Burkholder-Palisca-Grout. “Historia de la música occidental”.

CAPITULO 18: “La primera mitad del siglo XVIII en

Italia y Francia”.

Pablo Rodriguez

PEM III - TM

1- El contexto del siglo XVIII. Límites al poder francés. ILUSTRACION. El crecimiento urbano y el auge de la
burguesía.

Contexto del siglo XVIII:

- Emerge un equilibrio de poder en Europa entre varios estados fuertemente centralizados, apoyado cada uno
por un ejército profesional y una burocracia gubernamental.
- Francia posee el mayor ejército y Luis XIV gastó grandes cantidades de las arcas públicas en guerras en el
extranjero y en espectáculos en el palacio.
- Se forma Gran Bretaña de la unión de Inglaterra y Escocia en 1707. Posee la armada más poderosa y la utilizó
para arrebatar a Francia la India, Canadá y varias islas del Caribe durante la Guerra de los Siete Años
- Prusia se convirtió en reino en 1701 y desarrolló uno de los ejércitos más grandes y mejor entrenados del
continente.
- Polonia cayó víctima de los estados centralizados que la circundaban, y su territorio fue repartid entre Prusia,
Rusia y Austria, borrándola del mapa durante más de un siglo.
- Revolución Norteamericana (1775-1783).
- Revolución Francesa (1789).
- Aumento de la población europea después de 1750 gracias a las mejoras en los métodos agrícolas como la
rotación de cultivos, los abonos intensivos, y nuevos cultivos como la patata.
- Creciente urbanización en el continente europeo.
- Se fundan muchas escuelas nuevas, tanto para la elite gubernamental como para las clases medias.
- Aumento del % de población alfabetizada, o cual intensifico el consumo de libros.
- Aumento del interés por el conocimiento, lo que lleva a pensadores como Voltaire a intentar analizar asuntos
sociales y políticos por medio de la razón y de la ciencia, generando el movimiento intelectual conocido como
Ilustración.
- En Londres, Paris y en otras grandes ciudades, aumenta la demanda de la clase media por música nueva, lo que
llevo a las cambiantes modas en el estilo musical.

2- Los conciertos de Vivaldi. Comentar las características y estructuras de los conciertas vivaldianos. La forma
ritornello, describirla. La proyección a futuro y la influencia de Vivaldi.

Características de los conciertos de Vivaldi:

- Frescura en la melodía
- Brío en el ritmo
- Hábil tratamiento del color del solista y de la orquesta
- Claridad en la forma.
- Intérpretes de muy alto nivel.
- Combinación de elementos básicos.
- Diferentes agrupamientos de los instrumentos solistas y orquestales.

Estructura:

Utilizaba 3 movimientos:

Rápido

Lento: en la misma tonalidad o estrechamente relacionada.

 Rápido: final en la tónica, a menudo más breve y vivaz que el primero.

Forma ritornello: consiste menos en un molde formal que en un procedimiento o conjunto de pautas que
permiten grandes posibilidades de variación:

- Los ritornelos de la orquesta completa alternan con episodios del solista o de los solistas.
- El ritornello inicial está compuesto de varias unidades pequeñas, por lo general de una longitud de dos a cuatro
compases, alguna de las cuales pueden repetirse o variarse. Estos segmentos pueden separarse uno del otro o
combinarse de nuevas maneras sin perder su identidad como ritornello.
- Las posteriores apariciones del ritornello son generalmente parciales, comprendiendo únicamente una o más de
las unidades, en ocasiones variadas.
- Los ritornelos son postes indicadores dentro de la estructura tonal de la música que confirman las tonalidades a
las que la música modula. Las apariciones primera y última están en la tónica; por lo menos una (de ordinario la
primera en una tonalidad nueva) está en la dominante; las otras pueden estar en tonalidades próximas
relacionadas.
- Los episodios solistas se caracterizan por el virtuosismo y la interpretación idiomática; en ocasiones repiten o
varían elementos del ritornello, aunque a menudo exponen escalas, arpegios u otras figuraciones. Muchos
episodios modulan a una tonalidad nueva, que se ve confirmada por el siguiente ritornello. Algunas veces el
solista interrumpe o toca alguna parte del ritornello concluyente.

3- LA MUSICA EN FRANCIA: la síntesis de los estilos italiano y francés. Compositores más importantes.

