PENSAMIENTO HISTÓRICO

EN ARTE Y DISEÑO II (2022-2)

Profa. Etétzi Sánchez

Ejercicio 3. Pintoras/es cubistas.

Elige un autor/autora de la siguiente lista. Lee su biografía, revisa su obra plástica y

elige cinco obras que te llamen la atención. Pégalas en el documento y descríbelas
brevemente: ¿Cómo es su composición? ¿Cuál es el tema? ¿Qué tipo de colores,
trazos, líneas utiliza? ¿Qué efecto produce en mí? ¿Qué aprendizaje me llevo de
observarla? Anota tus investigaciones en el documento colectivo.

● Pablo Picasso
● Alice Bailly
● Georges Braque
● Marie Laurencin
● Sonia Delaunay
● Jean Metzinger
● María Blanchard
● Robert Delaunay
● Juan Gris

Ejercicio elaborado por: Yanaileth Yudisleydis Delgado Escamilla

Autor/autora: Datos biográficos:

Marie Laurencin (París, Francia, 31 de
Marie Laurencin octubre de 1883 - 8 de junio de 1956) fue una
pintora, grabadora y diseñadora teatral
francesa de la vanguardia cubista, de estilo
ninfista, vinculada con el grupo de Puteaux,
también conocido como la Section d'Or.

Obra / título / fecha Explicación

Se muestra el autorretrato de Marie

Laucerin,tiene un fondo oscuro plano y
muestra una paleta de colores cálidos, se
ve el desarrollo que tiene en la técnica del
dibujo. Parece ser que esta obra es parte
de su comienzo artístico, ya que
posteriormente se ve influenciado su estilo
Autorretrato (1905) pictórico por artistas como Pablo Picasso.
 En esta obra se empieza a apreciar el ritmo
de sus futuras obras, el apasionamiento a
figuras simples y planas y el uso de
tonalidades más aclaradas de lo usual,
aunque en el fondo aún se perciben
tonalidades más oscuras y cálidas. Las
facciones de los rostros se resumen a
líneas más sencillas, y casi no se aprecian
profundidades. Es perceptible la habilidad
que desarrolla Marie en temas de
composición, en comparación con obras
Encuentro en el campo (Apollinaire y sus más antiguas.
amigos) (1909)

Las obras de Marie fueron evolucionando,

cambió la estructuras de su obras gracias a
las influencias del cubismo, los colores
planos se complementan a penas con un
tono más oscuro para crear profundidad y
sombras, se acompaña de una paleta de
azules y rosas pasteles que le brindan
armonía y tranquilidad a la obra, los trazos
son simples pero están equilibrados con la
elección de colores que Marie hizo.

Nu au miroir (1916)

A diferencia del primer autorretrato, en esta

obra se aprecia más su distinguido estilo,
pues es una de las obras realizadas en su
madurez. Los colores pasteles siguen
abundando, sin embargo, de sus obras no
escapan la melancolía y signos de soledad.
Ella marca un definitivo antes y después en
las representaciones de sí misma,
demuestra un contraste entre su yo joven y
un yo más maduro.

Autorretrato (1885-1956)
 La artista Marie Laurencin se nota
apasionada por las figuras femeninas,
desde sus propias palabras decía “Si el
genio de los hombres me intimida, me
siento perfectamente cómoda con todo lo
que sea femenino”, y para aquella época,
era muy importante que las mujeres
empezaran a apoderarse del mundo
artístico. En su obra, la paleta de tonos fríos
se apodera del paisaje femenino, sostiene
una mirada sombría y perdida, además de
mostrar una buena sugestión del espacio y
los primitivos usos de los colores planos.
Suznne Moreau en Bleu(1940)

Ejercicio elaborado por: Isaac López Ramos

Autor/autora: Datos biográficos:

José Victoriano González-Pérez, más conocido

Juan Gris como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887-
Boulogne-sur-Seine, 11 de mayo de 1927), fue
un pintor e ilustrador español que desarrolló su
actividad principalmente en París. Es
considerado uno de los maestros del cubismo.

