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Qué es el teatro – Historia, origen

y evolución
Por
 CurioSfera Historia
 -
 12 abril 2020

El teatro es un tipo de espectáculo que ha acompañado a la civilización humana desde

tiempos muy antiguos. Un tipo de representación artística que siempre ha sido del
gusto de todos en sus diferentes variedades. En CurioSfera-Historia.com, queremos
explicarte qué es el teatro: su definición, significado y concepto. Del mismo
modo, te mostramos como ha sido su historia y evolución, todos los tipos de
teatro que existen y también cómo es el edificio en el que se realiza.

No te pierdas la historia de la música

Qué vas a encontrar aquí [Ocultar]

 1 Qué es el teatro
 2 Origen del teatro
 3 Historia del teatro y su evolución
o 3.1 Teatro Antiguo Egipto
o 3.2 Teatro Griego
o 3.3 Teatro Romano
o 3.4 Teatro Oriental
o 3.5 Teatro Chino
o 3.6 Teatro Indio
o 3.7 Teatro Japonés
o 3.8 Teatro Prehispánico
o 3.9 Teatro Poscolonial
o 3.10 Teatro Medieval
o 3.11 Teatro Italiano
o 3.12 Teatro Isabelino
o 3.13 Teatro Español
o 3.14 Teatro Francés
o 3.15 Teatro Barroco y Neoclásico
o 3.16 Teatro moderno
o 3.17 Teatro contemporáneo
 4 Qué es un teatro (edificio)
 5 Partes de un teatro
o 5.1 Espacios teatrales
o 5.2 Espacios destinados al público

Qué es el teatro
Si te preguntas, ¿qué es teatro? debes saber que el significado de teatro es un
término procedente de la palabra griega theatrón (θέατρον). Una traducción válida en
español sería “lugar o sitio para la contemplación”.

La definición de teatro es que es uno de los componentes de las Artes escénicas y

vinculado con la actuación. En su desarrollo intervienen actores que reproducen una
historia ante el público mediante la palabra, el canto, gestualidad, música,
escenografía y sonidos.

Del mismo modo, también se utiliza la denominación o concepto de teatro para

referirse al género literario que abarca a las obras y textos escritos para ser
representados ante unos espectadores en vivo o mediante una grabación o
retransmisión televisiva.

También se conoce como teatro al edificio o instalación donde se representan

tradicionalmente las obras de teatro. También se incluyen en este ámbito
espectáculos como el ballet, la ópera, monólogos o la pantomima.

Origen del teatro

Casi todos los estudios coinciden en que los primeros indicios del origen del teatro, o
algo parecido, se encuentran en las primitivas ceremonias y rituales relacionados con
la caza. Del mismo modo, tras la recolecta de la cosecha, se realizaban ritos de
agradecimiento con música, cantos y danza.

Gran parte de estos rituales, se convirtieron en verdaderos espectáculos en los que se

expresaban espiritualidad y se rendía devoción y culto a los dioses. Este tipo de
manifestaciones litúrgicas o sagradas son un elemento fundamental para
el nacimiento del teatro en todas la civilizaciones.
Hace miles de años, en Mesopotamia y en África, existían poblados y tribus que tenían
un gran sentido de la mímica, los sonidos y el ritmo. Contaban con gran facilidad para
imitar a los animales y contar grandes historias sobre sus cacerías.

En las noches, alrededor de un fuego, se explicaban increíbles historias que poco a

poco fueron acompañadas de cierta música con tambores, canciones y disfraces.
También sucedía algo similar con celebraciones y ritos religiosos, que se convirtieron
en verdaderos espectáculos.

Pero los historiadores se preguntan si realmente se puede considerar a estas prácticas

como teatro, ya que por lo general tenían una gran carga religiosa. Otros, en cambio,
consideran que como mínimo, son lo más parecido a los orígenes del teatro de los
que se tiene constancia.

Por tanto, si bien no se puede considerar estas prácticas como teatro, si se puede
considerar que son los primeros indicios del origen del teatro.

Una vez dicho esto, a las preguntas ¿dónde nació el teatro? y ¿quién inventó el

teatro? La respuesta es que el teatro nació en la antigua Grecia entre los siglos V
y VI a.C., en concreto en su capital, Atenas.

Los ciudadanos atenienses realizaban ceremonias en honor al dios de la vegetación y

del vino Dionisio. Estos ritos evolucionaron poco a poco hasta convertirse en
teatro. Siendo así en uno de los mayores avances culturales de la civilización griega.
Tanto que en cada nueva ciudad o colonia, era imperativo la construcción de un edificio
para el teatro.

Historia del teatro y su evolución

A lo largo de la historia del teatro hasta la actualidad, siempre ha estado en
constante evolución. Por lo tanto, es evidente que han existido diversos tipos de
teatro. Todos ellos con características y variedades distintivas que los diferencian
entre ellos. Vamos a realizar un recorrido por el tiempo para ver cómo ha sido la
historia del teatro ver a continuación los principales:

Teatro Antiguo Egipto

En tiempos del antiguo Egipto, hacia el año 2000 a.C., se tiene constancia de la
realización de una especie de representaciones dramáticas sobre la muerte y
posterior resurrección del dios Osiris.

En este tipo de “espectáculos” religiosos se empleaban actores provistos con máscaras

para que la dramatización fuera más creíble. Pero como hemos comentado
anteriormente, los expertos coinciden que esto no se puede considerar aún teatro.

Teatro Griego
Se considera que en la Antigua Grecia nació el teatro. En lo que se puede
considerar los inicios del teatro, se realizaban ritos en las fiestas dedicadas al dios
Dionisio. Se puede afirmar pues que el nacimiento del teatro fue Atenas. En dichas
actuaciones, se escenificaba diferentes capítulos de la vida de los dioses griegos con
cánticos (Ditirambos) y danzas.

Más adelante surgieron las primeras representaciones dramáticas, que se realizaban en

las plazas públicas de los pueblos. Dichas obras tenían un único actor acompañado por
un coro.

Acabando el siglo VI a.C, el intérprete y poeta Tespis, consiguió tener una popularidad

enorme en toda Grecia. Tanto fue así, que hoy en día en su honor, se emplea el
término “carro de Tespis” para denominar a todo el ámbito del teatro.
Máscaras de teatro griego. Alegre para la comedia y triste para la tragedia
El teatro griego es el resultado del perfeccionamiento de las ceremonias y artes
griegas. Como por ejemplo, la festividad de la vendimia, en la que los muchachos
cantaban y bailaban mientras peregrinaban al templo del Dios Dionisios para dejar en
ofrenda ejemplares de las mejores vides. Con el tiempo, se decidió que el chico más
adecuado fuese nombrado como maestro del coro o Corifeo. Del mismo modo,
surgieron el rapsoda y el bardo, que se dedicaban a recitar.

