En medio de una crisis revolucionaria en Alemania, eres plantarse al objetos abstractos o

casuales aquellos. Atacaran al expresionismo abstracto, e intentarán construir una vía más
pedagógica de la actividad dadá, basada en la utilización de nuevos materiales y disciplinas
diferentes como el fotomontaje o el fotocollage.
De stijl y el neoplasticismo
El grupo holandés De Stijl el estilo fundado en 1917 plantea un problema. El procedimiento
utilizado consistía en estudiar las posibilidades combinatorias de líneas rectas y colores puros.
Tuvo una enorme influencia por los constructivistas soviéticos y por los artistas de las Bauhaus,
y también algunos dadaístas. Los protagonistas De Stijl fueron pintores y arquitectos como
Theo van Doesburg, Piet Mondrian, Pieter Oun, Georges Vantongerloo, Gerrit Rietveld. El
grupo editará una revista del mismo nombre y en sus páginas aparecerán los supuestos
teóricos que defendían aunque no todos tenían el mismo interés. Las consecuencias de un arte
puro ante la negación de la historia constituyen las bases para iniciar una producción cuyo fin
era conseguir el equilibrio entre lo universal y lo individual del arte.
Enfrentados con el expresionismo y el naturalismo aceptaron algunas consecuencias del
cubismo, la descomposición de los volúmenes en planos, pero negaron cualquier evidencia del
espacio tridimensional. El espacio bidimensional de la pintura y del cuadro eran la misma cosa;
como objetivo final era el compromiso de la investigación formal con la ciudad y con
arquitectura.
Para ellos la pintura separada de la arquitectura no tenía justificación, se trataba de encontrar
la armonía, el equilibrio de las tensiones por las combinaciones de los elementos primarios de
expresión. Desde esta perspectiva las asimétricas geométricas, las diferencias en la percepción
de los colores puros y el entramado de líneas negras debían aspirar al resultado plano
abstracto.
Ejemplo de la arquitectura neoplástica en la Casa Schroder, construido por Rietveld en 1924 en
Utrecht.

Van Doesburg a mediados de la década de los años 20, plantea una nueva postura frente al
dogmatismo del Neoplana, pura, tiene espacio y no fotografiable. Última consecuencia de esta
abstracción pospictórica centrada en las relaciones entre el formato de lienzo, su superficie y el
color, sería la exploración de formatos no rectangulares para el cuadro.
El expresionismo abstracto tuvo una gran importancia en Estados Unidos aparecen diferentes
tendencias en esa misma línea de autonomía de la pintura y del gesto. Esta nueva atracción
recibe el nombre de informalismo por un lado marcando en los colores utilizados, y otras por
una apasionada defensa del gesto y la acción sobre el empleo de la materia introduciendo
contenidos simbólicos y críticos.
Pintores de la valoración gestual de la pintura: Hans Hartung, el grupo Cobra, Emilio Vedova y
en España el grupo El Paso.

El futurismo y la pintura metafísica

En Italia se desarrolló este movimiento por el poeta italiano Marinetti. Interés por dotar a sus
figuras de movimiento la fuerza para representarlas con varias cabezas. El autor más
representativo del futurismo es Giacomo Balla cuenta con un figura en la pintura metafísica
Giorgio de Chirico
Giorgio de chirico (1880-1978)
De Chirico solía colocar en el centro de las plazas estatuas que proyectaban enormes sombras.
Su obra transmite calma, soledad y nos sitúa fuera del tiempo real. También representó figuras
de maniquíes a modo de muñeco de madera. Sus obras principales son Héctor y Andrómaca y
el mal genio de un rey.

Surrealismo
Nace 1925 determinada pintura por el inconsciente. Se hallan dos corrientes el surrealismo
abstracto y el surrealismo figurativo.
Joan Miró (1903-1983)
El representante de la primera corriente. Admisión se transforma en formas naturales. La
utilización de colores vivos y luminosos llenos de ingenuidad infantil. Los elementos que utilizan
son el punto, la línea y la estrella. Sus principales actividades son el carnaval del arlequín y la
masía.
Salvador Dalí (1904-1989)
Formó parte del grupo surrealista figurativo a partir de 1929. Sus formas crean una atmósfera
onírica y delirante, su color es brillante y luminoso, representa objetos con un realismo casi
fotográfico. Principales obras: persistencia de la memoria, la metamorfosis de narciso y los
relojes.