Francia sólo tenía un centro cultural a comparación de Italia: Paris. Los músicos de las provincias soñaban con hacer
carrera en Paris, donde mecenas, editores y un público entusiasta esperaban oír y ver la música más reciente. Solo
allí podía un compositor cosechar un gran éxito y conseguir una reputación a escala nacional. Paris era la sede de las
más prestigiosas organizaciones de conciertos, como el Concert Spirituel, una serie de conciertos públicos fundada
en 1725. Una serie amplia de mecenas e instituciones apoyaban a músicos y compositores.

Durante e siglo XVII, la música italiana era considerada en Francia una influencia extranjera, aceptada por unos y
rechazada por otros. La música italiana más reciente podía oírse en parís, en particular las sonatas y conciertos de
Corelli, Vivaldi y de otros compositores, mientras se discutía constantemente en salones y publicaciones sobre los
meritos relativos a los estilos francés e italiano. Varios compositores comenzaron a fusionar ambos estilos de
diferentes maneras dando origen a lo que era considerado como un estilo superior. Algunos compositores
importantes fueron Louis Nicolas Clérambault, Jean-Marie Leclair, Francois Couperin.

4- La teoría armónica de J.P. Rameau. Nombrar los aportes más importantes formuladas en su tratado.

Aportes más importantes en su tratado:

- Consideró la tríada y el acorde de séptima los elementos primordiales de la música y derivó ambos de las
consonancias naturales de la quinta justa, la tercera mayor y a tercera menor.
- Cada acorde posee un tono fundamental.
- Afirmó que un acorde mantiene su identidad a través de todas sus inversiones.
- La armonía de un pasaje se define por la progresión de las fundamentales y no por la nota más grave que esté
sonando en ese momento.
- Los acordes de séptima originaban disonancia, y las tríadas, consonancia.
- Acuñó los términos de tónica, dominante y subdominante. Estableció estos tres acordes como los pilares de la
tonalidad y relacionó otros acordes con éstos, formulando las jerarquías de la tonalidad funcional.
- Reconoció que una pieza podía cambiar de tonalidad, proceso denominado modulación, pero consideró que
cada pieza tenía una tónica principal respecto de la cual otras tonalidades eran secundarias.

5- ¿Qué fue la QUERELLA DE LOS BUFONES”?

La Querella de los bufones fue la lucha entre críticos acerca de los méritos relativos a la música francesa e italiana
durante la década de 1750

Burkholder-Palisca-Grout. “Historia de la música occidental”. CAPITULO 19: “Compositores alemanes del

Barroco tardìo”.

1- Las cantatas de J.S. BACH. Carácterísticas e innovaciones. Otra música sacra.

Características:

- Fines religiosos, tanto católicos como protestantes.

- Parte coral muy consistente destinadas a ser cantadas por los feligreses.
- Coro inicial en que las sopranos iniciaban el tema musical seguido por otras voces.
- Se sucedía por medio de arias con recitativos cortos, a veces con instrumentos solistas que tocaban la melodía
preparada para la voz.
- Bach pedía: doce cantantes para cada uno de los tres primeros coros, que cantaban la música polifónica, y ocho
para el cuarto coro, que entonaba únicamente cantos monódicos.
- Para las cantatas especificó un solista y dos o tres ripienistas para cada voz del coro.
- Los solistas cantaban los movimientos para solista y a ellos se unían los ripienistas en los movimientos corales.
- A veces podía arreglarse con solamente cuatro u ocho cantantes en total.
- La orquesta que acompañaba la cantata incluía cuerdas y bajo continuo, dos o tres oboes y uno o dos fagotes,
en ocasiones acompañados por flautas o por trompetas y timbales.

La música sacra de Bach no se limitó a las cantatas, pues incluía también motetes, Pasiones y música para los oficios
latinos. Las obras más importantes son sus pasiones y la Misa en Si menor.

Bach escribió dos Pasiones que se han conservado y en las que se narra la historia de la crucifixión de Jesús,
para su interpretación en las Vísperas de Viernes Santo, en Leipzig. Tanto la Pasión según san juan como la Pasión
según san Mateo, emplean recitativos, arias, conjuntos, coros, corales cantadas por el coro y acompañamiento
orquestal. Este tipo de composición de la cantata y del oratorio había sustituido al antiguo modelo utilizado por
Schütz y otros compositores, quienes combinaban la narración en canto llano con la polifonía. En ambas Pasiones,
un tenor narra la historia bíblica en recitativo, los solistas interpretan las voces de Jesús y de los otros personajes y
el coro canta las palabras de los discípulos, las turbas y otros grupos. En otros momentos, el coro comenta los
acontecimientos, como si se tratase del coro de un drama griego. Los recitativos, ariosos y arias interpolados sirven
a un propósito similar, reflexionan sobre la historia y ponen en relación su significado con el creyente individual.

