BLOQUE 3.

ARTE Y PODER: EL PROTAGONISMO DE LOS ESTAMENTOS

SOCIALES

3.1 El arte antes de la historia: primitivismo, magicismo, sacralidad

Arte prehistórico vs arte “primitivo” actual

Con el término “arte prehistórico” nos referimos al producido, fundamentalmente en

Europa, antes de la aparición de la escritura: es un concepto en revisión para poder
incluir otras realidades geográficas.

La historia no es sincrónica, y hasta la actualidad han substituido pueblos con

organizaciones sociales de tipo tribal y una baja industrialización que crean un tipo de
arte que se ha mantenido prácticamente inalterable desde hace milenios y hasta la
actualidad: arte primitivo.

El arte occidental llega un momento que se cansa tanto de la belleza que habla de las
máscaras como reducir a la simpleza el arte.

Los antropólogos han estudiado los pueblos primitivos actuales para intentar adivinar
las intenciones, significados y funciones del arte prehistórico, pero no son
absolutamente equivalentes.

Los artistas de diversos movimientos de vanguardias sienten un gran interés por las
manifestaciones artísticas “anticlásicas”: prehistóricas, primitivas o medievales, entre
otras.

Periodización y consideraciones generales

Las primeras manifestaciones artísticas aparecen en el Paleolítico. En esta etapa el

hombre vive de la caza y la recolección, y sus instrumentos están tallados en piedra y
hueso. Son depredadores y nomadas (arte mobiliar que se pueden llevar con ellos).

A lo largo del Neolítico se desarrolla la agricultura y surgen los primeros

asentamientos estables.

La edad de los metales implica una consolidación y crecimiento de los asentamientos

estables y la especialización de los trabajos (fusters, tejedores, ceramistas…).
Las primeras descubiertas de arte prehistórico. De Marcelino de Sautuola al “Mea
culpa de un escéptico” de Cartilhac.

Con piedras tallas hi hueso un rudimentario dibujo de la fauna que tenía alrededor.

Hasta que no se descubren las cuevas de Altamira aquellos restos de la prehistoria no

tenían mucha importancia.

Marcelino Sanz de Sautuola (Santander, 1831 – 1888)

“Breves apuntes sobre algunos objetos prehistóricos de la Provincia de

Santander”, 1880.

Da a conocer las pinturas de las cuevas de Altamira, encontradas casi casualmente

por su hija María el año anterior, las data en el Paleolítico superior en conexión con los
materiales de piedra y huesos encontrados en la misma cueva.

La publicación es recibida con escepticismo y se le acusa hasta de haber falsificado

las pinturas: los franceses son especialmente hostiles.

Los años posteriores, no obstante, serán ricos en hallazgos de arte prehistórico,

especialmente por parte de Henri Breuil, quien entre 1883 y 1901 encontraría las
pinturas de Figuier, La Mouthe i Pair-nonPair en el sur de Francia y presentaría el
resultado de sus investigaciones en 1902, en el Congreso de la Assotiation
Française pour l’Avancament des Sciences.

Será Breuil quien, en sus primeras décadas del siglo, establecerá las bases del
estudio del arte prehistórico, su datación, su estilo y su significado.

Émile Cartailhac, el principal cítrico de Sautuola, publicaría en el 1901:

2La grotte d’Altamira, Espagne. Mea culpa d’un sceptique”, en la revista
L’Anthropologie, donde reconoce su equivocación y prejuicios sobre el descubrimiento
de Sautuola.

En el 1906 Cartailhac y Breuil publicarían juntos la primera monografía sobre

Altamira: La Caverne d’Altamira à Santillane près Santander, Monaco.

Entre 1945 y 1960 se da un nuevo impulso a la investigación sobre el arte

prehistórico, gracias a numerosos hallazgos, se comienzan a replantear las teorías
enunciadas por la primera generación de prehistoriadores.
Algunas características del arte prehistórico

Escuela levantina en contra de la escuela franco-cantábrica

Las pinturas rupestres

Por arte parietal o pintura rupestre entendemos las pinturas hechas en las paredes
de cuevas o abrigos naturales.

Como pigmentos se utilizan manganeso, carbón, óxido de hierro, mezclados con

grasa animal, medula ósea o resinas vegetales.

La gama cromática está dominada por colores terrosos, rojizos, amarillosos

violetas…

Todo y que en época paleolítica se habla de escuela franco-cantábrica, y en esta

franja están las pinturas descubiertas primero y algunos de los conjuntos más
importantes, a lo largo del siglo XX se han descubierto conjuntos en el resto de la
Península Ibérica, en Extremadura, Aragón, Andalucía que llevan a replantearse las
primeras teorías.

