinschule a haber oído conciertos, tríos y solos tocados
con la gran belleza sobre instrumentos de esta clase. Los antecedentes más
antiguos conocidos de intérpretes son por Johann Jacob Prinner
(Musicalischer Schlissl, 1677, autograph US-Wc), había instrumentos afinados
F '-A '-D’-F’-B. Aunque mucho más habitual, la afinacion F'-A '-D’-F’-A. citada
en 1790 por Albrechtsberger, para un violone con cuerdas gruesas y trastes
atados en cada semitono alrededor del diapasón. En 1773 el método de
Michel Corrette arroja mucha luz sobre las técnicas de bajo y afinaciones en
uso durante el siglo XVIII y principios del XIX siglo en que el bajo tenía una
cierta popularidad como instrumento solista.

En Italia una temprana afinación (citado por Planyavsky, 1970) es la de

Adriano Banchieri en 1609 para su ' Violone contrabasso ', D '-G '-C’-E’-A’-D.
Más tarde redujeron el número de cuerdas, e instrumentos de tres cuerdas
fueron preferidos. Incluso durante el temprano siglo XVIII un bajo de tres
cuerdas afinado A'-D’-G ó G '-D’-G era normal. Este no tenía ningunos
trastes y con el crecimiento de la orquesta de sinfonía era lógico que este
instrumento más poderoso reemplazara modelos más tempranos. No antes
del año 1920 era esperada la adicional cuerda en E por la mayoría de los
intérpretes profesionales. Hasta entonces cualquier pasaje que iba por
debajo de un A’ era transpuesto encima de una octava.

  Aparte de aquellos de los fabricantes italianos ya mencionados, los

bajos por Amati, Bergonzi, Grancino y Testore en particular son apreciados.
Entre los fabricantes ingleses son Forster, Kennedy, Lott y Tarr . En Austria,
los bajos fueron hechos por Jacob Stainer. Otros han venido de las escuelas
de Mittenwald y Mirecourt.

ESTRUCTURA Y AFINACION.

Los contrabajos varían en forma y tamaño más que casi cualquier otro
instrumento. Existen dos diseños básicos: uno tiene forma de una viola, y el
otro de un violín. También hay algunos ejemplos de otras formas (por
ejemplo, guitarra). Los bajos con forma de Viola suelen tener la espalda recta
de la cual la parte superior se inclina hacia el cuello, tiene dos orificios en el
vientre a veces en forma de C (f), y muy de vez en cuando hay un tercer
agujero en forma de una rosa. Otros bajos siguen más cerca el modelo del
violín, aunque para mayor comodidad del intérprete a veces la espalda
también es plana, y sus hombros menos cuadrados.
 De los bajos más pequeños (Bassetti y bajos de la cámara) algunos son
un poco más grandes que un violonchelo, aunque algunos de los más grandes
(de tamaño) pueden tener un cuerpo de hasta unos 140 cm de longitud. El
normal (tres cuartos) tamaño encontrado en orquestas es de
aproximadamente 115 cm. Uno del los más grandes es de 4·8 metros de alto
y fue construido por Paul de wit para el festival de música de Cincinnati en
1889. El Gran 'octobass' de tres cuerdas fue construido en 1851 por la J.-b.
Vuillaume, el instrumento esta afinado C 'G 'C se encuentra ahora en el
Musée de la Musique, París. Otro instrumento grande (que perteneció a
Dragonetti) está en Victoria and Albert Museum, London.

Los contrabajos normales de cuatro cuerdas son la afinados E'-A'-D’- G.

En los bajos de cinco cuerdas la cuerda adicional inferior es más comúnmente
afinada en B ' (a veces C '). De vez en cuando un accesorio mecánico con
palancas sirve en vez de una quinta cuerda. Este dispositivo permite ampliar
la longitud de la cuarta cuerda bajando la frecuencia y cambiando la
afinación de la cuerda, aunque es útil en la orquesta es poco práctico para
tocar pasajes rápidos. La mayor parte del repertorio de solo requiere el
empleo de scordatura, la más común suele ser F '-B'-E’-A, por lo general
conocida como ``afinación de solo ´´, esto, como se considera, da al bajo un
sonido más brillante que se proyecta mejor. Las cuerdas son afinadas
mediante máquinas de cobre con tornillos de gusano de acero, los
contrabajos antiguos tenían clavijas grandes de madera. Como en el tamaño
del instrumento en si mismo, no hay ninguna medida estándar de (playing
stop). Muchos instrumentos orquestales tienen una parada de
aproximadamente 105 cm, pero las variaciones de 100 a 110 cm no son raras.
La música orquestal para el instrumento es escrita una octava más alta que la
altura real. Gran parte del repertorio de solo solía ser anotado en la
frecuencia real, pero esta práctica se limito casi exclusivamente a Italia y es a
veces referida como el "viejo sistema italiano de notación´´.
REPERTORIO Y EJECUTANTES.

