Arte Japonés

[ESPAÑOL] La estrecha relación entre hombre y naturaleza es un concepto clave de la cultura japonesa,
siendo uno de los pilares más importantes en que apoyar la comprensión de su arte y arquitectura.
Este vínculo ha dado lugar a algunas de las obras arquitectónicas más reconocidas de finales del
siglo XX y principios del XXI, las cuales se asientan en un momento de renovado interés por
el acercamiento entre hombre y naturaleza y, a la vez, se valen de una nueva mirada hacia la
tradición artística. En todas ellas, será el árbol el elemento natural que funcione como nexo entre
ambos mundos, a través del empleo que de él hará la arquitectura como referente simbólico.
[ENGLISH] The close relationship between man and nature is a key concept in the Japanese culture,
being one of the most important foundations of the understanding of its art and architecture.
This connection has led to some of the most recognized architectural works of the late
twentieth and early twenty-first century, which are based on a moment of renewed interest
in the approach between man and nature and, at the same time, they use a fresh look towards
the artistic tradition. In all of them, the tree would be the natural element that works as a
nexus between the two worlds, through its use as a symbolic reference in architecture.

Resumen. En este artículo se analiza la presencia de la caligrafía japonesa en las creaciones artísticas contemporáneas con el fin de entender su proceso de evolución y la permanencia de algunos de sus fundamentos esenciales en el arte digital. En estas obras, la expresión del espacio, del tiempo y de las emociones pasa a la tercera dimensión, interactiva y accesible para el espectador universal gracias al empleo de un lenguaje actual envuelto en la estética de la cultura tradicional japonesa.

Abstract. This article analyzes the presence of Japanese calligraphy in contemporary digital artwork in order to understand its evolution and the continuity of some of its essential concepts in digital art. The expression of time, space and emotions shifts in these creations to an interactive 3D space, understandable for the international viewer due to the utilization of a contemporary language wrapped in the aesthetics of Japanese traditional culture

Cels Gomis (1912-2000) es todavía hoy desconocido en el ámbito de las relaciones artísticas y culturales entre España y Japón. Este estudio recupera su historia y la que fue una de sus pasiones: el coleccionismo de arte popular japonés. Su interés por las muñecas kokeshi, por los juguetes tradicionales, las cerámicas y las pinturas Ōtsu-e fue más allá de una simple afición temporal e incidió en la difusión del movimiento mingei en Cataluña y en el conocimiento del arte popular japonés entre artistas como Eudald Serra y Joan Miró.

Catálogo de la exposición homónima celebrada en Madrid y Murcia en el año 2014 de la colección de estampa japonesa de la Real Academia Nacional de Farmacia y comisariada por Olga García Jiménez y Daniel Sastre de la Vega.

Catalogue of the same-titled exhibition held at Madrid and Murcia (Spain) in the year 2014 of the collection of Japanese prints of the National Royal Academy of Pharmacy of Spain and curated by Olga García Jiménez and Daniel Sastre de la Vega.

La historia del coleccionismo de arte japonés en España es uno de los campos de estudio que nos deben ayudar a descifrar la incidencia real del japonismo en la península. Desde este punto de vista, este artículo tiene como objetivo presentar la antigua colección de estampas japonesas de los hermanos Mélida Alinari, formada durante el último cuarto del siglo XIX en el contexto del primer japonismo en Madrid.

The history of collecting Japanese art is one of the key aspects that help us to understand the real impact of japonisme in Spain. In this regard, this paper aims to present the former Melida Alinari brothers collection of Japanese woodblock prints, acquired during the last decades of the nineteenth century in the context of the early japonisme in Madrid.