Pigmentos de origen mineral y vegetal

Pigmentos rojos, marrones y amarillos: a partir de ocre (mineral de fango y oxido

férrico).

Pigmentos negros: con carbón vegetal.

Pigmentos bancos: con caolín y yeso.

Características formales de la pintura rupestre paleolítica

Los protagonistas son los animales: mamuts, caballos, cérvidos, representados de

forma naturalista.

La figura humana es escasa y está representada de forma esquemática y simbólica

(a veces mediante imprentas como manos.

No queda claro si se trata de escenas complejas o imágenes yuxtapuestas.

Hay interés por el verismo y el movimiento. Se aprovechan relieves naturales de las

rocas y se hace servir policromía.
Hay cierta preferencia por el tratamiento del perfil y la linealidad de las figuras.

Aspectos simbólicos

El significado es aún objeto de un encendido debate: Breuil estableció una teoría

mágico-religiosa que dominaría el estudio del arte prehistórico a lo largo de más de 50
años, defendiendo que estas pinturas tienen una función propiciatoria: están
relacionadas con rituales de caza y de fertilidad.

A finales del siglo XIX se habían desarrollado con fuerza las ideas de magia,
totemismo y mentalidad primitiva, debido al estudio de los pueblos arcaicos o
primitivos.

A partir de la comparación con pueblos africanos como los pigmeos o con tribus
australianas se llegaron a conclusiones no siempre encertadas o susceptibles de ser
probadas…

La teoría principal es que las cuevas serian santuarios donde se harían rituales
diversos, plasmados gráficamente en las pinturas y encaminados a asegurar la
pervivencia de la tribu:

- Su supervivencia “económica” gracias a la caza.

- Su continuidad grupal o “social” gracias a la fertilidad femenina.
-

Los animales heridos querrían propiciar la caza real de aquel animal.

Las hembras embarazadas querrían propiciar la conservación de la especie.

Las vulvas, podrían representar la fecundidad del grupo humano concreto, y por tanto
la continuidad de la tribu o grupo familiar.

Pero hay quien no ve vulvas, sino pezuñas de animales.

Los llamados “tectiformes”, elementos puramente simbólicos, de forma vagamente

triangular, como si se tratara de un tejado a dos besantes, podrían representar
cabañas o viviendas. Puede ser, en un sentido general, la morada de los antepasados
y el más allá.

Los hombres enmascarados, híbridos o “brujos”, hombres con atributos animales,

máscaras y pieles, podrían ser intermediarios entre los hombres, siempre a la
búsqueda de alimento, y las fuerzas misticas que gobiernan el mundo…

Las ultimas dataciones gracias al análisis de la desintegración del uranio ha permitido

concluir que algunas pinturas de manos podrían ser obras de neandertales, y no del
hombre moderno.

En espacios como La Pasiega, Maltravieso o Ardales, las dataciones pueden ser de

hasta 65.000 años de antigüedad.

Las manos son habituales en la pintura rupestre des del paleolítico hasta las
sociedades sedentarias, ganaderas y agrícolas.
Los significados son múltiples… y nada claros…

Los hombres paleolíticos habían descubierto el denominado efecto Venturi algunas

decenas de miles de años antes de que el reconocido físico italiano le pusiera su
nombre.

Las manos “mutiladas” se han puesto en relación con los rituales religiosos y
funerarios de diversos pueblos primitivos modernos.

Sirven para señalar algún lugar especial de la cueva.

La falta de algunos dedos puede significar que los están escondiendo y haciendo
señales convencionales, propias, por ejemplo, de los cazadores de las praderas del
centro de Norte-América.

En muchos casos las manos se sitúan sobre animales o los rodean: son manos que
cazan, atrapan…

En general las manos implican posesión, aprensión, presencia humana.

Leroi-Gourhan concibe la cueva como santuario, y delimita algunos espacios

significativos: cree que las pinturas no se disponen aleatoriamente, sino
significativamente, según si nos encontramos en la entrada, es una zona principal o
secundaria del “santuario”.

“Topo-icnografía”.

Así en general, las entradas están marcadas por signos (manos, puntos, rallas,
tectiformes…) y cérvidos.

Hay grandes salas o paneles centrales donde dominan los caballos y los bisontes.

Los divertículos o pequeñas cámaras están destinadas únicamente a los símbolos

(tectriformes, manos, triángulos, cuadrados, puntos…).

En el fondo se encuentran, a veces, animales “peligrosos” grandes carnívoros, y

también figuras masuclinas.