Durante el transcurso del siglo V a. C., en plena Grecia clásica, aparecieron dos
modelos de teatro: la comedia y la tragedia. Sófocles y Esquilo, dos dramaturgos de
la época, incluyeron como novedad un segundo y tercer actor. Esto supuso un
aumento en la complejidad de la ejecución de las obras teatrales, por lo que fue
necesario disponer de mayores escenarios.

Por este motivo, se comenzaron a construir teatros cada vez más grandes.
Actualmente todavía se conserva en bastante buen estado el teatro de Epidauro, del
siglo V a. C. Este recinto tenía una capacidad de 12.000 personas, todo un logro en
aquella época. A continuación puedes ver una foto del mismo.

También se conserva las ruinas del teatro de Dioniso, en la capital griega (Atenas),

del siglo IV A.C. De esta edificación, llama la atención que para su construcción se
aprovechó la inclinación de la ladera de una montaña. Las gradas para los
espectadores tenía una forma semicircular rodeando a los músicos y el escenario. Este
teatro dispone de una acústica que muy pocos teatro modernos pueden igualar.

Justo detrás de los músicos existía un edificio llamo skené, que era el espacio donde
los actores se cambiaban de vestuario. Delante se erigía un muro con columnas (el
proscenio), dónde se colocaban pinturas que evocaban la acción representadas a modo
de decorados.

El teatro griego contaba con 4 formatos principales:

1. El drama satírico.
2. La tragedia.
3. El mimo.
4. La comedia.

Los dos primeros formatos se consideraban adecuadas para un público adulto. Mientras
que las dos últimas eran consideradas algo más “primitivas” y adecuadas para el
público infantil.
Los actores del teatro, que eran todos hombres, vestían con un vestuario al uso
pero utilizaban unas máscaras para  poder caracterizarse del personaje en cuestión
que tuviera que interpretar.

Tragedia Griega

Dentro del teatro griego, la tragedia es una obra dramática capaz de causar pena y
conmover al público y tiene un final fatídico. En este tipo de género teatral
despuntaron dramaturgos griegos como Sófocles, Eurípides o Esquilo.

Las principales características de la tragedia griega son:

 Las representaciones son pomposas, se estructuran en varias escenas o

episodios y están escritas en verso. Rara vez se puede ver a más de 3 actores
interpretando a la vez sombre el escenario y se acompañan por los cantos de un
coro.
 Las tragedias son historias que mayoritariamente se apoyan en antiguos relatos
o mitos. Pero el objetivo final no era simplemente volver a contar una historia
de una manera distinta. Los autores se tomaban muchas libertades para
reinterpretar el original y enfatizaban en el carácter de los protagonistas, las
consecuencias de las acciones individuales o de la sociedad en general.
 Normalmente eran representaciones sin mucha acción. Los acontecimientos
transcurrían mediante los cánticos del coro y los diálogos de los actores.

Comedia Griega

La comedia Griega se popularizó a mediados del siglo V a.C. Las comedias más
añejas que se tiene constancia y que han llegado hasta nuestros días son las del autor
Aristófanes. Cuentan con una cuidada estructura inspirada en los ritos sobre la
fertilidad ancestrales.

Su jocosidad o humor, se basaba en la ejecución de sátiras sobre personajes públicos

o populares. También se realizaban parodias y chistes que incluso podían llegar a
ofender a los dioses. Ya en el siglo IV a.C., se puede considerar que el formato de la
comedia superaba con creces en número de seguidores a la tragedia.

Más adelante, surgió una variante de la comedia que recibía el nombre de «comedia
nueva«. El autor de las comedias nuevas que más destacó fue Menandro. En sus
obras el guion trata sobre embrollos o enredos sobre el dinero, la familia o el amor.
Existían una serie de personajes habituales, que incluso existen en la actualidad, como
lo es la suegra metomentodo.

Teatro Romano
Se puede afirmar que el teatro romano emergió fuertemente en siglo III a.C. Pese a
que en principio las obras teatrales tenían un fuerte vínculo con los festivales
religiosos, no pasó mucho tiempo para que esta espiritualidad teatral se desvaneciera.
Esto fue así debido al incremento de festejos y festivales, por lo que el teatro se fue
convirtiendo cada vez más en un entretenimiento del pueblo.
Una vez dicho esto, es lógico que la forma teatral más demandada y que más gustaba
al público popular era la comedia. Los grandes escritores Plauto y Terencio (siglo II
a.C.), marcaron una gran época dentro de las obras teatrales romanas. Por norma
general, eran adaptaciones de obras de la nueva comedia griega.

En la trama de estas obras, abundaba la intriga y en muchas ocasiones se intentaba

también aportar cierto valor educativo. Estas representaciones gustaban mucho al
público, ya que eran muy dinámicas y contaban con muchos fragmentos que eran
cantados. Salvando las distancias, algo parecido al teatro musical actual.

A este primer periodo se le denomina teatro romano clásico, ya que incluye el teatro

realizado en Roma y Grecia, es decir, las civilizaciones clásicas. Del mismo modo, las
obras de teatro se escribían en las lenguas clásicas, latín y griego.

Pero a finales del siglo II d.C., llegó la decadencia del teatro literario romano. Otros
entretenimientos y espectáculos más populares pasaron por delante de él. Además la
emergente Iglesia cristiana fue muy crítica con el teatro romano. Entre otros motivos,
las actrices y actores gozaban de una mala fama de inmorales, ya que hacían sátiras a
los creyentes cristianos.

En el 476 d.C., coincidiendo con la definitiva caída del Imperio romano, el teatro

clásico prácticamente desapareció en Occidente. Tuvieron que pasar 450 años para
que el teatro surgiera de nuevo de la mano de algunos artistas populares,
denominados trovadores y juglares.
Cómo eran los teatros romanos

Hablando de los edificios, los teatros romanos tenían muchas características similares a
la de los teatros griegos, aunque bien es cierto que contaban con algunas diferencias.
Inicialmente fueros construidos con madera y posteriormente en piedra.

Pompeyo construyó en Roma, en el 55 a.C., un teatro de piedra y lujoso mármol que

llevaba su nombre. Sus dimensiones eran descomunales, ya que no solo era un teatro,
era todo un complejo destinado a estas representaciones.

A diferencia de sus modelos helénicos, se edificaban en suelo plano. Contaban con

diversas plantas construidas en mampostería. Buscando mejorar aún más la
acústica del recinto teatral, los arquitectos disminuyeron la orquesta a un semicírculo,
y las representaciones se hacían ahora sobre una superficie algo elevada (pulpitum).
Este fue el origen de los actuales escenarios.