En 1989 el artista japonés Yukinori Yanagi (1959) hizo su primera granja de hormigas usando banderas mundiales, a la que seguirían otras versiones. En estas obras, Yanagi reubicaba una colonia de hormigas local que destruía el dibujo de las banderas y creaba otras nuevas con la arena coloreada que las componía. Durante los primeros 90 las lecturas de la serie se teñían de un optimismo que se diría derivado de la caída del muro de Berlín y saludaban una globalización en la que las fronteras parecían diluirse para bien. Mientras, la postura de Yanagi era ambivalente y evolucionaría con el tiempo. En paralelo, desarrolló otra serie en la que se convertía en alumno de una única hormiga -y ésta en su maestra-, siguiendo y registrando sus movimientos durante horas. Cercano ya el siglo XXI Yanagi abandonó las grandes ciudades y trató de materializar sus visiones artísticas, antes simbólicas, transformando entornos ecológicamente degradados o pequeñas comunidades. Así, su trayectoria configura una trama de reflexiones y agencias (la de Yanagi, la de los insectos) desplegada entre ejes como micro (hormigas) y macro (el planeta); colectivo (sociedad, colonias) e individuo; simbólico y real; global y local; dimensiones que se entremezclarían y confundirían. En este texto pretendo abordar estos aspectos de la obra de Yanagi, así como reflexionar sobre el rol que las diferencias de escala, número y similares tendrían en la configuración de ciertas utopías; sobre todo en aquéllas, muy abundantes que implican la presencia o la observación de insectos sociales como abejas, y en especial, hormigas.

Este trabajo se centra en el análisis de las fuentes documentales que fueron surgiendo de un modo paralelo a la difusión del conocimiento de Japón en Occidente. Japón hasta 1854 había mantenido cerradas sus fronteras al contacto con otras naciones, salvo el que mantuvo a través del comercio con chinos y holandeses, los únicos que podían pisar el archipiélago. A partir de ese momento embajadores, comerciantes, profesores, artistas, etc. se desplazaron hasta allí para saciar su curiosidad y después comenzaron a escribir sobre sus experiencias y sobre lo comprendido en relación con la cultura de las islas. Tomando estas publicaciones como punto de partida en el trabajo se hace necesaria una exhaustiva compilación para ser seguida de un minucioso análisis en el que se aprecian los cambios en función de las demandas de conocimiento por parte de la población, pudiéndose apreciar como dichas publicaciones acaban especializándose en campos de interés mucho más concretos como la arquitectura, el teatro o las artes, sobre todo el grabado.

En 2010 el artista Tenmyouya Hisashi escribió "Basara. Japanese art theory crossing borders: from Jōmon pottery to decorated trucks", en donde analizó desde una perspectiva contemporánea el concepto estético basara, popularizado a principios del período Muromachi (1336 – 1573). A partir de dicho concepto, Tenmyouya reivindicó ciertas manifestaciones artísticas que, en su opinión, desde la instauración del campo de la Historia del Arte japonés en el periodo Meiji, habían sido soterradas. En las siguientes páginas se propone una contextualización de las teorías de Tenmyouya en base a la reinterpretación que hizo del concepto basara y de las influencias que recibió de las teorías del artista vanguardista Okamoto Tarō.

