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    Elementos Formales Del Arte

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    Paulina Far�as Rangel
    Una breve explicación sobre todos los elementos formales que deben ser analizados al hablar de una pieza artística en específico.

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    Una breve explicación sobre todos los elementos formales que deben ser analizados al hablar de una pieza artística en específico.

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    Elementos formales del arte

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    GUIA DE ESTUDIO ARTE

    Los elementos formales


    ¿Qué son los elementos formales del arte?
    Cualidades físicas de un objeto artístico.

    1. Función: en contexto histórico, social o cultural


    2. Significado: del objeto artístico

    Analizar → describir detalladamente cómo está construido visual y técnicamente, y


    conocer el proceso de creación.

    Espacio / profundidad

    Luz
    Color
    Significado
    Línea Forma Materiales + técnica + proceso
    función - emoción
    Composición Textura

    Tiempo / movimiento
    Línea: trazos y pinceladas

    La composición: acomodo y estructura de los elementos en una imagen (pintura, dibujo


    o foto). Para esto debemos conocer: formato - medidas en cm y soporte - material
    sobre el que se trabajó. Acomodo agradable de forma color y valor. Contraste, rostro,
    líneas guía, etc. ayuda a que el espectador vea lo que quiero que vea. Color y
    saturación hace que el sujeto de interés resalte.

    En caso de escultura: relación de una forma con otra y con el espacio que rodea.

    Conceptos clave para la composición → formato, color, forma, valor, punto focal,
    balance, contraste, líneas guía, movimiento, velocidad, desenfoque, simetría, ritmo,
    patrón, proporción y escala.

    Guías de composición: regla de tercios, proporción áurea, composición triangular y


    centrada.

    Valores = tonos de color ¿Cómo describir una composición?

    Clave tonal = escala de fuerte y claros Simétrica / asimétrica

    Balanceada / caótica

    Dividida, compleja, geométrica, armoniosa, irregular, rítmica,


    segmentada.
    Luz: el uso de luz determina el ánimo de la pintura y la manera en la que alcanzamos a
    percibir las texturas. Puede convertir una figura plana en una con volumen. Importante
    - ¿Qué refleja?, determinar de dónde viene la luz. La dirección se muestra con sombras.
    La luz puede tener un significado metafórico o simbólico, y se puede relacionar con una
    divinidad. Sin luz el cuadro se ve oscuro y caótico, e iluminado brinda paz.

    Tipos de luz:

    Naturales → sol, fuego

    Artificiales → foco, lámpara, vela

    • Reflexión = la luz refleja algo


    • Absorción = absorbe el calor
    • Refracción = la luz atraviesa algo cambiando su dirección
    • Transmisión = atraviesa un objeto sin cambiar de dirección
    • Alumbrar = puede haber sombras, pero la luz es pareja
    • Iluminar = una parte específica, da enfoque y resalta

    Homogéneo: cuando la iluminación es pareja

    Forma: zona que define objetos en una composición.

    Forma visualmente tridimensional: tiene volumen de altura, ancho y profundidad.

    Pueden ser:

    → Geométricas = cuadrados, círculos, triángulos, etc.

    → Orgánicas = formas naturales, suaves y libres, no son perfectas.

    Dentro de lo geométrico y orgánico hay dos formas:

    Formas figurativas: representan una realidad concreta con temas y formas reconocibles.
    Personas, animales y objetos. Es el principio más icónico representativo.

    Formas abstractas: no buscan representar la realidad, pueden carecer, a primera vista,


    de un tema identificable. Es en principio menos icónico representativo. Representa la
    realidad de su propia manera.

    Las formas abstractas se dividen en dos:

    2
    1. Reduccionista: abstracción de las formas hasta su presentación más elemental y
    genérica. Se reduce hasta sus líneas más básicas.

    2. Abstracción pura: no tiene forma específica. Se toma mucho en cuenta las


    pinceladas y color. Expresión directa de lo no-físico, estados de ánimo,
    sentimientos, emociones, lo espiritual.

    Una escultura siempre será una forma.

    Escala de iconicidad = entre más icónico-representativo es una imagen, más cerca es a


    la realidad.

    Línea y trazo: la línea delimita el contorno de los objetos, en dónde empieza y termina
    una figura. Son límites creados por colores o sombras y dan más volumen y dimensión.
    Definen el límite de las luces y sombras. Ayuda a dar dirección dentro de una
    composición. En pintura- pinceladas, en dibujo- trazos.
    Adjetivos para describir las líneas:
    Punto: forma más básica del dibujo
    Horizontal / vertical
    Línea: es su continuidad, un punto en movimiento
    Diagonal / zigzag
    Delgada / gruesa
    Al analizar la línea debemos desarrollar sobre:
    Orgánicas
    Interrumpidas
    • Línea de contorno
    Angulares
    • Variación Definidas
    • Largo (fluye o es interrumpida) Controlada
    • Grosor Difuminada
    • Textura Suave
    • Dirección
    • Calidad (se refiere a variedad, que es si hay diferentes grosores en una línea)
    • ¿Se crean sombras con la línea?