Obra / título / fecha Explicación

 Juan Gris llegó a geometrizar más que
Picasso por entonces, esto se trata de un
autorretrato y por medio de líneas
paralelas y perpendiculares da la alusión
de un espejo roto, siendo algo conceptual
sobre todo cuando esta obra se trata de
un autorretrato.
Todas las caras de su figura se
despliegan en un solo plano y las líneas
diagonales centrifugan y dinamizan la
composición. La personalidad creativa
de Gris se consolidó rápidamente.

Juan Gris. Autorretrato, 1912. Colección privada

Gris reconstruye objetos a partir de las

diagonales, las líneas que utiliza, se
ocupan tradicionalmente en pintura para
explotar la profundidad del cuadro.
Creando una gran paradoja, huyendo de
la profundidad, la arroja sobre el
espectador para dinamizar el conjunto
del bodegón propuesto en el cuadro,
sigue con el estilo de espejo roto, poco
uso de colores, en este caso solo blancos,
negros y amarrillos, pero sobre todo un
uso de sombras de forma degradada, y es
una sensación de observar el reflejo
fracturado pero a la vez tan ordenado y
formal.

Juan Gris. Botellas y cuchillo, 1912. Museo Kröller-

Müller, Otterlo
 El Arlequín, tema que tomó de Picasso,
con el sentido poético que desprende el
mismo arlequín del cómico ambulante y
su traje de rombos. Se observa ya aquí
un inicio de retorno al orden que pronto
dominaría el panorama artístico con el
principal uso de figuras geométricas más
planas y bidimensionales, sin querer
hacer uso de la profundidad o inmersión
a la obra por parte del artista hacia el
espectador. Haciendo una fácil
interpretación de la obra, apegándose
más al movimiento cubista como lo
conocemos y con una variedad mayor de
colores. De

Juan Gris. Arlequín, 1918. Museo Reina Sofía

Tiene su característica composición de

 bodegón que usa Gris, donde
nuevamente trocea los objetos y presenta
el tradicional mantel de cuadros rojos,
introduciendo un dinamismo transversal
que va cambiando de sonoridades
haciendo que cause la sensación de la
composición de una melodía con ritmos
y tonos variados, con una paleta de
colores bastante distinta a sus otros
trabajos, siendo más cálida y
contrastante con los colores, tambien
siendo mas plana debido a la escasez de
degradados antes utilizados pero más al
estilo cubista establecido.

Juan Gris. Violín y guitarra, 1913. Museo Reina

Sofía

Esta pintura fue realizada desde una

perspectiva cenital, donde se observan
todos los elementos del bodegón
entrelazados y troceados. Utilizaba Gris
rejilla de sillas y desplegaba los
elementos del bodegón con variedad y
audacia. En esta obra se observan poca
variedad de colores; sin embargo, es un
contraste muy marcado entre los
amarrillos y rojos, siendo mas llamativa
la composición que los elementos
implementados; causando que no sepas
bien dónde dirigir la mirada.

Juan Gris. Peras y uvas en una mesa, 1913. Mr.

amd Mrs. Burton Tremaine Collection
Ejercicio elaborado por: Karen Itzel Parra Jimenez 17/03/22

Autor/autora: Datos biográficos:

Nació en Ginebra (Suiza) en 1872, considerada
como una artista de planteamientos radicales, es
especialmente conocida por su particular visión
tanto del cubismo como del fauvismo, sus
cuadros de lana y sus aportaciones al dadaísmo.
Falleció en Lausana en 1938. En su testamento
Alice Bailly estableció que el dinero obtenido por la venta de
sus cuadros fuera a un fondo para ayudar y
financiar la formación de jóvenes artistas. Para
cumplir ese deseo, se creó en 1946 la Fundación
Alice Bailly.

Obra / título / fecha Explicación

Cuenta con una composición balanceada y

fluida, tiene elementos centrales que dirigen la
mirada directo a ellos, también los elementos del
fondo dan cierto contraste a los de elementos de
enfrente; en la pieza podemos observar a un
grupo de mujeres desnudas bailando al parecer
en un jardín el cual se ve reflejado en el fondo.
Utiliza colores brillantes como el blanco para
resaltar las figuras y un azul verdoso para darle
profundidad y contraste al fondo, también se ven
colores cálidos que funcionan como sombras;
utiliza líneas curvas y trazos no tan marcados
para darle dinamismo a la imagen. Me gusta
mucho el color azul que utiliza como contraste,
siento que le da cierta riqueza en color, también
los trazos que utiliza son muy buenos ya que da
Alice Billy. Le caprice des belles, 1918. Óleo sobre
la ilusión de movimiento en las figuras.
lienzo 68 x 81 cm. Ubicación actual desconocida.

