ARTE EN BOLIVIA

Los
Los Artistas
Artistas Originarios
Originarios yy los
los estilos
estilos
que
que fundaron
fundaron Tito
Tito Yupanqui
Yupanqui ,, Melchor
Melchor
Pérez
Pérez de
de Olguín
Olguín yy Otros
Otros
Resaltamos el estudio realizado y
reflejado en la obra literaria de Teresa
Gisbert , quién afirma que: El arte
desarrollado en Bolivia y los países
vecinos estuvieron fuertemente
influenciados por estilos europeos. Tanto
las pinturas, como las construcciones de
templos, conventos, y otros reflejan la
influencia política y económica de la
época.
A partir de 1688, los artistas de los
pueblos originarios comenzaron a
realizar un arte que corresponde a la
sensibilidad religiosa de los indígenas y el
resto del pueblo menos letrado, para
cuya devoción se realizaban
las distintas obras de arte en las iglesias.
L O S ES TIL O S D E L A P IN TU R A
CO L O N IAL EN B O L IV IA
El Manierismo.
Es una de las tendencias artísticas
más importantes de América Latina .
Podríamos decir que el Renacimiento
no llegó a este continente. La pintura
del Virreinato recibió la influencia
directa de Zuccari y de Vasari, así como
de la arquitectura de Sebastian Serlio.
En lo que concierne a la pintura, esta
influencia fue introducida por el jesuita
Bemardo Bitti (1575), Mateo Pérez de
Alesio y Angelino Medoro (1600).
Únicamente Bernardo Bitti vivió en
Charcas, trabajó en las misiones
jesuitas del lago Titicaca,
especialmente en Juli, vivió en La Paz,
Potosí y Chuquisaca y envió sus obras a
Santa Cruz de la Sierra. Medoro y
Alesio ejercieron su influencia a través
de sus obras y de sus discípulos.
Dominaron los Andes desde 1580
hasta la primera mitad del siglo XVII.
El Barroco.
El barroco aparece en
la Audiencia de Charcas
entre 1630 y 1640. Este
cambio es motivado
por el ingreso de obras
de Zurbarán que fue el
pintor más influyente
en América, cuyo
legado llego a Lima y a
Bolivia sobrepasando la
centena. Con el barroco
desaparece la unidad
artística que existía a
en el virreinato en la
época de Manierismo y
comienzan a surgir
escuelas locales de
pintura. En Charcas
existen dos: Potosí, que
abarca igualmente
Chuquisaca y el Collao ,
que cubre La Paz y los
pueblos de las alturas a
orillas del lago Titicaca.
 LA ESCUELA DE POTOSI
El último manierista en Potosí es Nicolás Chávez de
Villafuerte (activo en 1600). Dos pintores españoles
pertenecientes a las nuevas tendencias son sus
contemporáneos: Francisco López de Castro y Francisco de
Herrera y Velarde, este último nacido en Extremadura.
Castro está muy ligado a la escuela Sevillana, siendo
evidente en sus obras la influencia de Murillo. Herrera, por
el contrario, es un discípulo de Zurbarán, gusta del
claroscuro, de la luz y de las sombras. La dureza de su estilo
nos recuerda al Caravaggio. Los maestros de esta generación
dieron origen a la escuela de Potosí, muy diferente de las
otras escuelas del Virreinato. El Collao y Cuzco tienen una
estética planista y prefieren los personajes idealizados
provenientes del manierismo. En esta época, Charcas y Lima
están en decadencia, por lo que adquieren obras de artistas
de Potosí y de Cuzco, respectivamente.
Bajo la tutela de uno de estos maestros se formó el
pintor barroco más importante del Virreinato, Melchor
Pérez de Holguín. Se fue muy joven a Potosí, y allí
aprendió el arte de la pintura. Nacido alrededor de
1660, firma su primera obra en la Villa Imperial de
Potosí en 1687. Nueve años más tarde, ya cuenta con
un taller propio en esta ciudad. La obra de Holguín
puede ser seguida paso a paso hasta 1732, año en que
firma su último cuadro. Contrajo matrimonio y tuvo
descendencia en Potosí y al parecer jamás dejó esta
ciudad. Incluso sus obras que se encuentran en La
Plata (Sucre) fueron firmadas en Potosí. A su muerte,
deja numerosos discípulos e imitadores y un siglo más