Se conoce poca música de solo del siglo XVIII, desde el concierto de

Stamitz, por ejemplo, ( que es una transcripción de un trabajo de viola) hasta
las partes de solo en las sinfonías de Haydn de principios de los años 1760;
entonces, en los cuatro años a partir de 1765, nada menos que 28 conciertos
aparecieron (por Vanhal, Zimmermann, Haydn, Franz Hoffmeister, Johannes
Sperger y Dittersdorf).

En 1791 Mozart escribió su aria Per Bella questa mano (k612) para bajo
y contrabajo, para ser realizado por el cantante Gerl con el contrabajista
Friedrich Pischelberger (1741-1813); ambos fueron contratados en la
producción de Die Zauberflöte under Schikaneder. Este trabajo fue publicado
en 1822, fue uno de los primeros trabajos de virtuoso contrabajo de virtuoso
que apareció en la impresión. Pischelberger y Johannes Sperger eran los
virtuosos más excepcionales de la escuela austriaca en aquel tiempo, con
ellos, el papel del contrabajo como solista alcanzo un pico que antes no había
logrado. Los trabajos de Sperger incluyen 18 conciertos, tres arias de
concierto con soprano y un número de cassations y cuartetos, él jugó con
varios caminos en la afinación de contrabajo de cinco cuerdas.

Josef Kämpfer (1735-88), virtuoso húngaro, viajó a Europa hacia el final

del siglo XVIII, se dice que tenía enormemente impresionado Haydn.
Mientras Kämpfer viajaba tan extensamente por San Petersburgo,
Copenhague, Hamburgo y Londres, Domenico Dragonetti se instaló en
Londres ganado la popularidad de Inglaterra.

El éxito de Dragonetti fue único, durante más de 50 años ninguna

reunión musical fue considerada completa sin él. Con sus finas actuaciones se
gano el reconocimiento en toda Europa, y por su personalidad afable fue
aplaudido y amado por el público británico. Él contaba entre sus amigos con
Haydn, Beethoven, Hummel, Spohr, Liszt y muchos otros compositores.
Rossini, pensando sumamente en él, en 1824 escribio un duo para
violonchelo y contrabajo para ser tocado por David Salomons, un
violoncelista aficionado.

La Biblioteca Británica contiene aun una gran colección de manuscritos

de Dragonetti .

Giovanni Bottesini fue un virtuoso posterior a dragonetti, tenía un

acercamiento diferente al contrabajo. Mientras algunos críticos elogiaron el
tono poderoso de Dragonetti y su capacidad de jugar con la melodía, los
otros despreciaron su estilo ruidoso y áspero. Para Bottesini no fue poco más
que elogios, su tono delicado y técnica ágil sorprendió al público, su
capacidad de "ir de un extremo del instrumento al otro" fue notable (HR
Haweis). La segunda mitad de su Metodo completo per contrabbasso explica
como amplió la técnica del instrumento por el empleo de arpegios y
armonicos. Bottesini era no sólo un virtuoso internacionalmente famoso, fue
tambien un compositor, conductor y director musical sumamente respetado.
En ocasiones él dirigió y condujo sus propias óperas, realizando solos de
contrabajo durante los intervalos entre los actos. Estudió composición con
Verdi, cuyos trabajos él conocía bien, sus numerosos solos de virtuoso tienen
una afinidad cercana con el estilo de ópera popular italiana de siglo XIX.
Entre sus trabajos menos conocidos hay algunos conciertos para dos
contrabajos.