Tiene de cierta forma una composición inusual,

ya que el fondo y los elementos se mezclan y no
se logra distinguir fácilmente cual es cual. En la
 pieza se observan a dos personas claramente y
una tercera se ven a medias detrás de otra figura,
la figura principal es una dama bailando en ropa
de gala con una bufanda y las demás figuras
también se encuentran bailando. Utiliza colores
muy llamativos como azules, verdes, amarillos y
rojos los cuales le dan contraste y dinamismo,
tambien hay colores osscuros los cuales marcan
un contraste y tambien algunas sombras. Los
trazos en mayoría son curvos, gruesos y
llamativos. Me llaman la atención los colores en
la pieza, hacen que se vea vivida y con forma,
también me gustan las texturas que aparecen en
las figuras, pareciera estar pintado con una
mezcla entre óleo, pasteles y en ciertas partes
acuarela.

Alice Bailly. Marval At The Van Dongen's Masked

Ball, 1914.

Los elementos pueden ser observados fácilmente

gracias a que se encuentran centrados aunque al
estar mezclados con el fondo y tener trazos muy
rectos se llega a ver muy rígida en algunas
partes, en la pintura se observan dos mujeres que
al parecer toman té y están como por periodos
moviendo las tazas, una de ellas mira hacia otro
lado mientras la otra mira la taza que tiene en
manos. Los colores son llamativos y los que más
abundan son cálidos, mientras que los fríos a
pesar de ser pocos dan contraste, tiene líneas
poco marcadas por lo cual cuesta distinguir entre
lo que es fondo y lo que está enfrente. Esta
pieza para mi es un poco confusa de acuerdo a la
composición, ya que se ve en el centro un
Alice Bailly. Le Thé, 1914. Oleo en canvas, 49 × 65 revoltijo, aun así estéticamente se ve interesante
cm. Aargauer Kunsthaus. y los colores hacen que resalte.

La composición es geométrica asimétrica

inclinada hacia el centro del lienzo, se puede
 observar un cementerio que cuenta con una
iglesia, unas capillas o mausoleos y tumbas con
ofrendas encima; parece un paisaje rural, ya que
se logran apreciar en el fondo montañas y
árboles gracias al contraste de colores. Los
colores que se utilizan para el cementerio son
cálidos y oscuros para diferenciar sombras de
luces, también cuenta con algunos colores
llamativos que hacen que resalten elementos
como: ofrendas, el paisaje, etc. Tiene trazos
finos, rectos en su mayoría y ondulados dando
efecto de como si el paisaje se viera a través de
un cristal con textura. De cierta forma a pesar de
ser un cementerio se ve alegre por la paleta de
colores, me gusta el hecho de que se vean
muchas figuras geométricas y que cada una está
sin mezclarse con otras.

Alice Bailly. Cemetery, 1913. óleo en canvas 65 x 54

cm.

Los elementos se ven fluidos gracias a la

composición, da el efecto de estar fluyendo de
izquierda a derecha, ya que, la figura de la mujer
es lo primero que se percibe. Se observa a una
mujer sentada y alrededor de ella se ven muchas
manos que le ofrecen tazas de té y otras tienen
platos, la mujer mira hacia la derecha donde se
encuentra una persona con sombrero tomando de
su taza; los trazos se ven hechos con delicadeza
y los colores frios como el azul y el negro hacen
que resalten los elementos pictoricos, por otra
parte los colores oxido y terracota hacen que se
vea un contraste respecto al fondo. En el caso de
esta pieza se observan muchas curvas las cuales
le dan dinamismo. La pieza me produce cierta
nostalgia, quizá por la paleta de colores que
utiliza, me gusta como están dispersos los
elementos y me agrada el estilo “fino y
delicado”que aparenta.

Alice Bailly. Tea Time, 1920. Óleo. Colección

privada.