Las fachadas de los teatros, denominadas frons scaenae, contaban con varios pisos y
hacía las veces de escenario. Las gradas donde se ubicaba a los espectadores (cávea)
constaba de tres partes bien diferenciadas: la Ima, la media y la suma.

La primera zona era la inferior y en ella se ubicaban a la clase dirigente y a los

senadores. En la zona media se sentaban el pueblo llano. La suma o parte superior se
destinaba para los esclavos y para las mujeres. Al igual que en algunos circos
romanos, el graderío se podía cubrir con un velum a modo de gigantesco toldo para
proteger del sol.
Teatro Oriental
La representaciones teatrales en el continente asiático se remontan a más de 2000
años. En concreto, en China se realizaban escenificaciones de poemas ante un grupo
de refinados espectadores.

En la India, en el siglo IV a.C., existía un tipo de poema épico-mitológico,

el Mahabhárata. A través de algunos de ellos se puede saber la existencia de una
especie o tipo de interpretaciones teatrales de carácter religioso muy remotas.

En Japón, la evolución del teatro, llamado en español “Nō” derivó en el

denominado teatro kabuki. Este último se fundamenta en la priorización de los
sentidos sobre el intelecto. Por este motivo fue el más apreciado y popular entre el
pueblo. Fue declarado patrimonio de la humanidad por la UNESCO (ver noticia).

En el teatro oriental, el de China, India, Japón y en general el del Sureste asiático,

cuenta con unas características comunes que claramente lo diferencian del teatro
occidental posrenacentista.

El teatro en Asia tiene un fuerte componente teatral presentacional, ya que el objetivo

es fabricar una ilusión a través de la réplica o repetición de una realidad social. Pese a
que, naturalmente, en función de cada país el arte teatral es diferente, suelen ser
obras que unifican la mayoría de las artes. Como por ejemplo, danza, literatura,
interpretación, espectáculo y música.

Por tanto, y en líneas generales, el teatro oriental antiguo se caracterizaba por la

ritualidad y el simbolismo. Precisamente estos dos conceptos, hicieron que la danza
y la música gozara de especial protagonismo. Vamos a verlos con más detalle:

Teatro Chino
Se puede afirmar que el teatro chino tradicional tal y como lo conoceos hoy,
comenzó su singladura durante el siglo XIV. En sus inicios contaba con protocolos muy
escrupulosas y era excesivamente literario.

Pero desde inicios del siglo XIX, ha ido evolucionando constantemente. Ha sido muy
influenciado por la ópera de Pekín, que es como se denomina al arte escénico que
integra la recitación, el canto, las artes marciales y la actuación teatral.

Por este motivo, en todas las representaciones que se realizaban a lo largo de todo el
territorio chino, se otorgaba más importancia al canto, la danza, las acrobacias y la
interpretación que al texto propiamente dicho.

En este tipo de teatro se hace especial énfasis a la destreza de los actores.

Normalmente, la trama suele ser bastante oscura. Los escenarios son minimalistas, es
decir, con los elementos justos e imprescindibles. El maquillaje de los actores es muy
elaborado y caricaturesco, y éstos se mueven con acciones muy estilizadas.

Teatro Indio
El teatro indio emergió durante los siglos IV y V a.C. Las obras, que eran épicas y
complejas, se estructuraban sobre la base de nueve conceptos o rasas. El nudo
principal de las obras trataba sobre cuestiones espirituales.

Los escenarios contaban con una decoración muy cuidadosa, pero en cambio no se
aplicaban técnicas representacionales. Existían estrictos códigos para las canciones, la
recitación y todos los movimientos de los actores. El teatro Kathakali (teatro bailado) y
el teatro de marionetas han sido siempre muy valorados a lo largo de la historia en
este país.

Precisamente este último tipo de teatro, el de marionetas, dominaban muchas partes

del Sureste asiático. En especial el de marionetas de sombras, denominado wayang
kulit. Tanto es así que en algunos lugares, como en java, los actores estudian
minuciosamente los movimientos de dichas marionetas para imitarlos en las
representaciones.

Teatro Japonés
Es posible que el arte teatral más complejo de Asia sea el teatro japonés. Como
hemos comentado con anterioridad, los dos tipos o géneros más populares son el Nō y
el teatro kabuki.

El primero se puede considerar el teatro clásico japonés por antonomasia. Mediante

el relato de una historia o hecho, intenta rememorar un ánimo. En este género
escénico se cuida escrupulosamente la síntesis entre música, danza y teatro. Este arte
escénico nipón está estrechamente vinculado al budismo Zen. El apogeo del nō se
produjo principalmente durante el siglo XV.

En cambio el teatro kabuki, tiene su origen en el siglo XVI y ha gozado de mucha más
popular que su predecesor. También son dignos de destacar otros géneros teatrales
propios del país del sol naciente:

1. El bugaku, que es un delicado teatro bailado.

2. El bunraku, un teatro de muñecos o marionetas casi de tamaño real.

Como resumen, cabe destacar que estas formas de expresión teatral niponas son muy
bellas, elegantes y refinadas. Como ejemplo basta con ver los decorados y el vestuario
muy bien elaborados, incluyendo los populares abanicos japoneses.

Estos dos tipos de teatro que hemos descrito, se basan sobre todo en la tradición,
la danza y los rituales, valores que no se tienen en tanta consideración en el teatro
occidental.

Teatro Prehispánico
En las civilizaciones prehispánicas americanas el teatro llegó a tener una tremenda
importancia. Por desgracia, se tienen muy pocas evidencias de cómo eran
las manifestaciones artísticas escénicas de las civilizaciones precolombinas.
Pero sí se conoce que tenían un elevado carácter religioso.
Cabe destacar en este aspecto el pueblo maya, dónde las representaciones artísticas y
religiosas eran muy habituales. Afortunadamente, se conserva un escrito maya
descubierto en 1850 de carácter dramático: el Rabinal-Achi.

Esta obra describe el feroz combate entre dos legendarios guerreros que luchas hasta
la muerte en una batalla ceremonial. En su representación entran en juego elementos
como la música, el vestuario, la expresión corporal y la danza.

Del mismo modo, el teatro Maya estaba también estrechamente relacionado con los
ciclos agrícolas y a la grandiosidad de sus hitos históricos.

En cambio, el teatro Azteca y el teatro Inca, eran un reflejo de cómo estaban

organizadas estas civilizaciones. Eran pueblos regidos por la teocracia (un gobierno
que obedecía las órdenes de los dioses). Por lo que sus actividades teatrales tenían un
claro aspecto religioso y bélico.