[ESP] Un rasgo distintivo de la cultura japonesa es su veneración por la naturaleza. Esta cualidad está presente en numerosos aspectos de su día a día y afecta tanto a su forma de ver el mundo como a sus manifestaciones culturales, entre ellas el arte y la arquitectura. Así no son de extrañar festividades tradicionales como el hanami matsuri o el momiji, eventos en los que los japoneses se congregan para disfrutar juntos del paso de las estaciones, manifestado en la floración de los cerezos o el cambio de color de las hojas de los árboles en otoño, para los que, en ocasiones, se construyen pequeñas arquitecturas temporales.
De la misma manera, el arte y la arquitectura contemporáneos se han interesado por esta forma de mirar, por esta atención hacia la naturaleza, y varios autores han desarrollado instalaciones temporales enfocadas a permitir un mayor acercamiento entre esta y el ser humano. Estas obras provocan un cambio en la percepción del lugar en el que se instalan, al establecer nuevas formas de relación en el espacio. Estas nuevas interacciones, que hasta el momento no eran posibles, provocan una afección mutua entre lo natural y lo construido que persigue el enriquecimiento de ambos. [ENG] One of the distinctive features of Japanese culture is its veneration for nature. This characeristic is present in many aspects of their daily lives and affects both their way of seeing the world and their cultural manifestations, including art and architecture. Thus, traditional festivities such as hanami matsuri or momiji are not surprising, events in which the Japanese congregate to enjoy together the passing of the seasons, manifested in the flowering of cherry trees or the change of color of the leaves of the trees in the fall, for which, on occasions, small temporary architectures are built. In the same way, contemporary art and architecture have been interested in this way of looking, this attention to nature, and several authors have developed temporary installations focused on allowing a better approximation between nature and the human beings. These works cause a change in the perception of the place where they are installed by establishing new forms of relationship in space. These new interactions, which were not possible until now, cause a mutual affection between the natural and the built that seeks the enrichment of both.

Resumen

La presente investigación gira en torno a un agente principal, la figura del emperador
japonés, quien es analizado a través de los ritos religiosos en los que participa y de los que es destinatario en calidad de paradigma mitificado y depositario del pensamiento sincrético religioso del pueblo nipón. Para ello, se operará a varios niveles metodológicos,
fundamentalmente los siguientes: el etimológico, para el esclarecimiento circunstancial de conceptos clave, el razonamiento abductivo, en aquellos casos en los que sea necesario establecer una conjetura en situaciones de ambigüedad del rol del emperador ya que se carece de una aproximación directa al contexto, y el análisis iconográfico propio de la metodología de la Historia del Arte para conectar las categorías estéticas, religiosas y simbólicas del asunto.
Palabras clave: emperador, shinto, ritos religiosos, sincretismo religioso, pueblo nipón, tennō.

Abstract

The aim of this research paper is to analyze a principal agent, the figure of the Japanese emperor, studied through religious ceremonies in which he sometimes participates in the leading role and other times he is the depository of Japanese syncretic religious thought. To this end, several methodological levels have been undertaken: etymological, to clarify key circumstantial
concepts, abductive reasoning, in those cases in which it is necessary to establish a conjecture because of the ambiguity of the emperor’s role, and the iconographic method as a suitable methodology of History of Art to connect the aesthetic, religious and symbolic categories.

Key words: emperor, shinto, religious rites, religious syncretism, nippon people, tennō

Resumen. El jesuita andaluz Fernando García Gutiérrez (1928-2018), profesor, escritor, coleccionista e historiador del arte es, sin duda, uno de los grandes pioneros en el estudio de la historia del arte japonés en España. Sus contribuciones a la investigación y a la difusión de las manifestaciones artísticas niponas en nuestro país han sido muy sobresalientes. El libro, publicado por la Asociación Hasekura de Coria del Río (Sevilla) y redactado por la Dra. Elena Barlés Báguena (Universidad de Zaragoza), nos ofrece una biografía de este gran estudioso; una amplia reseña de su obra literaria y académica (libros, artículos, conferencias y exposiciones) y de la colección de arte de Asia Oriental que atesoró (hoy en la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría -Sevilla-); además de una selección de fotografías de su álbum personal. La obra se ha basado en los testimonios personales del Padre Fernando, en diferentes entrevistas realizadas por la autora a muchos de sus familiares y amigos, en fuentes de hemeroteca y en una abundante bibliografía. El libro incluye un extenso resumen en japonés.

