Contemporary Italian Art

La Fabbrica Borroni di Bollate, edificata intorno al 189O come opificio tessile, ospita oggi una delle più nutrite collezioni di arte contemporanea, con oltre 500 opere riunite a cominciare dagli anni settanta dall’erede della famiglia Borroni. Partendo da una serie di mostre collettive curate da Alessandro Riva e Maurizio Sciaccaluga tra il 1998 e il 2007, che hanno focalizzato l’attenzione su una tendenza artistica denominata Nuova Figurazione Italiana una nuova esposizione, allestita alla Fabbrica Borroni e accompagnata dal presente volume, intende riassumere e proseguire il percorso tracciato dai curatori, proponendo una selezione di opere di centoquarantotto artisti, scelte fra quelle esposte negli anni passati, rappresentativa di questa proposta critica.
Il catalogo si configura nello stesso tempo come un’antologia  illustrata, dedicata alle ricerche pittoriche figurative di questo ultimo decennio (1998—2OO7) secondo un’articolazione degli artisti in scuole, gruppi, temi o generi che hanno contraddistinto il percorso dell’arte contemporanea italiana. Il volume, presentato da Vittorio Sgarbi, accoglie un’introduzione di Eugenio Borrone, i testi di Chiara Canali, curatrice dell’esposizione, e del critico Argano Brigante, un’intervista a Luca Beatrice, e un testo postumo di Maurizio Sciaccaluga.
Bollate (Mi), ottobre - novembre 2007

«Pendant de longues années l’Italie eut en Balla un grand peintre qu’elle ignora totalement». In 1950 these Christian Zervos’ words incited Italian Art Critics and Literature into being aware of the international and increasing relevance of Giacomo Balla’s work. It was the beginning of a renaissance which will recognize a new pivotal role in the Italian context for the old Futurist painter. His renaissance was totally involved in the self-accreditation and controversial strategy of the young abstract painters in the post Second World War period which proposed a new nonfigurative interpretation for his work. According to them, from Forma 1 to Origine or other gruops like the M.A.C., Balla became a prompt precedent for Italian Art in the history of abstraction.
However, from a more careful historical point of view, since 1948 until 1954, the Balla’s reception was limited and it never delved into those potentially modernists aspects of his style. His innovative outcome was only connected to the critical debate of that time or it was just conceived in terms of “historic primacy”. No young artists seems to deeply learn from his style and the major part of his legacy concerns the most predictable question of dynamism. Finally the reappearance of his Compenetrazioni iridescenti and the related abstract interpretation provided by Enrico Prampolini and Ettore Colla in 1952 opened a new phase of a more modernist reception for Balla. Only Piero Dorazio’s reticoli (one of the most and long-lasting interested in Balla among the young artists) will turn this new critical approach into a new painting style.

«Pendant de longues années l’Italie eut en Balla un grand peintre qu’elle ignora totalement». Nel 1950, con questo giudizio, Christian Zervos esortava la critica e la storiografia italiana a prendere coscienza del crescente riconoscimento internazionale suscitato dall’opera di Giacomo Balla. Era il principio di una riscoperta che, durante la sua tarda maturità, investirà il maestro futurista di un ruolo e di un’attenzione sino ad allora inediti nel panorama italiano. La sua vicenda si trovò, infatti, interamente coinvolta nella controversa auto-legittimazione delle poetiche non figurative nel secondo dopoguerra, dettando ai più giovani i termini di un recupero storiografico che fosse, ora, d’interpretazione tutta astrattista. Chiamato in causa da più parti, da Forma 1 ad Origine, passando per il non secondario appello del M.A.C., Balla divenne l’esempio di quel contributo tempestivo all’astrazione internazionale che l’Italia aveva a lungo cercato.
Tuttavia, ad una più attenta analisi storica, emerge quanto la fortuna di Balla negli anni 1948-1954 fosse stata circoscritta e non avesse riservato un vero approfondimento su quegli aspetti potenzialmente più modernisti della sua opera. La sua portata innovativa fu, più che altro, limitata al dibattito critico, al primato storico, lasciando poche tracce stilistiche nei giovani astrattisti, spesso di scontata derivazione dinamista. Sarà soltanto nel 1952, con la comparsa delle prime compenetrazioni astratte e la contestuale lettura astratta, fornita da Enrico Prampolini ed Ettore Colla, che si aprirà una reale pagina modernista per Balla. Una maturazione della sua eredità stilistica che giungerà soltanto con i reticoli di Piero Dorazio, uno dei giovani artisti, da più tempo e con più cura, attenti al messaggio del maestro.

The articles analyzes three case of photographers of Art (Paolo Monti, Giorgio Colombo, Enrico Cattaneo) and it tries to enlight the shifting meaning of photographs throughout the process of archiving and circulating: the archival status of the photographs will help to better understand the process of re-framing, re-interpreting, re-publish the photo-documentation of Art.

This article is focused on the issue of geo-cultural identity in the group of Transavanguardia. Examining its Tuscan members and their participation at the Biennale di Venezia, this study trying to reframe the theory of "Genius loci" promoted by their mentor, Achille Bonito Oliva, into the wide context of global art at the beginning of the 1980s

En el libro publicado en 1983 'How to Imagine: a Narrative on Art and Agriculture', que toma la forma de un largo monólogo urdido en presencia del autor Henry Martin (y luego traducido por él), la voz del artista Gianfranco Baruchello bosquejaba lo que habían supuesto para él, para su vida y su trayectoria artística, los ochos años de la granja Agricola Cornelia (1973-1981) de los que se nutre esta exposición. Comisariada por Maria Alicata y Daniela Zanoletti, la muestra conmemora no solo esta experiencia, sino que también actúa como un homenaje al nacimiento y a las dos décadas de vida de la Fondazione Baruchello. Instaurada en 1998 por Baruchello y Carla Subrizi para alentar la experimentación en el arte contemporáneo y en su investigación, la Fundación se asienta sobre el corazón de la antigua granja; tanto en cuanto a su localización física (el 695 de la Via di Santa Cornelia, en las afueras de Roma, de ahí el nombre), como en cuanto a sus ejes creativos, emocionales, y teóricos. Existe un tallo, pues, que liga la granja-laboratorio con la Fundación, y que tendría sus raíces en cómo imaginar y pensar «diferentes formas de existencia y convivencia en el mundo», a través del arte como lenguaje.

I made Mr De Carlo the proposal to spend an afternoon a week in his office—every Thursday, free of charge—to meet artists who wanted to show their works to the gallery. He accepted my offer immediately. I examined artists’ portfolios, I spoke to them, while trying at the same time to explain that it was really an “expertise” job as well as being a work of art. So they asked me what kind of art I did. I replied that our conversation—along with the inquiry about their past movements and current affiliations—“was” the work of art. I asked them for pictures or texts so that at the end of the operation I could present these to Mr De Carlo and keep a record of their passing. All this information produces “side effects”: just like this booklet.

Entries about the main exhibitions curated by art critic and curator Achille Bonito Oliva, in the catalog published on the occasion of the exhibition "A.B.O. THEATRON L’Arte o la Vita - Art or Life" at Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, conceived by Carolyn Christov-Bakargiev and Achille Bonito Oliva, and curated by Andrea Viliani. The catalog is designed by LeftLoft and published by Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea and Skira.

One of 8 artist’s books (by Mario Airò, Marco Bagnoli, Massimo Bartolini, Palo Masi, Massimo Nannucci, Maurizio Nannucci, Paolo Parisi, Remo Salvadori) included in the exhibition catalogue "Alla Maniera d'oggi. Base a Firenze”, published by Pecci Contemporary Art Center, Prato, Paolo Parisi’s volume describes his work realized at the Scalzo Cloister in Florence (with frescoes by Andrea del Sarto). Book + CD. May 2015

In questi giorni porto ovunque con me un libro di Lucy Lippard. È sul tavolo quando faccio colazione, nella borsa durante gli spostamenti, sul ripiano più alto della scrivania mentre lavoro e accanto al letto la sera. Non ho bisogno di aprirlo: ne so a memoria i brani che mi servono come un talismano nella mia corsa quotidiana contro il tempo. Il testo a cui penso continuamente si chiama New York Times IV, ed è la descrizione di una giornata dell'autrice, raccontata ora per ora dal momento della sveglia al riposo notturno, ed è soprattutto la confessione dell'impossibilità di condensare nell'arco di ventiquattro ore vita e lavoro, o meglio di separare momenti di vitache comprende anche il lavoro-e la sua parte inerte. "Il telefono mi disturba. Mi distrae. Da quando sono tornata dall'Inghilterra, questo autunno, ho perso il senso del tempo. Lì, per dieci mesi, ho vissuto la vita perfetta. Vivevamo in una fattoria isolata. Mio figlio era a scuola tutto il giorno. Il mio amore era in un altro paese. La mattina scrivevo e il pomeriggio facevo lunghe camminate nella brughiera con Gnasher, il cane bianco e nero." 1 È possibile vivere senza il continuo interferire di un tempo sull'altro, di uno spazio nell'altro? Mi ritrovo. Penso anche che in ogni caso la giornata di Lippard sembra più lunga, e infinitamente più proficua della mia. Rileggo alcuni paragrafi. Sottolineo: il senso di colpa e la necessità di sottrarsi ad alcuni impegni, la vergogna per il pavimento di casa poco pulito, il ritorno gioioso e complice da una commissione con il figlio, "Non male. Mezz'ora di lavoro senza interruzioni", il perdersi nel ricordo di un tempo perfetto. Lucy Lippard ha inserito questo testo all'interno di una raccolta di saggi femministi sull'arte. Questa è la traduzione letterale del sottotitolo, e mi sembra necessario sottolineare la posizione dell'aggettivo: femminista non è la ricerca delle artiste di cui parla, ma il punto di vista con cui le guarda e di cui, dunque, New York Times IV è la chiave. Scandito

Catalogo della mostra a cura di Eleonora Farina e Matteo Piccioni (MAXXI, febbraio-luglio 2020), con opere di: Alterazioni Video, Yuri Ancarani, Giorgio Andreotta Calò, Leone Contini, Danilo Correlae, Nicolò Degiorgis, Lara Favaretto, Flavio Favelli, Anna Franceschini, Eva Frapiccini, Alice Gosti, Margherita Moscardini, Luca Trevisani, Patrick Tuttofuoco.
-
REAL_ITALY è la mostra che mette insieme le opere vincitrici delle prime due edizioni del programma Italian Council. Le opere nel loro insieme restituiscono un carotaggio nella pratica artistica italiana contemporanea, nella quale temi più urgenti e attuali, si uniscono alla molteplicità e fluidità dei linguaggi di oggi.