Teatro Poscolonial
A partir de la llegada de los españoles al continente americano, el teatro que se
practicaba se basaba y seguían casi en su totalidad el modelo que se realizaba en
España.

Hay que esperar hasta bien entrado el siglo XX, para que el teatro
latinoamericano consiga su propia personalidad. Es en este periodo cuando comienza
a tratar temas nativos y prioriza los intereses del público al que va dirigido.
Se priorizan obras teatrales que hagan referencia a realidades sociales y a los orígenes
históricos. Un movimiento que fue denominado como “Nuestra América”.

Países como Chile, Uruguay o Argentina, desarrollaron experimentos teatrales

independientes tomando como base el Teatro del Pueblo. El teatro Mexicano también
destacó en este aspecto.

Otro movimiento, fue el llamado teatro campesino, impulsado en 1965, por Luis

Valdés tras una importante huelga laboral.

Compañías teatrales como La Candelaria o Rajatabla impulsaron un tipo de teatro que

sirviera como elemento de denuncia de la realidad social. Pero sin olvidar,
naturalmente, el componente estético y conceptual del espectáculo.

Teatro Medieval
Tras siglos desde el declive del teatro romano, el resurgimiento del teatro en Occidente
debe dar las gracias al clero, que lo utilizaba como una herramienta para la
enseñanza de la doctrina cristiana.

De este modo, en el siglo XI, era habitual ver en las iglesias representaciones que
trataban los mensajes bíblicos y moralistas con el objetivo de adoctrinar de una
manera muy sencilla y comprensible para el pueblo llano.

Debes saber que la gran parte de los fieles eran personas sin cultura; artesanos y
campesinos sin ninguna cultura ni formación. Además las misas se realizaban en latín.
Pero poco a poco a partir de los siglos XIII y XIV, se fue reemplazando por la lengua
autóctona.

En estas representaciones recibían el nombre de tropos. Se podía explicar, por

ejemplo, la muerte y resurrección de Jesús,  las buenaventuras o cualquier otro pasaje
de la Bíblia.

Tenían lugar en el interior de las iglesias, en la parte central o en la parte del coro.
Cada vez eran más elaboradas y espectaculares y de mayor duración. Por lo que
acabaron dando lugar a cierto tipo de teatro religioso cristiano y, por ende, en
el teatro medieval.

Con el paso de los años, se incorporaron algunos elementos un tanto cómicos o

profanos. Tanto fue así, que llegó un punto que por moralidad, ya no se podían
representar en el interior de los edificios eclesiásticos. Pasaron entonces a realizarse
en sitios públicos como plazas, pórticos y calles.

Teatro Medieval profano

Llegado el siglo XIV, el teatro se independizó del estilo litúrgico y eclesiástico para
realizarse en otros lugares fuera de las iglesias. Evolucionó en una especie de ciclos
que contaban con muchos dramas. Algunos historiadores expertos creen que eran
parecidos a los dramas litúrgicos, estos ciclos nacieron de una forma totalmente
independiente.

Estas obras se producían por toda una corporación cada 4 o 5 años. Estas
representaciones podían tener una duración de entre 2 días hasta casi un mes. La
producción de todas y cada una de estas obras era labor de un gremio laboral que
procuraba que la obra tuviese relación con su trabajo. De este modo, los miembros del
gremio del comercio, podían escenificar el pasaje de los mercaderes, por ejemplo.
Durante el siglo XV, aparecieron un tipo de obras del tipo farsas, folclóricas o
dramas pastorales que entretenían al pueblo llano. Estas obras se
denominaban autos. Pese a que éstos no tuvieran personajes ni una trama cristiana,
los autos se diferenciaban de los ciclos religiosos principalmente en que no hacían
referencia a pasajes bíblicos. Los autos se representaban por “actores” profesionales
como los juglares o trovadores.
Teatro Renacentista

La aparición del Renacimiento en Italia trajo unas influencias determinantes en la

evolución del teatro. Apareció un tipo de manifestación dramática con un alto
componente cultural, basada en los patrones clásicos y para las más altas clases
aristocráticas.

El teatro renacentista se generalizó durante todo el siglo XVI. Comportó la

edificación de recintos con salas cubiertas para la realización de las obras de teatro y
bien dotadas con las mejores comodidades de la época.

Teatro Italiano
No es hasta el siglo XV, que se tiene constancia del teatro renacentista en Italia.
Pese a que las primeras obras estaban escritas en latín, pronto se fueron escribiendo
en el idioma materno  y, por lo general, trataban sobre temas clásicos.

Este género teatral no es una evolución resultante de los modelos religiosos, tampoco
de los tipos dramáticos populares. Era un tipo de teatro con un proceso meramente
académico. Eran obras que se escribían principalmente para ser leídas, ya sea con
fines didácticos o por varios lectores para los espectadores.

También se desarrolló en Italia durante este periodo un tipo de teatro popular,

la commedia dell’arte (comedia del arte). Su característica principal es que priorizaba
la total libertad del actor para improvisar, lo que supuso un enorme progreso en la
técnica interpretativa.

El teatro Olímpico de Vicenza es considerado uno de los primeros teatros modernos

de Italia. Fue diseñado por el prestigioso arquitecto italiano Andrea Palladio y su
construcción se finalizó en 1585. En cuanto a su estructura, se podría decir que era
una evolución de los antiguos teatros romanos.  Detrás del escenario, se podía tener
una vista de las calles de la población.

Pese a ello, el teatro Farnese de Parma, es considerado el referente principal del

modelo clásico del teatro italiano. Levantado en 1618, su estructura contaba con un
escenario, encuadrado con arco proscenio y separado de los asientos de los
espectadores por un telón. También disponía de una platea con forma de herradura
que estaba rodeada por diversos pisos de galerías.

Teatro Isabelino
A finales del siglo XVI, y en el periodo de reinado de Isabel I, fue cuando el teatro
renacentista inglés evolucionó. En aquellos años, lo habitual era crear obras que
eran tragedias de marcado carácter neoclásico y que se interpretaban
mayoritariamente en las universidades. No obstante, gran parte de los poetas de la
época isabelina ignoraban el neoclasicismo o lo empleaban solo en casos puntuales a
conveniencia.

Al contrario que el teatro que se realizaba en el resto del continente europeo, escrito
con la intención de representarse ante las clases altas, el teatro renacentista inglés se
cimentaba en fórmulas populares, en el antiguo teatro medieval, y en los gustos y
reivindicaciones del gran público en general.

