Watercolor

Mary Wigman, the most renowned modern dancer in Weimar Germany, not only facilitated an environment of mutual respect in the studio and onstage with her female dancers.  She asserted herself as a strong female subject in ways that senior male artists, ones with long histories of objectifying women in art, symbiotically connected with her.  Expressionists Emil Nolde and Ernst Ludwig Kirchner created a new artistic language for themselves that in many ways negotiated between their own artistic concerns and the theories and practices embedded in Wigman's work. In the process, Nolde, Kirchner, and Wigman provided a model for future artists and subjects seeking to challenge traditional power dynamics.

Portafolio de obras (resumen): bio cv, statement, obra gráfica (dibujo, pintura), arte de acción e instalaciones realizadas entre los años 2005-actual (2023).

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La presente exposición ha sido concebida a partir de algunos denominadores comunes que explicitan y justifican el conjunto de dibujos seleccionados.
Primero y naturalmente, son dibujos de arquitectura, en la medida
que desde ópticas, dimensiones y formas de representación diversas,
todos concluyen en el acercamiento a formas y espacios arquitectónicos.
Es siempre la mirada espacial del arquitecto la que está detrás de estas interpretaciones gráficas.
Segundo, en su inmensa mayoría está mirada ha sido mediada por la artesanía de la mano. Sin subvalorar los aportes de la tecnología digital, esta muestra pretende colaborar a la necesaria supervivencia del dibujo de ejecución manual. Conviviendo, acordando y creciendo con cuanta nueva técnica pueda surgir, pero sin renunciar a una magia propia difícilmente sustituible. De hecho varios de los dibujos exhibidos, han surgido como fusión estratégica y conveniente entre ambos sistemas.
En tercer lugar, como conjunto, estos trabajos pretenden quizás subrayar
lo evidente: el protagonismo firme del dibujo como forma viva de pensar arquitectura. Nuestra disciplina gira en torno a la actividad de proyecto. Dibujar es también proyectar. Cuantas ideas vemos nacer a diario del gesto de un trazo, de la impronta de un grafismo de orígen desconocido e involuntario. Inconsciencia de la mente, consciencia de la mano.
En cuarto y último lugar, esta es también una forma de abrirse, de exponerse. Una presentación personal, en la medida que son dibujos propios, pero también el reflejo de una forma de pensar dibujando que nace de una latitud, un lugar y una Facultad de Arquitectura al sur del sur.

La muestra se estructura según cuatro módulos diferenciados:

“AC UARELAS DE MONTEVIDEO”,

Exhibe lo que fuera el punto departida que originara los primeros intercambios entre el departamento de Expresión Gráfica Arquitectónica
de la ETSA B-UPC y el homólogo de nuestra Facultad de Arquitectura de la UdelaR en Montevideo, Uruguay.
Historias paralelas, desde la experiencia de la actividad curricular de las materias de dibujo de arquitectura, surgen tanto aquí como allá propuestas que se asoman a ámbitos más amplios y públicos, afirmando el valor de identidad de la imagen arquitectónica.

“ESCALAS ALTERA DAS”,

Es casi un juego. Una idea dibujada en el aire que da el puntapié inicial a una investigación sobre el rol de la escala en el diseño arquitectónico.
Gulliver en el país de...

“PUERTAS ADENTRO”,

Como parte central de una investigación cuyo objetivo es el estudio del espacio interior doméstico en el siglo XX, surge una dinámica de trabajo en la que el relevamiento y registro gráfico de espacios, piezas de mobiliario y objetos cumple un rol protagónico. Del mismo modo que el trabajo se propone generar nuevos textos críticos y analíticos, hace lo propio con la investigación gráfica. Más aún teniendo en cuenta la preocupante falta de renovación y profundización del material gráfico sobre la temática.
Para ésta futura publicación se generaron simultáneamente tanto relevamientos digitales como dibujos manuales en acuarela, lápiz de
color o grafito, algunos de los cuales construyen este módulo.

“EN TRÁNSITO”,

Por último, el módulo final nos propone un vistazo rápido por lo que el ojo y la mano, movidos por la adrenalina que generan los viajes, suelen producir. Desde el apunte rápido hasta la reflexión gráfica reposada, instantáneas personales e imborrables se reconstruyen a partir de estos fragmentos gráficos.