La abstracción
Sus representaciones se basan en formas llenas de color que no tienen que ver con la realidad.
Son ausentes de figuras humanas, paisajes y todo elemento convencional; solo se representa
combinaciones de colores qué expresan un en lenguaje sin formas. Aparecen en esta figura
Kandinsky y Paul Klee.
Paul klee (1879-1940)
Junto con Kandinsky, Fieninger y Jawlensky formaron un grupo llamado El jinete azul. Su
pintura se encuentra entre el arte abstracto y el figurativo. Presentó a sus obras; utilizó el color
de manera libre siguiendo los impulsos de la creación. Principales obras Scenio, obra qué
combina formas geométricas con manchas de color y El jardín mágico.

Pop art
Se desarrolló en los años sesenta y representó el lenguaje de la sociedad de consumo,
denominación es abreviatura del llamado Arte Popular. Inicialmente se utilizaron imágenes
conocidas con el fin de mostrar una postura crítica hacia la sociedad de consumo. Los
principales representantes fueron Hamilton, los americanos Andy Warhol, Jasper John y Roy
Lichtenstein.

Andy Warhol (1929-1987)

Reproduce imágenes de productos de consumo. El arte como medio de expresión de la
sociedad de consumo, juega con las imágenes más populares y cotidianas de nuestro tiempo.
Principales obras: Lata de Sopa Campbell, botella de Coca cola y Marilyn Monroe.

La abstracción en la escultura
A medida que avanzó el siglo 20 se dieron una serie de cambios en las artes plásticas:
● En las obras aparece un hueco. Como representante de esta tendencia Gargallo.
● Produce una deformación para buscar nuevas posibilidades. Práctica de Moore.
● La escultura se funde con el espacio. Representantes de los hermanos Pesner.
● La forma se convierte en atracción pura como el caso de Chillida.
● Representación del movimiento con las esculturas-máquina, practicado por Claes
Oldenburg.
Arquitectura
El racionalismo en arquitectura
En el siglo 20 aparece un nuevo concepto de arquitectura acorde a las necesidades de la
sociedad que fueron determinados por los cambios que produjo la revolución industrial.
Se relacionaba con una demanda de viviendas dignas por parte de la clase trabajadora.
El nacionalismo plantea la búsqueda de una arquitectura basada en la razón. Movimiento que
define las formas y volúmenes elementales como el cilindro, el cubo, el cono y esfera.
La arquitectura y las teorías de los dos primeros decenios del siglo 20, protorracionalistas
suponen una tendencia como distintos hábitos figurativos en los que los elementos
tradicionales.
Lo hacen de manera autónoma y paralela a las primeras formulaciones del racionalismo y del
funcionalismo.
En las obras de esta época encontramos referencias de la tradición y también tendencias
racionalistas proponen una reducción de la forma y de las tipologías arquitectónicas hasta la
configuración más de elemental y fácil de reproducir.
La arquitectura tenía que aceptar su propia tradición y a la vez proponer una geometrización
del diseño y del proyecto.
Los proyectos arquitectónicos de Muthesius tendencia a lo típico la tipificación rechaza todo lo
que es insólito busca lo común.
Los arquitectos protorracionalismo plantean que una alternativa diferente a las vanguardias
racionalistas. Las consecuencias del cubismo y del futurismo en arquitectura no habían sido
una aproximación efímera.
Las vanguardias radicales de los años 20 y el racionalismo partirán de nuevos supuestos.
Le Corbusier (1887-1965)
Teórico que cumplió con sus principios en cada una de sus obras los cinco principios
que rigen arquitectura son:
● Los edificios se levantan del suelo apoyándose sobre pilotes, el espacio entre el suelo y
el edificio se vuelve transitable.
● La cubierta del edificio se transformó en espacios habitables llamados techos-jardín.
Alojaban piscinas, canchas, entre otras.
● Los edificios cuentan con ventanas longitudinales de gran tamaño para una mejor
iluminación.
● Las plantas son libres en los diferentes pisos, pueden ser distribuidas en diferentes
formas con relación a otras.
● Las fachadas son libres sin ningún condicionamiento de los muros de carga.
Obra destacadas: Villa saboya, la unidad de habitación en Marsella.
La crisis del movimiento moderno fue a causa de los propios planteamientos y autocrítica de su
protagonista. Despoja su ideología y ante la imposibilidad de transformar la vida y la ciudad con
base de criterios de forma normativos, La vanguardia arquitectónica se presentaba vandalizada
en la vulgarización del estilo internacional o silenciosa y autográfica en la lucidez de alguno de
sus más importantes representantes.