Influenciados por la constante evolución de la lengua, y a los cambios económicos y

político del momento, dramaturgos como Christopher Marlowe y Thomas
Kyd apadrinaron el nacimiento de un teatro épico, dinámico y sin barreras. Este
fenómeno fue culminado con la compleja y variada obra del escritor más grande del
teatro inglés, William Shakespeare.

Los teatros construidos en Inglaterra durante el periodo de Isabel I, eran muy distintos
al resto de Europa. Teniendo en cuenta que las obras de teatro se representaban
principalmente en los meses con mejor climatología, los teatros eran al aire libre y
de forma circular.

Por tanto, si estar provistos de techo y construidos básicamente con madera, su rasgo
diferencial más importante era la ubicación del escenario. Era de forma rectangular y
en una posición elevada. En torno a él, los espectadores lo rodeaban por tres de los
cuatro lados y los puestos elevados estaban reservados para las clases altas o la
nobleza. Entre todos los teatros de esta época destaca The Globe, teatro londinense en
el que Shakespeare representaba sus obras.
Teatro Español
En España, el denominado Siglo de Oro del teatro fue el siglo XVII. Sin duda, uno de
los periodos más prolíferos del teatro universal. Aunque bien es cierto que esta
denominación creó cierta controversia en algunos países europeos. Grandes autores
del denominado Siglo de Oro español son Miguel de Cervantes, Lope de
Vega, Calderón de la Barca y Tirso de Molina.

Abundan las nuevas obras, los autores y las compañías teatrales. El teatro ya no es

un espectáculo reservado para las altas esferas, se democratiza y deja de estar sujeto
a la ley de la oferta y la demanda. El desarrollo de este nuevo estilo y forma de
entender el teatro provocó un gran debate en la época.

En el mismo periodo del teatro Isabelino en Inglaterra, siglos XVI y XVII, en España se
construían edificaciones fijas para la representación del teatro al aire libre que recibían
el nombre de Corrales de Comedias. Estas salas teatrales eran gestionadas por las
denominadas “hermandades”. Sin duda las precursoras de lo que actualmente
conocemos como los empresarios del teatro. En España se han conservado hasta
nuestros días algunas de estas instalaciones (al contrario que en Inglaterra).

Teatro Francés
En Francia, una especie de comedia parecida a la farsa era muy popular a finales del
siglo XVI. Tan aclamado era, que opuso gran resistencia al establecimiento definitivo
del drama renacentista.

Pero finalmente, la elevada influencia italiana consiguió popularizar en Francia unas

representaciones que recibieron el nombre de ballets.

Se considera a Jean-Baptiste Poquelin (más conocido como Molière) como el más

grande dramaturgo francés de la época. Sus comedias y farsas están
indudablemente influenciadas por la commedia dell’arte.

No obstante, aportan cuestiones sobre los errores y las limitaciones del género
humano. Del mismo modo, bastantes de sus escritos están impregnados de una cierta
angustia.

Molière también fue un actor cómico de reconocido talento. La misión de su trabajo era
cambiar el estilo caricaturesco y pomposo que dominaba en aquel tiempo la escena
francesa.

En aquellos años, en París, la capital del país galo, no habían edificios dedicados
exclusivamente a las representación de obras teatrales. Se empleaban para tal fin unas
instalaciones que originariamente fueron construidas para un juego de pelota.

Teatro Barroco y Neoclásico

Durante los siglos XVII (teatro barroco) y sobre todo del XVIII (teatro neoclásico),
se priorizaba un tipo de teatro a medida para los actores. Es decir, los dramaturgos
escribían obras ajustándose al estilo o las preferencias de los intérpretes. Tanto era
así, que incluso se reescribieron grandes clásicos para satisfacer los gustos o caprichos
de los más famosos actores.

Cabe destacar que, en especial las obras de Shakespeare, se alteraron de tal modo,
que casi no se podía reconocer. Y no tan solo para satisfacer a los intérpretes, también
para cumplir los ideales y estándares neoclásicos.
Por poner un par de ejemplo, a las obras de Romeo y Julieta o El rey Lear, se les
modificó el final trágico original por un final feliz. Por tanto se cambiaba totalmente la
intención inicial del autor.

Durante los siglos XVII y XVIII, se produjo un enorme enriquecimiento respecto a

la escenografía empleada en los teatros. Debido a la recuperación parcial del
drama clásico francés, cuya norma era “acción, tiempo y lugar”, la simultaneidad de
los decorados se hizo totalmente innecesaria. Esto propició el empleo de un solo
decorado en cada acto, y en poco tiempo se optó por cambiarlos entre acto y acto.

Años más tarde, la paulatina notoriedad de la ópera, que precisaba disponer de

varios montajes, colaboró al desarrollo y evolución de mecanismos que otorgaran una
apariencia de realismo a acciones como: la simulación de vuelo o la desaparición de
escena de los actores.

En este aspecto, por ejemplo, unos mecanismos denominados «glorias», podían hacer
que desde el techo del teatro pudieran descender suavemente al escenario un pequeño
grupo de actores simulando ser ángeles.

Un claro exponente de esto fue el famoso teatro de la Scala de Milán. Que fue

finalizado en 1778, y que representa todo un ejemplo de las enormes dimensiones que
eran necesarias para poder ubicar a todo el aparato escénico, la tramoya y a los
espectadores.

Teatro moderno
Durante buena parte del siglo XIX, los conceptos escenográficos y arquitectónicos del
teatro no sufrieron prácticamente cambio alguno. Pero llegando finales del siglo las
reclamaciones de poder tener libertad creativa promovidas por los grandes autores
románticos derivaron a realizar un replanteamiento del este arte dramático en todos
aspectos.

Un buen ejemplo de ello fue la construcción en 1876, del colosal teatro

Festspielhaus de Bayreuth, en Baviera (Alemania). Se erigió bajo las
recomendaciones del famoso compositor y dramaturgo Richard Wagner. Este
teatro supuso la primera escisión arquitectónica y conceptual con modelos de teatros
italianos.

Destacar su platea escalonada y disposición en abanico. Como en los teatros actuales,

la orquesta era ubicada en un foso justo antes del escenario y durante las
representaciones toda la zona de asientos del público (auditorio) se oscurecía para
resaltar lo que estaba sucediendo sobre el escenario.

Tras la gran acogida de este tipo arquitectónico de teatro, en el que la representación

y la escenografía tenían el máximo protagonismo posible, en los últimos 20 años del
siglo XIX y los primeros del siglo XX, muchos países lo acogieron y potenciaron. Y todo
ello gracias a grandes personajes, autores y directores como por ejemplo:

 El francés André Antoine (líder y precursor del naturalismo).