tarde será recordado bajo el sobrenombre de "Brocha
de oro". Considerando las obras de Holguín en su
conjunto, nos llama la atención su composición, su
tendencia a achatar los personajes y su universo. Este
estilo de achatamiento, a veces llevado al extremo de
lo inverosímil, sobre todo en sus cuadros de gran
tamaño, da fuerza, firmeza y originalidad a su pintura.
Sin duda alguna, en ningún otro lugar del mundo más
que en los Andes, región dura, salvaje, ruda, rodeada
de altos nevados, en donde el viento sopla y la vida,
casi desconocida, se oculta en sus formas más
elementales, podríamos encontrar una tal estilización.
Aquí, el hombre se siente aplastado por la naturaleza,
por su hostilidad y su inmensidad, se siente
insignificante y se refugia en las profundidades de su
espíritu, solo frente a Dios, Todopoderoso.
Podemos distinguir tres etapas en la obra de Holguín.
La primera se caracteriza por tonos grises y temas
inmutables: asambleas y ascetas. Hacia 1708 su pincel
se ilumina con las grandes composiciones de San
Lorenzo . La serie de La Merced , en Sucre, pertenece a
este período. A partir de 1714, sus pinturas se hacen
más delicadas, sus personajes más achatados. De esta
época datan sus diferentes series de evangelistas, las
Santas Familias rodeadas de paisajes idílicos, obras en
las que se observa la influencia flamenca.
Una de sus obras más representativas del primer
período es la del Cristo alimentando a San Pedro de
Alcántara . El personaje de San Juan de Dios , rodeado
de flores y de pan, es característico de su estilo
realista. La soltura del pincel y las magníficas
expresiones de los personajes hacen de esta pintura
una obra maestra. Entre los evangelistas, se debe
mencionar a San Juan y, entre las Santas Familias, a la
Virgen Lavandera.
El discípulo más destacado de Holguín es Gaspar
Melchor de Berrío, nacido en 1708 en el pequeño
pueblo de Puna. En sus primeras obras, sigue de cerca
a su maestro, pero con el tiempo crea su propio estilo,
ligado a las escuelas de Cuzco y del Lago Titicaca. Sus
cuadros de transición, como ser El Patrocinio de San
José en el convento de Santa Mónica de Potosí,
describen dos mundos diferentes, uno terrestre, en el
cual los personajes están estructurados a la manera de
Holguín, el otro celestial, con figuras brillantes y más
convencionales, recordando las escuelas de Cuzco y
del Collao.
Berrío abandona luego el estilo de Holguín para
dedicarse a una pintura convencional, revestida de
oro. Es un maestro singular, que trabaja hasta 1761.
Sus mejores obras son La Adoración de los Pastores y
La Coronación de la Virgen.
El indígena Luis Niño es contemporáneo de Berrío.
Estudia y obtiene el título de pintor y escultor en
madera, oro y plata. Dos de sus obras son conocidas,
representando ambas a la Virgen de Sabaya que
reflejan el gusto indígena convencional al que también
se sumó Berrío. La Virgen de la Victoria , en Málaga,
permite comprender el estilo de Niño y la nueva
estética de un barroco americanizado. Niño trabajó
para el Obispo de Charcas y para los mitayos de la
iglesia de San Lorenzo, indígenas como él. Los otros
discípulos de Holguín son imitadores desprovistos de
genio. Podemos citar a Nicolás Ecoz y a Joaquín
Carabal. Los anónimos que copian a los personajes de
Holguín son numerosos.
 LA ESCUELA DEL COLLAO
A fines del siglo XVII desaparecieron
los artistas italianos y flamencos que
fueron tan numerosos en el siglo XVI
y a principios del XVII. Los pintores
españoles son dueños y señores del
arte hasta 1650, pero después
empiezan a escasear.
Por el contrario, los artistas indígenas y
mestizos son cada vez más numerosos. Es
entonces que la pintura - salvo en Potosí
en donde Holguín imprime la marca de un
arte diferente - comienza a asumir su
propia identidad y a alejarse de los
modelos europeos.

