Mio Yachita

Co-authored with Dr. Chuan Li, Jing Wang and Mio Yachita.
Cultural management training in East Asia began in the early 1990s and has experienced rapid development over the past three decades. This is attributed to both the significant economic growth and overall social development in the region and the long-standing importance that East Asian countries and regions have placed on arts, culture and education. By examining two cases of China and Japan, we can see that cultural management training in each country has the similarity according to its determinants, the limits of culture and training agents, but also shows remarkable country-specific differences in terms of value orientation, external relationship, curriculum design and the role of cultural policy, so we have developed two exploratory models of cultural management training, namely the market-oriented model and the community-oriented model. It should be noted that these models are ideal types that simplify the complexity of the real world and that many cases observed in this region actually fall on the spectrum of the two extremes defined above. It is also worth mentioning that South Korea is another major country in the region with a high profile in cultural management training, which, due to its tradition of statist cultural policy and strong reality of social activism, can manifest itself in a hybrid model of market orientation and community orientation. It is only due to space limitations that the Korean case is not further highlighted in the discussion of this chapter, leaving it for future research.

The main aim of this chapter is to reconsider the impact of the overwhelming construction of “municipal cultural facilities”to the ecosystem of Japan’s arts and culture after the 1980s. The policy heavily inclined towards construction happened in the aftermath of rapid economic growth, sided with an effort to bolster the autonomy of local governments. Based on the idea that culture will vitalize the local community and bring sophistication, municipalities built well equipped, carefully designed, luxurious public cultural centers throughout the country, only to find them in need of specialized, long-term management, not to mention the economic burden. Arts management and cultural policy research had developed rapidly under such circumstances, to fill the gap between the high quality cultural halls and its inefficient use.
Despite the fact that a lack of a comprehensive cultural policy resulted in the redundancy of cultural facilities, this chapter will argue that they did not only shape the arts management studies in Japan to be in today’s form, but also triggered the discussion of the accountability of cultural policy amidst the dichotomy of “foreign” (western) and “original” (Japanese) culture; contributed to the creation of distinctive community programs; as well as aided in shaping the national cultural policy by invigorating the discussion of the role of the arts in the society.

1984 年に国の重要無形民俗文化財に指定された「アイヌ古式舞踊」について、文化政策の視点からその経緯を検証する。それまで多くの先行研究が「音楽」や「文学（口承伝承）」の分野でされてきたにもかかわらず、「古式」「舞踊」という文化財名称となった背景について、文化財行政に影響のあった二人の著者、知里真志保と本田安次の原稿をもとに検討した。本田のテキストが知里らの先行研究を単純化している点と、「舞踊／踊り」という概念に注目している点を指摘し、結論として文化財指定に当時の民俗芸能研究が内包していたイデオロギーが強く影響している点を指摘した。
This paper examines the designation process of "Traditional Ainu Dance (Ainu Koshiki Buyo)" as Japan’s Important Intangible Folk Cultural Property in 1984. Despite the fact that most of the previous studies had been conducted in the fields of music and/or literature (oral tradition and language), the cultural property was named “koshiki (traditional or ancient) dance”. This paper examines manuscripts by two authors, Chiri Mashiho and Honda Yasuji, who were influential in the administration process of the designation of Traditional Ainu Dance. It has shown that Honda's text simplified the previous research, and has a strong focus on the concept of "dance." In conclusion, the paper pointed out that the ideology of “folk” performing arts research at the time strongly influenced the designation of cultural properties.

2019 年にアイヌ施策推進法（通称）が成立した．日本の法律として初めてアイヌ民族を日本の先住民族である
と明記したばかりでなく，今後のアイヌ民族をめぐる施策について包括的な理念と方針がまとめられた．同法によって制定された具体的な施策の大部分が文化に関わる施策であったにも関わらず，文化政策の分野でアイヌ民族に関連する文化事業や法制度に関する研究はこれまで扱われてこなかった．本稿では，文化政策の文脈に引きつけてアイヌ文化振興を再検討し，文化政策と先住民族関連政策の間の（非）整合性を確認する．文化政策との関連性の強い主題として, 重要無形民俗文化財に指定されているアイヌ古式舞踊に焦点を絞り，その文化財指定の概要を確認し，上演が行われている機会について分析した．結論に代えて，伝承者の育成，文化の変容の議論，文化（財）政策における文化多様性と“民俗” 文化財制度についての3つの論点を今後の課題として提示した．