Abstract. The Andalusian Jesuit Fernando García Gutiérrez (1928-2018), professor, writer, collector and art historian, is indisputably one of the great pioneers in the study of Japanese art in Spain. His contributions to the research and dissemination of Japanese artistic manifestations in our country have been very significant. The book, published by the Hasekura Association of Coria del Río (Seville) and written by Dr. Elena Barlés Báguena (University of Zaragoza), offers a biography of this great scholar; an extensive review of his literary and academic work (books, articles, lectures and exhibitions) and of the collection of East Asian art that he treasured (now in the Royal Academy of Fine Arts of Santa Isabel de Hungría - Seville); as well as a selection of photographs from his personal album. The  work  is  based  on  Father  Fernando’s  personal  testimonies,  on  various  interviews  conducted  by  the  author  with  many  of  his  his  relatives and friends, on newspaper and periodicals sources and on an abundant bibliography. The book includes an extensive summary in Japanese.

En esta presentación reflexionamos sobre las aportaciones del diálogo establecido la estética del pensamiento zen y el arte occidental contemporáneo. El nuevo arte occidental recogerá en un lenguaje creativo, expresivo y libre un sin fin de estilos que se expresarán en un infinito número de técnicas y procedimientos que se sintetizarán en trazos, formas y texturas.

Tanzan Kotoge, uno de los más reputados maestros de la cerámica japonesa actual, realizó en 2018 una donación de obras al Museo de Zaragoza (Aragón, España). En el presente artículo se hace una semblanza del artista japonés y se recoge la historia, el significado y el valor artístico de dicha donación.

[ESPAÑOL] Tradicionalmente, para el pueblo japonés, hombre y naturaleza eran partes inseparables de un mismo todo. La naturaleza, venerada y temida, era protagonista de muchas de las manifestaciones de la vida diaria, desde la religión hasta el arte en sus múltiples disciplinas, y árboles y bosques, gracias a su simbolismo reconocible, actuaban como mediadores entre el mundo natural y el humano. Con la llegada de la occidentalización y modernización de Japón a finales del siglo XIX, esta relación quedó relegada a un segundo plano en los terrenos del arte y la arquitectura, y no ha sido casi hasta los albores del siglo XXI que estos han vuelto su mirada hacia este vínculo entre hombre y naturaleza presentes en la cultura tradicional.  Así, de nuevo, bosques y árboles han retomado su papel como representantes simbólicos del mundo natural y su presencia e importancia en numerosas obras contemporáneas así lo atestiguan.
[ENGLISH] Traditionally, for the Japanese, man and nature were inseparable parts of a whole. Nature, revered and feared, was protagonist of many of the manifestations of daily life, from religion to art in its many disciplines, and trees and forests, thanks to their recognizable symbolism, acted as intermediaries between the natural and the human worlds. With the arrival of Westernization and modernization of Japan in the late nineteenth century, this relationship was relegated to the sidelines in the fields of art and architecture, and it was not nearly to the twenty-first century that they have turned their sights to this bond between man and nature present in traditional culture. So, again, forests and trees have resumed their role as symbolic representatives of the natural world and its presence and importance in many contemporary pieces testify to this.

This article aims to examine the topic of the Yellow Peril in the dystopian fiction literature ranging from the end of the 19th century to the early 20th century. In order to do so, a historical contextualization of the late 19th century events leading to the representation of China and Japan as a threat in the European and North American consciousness is first presented. This is followed by an analysis of the treatment of the topic in writings by M. P. Shiel and Jack London. The construction of a narrative justifying the viability and "acceptability" of a "final solution" to the yellow plague shows back then already. It is thus possible to consider whether this narrative, together with the propaganda that would emerge as the century progressed, led to the eventual final solution in the shape of the atomic bombings of Hiroshima and Nagasaki in 1945.