Ejercicio elaborado por: Santos Gonzalez Giovanni Uriell

Autor/autora: Datos biográficos:
Nació el 13 de mayo de 1882 y murió el 31
Georges Braque de agosto de 1963
Allí estudió primero en la Academia
Humber, para más tarde ser un pintor y
escultor cubista, siendo parte de los
movimientos cubistas y del “fovismo”
teniendo como gustos principales el
bodegón, escenas de género, animal y
pintura de paisajes.
Tenía conocimientos del violín, acordeón y
la flauta,

Obra / título / fecha Explicación

Su composición es muy sintética, de

colores duros pero texturizados, líneas
gruesas no precisas. Se retrató el rostro
dividido en dos de una mujer, dando la
apariencia que están viendo hacia el mismo
lado ambas partes pero la parte negra se
ve de “costado” o lateral.
Me genera ansiedad por el grosor de las
líneas y por la falta de volumen.

RETRATO DE UNA MUJER, litografía.

35,5 x 26,5 cm. 1939,
 Colores oscuros con brillos amarillos, de
trazo “tosco” que represnetan un craneo,
junto a una cruz y un rosario.
Dicha obra transmite sarcasmo por su
composición ya que es bien sabido que en
la historia la iglesia católica/cristiana ha
sido la provocadora de miles de millones de
muertes.
incluso son la composición tan simple
puede comunicar algo que yo puedo
interpretar a mi forma haciendo que me
sienta cómodo con su obra.

Vanitas, litografía, 37 x 54 cm, 1951, 2200

euros.

Su paleta de colroes es de tonos grises con

tonos amarillos y naranjas, dando la
sencación de profundidad y
tridemencionalidad, sus lineas son
delgadas y precisas.
Despierta una sensación de incomodidad
por las formas y de ansiedad al no poder
distinguir bien la jarra ni saber su
ubicación.
Del mismo modo enseña que para poder
representar algo como por ejemplo un violín
no es necesario tener una representación
visual precisa del objeto, siempre y cuando
este pueda entenderse.

Violín y jarra, óleo sobre lienzo 117 x 73 cm,

1910.
 Colores que van desde la gama de
amarillos, naranjas, cafes y rojos en
distintas tonalizadades, colores azulados,
blancos y grises, con lineas y trasos no
precisos.
Despierta la sensación de vacío y
ambigüedad por la figura central muy
solitaria.

El arado metálico, óleo sobre lienzo, 33 x

40 cm, 1962

Paleta de colores de tonos cafes, naranjas,

amarillos, morados, azules y verdes, con
lineas negras en su composción central
mientras que en el dondo el color gris es el
predomintante.
Sus formas son muy abstractas haciendo
que se me sea imposible distinguir entre un
florero de cuello estrecho, una calabaza o
una cantimplora.

El acuario, óleo sobre lienzo, 81 x 100 cm,

1951

Ejercicio elaborado por: Edahi Ollin Campa Martínez

Autor/autora: Datos biográficos:

Nació el 12 de abril de 1885 en París y
Robert Delaunay murió el 25 de de Octubre de 1941(a los 56
años).

Fue un pintor que trabajó junto a su pareja,

Sonia Delaunay y fueron pioneros del arte
abstracto y creadores del simultaneísmo.

Abandonó el cubismo, con sus formas

 geométricas y colores monocromáticos,
para embarcarse en un nuevo estilo, el
orfismo, que se centró en las formas
circulares y en los colores brillantes y que
ha sido también calificado de cubismo
abstracto o rayonismo.

Obra / título / fecha Explicación

Es una pintura en la que se observan 3

Robert Delaunay, “Ciudad de París”, El mujeres en el centro, la torre Eiffel, un
aceite sobre lienzo, 267x406cm,1912. barco y la ciudad.Predominan los colores
fríos, aunque usa colores cálidos par que
resalten ciertos elementos generando un
contraste, se aprecian principalmente
cuadrados, triángulos, trapecios que están
delimitados por un trazo muy suave. Es una
obra que me genera intriga en por qué puso
a las mujeres en esa disposición y me
agrada que se entienda claramente el
concepto, de aprendizaje me llevo la forma
en la que delimita sus formas solo por el
cambio de tonalidades.