El presente artículo arroja información sobre un artista hasta ahora olvidado por nuestra historiografía, el pintor zaragozano Germán Valdecara González. Tras una laureada formación académica en la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza y posteriormente en la dependiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, inició su prometedora carrera como acuarelista, llegando a participar en numerosas exposiciones de la Sociedad de Acuarelistas de Madrid. Su paso posterior por París y Roma fue recogido por el crítico de arte Isidoro López Lapuya, quien dio testimonio de las dificultades que este pintor tuvo que atravesar para ganarse la vida en la Ciudad de la Luz. Para muchos la llamada Belle Époque no fue tan feliz como su designación parece indicar, sino que supuso grandes dificultades cuando los artistas no pudieron adaptarse a las exigencias de un mercado tan competitivo. Abstract: This article gives information about an artist from Zaragoza forgotten until now by our historiography, painter Germán Valdecara González. After a brilliant academic training in the School of Fine Arts of Zaragoza and subsequently that of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid, he began his promising career as watercolorist, managing to participate in several exhibitions of the Madrid's Society of Watercolors. Later, his situation in Paris and Rome was reviewed by the art critic Isidoro López Lapuya, who narrated the problems that this painter had to face in order to survive in the Ville Lumière. For some artists the Belle Époque period was not as happy as its designation seems to indicate, it rather meant great difficulties when the artists could not adapt their work to the demands of such a competitive market. Palabras clave castellano: Germán Valdecara González, acuarela, cuadro de género, Belle Époque Palabras clave inglés: Germán Valdecara González, watercolour, genre paintings, Belle Époque I. Noticias para el estudio de un artista olvidado Germán Valdecara: he aquí nuestro eminentísimo bohemio. Saludemos, con sinceridad, con gran afecto, su memoria. Valdecara era un santo. Si el protestantismo reconociera santos, nuestro amigo tendría derecho a una hornacina, sobre un altar de alma perpetua. Con estas palabras iniciaba el periodista Isidoro López Lapuya las páginas que dedica a Germán Valdecara en su crónica La bohemia española en París a finales del siglo pasado (LÓPEZ LAPUYA, 1927: 210­125).Dentro de la historiografía del arte español decimonónico contamos ya con algunos estudios de conjunto sobre las biografías y el arte de los pintores que abandonaron España para buscar mejor fortuna en ciudades como Roma o París. A pesar de estos esfuerzos, las noticias de sus vidas y de su producción artística resultan en muchos casos incompletas, incluso cuando uno trata de aproximarse a autores que lograron celebridad en sus días, tal y como sucede en el caso aragonés con Máximo Juderías Caballero o con Mariano Alonso Pérez. El panorama resulta todavía más desolador a la hora de recomponer la vida de aquellos que no consiguieron prosperar, " de los hombres que iban camino de la cumbre y no llegaron a ella " , como afirma López Lapuya en la introducción a su obra. Este es el caso de Germán Valdecara González, quien después de haber logrado un reconocimiento considerable en España, tuvo el arrojo de probar suerte fuera de nuestras fronteras. Su desenlace no fue afortunado, quedando en el más absoluto olvido historiográfico. Sin embargo, sus obras han seguido apareciendo en el mercado de arte las últimas décadas (dos de ellas han sido subastadas en Christie's, en el año 2000 y el 2007), y son varias las fuentes que arrojan datos sobre su biografía y su producción artística. A partir de ambos recursos, este estudio pretende recomponer cómo fue la vida y la obra de este artista e incardinarla en el panorama artístico europeo de finales del siglo XIX. En esta línea, varios son los textos que nos presentan datos significativos a la hora de investigar a Germán Valdecara. Por una parte, contamos con las noticias que la prensa española fue recogiendo de su participación en exposiciones (fundamentalmente las de la Sociedad de Acuarelistas de Madrid). A ello hay que sumar dos testimonios fundamentales que ofrecen una visión bastante aproximada de la que fue la vida de este artista zaragozano. El primero y ya citado sería el que aporta el crítico de arte Isidoro López Lapuya en su obra, La bohemia española en París a finales del siglo pasado: desfile anecdótico de políticos, escritores, artistas, prospectores de negocios, buscavidas y desventurados, publicado por primera vez en 1900. Su autor, corresponsal del El País en la capital francesa, retrata las vidas privadas de algunos de los españoles que vivían en la ciudad y que tuvieron que ingeniárselas para ganarse la vida allí. El segundo es una serie de noticias que nos llegan de su biografía en el diario El Globo, en la sección de Notas Parisienses, artistas españoles en París, en 1901. Arroja informaciones de gran relevancia, como su nacimiento en Zaragoza en 1849, su traslado a Madrid en 1862 (aunque esta fecha debe de estar equivocada pues en 1863 aún figura como matriculado en la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza). Es este artículo el que nos indica cuando se producen sus etapas en París y en Roma. Además, se señala quiénes han sido los maestros de Valdecara: Federico de Madrazo en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; en Roma se dice que trabajó al lado de Pradilla, el cual lideraba el grupo de aragoneses en la Ciudad Eterna, aunque con él ya pudo haber tenido algún contacto previo pues ambos participaron juntos en las exposiciones de la Sociedad de Acuarelistas de Madrid. En París se dedicó a copiar a los grandes pintores del Museo del Louvre. De modo subsidiario, una última referencia sobre su biografía son las breves notas recogidas por Manuel Ossorio y Bernad en su Galería biográfica de artistas españoles del siglo XIX. II. Formación académica y carrera como acuarelista