Resumen. Esta investigación analiza la obra de la artista japonesa Tabata Ayako (Nagano, 1975) desde las perspectivas de innovación e identidad, centrándose en el trabajo de su participación en la Bienal de Arte de Venecia de 2011, un punto decisivo en su carrera, al ocupar el puesto de abanderada en estas llamadas "olimpiadas del arte". A lo largo del artículo se encuadra su trabajo en la Bienal en el contexto de la diplomacia cultural, y se desgranan los planteamientos de la artista que intenta poner de relieve que las verdaderas aportaciones de las que se cree capaz proceden del color y el sabor local, considerando que su yo japonés es la aportación propia con la que puede contribuir al mundo del arte de forma singular. Sin embargo, un apartado dedicado a estudiar el significado del término nippon en sus títulos nos hace ver que este posicionamiento no deja de lado una crítica hacia su propia sociedad, pidiendo a sus compatriotas mayor capacidad crítica e implicación personal en la sociedad. Por otro lado, analizando su obra se hace evidente que la identidad no es algo anclado en el pasado, como ella misma demuestra zambulléndose en el mundo digital. Para llevar a cabo esta investigación se ha empleado una metodología fenomenológico-hermenéutica que nos ha permitido alcanzar una serie de conclusiones particulares sobre su obra, pero también con un carácter más general sobre el tema de la identidad, la innovación y las interrelaciones artísticas. Abstract. This research analyzes the work of Japanese artist Tabata Ayako (Nagano, 1975) from the perspective of innovation and identity. Focus is put on her exhibition at The Venice Biennale in 2011, a decisive point of her career, since she was selected as the flag bearer in this so-called "art Olympics". Along this paper, her work at the Biennial is framed in the context of cultural diplomacy and it is analyzed how the the artist´s approach trying to highlight that her most authentic contributions come from local color and local flavor. It emerges that her Japanese self is the contribution she can make to the world of art in a unique way. However, a section dedicated to studying the meaning of the term nippon in her titles makes us see that this positioning does not leave aside a criticism of her own society, asking her compatriots for greater critical capacity and personal involvement in society. On the other hand, analyzing her work makes it clear that identity is not something anchored in the past, as she herself demonstrates by plunging into the digital world. In order to carry out this research, a phenomenological-hermeneutical methodology has been used that has allowed us to reach a series of particular conclusions about her work, but also with a more general character about the subject of identity, innovation and artistic interrelations.

Índice llevado a cabo:
1. La arquitectura japonesa. Funciones, formas y significados.
1.1. La Arquitectura funeraria. Las tumbas-túmulo o Kofun y los Haniwa, una singular expresión escultórica del primitivo arte japonés. Periodo Kofun.
1.2. Arquitectura sintoísta.
1.2.1. Orígenes del templo sintoísta Periodo Kofun.
1.2.2. Evolución posterior.
1.3. Arquitectura budista.
1.3.1. La introducción de templo budista en los periodos Asuka, Hakuhô y Nara.
1.3.2. La evolución posterior del templo budista. Conjuntos de los periodos Heian y Kamakura.
1.4. Arquitectura civil.
1.4.1. Precedentes y arquitectura residencial del periodo Heian. El estilo shinden-zukuri.
1.4.2. Arquitectura residencial de los periodos Kamakura y Muromachi. El estilo shoin.
1.4.3. Arquitectura civil del periodo Momoyama. Los castillos fortificados y las casas de té.
1.4.4. Arquitectura del periodo Edo. Los conjuntos residenciales (estilo sukiya) y los Mausoleos.

This research analyzes the work of Japanese artist Tabata Ayako (Nagano, 1975) from the perspective of innovation and identity. Focus is put on her exhibition at The Venice Biennale in 2011, a decisive point of her career, since she was selected as the flag bearer in this so-called “art Olympics”. Along this paper, her work at the Biennial is framed in the context of cultural diplomacy and it is analyzed how the the artist´s approach trying to highlight that her most authentic contributions come from local color and local flavor. It emerges that her Japanese self is the contribution she can make to the world of art in a unique way. However, a section dedicated to studying the meaning of the term nippon in her titles makes us see that this positioning does not leave aside a criticism of her own society, asking her compatriots for greater critical capacity and personal involvement in society. On the other hand, analyzing her work makes it clear that identity is not something anchored ...