La arquitectura posmoderna
Durante la década de 1980 se produjo un regreso a la arquitectura clásica. La arquitectura
posmoderna se divide en.
● Arquitectura irónica emplea los elementos clásicos con ironía y de manera inconexa.
● Arquitectura latente toma el clasicismo como sus principios de organización básico.
● Arquitectura fundamentalista toma el clasismo los elementos geométricos.
● Arquitectura canónica el arquitecto Ricardo Bofill ejemplo de esta tendencia en el se
desarrollará en el norteamérica y en Inglaterra.
● La arquitectura moderna propone el eclecticismo y el mantenimiento de los elementos
clásicos.

El término implica la idea de lucha, de combate, de un pequeño grupo qué se sitúa por delante.
La vanguardia artística se manifestó como una acción de grupo reducido, una élite que se
enfrentaba con violencia en situaciones establecidas y aceptadas por la mayoría.
La vanguardia artística presenta concomitancias con el vocabulario político, el activismo, la idea
de revolución artísticas y la aparición de un documento literario, el manifiesto. La aparición del
manifiesto comunista en 1848 surgieron en el campo artístico"manifiestos"amor declaración
pública de propósitos y programa de actuación con el mismo tono de los documentos públicos.
El arte antes de la primera Guerra mundial (1914-1918)
París continuó siendo el centro cultural. Desde 1900 hasta 1914 se producen etapas atrevidas
y fructíferas en el arte occidental, dentro de un ambiente de máximo progreso económico se
corta con lo establecido desde el siglo XV.
El punto de ruptura con el pasado es el primitivismo, algo que inició Paúl Gauguin a finales del
siglo XIX.
Los artistas son atraídos por lo no europeo, por las esculturas negras africanas y oceánicas
puras de no haber chocado con el convencionalismo occidentales. Lo que realmente valoran
los artistas del siglo XX el arte europeo había perdido su gran expresividad, su clara estructura
y su técnica simple.
Se rechazan ahora dos objetivos qué se habían nutrido desde el renacimiento: la fidelidad a la
naturaleza y la belleza ideal, la solución era regresar al principio a lo más antiguo para rescatar
lo auténtico lo no corrompido por el desarrollo industrial. Los cuatro movimientos qué se
desarrollan entre 1900 y 1914 son el expresionismo en versión francesa y alemana, el cubismo,
el fauvismo y el futurismo.
El arte entre guerras
Después de la primera guerra mundial. Aparece en el abstraccionismo, el funcionalismo
arquitectónico y el diseño industrial, conflicto como un desvío del camino de la razón, al que
hay que regresar. Aparece el dadaísmo, la pintura metafísica y el surrealismo, abogan por la
irracional como medio para enfrentarse a la sociedad que ha engendrado la guerra.
En el período de entreguerras París continúa como capital del arte, poco tiempo después de la
segunda mitad del siglo XX es derrocada por Nueva York con la primacía cultural en occidente
pasa de Europa a Norteamérica. Emigraron muchos científicos e intelectuales en los años 30 y
después en los 40.
El arte en la segunda posguerra
En 1945 en adelante influyeron en la evolución de las artes.
● Nueva York y París se constituyen como centro internacional y supremo del arte.
● El arte de posguerra género nuevas modas dieron origen a nuevas actitudes sociales.
● El público tuvo contacto con las producciones artísticas, a través de museos y galerías,
estatales y privadas.
● El arte se fue convirtiendo en un producto de consumo masivo.
● A nivel de la imagen, los nuevos movimientos artísticos que laboran la pauta y
soluciones estéticas desarrolladas por las vanguardias europeas entre 1905 y 1939.

Tras la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos se convirtió en el centro cultural más
importante del mundo occidental. Las dos vertientes artísticas que se fijaron durante la primera
mitad del siglo XX en Europa, se habían mostrado opuestas entre sí: los racional, tendiente a lo
formal y lo irracional proclive a lo expresivo. Una vez asumida en América serán compatibles
una gran variedad de nuevas propuestas. Por ejemplo el expresionismo abstracto y el pop art.