    Espacio y profundidad: el espacio pictórico es la representación de un espacio o


    profundidad ficticia realizada en una superficie bidimensional con ayuda de diversos
    medios gráficos.

    Sea plano, profundo o ambiguo, el espacio pictórico es siempre ficticio.

    Espacio: imaginario 3D en el que los objetos se localizan en una imagen.

    3
    Profundidad: que tan lejos o cerca se encuentran los objetos en el plano de la imagen.

    *Las pinturas pueden ser visualmente tridimensionales, pero en realidad no lo son.

    Imágenes creadas en Asia: tienen una falta de profundidad que da la ilusión de que los
    objetos están flotando. Por eso es importante evaluar el contexto del artista.

    Perspectiva: representación visual que busca ser percibida como tridimensional. Se


    toma en cuenta la geometría y punto de vista.

    Hay diferentes tipos de perspectivas:

    Cónica: los objetos lejanos son más pequeños que los cercanos. Se divide en tres:

    1. Frontal: un punto de fuga


    2. Oblicua: dos puntos de fuga
    3. Aérea: tres puntos de fuga (dos en línea horizontal y uno en vertical)

    Perspectiva axonométrica: el punto de vista se sitúa en el infinito, y no hay punto de


    fuga. Las líneas se mantienen paralelas, así que los objetos lejanos no se ven más
    pequeños.

    Color: sensación percibida por el ojo cuando una onda de luz toca los objetos y se
    refleja al nervio óptico. En el arte se usa para representar, comunicar, y describir
    conceptos reales o abstractos. Al hablar de color debemos tomar en cuenta el tono,
    valor y croma.

    Tono: matiz, tonalidad. Colores con un mismo tono pueden diferenciarse según su valor
    y saturación. Por ejemplo: verde pastel, verde claro, verde fuerte.

    Valor: luminiscencia, brillo. Entre más cerca está el color al negro, más bajo el valor, y
    si está más cerca al blanco entonces su valor es alto.

    El blanco y negro no son colores, sino valores.

    Saturación / croma: describe que tan vívido o fiel al círculo cromático es el color.

    Sin luz no hay color.

    La manera en la que percibimos un color es un estímulo.

    Sistema RGB: suma de colores lumínicos primarios. El color se consigue por espectros
    de luz y no por pigmentos. El blanco se consigue con la suma de 3 colores lumínicos y

    4
    el negro con la ausencia. Este sistema se usa para elementos gráficos que necesiten
    reproducirse en canales digitales.

    Sistema CMYK: tiene como modo de color el pigmento. Hace uso del cian, magenta,
    amarillo y negro. Se usa mayormente para imágenes y elementos gráficos que
    necesiten ser impresos.

    Colores primarios = magenta, amarillo y cian.

    Colores secundarios = Amarillo y magenta = rojo

    Magenta y cian = azul

    Cian y amarillo = verde

    Sistema RYB

    Colores primarios = rojo, amarillo y azul.

    Colores secundarios = mezcla de dos primarios -verde, morado, naranja.

    Colores terciarios = mezcla de un primario con un secundario -magenta, bermellón,


    ámbar, cartujo, azul cerceta y violeta.

    Colores complementarios = rojo-verde, naranja-azul y morado-amarillo.

    Colores análogos = vecinos en el círculo cromático.

    Colores cálidos = rojo, naranja y amarillo.

    Colores fríos = verde, azul y morado.

    Monocromáticos → neutrales

    Preguntas al analizar el color en un objeto artístico

    • ¿El color tiene significado simbólico?


    • ¿Se perdería algo en el significado de la pieza si se hiciera blanco y negro?
    • ¿Cambiaría el significado de la obra si se hiciera en otro color?
    • ¿De qué manera el color afecta al ritmo de la pieza?

    5
    Textura: forma en la que percibimos la cualidad de la superficie de un objeto artístico.
    La repetición de patrones (ritmo) puede provocar textura.

    La textura puede ser:

    → física

    → visual

    La textura puede utilizarse para contar historias, evocar emociones o resaltar partes
    importantes de una pieza.

    Corazón de la pieza = significado, función y emoción.

    Tipos de composición: regla de tercios, triángulo dorado y proporción aurea.

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