 El germano Max Reinhardt (autor de espléndidos montajes).
 El ruso Konstantín Stanislavski, actor y director que ejerció una enorme
influencia sobre el teatro moderno gracias a sus revolucionarios métodos de
interpretación.
 El británico Edward Gordon Craig, escenógrafo que en la defendió la creación de
escenarios más dúctiles y sencillos a favor de un teatro más estilizado y poético.

Por todo ello, la irrupción del teatro moderno, se determinó por su total y absoluta
libertad en los planteamientos a través de los diálogos. Se produjo una curiosa
transformación del arte teatral debido también, en parte, a las nuevos avances
tecnológicos.

Efectivamente, dentro del ámbito escenográfico y arquitectónico se produjeron

conceptos nunca antes vistos en el teatro. El desarrollo y novedades en el ámbito de la
iluminación y nuevos sistemas mecánicos propiciaron que los escenarios tuvieran una
versatilidad, plasticidad y transformación inaudita hasta la fecha.

Teatro Romántico
A finales del siglo XVIII, algunas ideas y conceptos filosóficos fueron adquiriendo
bastante notoriedad y finalmente terminaron por cuajar y fusionarse a comienzos del
siglo XIX, dando nacimiento a un movimiento denominado romanticismo.

El romanticismo surgió en Alemania, algo curioso ya que el país germano contaba

con muy poca tradición teatral hasta antes del siglo XVIII. Rápidamente se extendió a
otro países y ya en 1820, el teatro Romántico imperaba en la mayor parte de las
naciones europeos.

En cuanto al teatro romántico español, destacar que se inspiró en muchos de los

grandes temas empleados en el medievo y muestra a un personaje subyugado por
pasiones de todo tipo, buenas o malas. Se utilizan estructuras y formas del teatro
empleado durante el Siglo de Oro, pero eso sí, aprovechándose de los efectos de
iluminación y la nueva maquinaria escénica.

El gran referente es José Zorrilla, popularmente conocido por ser el autor de la

obra Don Juan Tenorio. En esta trama, la figura del burlador es acogida por Zorrilla,
con gran libertad y en su apasionado romanticismo procura que el seductor sea
redimido por el amor.

Esta obra de teatro posee tanto carisma, encanto y fuerza que desde su estreno hasta
nuestros días, nunca ha dejado de interpretarse. Incluso actualmente se realizan
versiones en teatro musical con una escenografía espectacular.

Teatro Burgués

Como hemos podido ver, durante el primer cuarto del siglo XIX, tanto el romanticismo
como el melodrama solían agregar un cierto aire exótico, abarcando hechos
extraordinarios o históricos a la vez que simplificaban o idealizaban la elaboración del
personaje.

No obstante, en Inglaterra alrededor del año 1930, los elementos estilísticos y las
características ambas géneros teatrales antes mencionados iniciaron a plasmar la vida
diaria y las cuestiones cotidianas del momento: el teatro burgués.

En poco tiempo se pasó de la emoción y el espectáculo a la representación de

las situaciones diarias del hogar. Lógicamente, este tipo de cambios precisaban
tener que adoptar nuevas técnicas para realizar la puesta en escena. Precisamente
éstas serían las que facilitarían la evolución hacia la escenografía moderna.

Como las obras teatrales representaban la vida del hogar, se modificó el escenario
con un concepto de caja. Un entorno formado por tres paredes, y el espacio donde
faltaba la cuarta era el que estaba enfrente del público, para que este tuviera
constantemente una sensación de total inmersión en la escena. Además, el atrezzo,
mobiliario tridimensional y los accesorios en general, sustituían ahora a los decorados
utilizados con anterioridad.

De este modo, los decorados ya no eran algo plano en el fondo de la escena. Los
actores interactuaban con él y actuaban como si no fuesen observados por los
espectadores. De hecho se les indicaba que debían ignorar su presencia.

En el teatro burgués los actores ya no adoptaban una pose irreal y recitaban versos.
En su lugar se construían escenas y actitudes realistas, perfectamente identificables
por la audiencia.

Del mismo modo, los autores de las obras utilizaban cada vez más giros y expresiones
empleadas en la cotidianidad de las personas. También se fueron empleando
decorados y vestuarios más realistas y cercanos a la vida del público.

Asimismo, se produjo un cambio importante en la forma de trabajar de los actores. Si

bien antes eran parte de una compañía teatral e interpretaban decenas de obras
durante una temporada, ahora eran contratados para representar una única obra
durante el tiempo que estuviera en cartel.

Como dato curioso, en los principales teatros de París, a finales del siglo XIX, se instaló
un invento revolucionario para la época: el teatrófono. Un precursor y prototipo del
teléfono. Este mecanismo, permitía a las personas poder escuchar el teatro o la ópera
desde sus casas.

Teatro de Melodrama

Las circunstancias que propiciaron el nacimiento del romanticismo también fueron las
que, junto a otros elementos populares, hicieron posible la creación del teatro de
Melodrama. Sin duda alguna, el género dramático por excelencia y más enraizado en
el siglo XIX.

La figura del melodrama, como elemento literario, con mucha frecuencia ha sido
ridiculizado o incluso menospreciado. Muchos críticos teatrales lo ignoran debido a que
aporta elementos poco ortodoxos para ellos, como por ejemplo: damiselas en peligro
atadas a unas vías de tren o indecorosos villanos que se acicalan constantemente el
bigote.

Naturalismo y Crítica Social

El interés por los verdaderos problemas de la sociedad, las incitaciones

psicológicas de los protagonistas, propició que a mediados del siglo XIX, apareciese
el naturismo en el teatro.

Tomando como referencia a los conocimientos científicos, los naturalistas pensaban

que el principal objetivo de este arte, al igual que el de la ciencia, tenía que ser el de
ayudarnos a tener una vida mejor. Los actores y dramaturgos retrataban el mundo
real tras observarlo, al igual que hacen los científicos.

La aparición en el teatro de la figura del director teatral moderno, tiene en gran

medida como responsable el naturalismo. Si bien es cierto que durante mucho tiempo
a lo largo de la historia la organización y producción de una obra de teatro era la
responsabilidad de una persona, la existencia de un director que aplica su propio estilo,
adecua el texto e interviene en el diseño y elección del vestuario y decorados, aparece
por primera vez en el naturalismo.

Realismo Psicológico

De la misma manera que el teatro empezó a evolucionar hacia realismo, en el afán de

mostrar a realidad del mundo, se comenzó a introducir en los aspectos
psicológicos de los personajes. Los primeros directores que comenzaron este tipo
de género lo hicieron durante el siglo XIX.

Los autores del teatro de realismo psicológico de finales del XIX, comenzaron a

crean personajes complejos que vivían circunstancias, situaciones y experiencias
reales.