Discusses an Emil Kosa, Jr. (1903-1968) watercolor painting entitled "Gypsy Camp" painted in 1948? in Newhall, California.

"Gypsies (Romanies) have long been an inspiration to painters. A popular format of the Journal of the Gypsy Lore Society, during Its Third Series, was to begin an issue by introducing a painting in which Gypsies featured. The Gypsy encampment was a major theme in several paintings. Although the Fourth Series of the Journal has not maintained this feature, subscribers might ease their disappointment by asking themselves. To what social purpose do these and similar paintings commemorate Gypsy culture? How can a painting of Gypsies help mitigate their abuse and Neglect? Perhaps, it cannot."

(Journal of the Gypsy Lore Society [now Romani Studies]), Fourth Series, vol. 1, no. 3: 181-187).

To define ‘interior’ - either with the literal understanding as the inside of something, or with a more open definition as a set of relations and conditions - is to position interior relative to something else. Interior is always a relational condition. The Oxford dictionary describes ‘interior’ (in adjective form) as ‘situated on or relating to the inside of something’, so an interior is situated in a context, and therein produces a situation. If we then consider interior as relative, situational, how might this consideration be useful to affect an approach? How can we practice interior design relationally?

Les aquarelles de Claire Szilard expriment la tension entre la forme extérieure de l'énergie et l'illusion de son existence. Elles font allusion à l'existence de la réalité matérielle du macrocosme, et à la transformation de celui-ci en un monde visible. On sent le désir de pénétrer dans les secrets infinis de l'univers, de connaître d'autres étoiles, de faire éclater les frontières connues. Il semble que sa manière d'exprimer est un changement constant, ou peut même imaginer que les flammes éclatent au-dessous de son papier. Des flammes qui suscitent une certaine déformation.

Carnet de Voyage: 丽江 Lijiang
Japanese Moleskine 1

Questo carnet di viaggio è realizzato su Moleskine giapponese (pagine con rilegatura e piegatura a fisarmonica) con acquerello trasparente, Gouache, inchiostri di china, creta rossa, gialla e bianca per l'impressione dei sigilli cinesi, e patchwork di materiale cartaceo vario

Questa presentazione è realizzata in php, html e javascript. Per quanto concerne il mark-up dei facsimili digitali delle tavole della Moleskine sono stati utilizzati XML ed IMT - Image Markup Tool; in entrambe i casi il markup è conforme alle specifiche TEI (release P5).

Nel frame di sinista è possibile scegliere una delle tavole per volta che cerrà visualizzata nella parte centrale della pagina attiva. Una volta caricate le annotazioni realizzate con IMT è possibile muoversi col puntatore sull'immagine digitale della tavola della Moleskine, dunque le parti attive dell'immagine saranno highlited consentendo la visualizzazione della trascrizione delle parti di testo (1 click) e lo zoom sulla parte d'immagine highlighted (2 click).

Dedico queste pagine ad i Naxi di Lijiang, a Claudia, al professor Roberto R. del Turco ed a Stefano Faravelli.

2010, July the 2nd 羞龍 Xiulong

For sample images, go to: http://www.sas.upenn.edu/~nmiller0/art.html

Reviewed in Historical Archaeology 38(2) by Sarah H. LeRoy-Toren: "Once in a great while, a work that is readable, enticing, and of great use to the students I serve, arrives on my doorstep. Naomi F. Miller's, Drawing on the Past: An Archaeologist's Sketchbook," is just that. This small book, replete with sketches and watercolors recording her personal work in the field from 1974 through the present, is strung together with lines of prose both practical and poetic."