El tema principal de la pintura es la Torre

Robert Delaunay, “Campos de Marte: La Eiffel, por lo que he visto en sus trabajos le
Torre Roja”, Óleo sobre lienzo, gusta mucho darle ese color intenso rojo, la
160,7 × 128,6 cm,1923. vemos rodeada de edificios con colores
obscuros y en centro se encuentran colores
muy alegres, aunque siguen predominando
los triángulos, cuadrados, empieza a
implementar círculos y óvalos, me transmite
alegría como si el mundo quisiera consumir
algo en obscuridad, pero en el núcleo hay
mucha vida, de nuevo no delimita las
figuras con trazos duros y me agrada ver
como empieza a integrar una nueva figura
geométrica poco común en esta corriente.
Robert Delaunay, “ Portuguesa”, Óleo y En esta pintura ya se nota bastante el
cera sobre lienzo, 180x205 cm,1916 cambio de figuras geométricas, la figura
principal es un hombre vestido de ama de
. casa regando las plantas, que se me hace
impactante por la mentalidad machista que
predominaba más por esa época (yo lo veo
como un hombre, no sé si esté
equivocado). Los colores son bastante
vivos con tonalidades pastel, en las plantas
usa un ligero contorno, pero en general su
trazo es bastante suave. Lo percibo como
un hombre que riega, nutre sus
sentimientos y deja que vuelen libremente.

Robert Delaunay, “Circular forms”, Óleo El título va muy acorde a la obra, denota de
sobre lienzo,128.9 x 194.9 cm,1930. lo que se trata, me interesó esta pintura
porque se puede ver que aún no hace la
transición completa a los círculos, óvalos
como figuras principales, se siguen notando
los triángulos, tonalidades híbridas ni muy
vivas, ni muy apagadas, trazos suaves, usa
bastantes contrastes que me dan un
sentimiento de profundidad, parece muy
simple, pero lo que considero importante es
observar la evolución del trabajo de
Delaunay.

Robert Delaunay, “Carousel of Pigs”,

Óleo sobre lienzo,248 x 254 cm,1922.

La figura que mejor se aprecia es el hombre

en la parte inferior con vestimenta refinada
pintado con colores fríos, no diría que es el
elemento principal de la obra por posición,
colores. Esta obra es más abstracta con lo
que genera formas de interpretación libre,
se observa una clara división en el centro
que podría significar una dualidad, lo
interesante es que al observarla los discos
de colores te van guiando la mirada a
diferentes partes de la obra, se siente como
un carrusel, como su nombre lo dice y
dependiendo de donde empiezas llegas a
un lugar diferente y por lo tanto una
interpretación diferente, hasta lo hace
divertido.

Ejercicio elaborado por: Omar Sánchez Santiago

Autor/autora: Pablo Picasso Datos biográficos:

Pintor y escultor nacido en 1881 en Málaga,

España y murió en 1973 a los 91 años en
Mougins, Francia.
En diciembre de 1902, Picasso se mudó de
Barcelona a París con Max Jacob.
Se le conoce por iniciar el cubismo junto a
George Braque.
Fue miembro del Partido Comunista de
España y del Partido Comunista Francés.

Obra / título / fecha Explicación

Mural realizado para el Estado español en

1937. Representa el enfrentamiento bélico
Guernica, óleo sobre lienzo 349.3 x 776.6 cm sucedido en Guernica que funciona como
1937. fiel reflejo de las atrocidades vividas
durante la guerra civil española.
Mural en blanco y negro

Las Señoritas de Aviñón, óleo sobre lienzo

243.9 x 233.7 cm. Año 1907

Mujer Frente al Espejo, óleo sobre lienzo

1932

Retrato a Dora Maar,óleo sobre lienzo.

1937
Ejercicio elaborado por: Coronado Sánchez Gabriel Yael

Autor/autora: Datos biográficos:

Fue un pintor francés,de niño, Jean
Metzinger mostró talento para el dibujo y
Jean Metzinger comenzó a tomar lecciones de arte,
estudió en la Academia de Bellas Artes
de su ciudad natal de Nantes y
experimentó con diferentes estilos de
pintura.
En 1903, vendió varias pinturas y ganó la
confianza para mudarse a París para
seguir una carrera artística. Fue un
momento emocionante para ser un
artista joven allí porque la ciudad estaba
llena de ideas y tipos creativos.