Cuzco y el Collao son los centros de esta nueva tendencia. Las

pinturas más apreciadas son aquellas que carecen de
perspectiva, con escenas variadas y anecdóticas y personajes de
belleza convencional. El oro, utilizado profusamente en los
primeros años, pero luego desaparecido con el manierismo,
vuelve a escena y los cuadros revestidos de él son altamente
valorados. Berrío utiliza el oro en Potosí, Cuzco y el Collao. El
gusto indígena se impone y un gran número de pinturas
presentan estas características.
 El siglo XVIII está marcado por un
interés creciente hacia la historia
incaica. Numerosas piezas de teatro
recuerdan la fundación del imperio
incaico, la muerte de Atahuallpa, la
lucha heroica de Huayna Kapac, etc.
Las obras no están destinadas
únicamente a los conventos y a las
iglesias: los arrieros, que en ese
entonces hacían de mercaderes,
compraban en ocasiones hasta 200
obras al mes para venderlas a los
indígenas de las tierras altas.

. La pintura se hace popular y los centros indígenas del Collao

y de Cuzco monopolizan la producción, especialmente en esta
última ciudad, en donde los pintores realizan un trabajo
masivo. El proceso de mestizaje es largo: comienza hacia 1680,
durante el período barroco, creando formas diferentes a las
que se acostumbra en Europa, y termina alrededor de 1780,
cuando el estilo neoclásico llega a América. En los pueblos
indígenas se sigue pintando bajo este estilo hasta fines del
siglo XIX.
Los primeros pintores del Collao son Leonardo Flores y el
Maestro de Calamarca. El primero trabaja alrededor de 1684
en los pueblos que se encuentran a orillas del Lago Titicaca,
como Yunguyo, Puerto Acosta e Italaque. Debe su estilo a los
grabados flamencos. Pinta escenas anecdóticas, sus reyes
llevan trajes lujosos y joyas, las vestimentas flotan cual si
fueran nubes. Estas características son exageradas por los
pintores del Collao que suceden a Flores, como su discípulo
Juan Ramos.
 Si bien ciertas obras de Flores son realmente barrocas,
otras, como el rico Epulón y el pobre Lázaro ,
representan a personajes totalmente infantiles. Flores
trabajó para el Obispo de La Paz, Queipa del Llano. Sus
cartas al obispo revelan un personaje seguro de sí
mismo y muy orgulloso de su trabajo. Esta era en
general la idea que los pintores tenían entonces de sí
mismos. Muchos de ellos al firmar sus obras,
precisaban donde y cuando habían sido éstas
realizadas, consignando igualmente su condición social.
Después de Flores, la pintura del Collao se hace
grandilocuente y se dirige a las masas. La Asunción de la
Virgen es un tema recurrente y en ocasiones un carro
triunfal es jalado por serpientes y sirenas. Esta última,
símbolo del pecado, es uno de los motivos
acostumbrados del arte barroco, especialmente en
arquitectura. Otro tema favorito es el de Las
Postrimerías. Las más célebres pinturas sobre este tema
se encuentran en la iglesia de Carabuco, firmadas por
Juan López de los Ríos. Algunas representan al demonio
tentando a mujeres indígenas mientras escuchan un
sermón.
En todas estas obras volvemos a encontrar la influencia
flamenca. El infierno, en particular, nos recuerda al
Bosco. La serie más famosa después de la de Carabuco
se encuentra en Caquiaviri, fechada en 1739. En
Carabuco es donde aparecen los primeros ángeles
vestidos a la usanza del siglo XVII.