Las obras de este tipo de teatro plasman los problemas sociales como la inutilidad del
matrimonio como institución social y religiosa, los derechos de la mujer o los
problemas derivados de las enfermedades hereditarias.
El dramaturgo sueco August Strindberg y el autor noruego Henrik Ibsen, son los
exponentes más importantes dentro de este estilo. Muchos expertos los consideran
como los verdaderos fundadores del teatro moderno.

Teatro contemporáneo
Se puede afirmar sin miedo a equivocarse, que a partir del teatro renacentista, el
teatro contemporáneo ha procurado esforzarse para alcanzar un total realismo. De
forma paradójica, una vez que lo consiguió a finales del siglo XIX, emergió un
movimiento anti realista que en este arte escénico.

Principalmente en los EE.UU., el teatro realista ha seguido adelante, sobre todo en el

aspecto comercial. No obstante, parece ser que el objetivo era conseguir un realismo
psicológico. Pero para ello se utilizaban elementos escénicos y dramáticos muy poco
reales.

Se crearon obras fundamentadas en personajes simbólicos, sueños, en la memoria

humana e incluso proyecciones. Se añadieron poemas en forma de diálogo y con el
objetivo de endulzar el crudo realismo, se cuidaba hasta el extremo los sonidos y las
notas musicales.

Cabe recordar que el teatro es un todo que no podemos dividir. Se distinguen en él

tres componentes elementales, como son:

1. La dirección.
2. La actuación.
3. El texto.

A todos estos elementos se han de sumar también otros componentes como el

maquillaje, el decorado y el vestuario.

Recuerda que a las personas que escriben las obras de teatro se le denomina
dramaturgos. Pero también este término se emplea para el escritor de teatro
dramático o de dramas en general.

Teatro simbolista

Durante el siglo XIX, también emergió una corriente simbolista. Los afines a este
movimiento, los simbolistas, pretendían conseguir la «desteatralización» del teatro.
Esto es, eliminar todos los avances escénicos y tecnológicos y substituirlos por una
espiritualidad proveniente de la interpretación y del texto.
En este género de teatro, los textos estaban dotados de una simbología bastante
compleja de interpretar por parte de los actores. Por norma general, el ritmo de estas
obras era bastante lento, buscando el mismo tempo que se puede tener en un sueño.

Teatro expresionista

Los primeros 20 años del siglo XX, fueron en los que el teatro expresionista tuvo su
mayor apogeo, sobre todo en Alemania. Esta modalidad pretendía profundizar en los
aspectos más grotescos y violentos de la psique humana.

Para ello se solía crear una escenografía que emulase el mismo ambiente que se puede
encontrar en una pesadilla. El empleo de sombras y luces, la exageración y la
distorsión, son las principales características, a nivel escénico, del teatro de
expresionismo.

Teatro del Absurdo

El teatro del Absurdo surge justo después de la segunda guerra mundial. Su principal
génesis proviene del absurdo y sinsentido de un mundo desilusionado,
desesperanzado y destruido.

Aquello que no tiene ningún tipo de lógica, lo absurdo, aquello que no tiene ningún
parecido o relación con un contexto escénico o texto dramático convencional… esto es
lo que caracteriza a este teatro. La existencia misma de los personajes carece de
sentido alguno, por lo que no hay caracteres ni acción consecuente.
Teatro Musical

Los musicales aparecieron en la década de los años veinte del siglo XX. Una
amalgama de bailes, canciones, diálogos y pequeñas piezas cómicas versionando
incluso historias que originalmente eran dramáticas.

Un grupo teatral a cargo de Oscar Hammerstein II y Richard Rodgers actualizó y

perfeccionó el género musical en los años 40. Pero en la década de los 60 este
espectáculo dejó las raíces del musical para convertirse en algo más sombrío y serio.

No obstante, a finales de los 70, seguramente debido a la crispación por la situación

política y económica general, retornaron los musicales para que la gente pudiera
evadirse de sus problemas. La mayoría de ellos eran reposiciones, pero con alto
presupuesto, por lo que el lujo y el exceso estaban muy presentes.

Como dato un tanto curioso, debes saber que incluso alguna de estas obras de teatro
musical eran retransmitidas por radio. Esto es debido a que eran del gusto del gran
público por sus letras y canciones animadas.

Qué es un teatro (edificio)

El edificio de un teatro es, por norma general, una construcción majestuosa, que se
construyó para albergar las representaciones de espectáculos teatrales.

Si bien es cierto que no siempre es necesario un edificio para realizar representaciones

de teatro, la arquitectura para estas funciones es necesaria para la organización de los
lugares de interpretación, público y todo el elenco de equipos técnicos, de vestuario e
iluminación.

Vamos a ver las diferentes partes de un teatro:

Partes de un teatro
Dentro de un teatro se pueden encontrar dos grupos de espacios o instalaciones.
Los espacios teatrales que están destinados al desarrollo en sí de la obra teatral, y
los espacios para el público, que son los destinados a satisfacer sus necesidades y
ubicación. Vamos a verlos con más detalle:

Espacios teatrales
Son las partes del edificio que son necesarias para el correcto desarrollo de una obra o
representación teatral:
Escenario

La parte que está acondicionada a la propia representación se denomina escenario,

espacio escénico o escena.

En un teatro típico Italiano, el escenario está ubicado en un plano más elevado justo
enfrente de los espectadores. Esta disposición, heredada del siglo XVIII, es la típica en
la mayoría de los teatros de occidente.

Dicha distribución está formada por del escenario propiamente dicho, que está
separado de las gradas del público un marco denominado boca del escenario o arco
de prosceni.

Para cubrirlo y ocultar al espectador lo que está sucediendo en él se emplea el telón

de boca, normalmente de color rojo y elaborado con una tipo de tejido denso y
pesado, con algo de brillo y aspecto aterciopelado. En algunos teatros existe delante
de este telón uno menor denominado “corbata” o proscenio.

Los teatros suelen tener entre la primera fila de asientos y el proscenio lo que se
denomina foso. Aquí es donde se alojan o ubican los miembros de la orquesta y sus
instrumentos musicales.

Ocultos al campo visual de los espectadores gracias a las bambalinas, en un escenario

al estilo italiano, se encuentran los “hombros”. Son una prolongación lateral del
escenario por donde salen y entran los actores a escena y algunos elementos del
decorado esperan para que sean utilizados cuando sea necesario.

El escenario hospeda las varas, que son unas estructuras metálicas que aguantan los
dispositivos de decorado e iluminación. Mediante las varas estos elementos puede
moverse y subir y bajar accionados por motores.

Del mismo modo, las varas cuelgan de lo que se denomina peine. Una especie de
estructura metálica que clausura por la parte superior la caja escénica. Ésta puede
llegar a tener una altura de más de 40 metros.