En 1874 Franz Simandl publicó su Neueste Methode des Contrabass-

Spiels, reimprimido muchas veces y todavía extensamente en usó. Simandl
estudio el contrabajo en Praga con Josef Hrabe y trabajó la mayor parte de su
vida en Viena. En Francia el Méthode complète (1931) de Edouard Nanny ha
sido más popular que él de Simandl. El temprano siglo XX vio la subida de
Sergey Koussevitzky. Las grabaciones que él hizo en 1929 de su miniatura
Valse, Chanson triste y Láska's Wiegenlied muestran el mando perfecto que
él tenía de su instrumento. Koussevitzky escribió relativamente poco para el
contrabajo, gran parte de su trabajo consistió en transcripciones
(notablemente la Sonata de Violonchelo de Strauss, Kol de Bruch Nidrei, el
Concierto de Fagot de Mozart y muchos trabajos Barrocos).

Desde Koussevitzky muchos virtuosos han hecho grabaciones, y la técnica

de contrabajo tradicional enormemente ha sido desarrollada desde los años
1950. Gary Karr tiene un repertorio de más de 30 conciertos, muchos de los
cuales él comisionó. El Americano Bertram Turetzky ha comisionado más de
200 trabajos y ha desarrollado su propio estilo particular de tocar, se ha
centrado en el pizzicato y técnicas de arco no tradicionales. Hasta su muerte
en 1991, el checo Frantisek Posta era el exponente principal de la escuela del
contrabajo proveniente de Wenzel Hause y Josef Hrabe. Otros intérpretes de
contrabajo notables incluyen al Berlinés Klaus Stoll, al vienés Ludwig
Streicher, el italiano Francesco Petracchi,el finlandés Jorma Katrama, los
virtuosos franceses Francois Rabbath y Joëlle Leandre y el Británico Duncan
McTier, todos ellos ha hecho contribuciones significativas a la literatura de
solo registrada del instrumento. Alfred Planyavsky es un historiador
eminente del instrumento.

Es difícil de estar seguro cuando el contrabajo obtuvo un lugar en la

orquesta. Muchas orquestas de siglo XVII no usaron el tono 16 ‘; no había
ningún contrabajo en la Paris Opéra orchestra, por ejemplo, hasta los
primeros años del siglo XVIII. Pero las orquestas de la corte de mediados del
siglo XVIII incluyeron contrabajos; por lo general ellos eran más numerosos
que los violoncelos. Una orquesta de sinfonía moderna generalmente tiene al
menos ocho.

En la actualidad cualquier músico contrabajista de orquesta debe lograr

un estándar igual a él del solista, requieren la técnica avanzada para la
mayor parte de los trabajos de, por ejemplo, Schoenberg, Strauss y
Stravinsky. Algunos pasajes más expuestos ocurren en Britten’s Young
Person’s Guide to the Orchestra and A Midsummer Night’s Dream,
Ginastera’s Variaciones concertantes, Mahler’s First Symphony, Musorgsky’s
Pictures from an Exhibition (orch. Ravel, 1922), Prokofiev’s suite Lieutenant
Kijé, Rossini’s six early string sonatas, Saint-Saëns’s Le carnaval des animaux
and Stravinsky’s suite Pulcinella. En la música de cámara hay varias obras de:
Mozart, de un carácter divertimento, (que acreditan el empleo del
instrumento en tales contextos en el siglo XVIII Austria),también se uso en
Beethoven’s Septet (op.20), Schubert’s ‘Trout’ Quintet and Octet, Spohr’s
Octet and Nonet, y muchos trabajos de Hummel, Onslow y otros. Dvořák lo
uso en un quinteto de cuerda (op.77).

Los compositores de siglo XX han girado su atención al instrumento en la

búsqueda de timbres y colores menos familiares, por ejemplo, el Quinteto de
Prokofiev y obras de Henze, que en muchos de los cuales uso armónicos
artificiales.

EL ARCO.

Actualmente hay dos tipos de arco de contrabajo en empleo. El arco

francés, es como un arco de violín (pero más corto y pesado que el de un
violonchelo), es el arco de uso más común en Inglaterra, Francia, Italia y
partes de Escandinavia, los interpretes de Alemania, Austria, la antigua URSS
y la mayor parte de los EE.UU. prefieren el arco alemán que tiene una nuez
mas grande, este es históricamente un tipo de arco de viola. Las opiniones
difieren extensamente sobre las ventajas y desventajas de ambos arcos, pero
es dudoso si alguno tiene ventaja sobre el otro. El arco de Dragonetti, que
también fue sostenido por debajo aunque arqueado lejos de la crin, todavía
estaba en uso en Inglaterra hasta principios del siglo 20.