Estos ángeles serán más tarde el tema favorito de los
pintores de las tierras altas. En Bolivia existen varias
series de ángeles, siendo la más famosa la que se
encuentra en la iglesia de Calamarca. Está compuesta
de 36 cuadros que podemos agrupar en tres series: los
arcabuceros, los que están vestidos de Romanos y los
serafines, con vestimenta de mujer. Esta iconografía
proviene, por una parte, de Dionisio el Areopagita y por
otra, de los tratados militares del siglo XVII.
La serie de Calamarca fue encargada en 1680. Los
personajes carecen de relieve, los rostros son infantiles
y convencionales, las vestimentas minuciosamente
pintadas. Las otras series de ángeles se encuentran en
Peñas (departamento de La Paz), Yarvicolla (Oruro), en
la iglesia de San Martín (Potosí) y Pomata (Puno). Muy
probablemente estas pinturas de ángeles nacieron en el
Collao. Las "Madonas", que son copias de imágenes
populares de la Virgen, se expandieron igualmente en la
región y además se siguen haciendo en la actualidad.
Las más antiguas se remontan a 1680.
Como en el caso de los ángeles, este tema se originó
seguramente en el Collao y Cuzco, regiones en las que
fue creado, así como en Potosí, donde Luis Niño y Ecoz
pintaron "Madonas" de este estilo. Encontramos en
Cuzco las obras de Chilli Túpac y de innumerables
anónimos con este tema.
Las "Madonas" más conocidas son las de Cocharcas y
Pomata. Esta última proviene de la misión dominicana
del Lago Titicaca.
 Pomata es un pueblo cerca de Copacabana, en donde
las Vírgenes tienen una belleza singular. Junto con los
ángeles, estas obras son testimonio del alto nivel que
podía alcanzar la pintura americana en su
interpretación del barroco. Si las comparamos con las
que eran realizadas en la misma época en España y en
el resto de Europa, podemos ver cuan lejos se llegó:
luego de haber importado al siglo XVI las formas
artísticas, los Americanos las adaptaron a su propia
sensibilidad para crear un arte original y diferente.
Si bien no existe influencia española en el Collao,
Zurbarán está ahí presente, con sus imágenes de santas
imitadas por los pintores locales. Además de los
ángeles, existen numerosas series de santos, Santa
Casilda, por ejemplo, cuyas joyas nos recuerdan a
Flores.
 LA PINTURA POPULAR
Se acostumbra pretender que la
pintura más antigua es igualmente
la más ingenua o la más primitiva.
Este no es el caso en el Virreinato
del Perú, en donde las obras más
antiguas son, por el contrario, las
más eruditas y las que más se
asemejan a las europeas. A medida
que pasa el tiempo, los
Americanos asimilan los estilos
importados y crean el suyo propio.
Un arte original aparece a fines del
siglo XVII, se populariza y se hace
artesanal hacia 1740.

Cuando el estilo neoclásico invade América, el barroco

se refugia en los pueblos indígenas, en donde nace el
arte popular. Las obras que admiramos hoy día por su
ingenuidad datan del siglo XIX. Santa Ana o la Peregrina
del Museo de La Paz son ejemplos claros de este arte
ingenuo.
EL ESTILO NEOCLASICO
Las reformas del rey Carlos III marcan un cambio
fundamental en América, en el campo artístico, se crean
Academias que substituyen a las asociaciones de
artesanos, el arte se hace erudito y el barroco es
rechazado. La iglesia y las autoridades se dedican a
eliminarlo, ya que se lo considera un arte decadente.

decadente. La Paz, Cusco y Potosí ya no son los centros

artísticos, y capitales como Lima y Chuquisaca,
seguidas por algunas ciudades de los valles como
Cochabamba, encabezan el movimiento neoclásico. A
fines del siglo XVIII, Lima vive un verdadero
renacimiento, no podemos decir lo mismo de Charcas,
cuya decadencia en esta época es evidente. (Autora:
Teresa Gilbert).
CULTURA BOLIVIANA
 Departamento de Beni
Beni, es poseedor de una
gran herencia cultural a
través de sus tradiciones
autóctonas de gran
manifestación. Es de
resaltar el conjunto de
rituales religiosos que
conserva la población,
junto a los grupos
étnicos.

PLATO
TIPICO
EL KEPERI
Departamento de Chuquisaca
Esta región se caracteriza
por su población indígena,
guaraní y quechua, que
conserva sus prácticas
ancestrales pese a su
proximidad con la ciudad
capital. Son excelentes
artesanos, sus tejidos y
cerámicas son muy
apreciados.

PLATO
TIPICO
FRITANGA
 Departamento de Cochabamba
Considerada como la capital
de los valles de Bolivia,
Cochabamba se encuentra
en una tierra fértil y
productiva. La Ciudad,
rodeada por campos de
cultivos y valiosos vestigios
preincaicos, conserva su
semblante colonial y las
costumbres que heredó de
sus antepasados quechuas y
aymaras.

PLATO
TIPICO
PIQUE MACHO
 Departamento de La Paz
La cultura de los pueblos
originarios mezclada con las
tradiciones españolas, al igual
que en muchas regiones de
Latinoamérica, dieron lugar a
la mayoría de las expresiones
culturales: La Entrada
Folclórica de la Fiesta de Gran
Poder en la ciudad de La Paz es
una buena muestra de ello.

PLATO
TIPICO
PLATO PASEÑO
 Departamento de Oruro
En el Departamento de
Oruro se encuentran
poblaciones indígenas
como los grupos
étnicos Urus, Uru
Muratos y Uru
Chipayas.

PLATO
TIPICO
Charquekan
Orureño
 Departamento de Pando
Comida Típica Locro de gallina,
preparado en base a gallina cocida,
arroz y yuca; Locro carretero,
preparado en base a charque, chivé,
arroz y yuca; Patasca de Cerdo; Majao
con huevo y plátano frito; Masaco de
yuca y plátano con queso; Cuñape,
masa cocida preparada con harina de
yuca y queso; Pan de arroz, preparado
con harina de arroz; Empanada de
arroz, preparada con harina de arroz,
con diversos rellenos; Chicha de maíz,
preparada por fermentación del maíz;
Somó; Tujuré; Refresco de tamarindo.

PLATO
TIPICO
FAROFA
 Departamento de Potosi
Potosí fue declarada
Patrimonio Cultural de la
Humanidad por UNESCO y
con razón, ya que mientras
las ciudades españolas de
la época han seguido el
paso de la modernidad y la
industrialización, Potosí ha
quedado intacta hasta el
presente.

PLATO
TIPICO
CAZUELA
 Departamento de Santa Cruz
Santa Cruz se basa
prevalentemente en los
aportes culturales
españoles y europeos
conjugados con los de
rasgos culturales de las
tribus guaraníticas,
chiquitanas, arawakas,
entre otras.

PLATO
TIPICO
MAJADITO
 Departamento de Tarija
A los naturales de Tarija
se les llama tarijeños o
chapacos. Histórica,
étnica, económica y
culturalmente la región
tarijeña se encuentra
estrechamente
relacionada en el Cono
Sur. En la segunda
semana de abril de cada
año (teniendo por centro
el día 15 de abril) se
celebra la Fiesta de la
Tarijeñidad o Fiesta de la
Tradición Chapaca ya que
esa fecha conmemora a
la Batalla de La Tablada
con la cual Tarija se
liberó del yugo colonial.

PLATO
TIPICO
SAISE CHAPACO