Algunos elementos del decorado se incorporan al escenario desde debajo del mismo
mediante unas trampillas o escotillones. Este espacio que existe debajo del suelo
del escenario se le conoce como foso. En algunos montajes teatrales modernos,
incluso algunos actores acceden a escena por dichas trampillas.

Qué duda cabe que durante el transcurso del siglo XX, la evolución de las artes
teatrales ha producido el replanteamiento del espacio escénico como tal. Se ha tenido
que adaptar a las técnicas interpretativas más modernas con el fin de facilitar la
interacción entre público y actores, haciéndoles estar más próximos entre sí.

Huyendo del concepto de escenario tradicional o proscenio, ahora se prefiere

denominar espacio escénico, una definición de teatro más amplia y flexible. La
ubicación del escenario en formato «en arena» hace que la escena esté situada en
pleno centro de la sala. En un plano un poco más bajo que el público y rodeado del
mismo en gradas escalonadas para tener una perfecta visión.

Existen diferente variantes, puede ser de forma rectangular, cuadrada o circular, como
la que se utiliza en los circos. Otra fórmula que se utiliza bastante es la
denominada escenario en forma de corbata. Dónde el público rodean tres partes
del espacio escénico, dejando la cuarta parte, en forma de pasillo, para la entrada y
salida de los actores.

Aunque sí bien es cierto que estas distribuciones facilitan que el espectador tenga un
completa visión del espectáculo, la escenografía y decorados quedan algo más
limitados.

Sala de ensayo

Es una amplia sala, normalmente diáfana, destinada a realizar ensayos de la obra

teatral. No todo los teatros disponen de ella, ya que si el teatro no es de grandes
dimensiones, es bastante complejo destinar un espacio tan amplio para la sala de
ensayo. En estos caso no queda otra opción que realizar los ensayos en el escenario
principal.

Camerinos

Son una especie de habitaciones donde los actores o artistas se preparan antes de salir
a actuar, se visten y desvisten o descansan. Existen camerinos individuales
(normalmente destinado para los actores principales) y para dos, tres o más personas
(normalmente destinados para actores secundarios o con pequeños papeles).

En los teatros pequeños, no hay otra opción que peinar y maquillar a los actores en los
camerinos. En los teatros de mayor tamaño, normalmente existen unas salas
destinadas específicamente a estas labores, que son realizadas por personal destinado
a ello, como lo son los peluqueros o maquilladores.

Secciones técnicas y talleres

Un teatro cuenta con una gran cantidad de elementos técnicos imprescindibles para el
correcto funcionamiento. Instalaciones y elementos eléctricos, maquinaria diversa,
sastrería, maquillaje, decorados, utilería, peluquería, iluminación, audiovisual, sonido…
tienen que tener una salas destinadas para su almacenaje y su gestión de todo este
material.

Del mismo modo, en algunos teatros el vestuarios, el atrezzo y sobre todo los
decorados se fabrican y/o montan in situ. Por lo tanto necesitan tener unos talleres
equipados y acondicionados para estas labores.

Oficinas

Aunque piensen que es una cuestión menor, un teatro precisa disponer de oficinas
para la correcta gestión del mismo. La producción de obras en un teatro comporta
tener departamentos de gerencia, marketing, administración, limpieza, comunicación,
nóminas, taquilla, dirección artística o gestión técnica.

En algunos teatros con mucha enjundia y prestigio, existe también actividades

destinadas a la formación de actores o personal indirecto del teatro. Del mismo modo
también organizan actividades para el público o incluso pedagógicas para adultos y
también para niños.

Espacios destinados al público

Estos espacios son los imprescindibles para poder atender y acomodar al público que
acude al teatro a disfrutar de las representaciones teatrales. Las principales son:
Sala

En la clásica distribución al estilo italiano, la sala donde están instalados los asientos
para el público y que se haya enfrente del escenario, suele ser en forma semicircular o
de herradura.

La parte más baja, que suele ser la más amplia, recibe el nombre de patio de
butacas o platea. Los asientos se distribuyen en filas, y normalmente, separadas
mediante un pasillo central y dos laterales.

En la gran mayoría de los teatros antiguos, el suelo o piso de la platea cuenta con una
ligera inclinación para garantizar una mínima correcta visión del escenario. En cambio,
en los teatros más modernos, la platea o patio de butacas tienen una inclinación mayor
o las filas de butacas están instaladas como las gradas de un estadio. Esto permite
absolutamente a todos los espectadores tener una total y completa visión del
escenario, incluso desde las filas más lejanas. Algo que el espectador realmente
agradece.

Para un total aprovechamiento de todo el espacio disponible, en las paredes de la sala

se ubican en varias plantas y sobre la platea una dos estructuras en forma de voladizo.
Las zonas laterales se destinan a balcones o palcos. La parte más elevada del teatro
es la más económica, ya que es la de menor visibilidad. Tradicionalmente se le
llama gallinero.
En resumen y ordenado de menos a mayor precio de la entrada, la estructura típica de
un teatro es:

1. Anfiteatro (en las plantas superiores).

2. Palcos (ubicados en la entreplanta).
3. Platea (situada en planta baja).

Foyer

Hace la función de vestíbulo del teatro. Está destinado para que el público pueda
esperar en los descansos que se realizan los entre actos. En los grandes teatros,
también se conoce con este nombre a los pasillos que rodean la sala. En algunos
teatros, junto al foyer se encuentra el ambigú que explicaremos a continuación.

Ambigú

Forma antigua para denominar el espacio donde se ubica la cafetería, bar o

restaurante del teatro. En los últimos tiempo, con la intención de conseguir el máximo
aprovechamiento del espacio, el ambigú se ha remplazado por una sencilla barra
dentro del vestíbulo o foyer, donde se venden refrescos, palomitas de maíz o pequeños
tentempiés.

Taquilla

Para la venta directa de las entradas del espectáculo tenemos las taquillas del teatro.
Son perfectamente reconocibles ya que son unos pequeños habitáculos con una
ventanilla que da al vestíbulo de la entrada o directamente a la calle. En función del
tamaño del teatro, podremos encontrar una, dos o más taquillas.

Guardarropa

La gran mayoría de los teatros disponen de un servicio de guardarropa para el público.

Puede ser gratuito o de pago. Es un habitáculo provisto de un mostrador y gestionado
por el personal del teatro que se emplea para que los espectadores que asisten a ver la
obra de teatro puedan dejar el abrigo, bolsos, paraguas o algún otro objeto
voluminoso.

Para finalizar, te dejamos este breve audio para que conozcas el origen de las
supersticiones del teatro: