Tema 3: El modo de producción, distribución y exhibición (I): la

industria cinematográfica entre 1915 y 1945

El sistema de estudios:
- Comienza en 1913 cuando Thomas H. Ince funda los estudios
Inceville:
- Pionero en la organización empresarial del sist de producción
- Aplica al cine el sistema de la industria automovilística de Henry Ford
- Sistema bifronte de los estudios:
1. Cúpula directiva situada en Nueva York:
- Define las líneas de producción
- Establece los presupuestos
- Organiza la distribución y la exhibición
2. Equipo de producción de Hollywood: ejecuta los planes de
realización de los filmes según las directrices de Nueva York
Hegemonía de Hollywood: se asienta años 20
- División principal:
- Majors: Paramount, MGM, RKO, 20th Century Fox, Warner Bros
- Minors: Universal Pictures, Columbia y United Artists
- Star system
- Cine de géneros: visto en el tema 1
- Estandarización en la producción: se afianza con la llegada del cine
sonoro (1927)
- Constituyen un oligopolio que domina el cine americano entre los
años 20 y los 60 y buena parte del cine mundial
Paramount
- Surge al fusionar Famous Players-Lasky (Zukor) y una cadena de
cines
- Es la empresa más rentable de Hollywood: 40 millones de dólares en
1946
- Producción muy activa:
- Poseía más de 1000 salas de cine
- Producía unas 52 películas al año de media
- Tipos de películas, además de largometrajes:
- Noticiarios
- Dibujos animados: Betty Boop y Popeye el marino

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- Solo realiza filmes de serie B hasta 1942
- Star System:
- Las dos estrellas más rentables: el cantante y actor Bing Crosby y el
actor ligado a la comedia Bob Hope
- Estrellas muy consolidadas:
- Mudo: Gloria Swanson, Rodolfo Valentino, Pola Negri y Clara Bow
- Sonoro: Frederic March, Gary Cooper, Marlene Dietrich, Barbara
Stanwyck
- Principales y más taquilleros directores: Cecil B. De Mille, Mitchell
Leisen, Preston Sturges.
Metro-Goldwyn-Mayer
- Desde Nueva York controlaba:
- El estudio
- La distribuidora internacional
- La cadena de cines
- Las instalaciones de Hollywood:
- Dirigidas por Louis B. Mayer
- Estudio muy amplio en instalaciones y con un nivel de trabajo muy
alto:
- 27 estudios, diversos laboratorios y un total de 4000 empleados
- Capacidad para revelar 5000 metros diarios de película
- La imagen que transmite el estudio se basa en:
- Una empresa sólida y conservadora
- Una empresa capaz de hacer productos con clase y muy elegantes
- Star System: Star-system era el sistema de contratación de actores
en exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios de Hollywood en la
denominada «época dorada de Hollywood» para asegurarse el éxito de sus
películas.
- Desde el Mudo: comedia y humor
- Stan Laurel y Oliver Hardy
- Los Hermanos Marx
- Sonoro:
- Clark Gable, Spencer Tracy, Robert Taylor
- Greta Garbo, Joan Crawford, Elizabeth Taylor (desde los 50)
- Géneros narrativos:

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- Apuesta por el melodrama
- Musical:
- Apuesta a partir de finales de los 30
- Hito con El mago de Oz (Fleming, 1939)
- Filmes dirigidos por Vincente Minnelli, Gene Kelly y Stanley Donen
- Filmes protagonizadas por Judy Garland, Fred Astaire y Cyd Charisse
- Animación: crea la serie de Tom y Jerry
- No realiza noticiarios
- Cambios a partir de 1948:
- Cuando Louis B. Mayer es sustituido por Dore Schary
- Auge de las adaptaciones literarias con ambientación espectacular y
género histórico:
- Qvo Vadis (Mervyn LeRoy, 1951)
- Ivanhoe (Richard Thorpe, 1952)
- Ben-Hur (William Wyler, 1959)
- Películas musicales: desde las protagonizadas por Elvis Presley a
West Side Story (1961)
- En 1981 se fusiona con United Artists
Twentieth Century-Fox
- Surge en 1935 al fusionarse:
- El estudio creado por William Fox
- Twentieth Century Pictures: la había creado uno de los principales
productores más poderosos de Hollywood: Darryl F. Zanuck
- Creador de estrellas como Alice Faye y Tyrone Power
- Guionista y escritor: da mucha importancia al guion
- Destacan directores como Otto Preminger, Henry
Hathaway, Jules Dassin y Robert Siodmak: expertos en cine negro
- Géneros narrativos:
- Cine negro y policiaco: diversas obras maestras en la década de los
40:
- Laura (Preminger, 1944)
- Que el cielo la juzgue (Stahl, 1945)
- Western

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- Filmes con eficacia narrativa y una estructura capaz de sintetizar la
historia: hegemonía y buen tratamiento del guion
- Noticiarios: Twentieth Century-Fox Movietone News: gran prestigio
- Gran desarrollo de la Serie B
Evolución a partir de la década de los 50:
- Zanuck apuesta por el Cinemascope como formato panorámico
novedoso
- Zanuck deja el estudio para centrarse en producciones
independientes: se incorpora de nuevo al estudio tras el rotundo fracaso de
Cleopatra (Joseph L. Mankiewicz, 1963)
- Principales películas de la década:
- Eva al desnudo (Mankiewicz, 1950)
- Las nieves del Kilimanjaro (Hathaway, 1952)
- ¡Viva Zapata! (Elia Kazan, 1952)

Warner Bros.
- Fundada en 1913 por los cuatro hijos de un inmigrante polaco:
- Empresa muy comercial cuyo lema es “No la quiero buena, la quiero
el martes”
- Cambios a partir de la muerte de Sam Warner en 1927:
- Harry Warner: presidente
- Abe Warner: responsable de la distribución
- Jack Warner: director del estudio en California
- Carácter déspota
- Empresario hábil y duro con las estrellas “que pagaba muy mal”
- Política de expansión desde los años 20:
- En 1925 compró la Vitagraph y aumentó el número de rodajes
- Consigue el primer sistema de éxito del cine sonoro: el vitaphone
- Géneros narrativos desde los años 30:
- Musicales de Busby Berkeley
- Melodramas protagonizados por Bette Davis
- Se especializa en cine social debido a la Gran Depresión y las políticas
del New Deal: destacan películas de gánsteres y cine carcelario

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- Géneros narrativos desde los años 30:
- Adaptaciones literarias
- Películas de aventuras protagonizadas por Errol Flynn y Olivia de
Havilland
- Cine bélico
- Cine negro
- Musical en 60s: My Fair Lady (Cukor, 1964)
- Filosofía/ política empresarial principal:
- Producir a bajo precio y conseguir pequeños beneficios con
cada producción
- Lidera el cine de animación: Bugs Bunny y el Pato Lucas
Radio Keith Orpheum (RKO)
- Aparece en 1929: es el último de los grandes estudios que se crea en
Hollywood y el primero que desaparece
- Producción irregular a pesar de que realizó algunas obras maestras
del cine
- Contó con diversos directores:
- David O’Selznick
- Merian C. Cooper
- Howard Hugues: lo compra en 1948
- Distribuye sus propias películas y también todas las películas de
animación de Disney entre 1937 y 1954
- Géneros narrativos:
- Musicales protagonizados por la exitosa pareja formada por Fred
Astaire y Ginger Rogers
- Dramas de importante calado político y social dirigidos y
protagonizados por Orson Welles
- Comedias, screwball comedies y melodramas protagonizados por las
estrellas:
- Katharine Hepburn
- Cary Grant
- Cine negro protagonizado por Robert Mitchum
- El estudio es vendido en 1957

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Universal Pictures
- Fundada por Carl Laemmle en 1912
- Durante el cine mudo destaca por abordar dos géneros narrativos:
western y cine fantástico
- A partir del cine sonoro destaca por:
- Años 30:
- Cine de terror: Frankenstein y su saga
- Cine fantástico
- Años 40:
- Comedias protagonizadas por el dúo Abbott y Costello (Bud Abbott y
Lou Costello: la pareja cómica más popular de la década)
- Cine negro
A partir del cine sonoro destaca por:
- Años 50:
- Western: destacan los protagonizados por James Stewart y dirigidos
por Anthony Mann
- Melodrama: destacan los dirigidos por Douglas Sirk (el principal
maestro del género tras John M. Stahl) y protagonizados por Rock Hudson
junto a varias actrices
- Comedias: destacan las protagonizadas por
Rock Hudson y por Doris Day (continúan en la década de los 60)
- Años 60: produce numerosas películas de suspense de Alfred
Hitchcock
Columbia Pictures
Fundada en 1924 por los hermanos Cohn:
- Origen judeoalemán
- Habían trabajado previamente en Universal
- Harry Cohn:
- Principal responsable del estudio
- Marcada política de ahorro de costes desde un principio (es una de las
minor):
- Limita el número de tomas en los rodajes

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- Pide prestados a los directores y a los actores en lugar de
contratarlos, con la excepción de Frank Capra, quien se convierte en el
director más emblemático del estudio

- Frank Capra:
- Hace películas fieles al espíritu del New Deal, con mensajes positivos
e idealistas para que sociedad americana supere la Depresión: comedias y
dramas (con happy end)
- Consigue que su nombre aparezca por delante del título en los
créditos: es el primer director que lo logra en Hollywood: El secreto de vivir
(1936)
- Su cine consigue que la compañía deje de ser una poverty row
- Produce numerosas películas de Serie B
- Principales géneros en las décadas de los 30 y 40, además del cine
de Frank Capra:
- Screwball Comedy de Howard Hawks
- Cine negro
- Cine de aventuras y cine musical: realizado de forma más modesta
que el de las mayors
- A partir de los 50:
- Financia y distribuye con éxito películas de
cineastas/ productores como David Lean, Elia Kazan, Otto Preminger
- Cambios a finales de los 60: produce películas de muy bajo
presupuesto con las que obtiene un enorme éxito Easy Rider (Dennis
Hopper, 1967)
United Artists
- Creada en 1919 por dos actores (Mary Pickford y Douglas Fairbanks),
un actor/ director (Charles Chaplin) y un director (David W. Griffith)
- Objetivo inicial: “garantizar el control creativo de los actores y
directores sobre sus obras”:
- Mejorando la distribución, sin participar en la producción
- Esto marca la diferencia con los otros estudios
- Cambios a finales de los 20: debido a la competencia con los otros
estudios, compra salas y adopta las estrategias habituales de las
productoras
- Los productores crean en 1927 la Academy of Motion Picture Art and
Sciences:

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- Objetivo: “dignificar cultural y artísticamente el hecho
cinematográfico”
- En 1929 empieza a entregar los Premios Oscar
- Años 30: establece acuerdos con los productores independientes
más prestigiosos: David O’Selznick y Alexander Korda (británico)
- Años 50: gran éxito con la distribución de las mejores películas de
Billy Wilder, Robert Wise y Otto Preminger prestigio para el estudio
- Años 60: obtiene notables beneficios con la saga de James Bond

David Wark Griffith (1875-1948)

- Procede de una familia de granjeros de Kentucky y tiene experiencia
en el mundo del teatro:
- Como actor y como escritor
- Conoce bien:
- El melodrama teatral
- El trabajo de las compañías itinerantes
- Trabaja para la Biograph entre 1908 y 1912:
- Rueda casi 500 filmes de tipo melodrama con importante distribución
entre las que destacan adaptaciones teatrales y de novelas
- Apuesta por el montaje paralelo para describir situaciones
- Su estilo refleja ya el MRI: estructura principal del cine clásico
Principales películas:
- El nacimiento de una nación (1916)
- Obra maestra que adapta la novela The Clansman, de Thomas Dixon
- Narra la Guerra de Secesión a través de dos familias enfrentadas: los
Stoneman (del Norte) y los Cameron (del Sur)
- Primera superproducción de Hollywood:
- Es muy representativa del cine del sistema de estudios
- Madurez del lenguaje cinematográfico y del relato fílmico (personajes,
progreso narrativo, escalas de planos, montaje...)
- Intolerancia (1916):
- La realiza tras las acusaciones de racismo que generó El nacimiento
de una nación
- Estructura narrativa con cuatro historias paralelas sobre la
intolerancia: la caída de Babilonia, la pasión de Cristo, la matanza de los

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hugonotes y una historia actual sobre un joven al que despiden por hacer
huelga
- Fracaso en la taquilla: relatos complejos e historias antiguas
- Lirios rotos (1919): melodrama con su actriz predilecta, Lillian Gish
- Abraham Lincoln (1930): primera película sonora que dirige

Otros pioneros que llegan al sonoro

Erich Von Stroheim (1885-1957)
- De origen alemán
- Obra maestra: Avaricia (1923)
- Participa como actor en El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder,
1950)
Josef Von Sternberg (1894-1969)
- De origen judío y vienés
- Tendencia al melodrama y espacios exóticos
- Dirige en numerosas películas a su musa, Marlene Dietrich:
- El ángel azul (1930)
- Marruecos (1930)
Ernst Lubitsch (1892-1947)
- Alemán de origen judío
- Tendencia al cine histórico en Alemania
- Maestro de la comedia sofisticada en Hollywood:
- Ninotchka (1939)
- Ser o no ser (1942)
- Cecil B. De Mille
- Responsable de numerosas superproducciones bíblicas y religiosas:
las versiones mudas y sonoras de Los diez mandamientos (1923 y 1956)
- Notables incursiones en el western: Policía montada del Canadá
(1940)
- Importantes películas de aventuras: Los inconquistables (1947)
La implantación del sonoro supone una revolución en la industria
cinematográfica y afecta a:
- El lenguaje cinematográfico

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- El sistema de producción
- Las salas de exhibición
- Los hábitos del espectador
- En 1928 los principales estudios firman un acuerdo con Western
Electric
- Entre 1929 y 1930:
- Los estudios se decantan por la producción de películas sonoras
- Algunos exhibidores no tienen equipos en sus salas, siguen
demandando filmes mudos y sienten incertidumbre sobre la fiabilidad de
sistema sonoro
Consecuencias de la llegada del sonido en el modo de producción
tan consolidado que tenía Hollywood:
1. Incorporación a los rodajes de los profesionales que componen
el equipo de sonido
2. Cambios en la escritura del guion:
- Mayor desarrollo de los diálogos
- Los intertítulos del mudo ahora tienen que plasmarse en
conversaciones
- Auge de la compra de obras de teatro y de la contratación de
dramaturgos
3. Cambios en el star system: hay actores cuyas voces no resultan
agradables para el público, suponiendo su retirada del cine en cuando llega
en sonoro
4. La censura: sus huellas se notan más en el sonoro que en el mudo
5. Surgen nuevos géneros narrativos:
- El musical
- La comedia basada en diálogos
6. Favorece nuevos desarrollos expresivos:
- El fuera de campo adquiere más importancia
- La importancia del silencio a nivel narrativo
- La importancia de la voz en off
7. El sonido permite caracterizar mejor a los personajes: los
acentos, la clase social, los estados de ánimo, la edad… tienen
presencia con la voz
8. El sonido contribuye al realismo de la historia
Surge en la segunda década del siglo XX:

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- La gran pantalla potencia el uso del primer plano
- El espectador percibe la proximidad y hasta la intimidad con el
personaje
- 1910: se pone el nombre de los actores en los créditos
- Factores que influyen:
1. La necesidad de un personaje protagonista que sustente la
trama narrativa del filme
2. La apuesta de los productores independientes por crear
estrellas que revaloricen los filmes esto propicia que las películas
ya no se publiciten por la productora, sino por la estrella

- Factores que influyen:

3. La generalización del primer plano, que, a diferencia del teatro,
permite al público identificar bien a los actores, quienes a partir de este
momento empiezan a encabezar los carteles de las películas
4. La importancia que adquiere la interpretación cinematográfica con el
abandono de la teatralidad y con los nuevos temas fílmicos
- La rentabilidad de la película empieza a depender del atractivo de la
estrella
- Es sistema de estudios se convierte en un sistema de estrellas: el
guion, el director, la temática y el vestuario se subordinan a la estrella
- “La estrella es una creación de la industria de cine cuando se percibe
el potencial comercial de los actores” (Sánchez Noriega, 2018: 218)
- Proceso habitual (I):
- El productor elegía a un actor/ actriz con carisma y crea una estrella a
través de películas pensadas para su lucimiento
- A través de esta estrella se crea un prototipo:
- Reportajes de prensa que difunden su imagen y sus opiniones
- La fabricación de una biografía con elementos exóticos/ misteriosos
- Ejemplo: Theodosia Burr (hija de un sastre de Cincinnati) fue
convertida en Theda Bara (actriz de origen real nacida en Egipto)
- Proceso habitual (II):
- El productor promueve la vida lujosa de las estrellas y las hacen más
dependientes económicamente de los estudios para poder mantener el
ritmo de vida

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- Los productores son conscientes de que “el valor económico del
estudio depende de las estrellas”
- Las obligan a contratos de larga duración:
- Sueldo fijo
- Sueldo fijo más porcentaje de taquilla
- United Artists en su fundación ya estaba en contra del estereotipo del
estrellato y de los contratos abusivos de los estudios que lo mantienen
- La estrella cinematográfica es el resultado de la coincidencia de dos
personalidades que se interrelacionan en un mismo sujeto:
- El actor
- El personaje prototítipo:
- Se construye a través de diferentes historias mediante roles que
tienen en común elementos atractivos para el gran público: belleza, bondad,
misterio, atractivo, fortaleza…
- Las cualidades del personaje se atribuyen al actor y la personalidad
pública del actor se proyecta sobre los personajes:
- El resultado de esta interrelación es la estrella
- La admiración y fascinación del público por los actores está en la base
del estrellato:
- Las estrellas suscitan mitomanía que alimentan los medios de
comunicación, autógrafos, fotografías, libros, objetos personales…
- Las estrellas difunden formas de hablar, vestir, moverse,
interactuar…
Elementos caracterizadores del estrellato (I):
1. Es un universo reducido y elitista al que solo
pueden acceder un pequeño número de actores: los grandes actores, que
tienen versatilidad interpretativa, no siempre son estrellas
2. El género no es relevante para conseguir el estatus de estrella
3. Dialéctica exhibición/ ocultación: misterio
4. La personalidad del actor termina siendo absorbida por el estrellato
5. Atractivo físico y poder seductor
6. La estrella evoluciona, puede adquirir más esplendor en su juventud o
en su madurez, transformarse y pasar por diferentes fases:
- James Dean y Marilyn Monroe: mueren muy jóvenes
- Grace Kelly: se convierte en Gracia de Mónaco

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7. La estrella alcanza la eternidad en el imaginario colectivo cuando tras
su muerte sigue siendo admirada por las generaciones posteriores

Tema 4: El modo de representación (I): la puesta en imagen

cinematográfica entre 1915 y 1945
El expresionismo alemán:
El cine alemán realizado durante la República de Weimar representa un
modelo de cine como medio artístico y de vanguardia:
- Más que en otros países
- Los rasgos del expresionismo inundan
todo el cine alemán de este periodo
- El expresionismo busca la expresión de las emociones por encima
de la representación de la realidad objetiva, deformando las cosas y
mostrando la angustia del artista
- Destaca por la influencia del expresionismo pictórico en los decorados
y en la iluminación, que determinan su estética e influyen en el cine negro
de EEUU, y por su tono fantástico y metafórico a nivel temático
- El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920) es la película
más significativa:
- Es una sátira del autoritarismo
- Se centra en el tema del personaje doble:
- La división de la personalidad, la manipulación del individuo
- Esto estará muy presente en otros filmes
-A nivel formal (I):
- Parece una pintura en movimiento con formas distorsionadas: líneas
oblicuas, figuras de rombos y trapecios

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- Vestuario extravagante y mobiliario exótico y vanguardista
- Espacios simbólicos y teatralizantes
- El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920) es la película
más significativa:
A nivel formal (II):
- Personajes muy maquillados: los decorados indican su estado de
ánimo
- Apenas hay movimientos de cámara
- Los rodajes de hacen en estudio
- Predominan los interiores
- La película resulta totalmente novedosa en la estética
cinematográfica
- Obtuvo un importante éxito
- Marca un antes y un después en el cine alemán de la era Weimar

Rasgos temáticos presentes en las películas (I):

- La carencia:
- Centrada en la representación de familias incompletas, celos, padres
dominantes, madres ausentes, envidias, rivalidades entre hermanos,
relaciones edípicas…
- Genera conflictos y rebeliones en las familias que se resuelven con la
‘ley del padre’
- Los argumentos suelen tener un origen diverso:
- Leyendas y relatos folklóricos
- Literatura de entretenimiento y novelas por entregas
contemporáneas
- Adaptaciones de autores de la literatura alemana
- La narración cinematográfica se lleva a cabo con:
- Encuadres particulares
- Acciones paralelas: dan ritmo
- Flashbacks
- Montaje complejo
Resultado: “Películas muy interpretables donde la causalidad y la
motivación de los personajes, su complejidad psicológica y su introspección
emocional, la estructura temporal o la lógica de la acción no están claras y,

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en buena medida, han de ser imaginadas por el espectador” (Sánchez
Noriega, 2018: 267)
Estudios Universum Film AG (UFA):
- Origen: Berlín, 1917
- Diseño de producción unificado a nivel estético:
- Decorados
- Iluminación
- Ángulos de la cámara y tipos de primeros planos Aspectos presentes
en los filmes producidas por el estudio
- Thomas Elsaesser indica que la UFA realiza un cine que:
- Reflexiona sobre sí mismo y es autocrítico
- Tiende a lo fantástico, los dobles, lo demoníaco, los inventores locos,
los tiranos, hipnotizados permitiendo la entrada de este universo en el cine
de ficción
Estudios Universum Film AG (UFA):
- Época de esplendor: años 20
- Importante capacidad tecnológica
- La complejidad de la acción de sus películas hace que los
distribuidores de EEUU realicen nuevos montajes para su exhibición
Principales cineastas:
- Apenas una docena participa en este estilo
- Robert Wiene (1881-1938):
- Destaca por El gabinete del Dr. Caligari
- Genuine (1920): decorados bidimensionales del pintor Cesar Klein
- Las manos de Orlac (1925)
Principales cineastas:
Friedrich Wilhem Murnau (1888-1931)
- Cine basado en dicotomías: sombra y luz, naturaleza y mundo
urbano, amor y fracaso
- Obra maestra: Nosferatu, el vampiro (1922)
- Basada en la novela de Bram Stoker
- No se titula Drácula por problemas de derechos de autor
- Es el primer clásico del cine de terror
- Su capacidad de aterrar se consigue gracias al movimiento de la
cámara y no a efectos especiales

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- Se traslada a EEUU a finales de los 20: rueda Amanecer (1927)
Fritz Lang (1890-1976)
- Vienés de origen judío
- Es uno de los principales directores del mundo
- Obras principales:
- Los nibelungos (1924)
- Metrópolis (1927):
- Obra maestra del expresionismo
- Situada en ciudad futurista
- M, el vampiro de Düsseldorf (1931): primer filme sonoro
- Goebbles le ofrece dirigir la UFA, pero lo rechaza y se exilia en Francia
y en EEUU (1935-1958), donde rueda obras maestras de cine negro
El cine europeo de los años 20 se encuentra entre:
- El cine comercial: norteamericano, popular
- El cine artístico: europeo, elitista, reflexivo
El cine soviético está entre ambas posturas:
- Se apropia de pragmatismo de Hollywood:
- Valorar la destreza narrativa
- Poner al cine al servicio de la revolución: son conscientes de su
dimensión ideológica
- Sigue la vanguardia constructivista rusa: defiende la industrialización
El cine soviético establece la unión entre vanguardias y masas al considerar
que el cine replantea los modos tradicionales de expresión
Características generales:
1. Rechazo a la narratividad burguesa
2. El cine está al servicio de la revolución: debe ser útil, persuasivo,
didáctico y subrayar los logros y avances del comunismo
3. Enseñanza del cine: se crea la Escuela Estatal de Arte
Cinematográfico en 1919, el primer centro especializado del mundo
4. Los directores de cine son nuevos creadores y no tienen experiencia
en la Rusia prerrevolucionaria
5. Experimentación: filmes con imágenes de archivo, noticiarios,
montaje..
6. Los formalistas reflexionan sobre el cine y el concepto de
representación

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Características formales:
- Composición de imagen donde destacan diagonales
- Uso del objetivo de gran angular
- Abundancia de primeros planos
- Distorsión del movimiento con ralentizaciones y aceleraciones
- Línea del horizonte muy baja o muy alta
- Posición frontal de los personajes
- Concepto del montaje alejado del MRI:
- Montaje innovador: saltos de eje, diversidad de planos, mayor número
de planos, espacio dramático abstracto, rupturas…
- El montaje no debe estar al servicio de continuidad narrativa de
historia
- Elementos del relato
1. El protagonismo colectivo
2. Los personajes prototípicos:
- Encarnados por rostros anónimos
- Con interpretación naturalista
3. La evolución de la historia:
- Es fruto del impulso colectivo de las fuerzas sociales y no de la
voluntad individual
- Niega la motivación psicológica del personaje (narrativa burguesa)
-Experimentalismo de Lev Kuleshov: crea el Efecto Kuleshov al combinar el
rostro de un actor con planos de diferentes objetos para crear en el
espectador diversos significados mediante el montaje
Principales cineastas:
1. Serguéi M. Eisenstein (1898-1948)
- Es el director principal del cine soviético:
- Por sus aportaciones teóricas:
- Artículo: ‘El montaje de atracciones’ (sienta las bases de su
concepción del cine)
- Libros: Teoría y técnica cinematográfica, La forma en el cine,
Reflexiones de un cineasta, El sentido del cine, Cinematismo
- Por sus aportaciones prácticas
- Inicios, formación y experiencia: director artístico en el teatro obrero,
estudia dirección de escena y trabaja como ayudante de cine

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- Obras maestras:
- La huelga (1924): ópera prima
- El acorazado Potemkin (1925):
- Celebra el 20 aniversario Revolución 1905
- https://www.youtube.com/watch?v=_iPh-zQ-Eu4
- https://www.youtube.com/watch?v=zsw7cCkbUvk
- Octubre (1928): basada en la obra de John Reed (periodista
americano): Diez días que estremecieron al mundo
- Inquietud por los avances: para estudiar el sonoro viaja por Europa y
la Paramount lo invita a trabajar en su estudio (rechazan sus proyectos)
2. Vsévolod Pudovkin (1893-1953)
- Importante faceta actoral:
- Empieza como actor de teatro
- Participa en Iván el Terrible (Einsenstein, 1944)
- Como director (I):
- Intolerancia (Griffith, 1916) le influye para dedicarse a la dirección
cine
- Empieza en 1921 con cortometrajes al servicio de la revolución: La
hoz y el martillo y Hambre… hambre… hambre
- Estudia en la Escuela Estatal de Cine: dirigida por Kuleshov
- Fue profesor y teórico: escribió libros sobre montaje e interpretación
- Reflexiona sobre la capacidad del cine para superar las
limitaciones del teatro mediante:
- La interpretación más naturalista
- Los primeros planos
- La madre (1926): obra maestra
- Trata un tema recurrente en su obra: la toma de conciencia
revolucionaria por parte de un personaje anónimo que se transforma por los
acontecimientos y se convierte en un héroe
- Tema presente en El fin de San Petersburgo (1927)
3. Aleksandr Dovzhenko (1894-1956)
- Maestro de origen ucraniano y campesino
- Ejerce diversos cargos en la revolución hasta que los deja para
dedicarse al cine
- Características de su cine:

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- Uso de metáforas de la naturaleza (ciclo vital vida-muerte) para
abordar la renovación
- Apuesta por el lirismo en la imagen
- La tierra (1930): obra maestra
- Especie de poema sobre el trabajo de Vasili, un campesino ucraniano
- Muestra la opresión que representan los campesinos ricos y la Iglesia
Periodo de esplendor en Hollywood de 1932 y 1948:
- Pre-Code:
- Etapa de gran libertad temática entre 1930 y 1934, cuando se
implanta el Código Hays
- Beneficiada por el auge del sonoro
- Proliferan los temas sexuales, violencia, ámbito gansteril y sobre las
libertades que fue erradicada por grupos de presión
- New Deal:
- El gobierno favorece incentivos para el cine durante la Gran
Depresión (1929-1944)
- El cine es el espectáculo de masas más popular

- Código Hays:
- Es la Production Code Administration (PCA)
- Desde 1907 existen intentos de crear una norma a nivel estatal que
regule la representación temática en la gran pantalla
- Motivo: el cine es un espectáculo barato que influye en los
comportamientos de los espectadores y debe cuidar la moral
- Influye en su redacción la Iglesia Católica
- La PCA y la Legión Católica de la Decencia son los organismos
creados para autorizar el estreno de las películas durante más de tres
décadas
-Código Hays:
- Norma aceptada por los estudios de cine que se mantendrá hasta los
60 y que afecta a:
- El adulterio
- La homosexualidad
- La criminalidad

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- Las relaciones interraciales
- El aborto y la violencia sexual…
- Desde finales de los 50 muchos cineastas realizan películas que lo
vulneran: Elia Kazan, Richard Brooks, Joseph L. Mankiewicz, Otto
Preminger…
- Es sustituido en 1967 por un sistema de calificación por edades
Alfred Hitchcock (1899-1980)
- Director de origen británico:
- Trayectoria consolidada en su país y traslado a Hollywood en 1939
- Apuesta por un género al que otorga su sello: el suspense
“Imagina que estamos hablando, y que hay una bomba debajo de esta mesa
y nuestra conversación se torna muy anodina, no sucede nada especial y de
repente: bum, explosión […] Pensemos ahora este asunto en clave de
suspense. La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe,
probablemente porque ha visto que el personaje, en este caso digamos que
un anarquista, la ponía. El público sabe que la bomba estallará a la una y
sabe que es la una menos cuarto, porque hay un reloj en el decorado; la
misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque
el público participa en la escena”
Filmografía en torno al suspense en Hollywood:
- Los personajes están en situaciones cotidianas que aparentemente
son inofensivas
- El público sabe más que el personaje y se va involucrando en la trama
para resolverla
- Temas: el falso culpable, el espionaje, amor, muerte, el interior del
individuo, el crimen perfecto
- Principales intérpretes: Cary Grant, James Stewart, Gregory Peck, Joan
Fontaine, Ingrid Bergman, Grace Kelly, Vera Miles y Tippi Hedren
- Repercusión internacional: desde los años 60 en Francia con los
cineastas de la Nouvelle vague y, sobre todo, François Truffaut
Principales títulos:
- Años 40:
- Rebeca (1940), Sospecha (1941)
- Recuerda (1945), Encadenados (1946)
- Años 50:
- La ventana indiscreta (1954), Vértigo (1958)
- Con la muerte en los talones (1959)
- Años 60:

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- Psicosis (1960)
- Los pájaros (1963) y Cortina rasgada (1966)
Orson Welles (1915-1985)
- Cineasta de gran personalidad que contaba con una notable carrera
radiofónica: impacta con La guerra de los mundos (1938)
- Ópera prima: Ciudadano Kane (1941)
- Obra maestra: producida por RKO
- Centrada en la vida de William Randolph Hearst
- Trabaja como actor para financiar sus proyectos: Jane Eyre (Robert
Stevenson, 1944)
- Experiencia con las adaptaciones de William Shakespeare: Macbeth
(1948),
Otelo (195) y Campanadas a medianoche (1966)
- Filma a finales de los 50 otra gran obra (cine negro): Sed de mal
(1958)
Otros cineastas autores: cine negro
John Huston (1906-1987)
- Destacan sus películas con Humphrey Bogart:
- El halcón maltés (1941)
- Cayo largo (1948)
- Evolución hacia otros géneros desde los años 50
- Otto Preminger (1905-1986)
- Cineasta de origen austriaco
- Desde los 40 destacan sus filmes de cine negro con protagonismo
femenino: Laura (1944), Cara de ángel (19952)
- En los 50 apuesta por temas controvertidos que debilitan el Código
Hays:
El hombre del brazo de oro (1955), Anatomía de un asesinato (1958)
Otros cineastas autores: cine negro y comedia
- Billy Wilder (1906-2002)
- Origen austriaco
- Consolidada experiencia como guionista
- Despunta en los 40 con cine negro y filmes dramáticos, como
Perdición (1944) y Días sin huella (1945): alcoholismo
- Maestro de la comedia desde los 50:

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- La tentación vive arriba (1954)
- Con faldas y a lo loco (1959)
- El apartamento (1960)
- Irma la dulce (1963)
EL CINE NEGRO:
Apuntes iniciales (I):
- Desarrollo: periodo de esplendor entre 1930 y 1950 (gran auge en el
sonoro y apogeo en la década de los 40)
- Potente base literaria: las obras de autores americanos como
Raymond Chandler, ames M. Cain o Dashiell Hammett fueron adaptadas con
éxito en este periodo
- Ligado inicialmente al cine de gánsteres (30s), al cine policiaco y de
detectives
- Primera película de este género: El halcón maltés (John Huston, 1941)
- Origen: procede del francés (film noir)
- Temas recurrentes:
- Delitos y crímenes en un clima de gran violencia que deben
resolverse
- Corrupción social
- Los bajos fondos y el mundo urbano
- El mundo del juego, contrabando (Ley Seca), sicarios, prostitución…
- Estilo: tendencia al claroscuro, iluminación expresionista y filmación
en blanco y negro

Principales características, según el crítico Robert Ebert (I):

1. Cine negro alude a cine de la noche
2. Las películas no presentan happy end aunque se resuelvan los
conflictos
3. Localizaciones:
- Prevalece el ambiente nocturno
- Callejones, parte trasera de bares y locales de lujo, zonas exclusivas
frente a zonas deprimentes, fiestas
- Oficinas de los detectives, que suelen ser atacadas por matones…
Principales características, según el crítico Robert Ebert(II):

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4. Fumar: es una de las señas de identidad de los personajes, tanto
masculinos como femeninos (rasgo de modernidad)
5. Mujeres protagonistas: pueden ser amantes y asesinas y es raro que
aparezcan en el rol de madres y esposas
6. Las mujeres suelen tener un aspecto físico cuidado, sensual y muy
femenino
7. Los hombres llevan traje y sombrero, aunque aparezcan de manera
descuidada
Principales características, según el crítico Robert Ebert(II):
8. Películas filmadas en blanco y negro o que evocan este estilo
visualmente
9. Las relaciones amorosas no son el foco de la acción, aunque pueden
desarrollarse de forma interesada para los personajes. Suelen ser relaciones
destructivas
10. Es el género más estadounidense del cine (junto con el western),
pues ninguna sociedad puede haber creado su mundo de fatalidad, destino,
frivolidad, traición…
Principales nombres:
- Cineastas: John Huston, Robert Siodmak, Michael Curtiz, Otto
Preminger
- Actores: Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, James Cagney,
Robert Mitchum
- Actrices: Barbara Stanwyck, Gene Tierney, Veronica Lake, Lauren
Bacall
- En la actualidad:
- Se evoca al espíritu clásico
- Tema clave: mundo de la droga
- Seven (David Fincher, 1995)

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