Obra / título / fecha Explicación

 La composición de esta obra es a simple
vista caótica, y debido a que los elementos
que presenta están fragmentados en
muchos pedazos, que terminan dándole
equilibrio a la obra, en la parte inferior los
fragmentos son más pequeños y variados y
en la parte superior podemos ver pedazos
del fondo mucho más grandes, el tema de
la obra son tres mujeres, la primera
sostiene a lo que es el punto clave de la
composición, el pájaro azul, lo acerca a su
rostro para darle un beso, una segunda
mujer está en el piso recostada posando,
con una mano en la barbilla y a sus pies un
ave roja comiendo, por último la tercera
mujer está del lado izquierdo del cuadro
brindándose aire con un abanico y viéndose
al espejo, del lado derecho hay un cuadro
de un barco y del lado izquierdo se se ve
una punta de una catedral por lo que
Jean Metzinger - “L’Oiseau bleu” (1912- parece que están posando en alguna
1913, óleo sobre lienzo, 230 x 196 cm, terraza o algo por el estilo, usa colores en
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, tonalidades muy tenues o apagadas, como
París). El pájaro azul. café, blanco, negro, gris, naranja, verde,
amarillo, rojo, y el color más vivo es el azul
del ave, la sensación que me genera está
onda es inquietante e intrigante, porque me
hace sentir como si fuera la fusión de
múltiples realidades tratando de hacerse
una sola, en la que los objetos y personas
son uno con el fondo, por lo que me hace
sentir que es un misterio por resolver y me
genera mucho interés la forma en la que
cubifica el mundo real dándole una nueva
forma, a ttraves de todo tipo de formas,
como picos, curvas, rombos, triángulos y
figuras menos geométricas pero con mucha
dinámica,
 La composición de esta obra posee un gran
carácter dinámico, en el que la distribución
de las figuras y las formas, y las distintas
posiciones en las que se colocan le otorgan
carácter y equilibrio a la obra, el tema es de
una mujer en un café con un vestido largo y
aparentemente con un ramo de flores en la
mano, a su izquierda otra mujer sentada y
frente a ella una mesa pequeña con
botellas, y al fondo un hombre con
sombrero pasa caminando, usa colores
muy apagados, negro, gris, ocre, rojo,
amarillo, azul, verde e incluso tal vez
naranja, utiliza muchas líneas rectas y
figuras puntiagudas, rotadas,
experimentando con la fragmentación de la
realidad pero sin perder la esencia misma
de la realidad y su capacidad narrativa, está
obra me genera confusión pero al mismo
tiempo interés en tratar de entender por qué
"Danseuse au café" (Bailarina en un café) , el artista utiliza tantos cortes en cada uno
1912, óleo sobre lienzo. de los elementos de la composición.

soporte: 57 1/2 x 45 pulgadas (146,05 x

114,3 cm); enmarcado: 63 x 50 5/8 x 3 1/2
pulgadas (160,02 x 128,59 x 8,89 cm)

Colección Albright-Knox Art Gallery,

Buffalo, Nueva York.
 La composición de esta obra surge desde
el centro del cuadro, dónde se ve una
mujer, desnuda tomando el té, una de sus
manos reposa sobre la mesa tomando con
delicadeza su plato donde se encuentra su
taza de té y su otra mano sostiene una
cuchara, el fondo podría ser la habitación
donde se encuentra, y parece que trae
cubriéndole la mitad del cuerpo una cobija o
una tela, utiliza colores tenues y sin mucha
intensidad como el ocre, el negro, el verde,
el rojo, un poco de azul, blancos y grises,
utilizar figuras no tan geométricas, y da
prioridad a las curvas, las líneas divisoras
de cada figura van desde lo tenue hasta
más marcadas, sin embargo cada uno de
los elementos de la obra son fáciles de
identificar.

"LA HORA DEL TÉ" JEAN METZINGER

óleo sobre cartón 75,8 x 70,2 cm.

La composición de esta obra contiene

equilibrio de formas y colores, el tema es
una mujer, pisando una alfombra, cargando
el arco de su violín y un ramo de rosas, y
en el piso se encuentran su violín y sus
partituras sobre una alfombra, al fondo
unas cortinas rojas, los colores en esta obra
son muy vivos, rojos, azules, amarillos,
naranjas, verdes, grises y negros, aunque
también hay colores tenues, las líneas de la
obra son gruesas y marcadas, y las formas
utilizadas son largas, desde triángulos,
círculos, y curvas, para generar el
movimiento de la violonista, las formas son
muy fáciles de distinguir, y la obra me
genera energía, como si fuera una imagen
de la violonista al terminar de dar un
concierto y estuviera recibiendo el aplauso
del público.

"LA VIOLONISTA" Jean Metzinger

óleo sobre lienzo, 63,5 x 46 cm.
 La composición de esta obra se me hace
muy interesante porque se muestra al
hombre visto desde diferentes puntos de
vista o distintos ángulos, y parece una
fusión de diferentes ventanas en las que se
ve el mismo momento pero desde una
realidad alterna, un ejemplo es la
fragmentación del rostro, cómo cada corte
muestra un ángulo diferente, incluso un
color diferente, el tema de la obra es un
hombre con sombrero de fieltro fumando
una pipa, parece ser un hombre elegante o
con traje sentado en su escritorio con los
brazos cruzados, las flores que están en
sus costados se me hacen un elemento
muy interesante es como si fuera el papel
tapiz de su pared, parece como si fuera un
collage, usa formas grandes y las líneas
"Le femeur", (hombre con pipa),  jean son casi imperceptibles da más el efecto de
Metzinger 1912-1913 que es un rompecabezas cada fragmento
Óleo sobre lienzo de el cuadro, los colores son muy vivos, y
129,7 cm × 96,68 cm, Museo de Arte variados, azules, ocre, naranja, rojo, verde
Carnegie , Pittsburgh, Pensilvania negro, café, rosa, morado, blanco, y las
formas son de naturales encerradas en
pedazos geométricos cómo triángulos y
más formas interesantes.

Ejercicio elaborado por: Ari Herrera Arizmendi

Autor/autora: Datos biográficos:

Georges Braque
(Argenteuil, Francia, 1882 -
París, 1963) En 1900 comienza a
estudiar en París, Escuela de
Bellas Artes y en 1906 se adhirió
también al fauvismo bajo la
influencia de su amigo Othon
Friezs.
Eventualmente conoce a Picasso
y decide integrarse al cubismo
como cofundador.
Obra / título / fecha Explicación

Las sutiles líneas geométricas se pierden

entre sí, pues se difuminan mucho. Los
tonos cafés y grises contrastan entre sí.

Violín y jarra (1910)

Este debe ser el más difícil de identificar.

Mucho café y gris con pinceladas suaves
pero firmes.
Botella y pescados, 1908

Tonos blancos, grises, azules, verdes y

cafés. Algo difícil de identificar, a decir
verdad. Se pierde mucho en el fondo la
mandolina.

Mandola. 1910

Tonos grises, azules y cafés, líneas

geométricas sutiles que parecen
desaparecer en el fondo.
Violín y paleta, 1909

Usa tonos oscuros como café y negro, poco

blanco y gris. Trazos muy geométricos que
conforman el violín y el candelabro. La
sombras se difuminan en colores negros y
cafés.
Violín y candelabro, 1910

Ejercicio elaborado por: Bryan Malagon Tovar

Autor/autora: Datos biográficos:

El cuadro representa a su hermana,

Lola, durante la primera comunión,
un momento solemne de transición
de la infancia a la vida adulta en la
 fe católica.

Obra / título / fecha Explicación

La vida es uno de los cuadros más

importantes de la llamada etapa
azul. Entre 1901 y 1904, Picasso
dio énfasis a las obras con
tonalidades azules y temas como
prostitutas.

Principalmente, en la composición
del rostro de las dos mujeres al
lado derecho del cuadro. Sus caras
son semejantes a máscaras
africanas.

Picasso comenzó a utilizar pedazos

de papel, como papel tapiz y
periódico en sus obras. Fue uno de
los primeros en utilizar la técnica
del collage en sus obras.

Este retrato de su hijo como

arlequín está inserto en la fase
neoclasicista-surrealista (1919-
1929). Con el final de la guerra,
muchos artistas europeos buscaron
dentro del clasicismo un modo de
restituir el orden.
Ejercicio elaborado por: Huerta Esquivel Alejandra.

Autor/autora: Datos biográficos:

Sonia Delaunay nació el 14 de noviembre

de 1885 en Gradizhsk, Ucrania.
En 1904, se trasladó a París, donde su
talento artístico se vio influenciado por los
post impresionistas y fauvistas.
A partir de 1910, se inspira en las formas
del cubismo y en los colores de Gauguin,
Van Gogh entre otros, desarrollando un
estilo basado en la yuxtaposición de colores
puros rotos en prismas.
Con esta técnica elaboró pinturas, telas y
diseñó vestuarios para teatro.
En los años siguientes se dedicó
principalmente al diseño de ropa y a telas
estampadas a mano con colores brillantes
que revolucionaron el diseño textil.

En 1925 participó en la Exposición

Internacional de Artes Decorativas de París,
donde presentó su ‘boutique simultánea’,
con la que obtuvo una gran popularidad.
Sonia Delaunay falleció el 5 de diciembre
de 1979, a los 94 años, en París, Francia.

Obra / título / fecha Explicación

 Esta composición creo que es muy
interesante, por los colores, los círculos o
semicírculos y como estos están
acomodados a lo largo de la pintura. Me
hacen sentir una especie de armonía. Y
aunque hay muchos tonos de colores
diferentes y unos más llamativos de otros
se siente como una pintura muy armónica.

Ritmo, Sonia Delaunay 1938, 149 x 182 cm.

Con esta pintura me siento extraña con los

volúmenes de la pintura, veo a las mujeres
pero no entiendo sus pies planos, si se
están acercando o en qué punto de ese
pasillo están. Aun así me resulta una
pintura bonita, como de una pasarela.

Vestidos simultáneos. (Tres mujeres,

formas, colores)
1925
Esta me resulta todo lo contrario a ritmo, la
veo desorganizada, me da la sensación de
caos, como si todo estuviera fuera de su
lugar. Pero aun así resulta muy bonita, el
uso de los colores no es llamativo, son
armoniosos entre sí y eso hace que la
pintura sea muy linda a mi parecer.

Con esta pintura la siento estática pero al

mismo tiempo con movimiento, como si el
sujeto que está tocando lo hiciera pero veo
muy estática a la mujer, también los colores
en esta pintura son más apagados que en
las pinturas anteriores.
Cantante flamenco, 1910.

Con esta pintura siento mucho movimiento,

siento como si todo lo que está dentro
tuviera un tipo de flujo, así como sería en
un mercado, la gente moviéndose de un
lugar a otro. Mucha felicidad por los
colores.

Mercado en el Miño, 1915.

Ejercicio elaborado por: Jesus Emmanuel Maldonado Acevedo

Autor/autora: Robert Delaunay Datos biográficos:

Robert Delaunay fue un pintor francés.
Junto a su pareja, Sonia Delaunay, fueron
pioneros del arte abstracto y creadores del
simultaneísmo.
 Abandonó el cubismo, con sus formas
geométricas y colores monocromáticos,
para embarcarse en un nuevo estilo, el
orfismo, que se centró en las formas
circulares y en los colores brillantes y que
ha sido también calificado de cubismo
abstracto o rayonismo.
Su serie Ventanas constituyó uno de los
primeros ejemplos de un arte abstracto.
Sus estudios sobre el ritmo y el movimiento
se resuelven en series de cuadros basados
en eventos deportivos, como Sprinters, que
culminaron en impresionantes obras
abstractas centradas en el ritmo, como sus
últimas series "Ritmos" y "Ritmos eternos".
Realizó igualmente escritos teóricos como
el ensayo Sur la lumière, publicado en «Der
Sturm», en traducción de Paul Klee. Con su
esposa, la también artista Sonia Delaunay,
residió un tiempo en España.

Obra / título / fecha Explicación

Political Drama 1914

Ejercicio elaborado por:
Autor/autora: Datos biográficos:

Obra / título / fecha Explicación