2- G.F. Händel, los oratorios como nuevo género. Describir sus características.
- Oratorios ingleses.
- Consistía esencialmente en una ópera sobre un asunto sacro, presentada en concierto y por lo general en un
edificio religioso en lugar de un escenario.
- Conservó aspectos de la tradición italiana.
- Compuso diálogos en recitativo y los versos líricos como arias.
- Las arias se asemejan a sus arias de ópera en la forma, el estilo, la naturaleza de las ideas musicales y las
técnicas utilizadas para la expresión de los afectos.
- Introdujo, junto a sus libretistas, elementos extraños a la ópera italiana, tomados del drama clásico francés, de
la antigua tragedia griega, de la Pasión alemana y en particular de la mascarada y del full anthem inglés.
- Introdujo el uso del coro.
- En sus coros actuó como un dramaturgo, como un maestro de los efectos.
- No eran música sacra, sino que estaban pensados para la sala de conciertos y se encontraban mucho más cerca
de la interpretación teatral que de los oficios eclesiásticos.
 3- Comentar el legado de los músicos alemanes del siglo XVIII.

Siendo el siglo XVIII de constantes cambios en la música, la obra de Bach quedó relegada al pasado. Sus hijos
recorrieron sus propias sendas y, durante un tiempo, su fama eclipsó la del padre. Sin embargo, su música fue
siempre conocida en el núcleo de músicos y entendidos. En el siglo XIX se inició un descubrimiento más completo de
Bach con la publicación de una biografía por parte de Johann Nikolaus Forkel, en 1802. En parte por motivos
nacionalistas, los músicos alemanes promocionaron la imagen de Bach. El redescubrimiento de la Pasion según san
Mateo por el compositor y director Carl Friedrich Zelter y su interpretación en Berlin bajo la dirección de Felix
Mendelsshon en 1829 contribuyo enormemente a estimular el interés por la música de Bach. La Bach-Gesellschaft
(Sociedad Bach), fundada por Robert Schumann y otras personas en 1850 para celebrar el centenario de su muerte,
publico una edición recopilatorio de las obras de Bach, completada en 1900. En la segunda mitad del siglo XIX, Bach
había alcanzado ya un estatus de semidiós y su reputación desde entonces no ha dejado de crecer. Su música se
encuentra ahora en todas partes y es estudiada por todo estudiante de música occidental. Cuando en los Voyager 1 y
2 se colocaron veintisiete obras de música grabada que representase a los pueblos del mundo, los primeros ocho
procedían de la música clásica europea y tres de ellas eran de Bach. Compositores como Mozart, Mendelssohn,
Schumann y Brahms emularon a Bach, quien ha ejercido una influencia permanente sobre compositores modernos
tan distintos como Schönberg y Ives, Bartók y Strawinsky, Villa-Lobos y Webern.

A diferencia de Bach, Händel nunca fue olvidado. Algunos de sus oratorios han sido interpretados sin
interrupción desde que fueron escritos. Su música fue identificada de tal modo con la realeza inglesa que veinticinco
años después de la muerte del compositor, el rey Jorge III patrocinó en 1784 un gran festival Händel, haciendo uso
de la estima del público por Händel para reconstruir la reputación del rey tras las desagradables experiencias en las
colonias americanas. En la segunda mitad del siglo XVIII y en el siglo XIX, las sociedades corales de aficionados se
extendieron por toda la Europa de habla inglesa y alemana, y os oratorios de Händel se convirtieron en el núcleo de
su repertorio. A través de esta evolución, Händel pasó a ser el primer compositor clásico, el primero en alcanzar un
lugar permanente en el repertorio interpretativo. Sus otras músicas cayeron por un tiempo en el olvido, aunque más
tarde fueron redescubiertas; sus suites orquestales y conciertos obtuvieron una amplia popularidad y sus obras en
otros géneros han sido objeto de frecuentes interpretaciones. Por último, las óperas de Händel están suscitando
ahora la atención que merecen. Para muchos oyentes de hoy, Bach y Händel personifican por si mismos el Barroco.