In 2019, the policy known as the Ainu Policy Promotion Act was enacted. Not only was it the first Japanese law to recognize the Ainu people as Indigenous Peoples of Japan, but it also presented comprehensive ideas and policies regarding future measures. Despite the fact that  most of the concrete measures in the law were related to promotion of Ainu culture, this had never been a topic in the field of cultural policy. This paper examined ‘the promotion of Ainu culture’ in the context of cultural policy, and confirmed the (in)consistency between cultural policy and policies related to Indigenous Peoples. It focused on the Ainu Traditional Dance, which is designated as an ‘Important Intangible Folk Cultural Property’, confirmed the outline of the designation as a cultural property, and analyzed the opportunities for performances. As concluding remarks, three issues derived from the analysis were presented for future discussions: the training of successors/traditional performers; the discussion of the right to reclaim culture and its transformation; and the cultural diversity and “folk” cultural property system in cultural (property) policy.

国連人権理事会(UNHRC)は、国際的な人権擁護のための措置として設置しているThematic Special Procedureの一部として、人権の観点から見る「文化の権利」について特別専門家を置いている。現在までに「文化の権利」について３０カ国以上で現地調査が行われているが、2019年3月にマレーシア・クアラルンプールにおいて開催された国際アーツカウンシル連盟による総会で、2017年に実施された調査結果がシンポジウムの一部として取り上げられた大きな話題となった。本研究は、同特別専門家による2017年の調査報告書の分析と、2019年にクアラルンプールで開催されたシンポジウムによる現地の反応の分析を元に構成される。宗教や、民族的アイデンティティに関わる伝統芸能、LGBTやマイノリティの文化的権利が、多様な文化・宗教・民族が共存するマレーシアという国においてどのように守られ、あるいは迫害されているのか、国連特別専門家の報告を元に検討する。

The purpose of this analysis report is to provide external evaluation of an international music exchange program “Ethno Cambodia 2019,” organized by Phnom Penh based cultural NGO, Cambodian Living Arts (CLA). Commissioned by CLA, two researchers, including myself, had participated in the program in January 2019 in Siem Reap, Cambodia. The researcher-in-residence program was part of the CLA’s recent initiatives to involve external researchers to their program to have more lively conversation and observation that would hopefully reflect on the evaluation. Two researchers, one local and one international, were selected to work in tandem for the occasion, and stayed for most of the program together with the participants to interview artistic leaders, participants, organizers, and visitors to the event, both formally and informally. Methods employed in this research were: participant observation, data collection, as well as a simple questionnaire to obtain basic information, such as numbers of years of practice.

In this paper, the first section attempted to analyze organizational aspects of Ethno Cambodia. With occasional comparisons to Japanese customs, some of the key components of the program emerged as an interesting issue in Cambodia that are usually typical of other Ethno programs. The second section analyzed the cultural aspects of Ethno Cambodia 2019. In conclusion, the paper points out that while Ethno Cambodia 2019 was successfully implemented and achieved its original purpose, it also posed a old and fundamental question of what is regarded as "ethnic" music.

Yachita, Mio. 2018. “Taminzoku Kokka Malaysia no Geijutsu Bunka Seisaku - Kokumin Bunka Seisaku to Geijutsu Shien wo meguru Shakai Seidoni Tsuite (Cultural Policy of Malaysia - ‘National Cultural Policy’ and the Social System of Supporting the Arts). In: Āto Manejimento Kenkyū (Journal of Art Management Japan) Vol. 17&18, Japan Association of Arts Management.

本稿ではアートマネジメント研究における東南アジア地域の国際比較研究として，多民族・多文化国家であるマレーシアの文化政策を分析した.前半では1968年の民族暴動をきっかけに高まった表現規制と,1971年に策定された「国民文化政策」について詳述した. これまでに発表されている二次資料を基に上記を分析した結果,「国民文化政策」は民族優遇政策と足並みをそろえるものであったが法制化はされず,実際にはメディア規制や国家機密法など同政策と前後して立法化された多くの法律が,文化や表現の規制につながっていったことが明らかになった.後半では文化行政の変遷と予算を辿り，アーツ・カウンシルについて分析するとともに,民間企業・財団の活動とオルタナティブな芸術活動について分析した.その結果,多くの団体が公的支援に頼らずに活動しており，こうした私営・民営の活動が同国の芸術システムにおいてとりわけ重要な役割を果たしていることが示された.

近年、まちづくりや地域活性化への波を受け、日本各地で地域に根ざした芸術活動をまちづくりの中心に据えようとする動きが広がっている。それらの活動へは、行政からの期待だけでなく、生活の質（QOL）向上のための活動として、市民からの参加への期待も高まっている。しかし同時に、バブル期に立てられた多くの豪華な文化施設は各地で稼働率の低いまま放置され、芸術文化振興の起点としての本来の役割を果たせずにいる一方、地方自治体で地域の活性化のために文化芸術を取り入れようとする試みの多くは、単なる芸能事業やエンターテイメント事業へ姿を変えたたり、予算不足により短期撤退をせざるを得ない状況に陥るなど、容易には地域に根付いていないのが現状である。このように文化行政も行政主導の文化芸術による地域活性化活動も行き詰まる中で、小さいながらも確かな成果をあげているのが、各地に広がりつつあるアートプロジェクトの活動である。市民やボランティアが主体となって行われるこれらのプロジェクトは、文化施設を建てるような規模の大きな活動とは程遠く、何十万人と来場者を出す企業主体のロックコンサートのようなにわかな賑わいも呼ばないが、近年増加しているNPO活動ともあいまって、参加者の強い意欲とプロフェッショナルな活動により、行政や企業ではなしえなかった地域との連携を達成しているところすらある。
この論考は、筆者が2004年からインターンとして関わり、2006年度はコミュニティ・サービス・ラーニングとして活動を行った「取手アートプロジェクト」（茨城県取手市）（以下TAP）について、市民・まちづくり・芸術のそれぞれの関わりについてその社会的背景や、活動の魅力、将来性についての分析を試みるものである。
第１章では、「市民主体の芸術によるまちづくり」が実践されているTAPをケーススタディとして、約3年間にわたる調査・活動を踏まえてプロジェクトを詳細に記述・分析する。プロジェクトの８年間の経緯を振り返った後、市民が主体となるプロジェクトの体制について、運営と企画の両面に関して方法論を分析する。第2章では、これまでに成果として現れた実際のエピソードを紹介することで、そうした成果の現れるための条件をさぐっていくとともに、取手市の文化行政のあり方を概観する。第3章では、１章と２章で明らかになったTAPの事例を元に、まちづくり、市民活動、アートプロジェクトとしてそれぞれ分類型を当てはめ、相対的なTAPの役割や特徴を探り、またそこから抽出されるTAP独特の運営理念について明らかにする。第４章では、TAPが体現する市民活動や芸術とまちの係わり合いのルーツを探り、文化行政、市民活動、アートプロジェクトの３つの文脈を掘り下げてTAPを理解する外的要素を明らかにする。第５章では、背景とケーススタディの分析を基に、なぜ地域活性化なのか、なぜ芸術・文化による活動なのか、そして誰がそれを担うのかを考える。各地に広がりつつあるアートプロジェクトの実態とミッションを探り、市民活動、アート活動、地域づくり活動それぞれが普遍的に内包する問題点を浮き彫りにし、地域社会における市民による芸術活動団体の意義を明らかにすることを試みる。

When safeguarding Intangible Cultural Heritage (ICH), it is challenging to keep the skills and traditions alive within a person or a community, as it could deeply affect their lives and require long-term commitment and at times, external intervention. The task is even harder when the community has had their cultural practices banned, discouraged or discriminated against by others. That is the case of Japan's Indigenous people, the Ainu.

Access Full Text from the link below <日本語>　https://performingarts.jpf.go.jp/J/art_interview/2103_2/1.html  <English>  https://performingarts.jpf.go.jp/E/art_interview/2103_2/1.html  / 

カラフト・アイヌの弦楽器「トンコリ」を基調とした革新的な音楽で世界を股にかけて活躍するミュージシャンOKI。自らのルーツと向き合いながら、アイヌ伝統音楽、レゲエ、ダブ、R&B、ジャズ、ワールドミュージックなど世界のルーツ音楽を織り交ぜた音楽表現に挑戦し、マレウレウなどの音楽プロデューサーとしても活躍するOKIの世界についてインタビューした。
聞き手：谷地田未緒（国立アイヌ民族博物館）

OKI is a musician who is active around the world, and whose innovative music is based on the tonkori (*1), a string instrument of the Karafuto Ainu people. This interview introduces the world of OKI who, alongside his activities as a producer for music groups such as MAREWREW, works to blur the boundaries of musical expression while reconciling his own roots by interweaving Ainu traditional music with reggae, dub, R&B, jazz, world music and other genres around the world.

After postponing its opening twice due to the Covid-19 pandemic, the National Ainu Museum (NAM, or an=ukokor aynu ikor oma kenru) finally opened its doors to the public on 12th July 2020 in Shiraoi, Hokkaido, Japan. This article is an introduction of the national museum and park.

As president of the membership association MyDance Alliance, Bilqis Hijjas has been a leader in promoting contemporary dance in Malaysia through programs such as the artist-in-residence program at the private-sector arts facility Rimbun Dahan, through directing the "Dancing in place" events presenting outdoor dance works, and by conducting projects like ones focusing on female choreographers. In this long interview, she talks about everything from her initial encounter with dance to today's projects to promote dance in Malaysia.
Interviewer: Mio Yachita

2012年にクアラルンプールに隣接するプタリン・ジャヤ市に実験的なパフォーマンスの拠点となる「トッカータ・スタジオ」（定員約50人）を開設。以来、共同設立者のアーティストであるン・チョー・グアン（Ng Chor Guan）とともに、マレーシアの先鋭的で分野横断的な創作活動とその環境を切り拓いてきたインディペンデント・プロデューサーのイージャン・タン（Tan E-Jan）。音楽家から転身し、東南アジアを拠点とする国際的なネットワークを構築し、INXO財団のCEOに就任したばかりの彼女の歩みと最新プロジェクトをインタビュー。
聞き手：谷地田未緒［東京藝術大学助教］

In 2012, Tan E-Jan started Toccata Studio (approx.50 seats) as a platform for experimental performance in Petaling Jaya, which is adjacent to the capital-Kuala Lumpur. Along with co-founder and artistic director Ng Chor Guan, the Malaysian independent producer Tan E-Jan pioneered the production and supports for cutting-edge, interdisciplinary creative programs. After turning from a professional musician to an international art manager, E-Jan has built an international network of performing arts producers while based in Southeast Asia. She is also appointed as the CEO of the INXO Foundation in 2018. In this interview, we asked about her inspiration and motivation for the unique career she has built over the years.
]Interviewer: Mio Yachita [Tokyo University of the Arts]

ベトナム戦争、ポル・ポト政権による虐殺、内戦など、度重なる戦乱を経て、1993年に成立した「カンボジア王国」。国の復興を支えてきたのが国際的な非政府組織（NGO）で、環境・インフラ・人権・貧困対策などさまざまな分野で活動しており、その数は3,500団体以上にもなるといわれている（＊1）。
芸術文化の分野も例外ではなく、伝統芸能の保全や、若手アーティストを支援する「カンボジア・リビング・アーツ」、伝統的な表現とコンテンポラリーダンスなどを掛け合わせ新たな表現を創造するカンパニー「アムリタ・パフォーミングアーツ」、障がいのある若者の表現を支援する「エピック・アーツ」などが国際NGOとして活動している（こうした団体では設立メンバーや理事として諸外国のメンバーが参画していることも多く、そうしたメンバーのいる国でも同時に非営利法人を設立して寄付金集めなどを行っている）。こうした事情からカンボジア国内の非営利芸術団体は、高度に組織化され、海外からの資金を元に、多くのスタッフを雇用して運営されていることも少なくない。
そうした芸術系NGOのひとつが、1994年に設立された、貧しい家庭の多い地域で芸術教育を実践する学校「ファー・ポンロー・セルパク（Phare Ponleu Selpak）（以下、PPS）」である。そして彼らが2013年に設立した社会企業（ソーシャル・エンタープライズ）（＊2）「カンボジア・サーカス・ファー（Phare, the Cambodian Circus、以下Phare）」は、カンボジア独自のオリジナル・サーカスを観光ビジネスとして成功させた。PPSは「芸術が照らす光」、Phareは「灯り」というクメール語が示すとおり、両団体はカンボジアの数多くの若者の人生を導く希望の光になっている。2013年にPhareのCEOに就任したダラ・フオットに両団体の活動についてインタビューした。
聞き手：谷地田未緒［東京芸術大学］

The Kingdom of Cambodia was established in 1993 after suffering the Vietnam War, the horrors of Pol Pot and his regime, civil war and countless rebellions. The reconstruction of this country has been supported by around 3,500 different international non-government organizations (NGOs), working in many fields, from the environment, to infrastructure, human rights and fighting poverty. (*1) The field of art culture is no exception, with many international and local NGOs active in it, such as Cambodian Living Arts which works to preserve traditional art and support young artists, Amrita Performing Arts, a company which is creating a new method of expression through a combination of traditional expression and contemporary dance, and Epic Arts which seeks to support the expression of youth with disabilities (many of these organizations have the founding members as directors and see participation from members from many countries, and the members simultaneously set up non-profit organizations in their own countries to collect donations). Due to this, many non-profit organizations in Cambodia are highly organized and use foreign donations to employ a large staff. One such art-related NGO is Phare Ponleu Selpak (PPS), a school founded in 1994 to spread art education in an impoverished area. Furthermore, Phare, the Cambodian Circus, the social enterprise (*2) founded by PPS in 2013 succeeded as a tourism business based on an original, uniquely-Cambodian circus. Just as PPS means "a light shone by art" and Phare means "the beacon" in the Khmer language, both organizations work to shine a light of hope into the lives of many young people. The following is an interview with Dara Huot, who has served as CEO of Phare since 2013.
Interviewer: Mio Yachita, Tokyo University of the Arts

カキセニは、マレー系、中華系、インド系などが入り乱れる多民族国家マレーシアで唯一のアーティストのためのオンライン・プラットフォームとして2001年にスタート。イベント、オーディション、レビュー、インタビューなどの情報が集約され、なくてはならないハブとして機能してきた。2009年に2代目ディレクターのロウ・ナイ・ユエン氏が就任してから事業を拡充し、当初から継続してきたアート・アワードに加え、カキセニ・フェスティバル、国際交流プログラムのカキセニ・アート・エクスチェンジなどをスタート。また、2011年からは政府を巻き込んで創設した「カキセニ・グラント」により、舞台芸術を多角的に支援してきた。経済発展著しいマレーシアでは、東南アジア随一のスペックを誇る国立劇場イスタナ・ブダヤ、若手のインキュベーションから国際的なアーティストのプロデュースまでを担うマレーシア初の本格民間劇場クアラルンプール・パフォーミングアーツセンター（KLPac）に加え、次々と建設されるショッピングモールの中にアートスペースや劇場が相次いでオープンするなど、舞台芸術をめぐる環境も大きく変わってきた。自ら事業を行うだけでなく、ネットワークの要として舞台芸術を支える環境整備に尽力するカキセニは、欠くことのできない存在となっている。ユエン氏にその戦略と展望を聞いた。
聞き手：谷地田未緒［国際交流基金クアラルンプール日本文化センター］

In the multi-ethnic country of Malaysia where Malay, Chinese and Indian represent the three major ethnic cultures, Kakiseni was founded in 2001 as the only online platform for artists to gather online, post information about productions and events, share news about auditions, reviews, interviews, and thus functioning as a hub for the artists and for the arts information. Since Ms. Low Ngai Yuen assumed the role of the organization's second director in 2009, Kakiseni has been transforming into a platform with a fuller range of programs. Apart from keeping and expanding the legacy of the Boh Cameronian Arts Awards, the new Kakiseni has been presenting new programs to stimulate and inspire the Malaysian arts scene, such as KakiSENI Festival and the Kakiseni Arts Exchange program for international exchange. In 2011, it also started the Kakiseni Grants program together with the government to establish a comprehensive scheme of public funding for the performing arts in Malaysia. With its rapidly growing economy, Malaysia now boasts a National Theatre (Istana Budaya) with South East Asia's top quality of facilities, while its KL Performing Arts Centre, Malaysia's first full-scale private arts center, helps the arts grow by nurturing young talents and producing internationally acclaimed artists. Theatres and galleries are also being built one after another inside the growing number of shopping malls. With the aim of improving this environment and creating a vital ecosystem of the arts, Kakiseni continues to be a valuable organization that not only creates its own projects but also works to build a network and infrastructure to support and strengthen the performing arts environment. To find out about the missions and strategies of the second-generation Kak-iseni, we spoke to its director, Ms. Low Ngai Yuen.
Interviewer: Mio Yachita, The Japan Foundation Kuala Lumpur