Todo esto lleva a pensar que hay una iconografía compleja detrás de las pinturas
rupestres, un mundo simbólico, conceptual, extremadamente abstracto y organizado…

Pero no nos ayuda a establecer el significado de cada símbolo. Podemos establecer el

motivo iconográfico, pero no llegamos a la interpretación iconológica.
Zona franco-cantábrica solo representación animalística , zona levantina
representación humana.

Altamira: la “capilla Sixtina” del arte paleolítico

Una de las “paletas” de pintor más antiguas de la humanidad.

Solo la zona más exterior de la cueva, el abrigo o vestíbulo, estuvo habitado, como
demuestran los restos de herramientas, alimentos y otros. Esta zona tenia luz natural.

Las pinturas de Altamira engloban obras de épocas alejadas en el tiempo, hace entre
35.600 i 13.000 años, según las últimas dataciones de uranio.

Pero las más destacadas, la llamada Sala de los Policromos, donde se encuentran
todos los bisontes, pueden vincularse a un pequeño grupo de artistas de hacia 13500
a.c, hasta a un único artista, el estilo del cual se puede identificar y reconocer, según
algunos autores, a la cueva de El Castillo, por ejemplo.

Las mejores pinturas de Altamira proponen soluciones artísticas, estéticas, a temas

como el realismo anatómico, la representación del movimiento, el volumen y el
color: son la obra de un (gran artista).
 Sala de los policromos

No tenemos claro si los bisontes forman una escena o son figuras yuxtapuestas.

“El conjunto de polícromos del Gran Techo nos sugieren una familia de bisontes
tal como viven hoy en los bosques situados entre Rusia y Polonia: machos,
hembras y pequeños bisontes, en posturas y actitudes diversas. Algunos miran hacia
el exterior del grupo como si lo protegieran, y el sentido de jerarquía...”.

“los conjuntos parietales tienen los principales caracteres de un mensaje;

responden a las necesidades y a los medios que posee el hombre desde el Paleolítico
superior para forjar símbolos orales realizables manualmente”.

Conjeturas a las que llegan los grandes expertos de la pintura paleolítica.

Por debajo de los bisontes hay múltiples gravados de caballos, más antiguos: la sala
es un “palimpsesto”, es decir, presenta pinturas de épocas diversas, unas sobre las
otras. El artista que pinto los bisontes (por tanto, las pinturas más modernas) tiene una
fuerte personalidad artística que también se ve en otras pinturas rupestres de la zona,
como en la cueva de El Castillo.

Pintura de manos: técnica aerógrafa, la pintura se escupe, directamente o con cañas,

etc, alrededor de la mano apoyada en la pared.

Tectiformes en la sala final: los símbolos pueden ser muy sencillos (puntos, rayas,
líneas ondulantes…) o construcciones más complejas con una cierta estructura
triangular, similar a un tejado a dos vertientes. Por esta similitud a veces se llaman
tectiformes y en la teoría de Breuil podían aludir a espacios de vivienda, real o
simbólico.

Cueva de Lascaux, Aquitania, Francia

Lascaux es una de las cuevas donde hay vestigios más importantes de pintura
paleolítica.

Ocupa 80 metros.

Hay más de 900 figuras perfectamente identificables de animales, y también algunas

de seres humanos (más dubitativos), además de una gran cantidad de signos.

Fue descubierta en los años 40 del siglo XX y estudiada por Henri Breuil y otros
científicos: Breuil diría, en un artículo de 1941, que Lascaux “iguala como valor y como
arte al de la caverna de Altamira y, además, la explica, al modo en que un precursor
puede explicar la obra de generaciones posteriores”.
Las figuras más grandes, como el gran bisonte de la sala principal, miden unos 5
metros. Fueron pintadas hace unos 18000 años.

Escena interpretada habitualmente como un brujo ejecutando un ritual con un bisonte

o como el ataque de un animal a un hombre.

Dar sentido de desplazamiento a los animales con patas de delante más adelantadas
que las de atrás.

Escuela levantina

Representación de la figura humana.

Aparece en el Mesolítico (10.000).

Ha podido permitir a los médicos ver que la salubridad y la alimentación no era la

mejor.

Las figuras son monocromáticas o son negras o rellenadas. A las mujeres les colgaban
los pechos.

El arte mueble paleolítico

Propuesta de clasificación de 1965 de A. Leroi-Gourhan

1. Arte de los útiles y las armas:

- De uso precario (pequeñas lanzas, arpones…)

- De uso prolongado (bastones perforados, propulsores, espátulas, flautas…)

2. Arte de los objetos para colgar / ornamentar: colgantes, collares, formas

recortadas…
3.

4. Arte de los objetos religiosos: esculturas de animales y mujeres (y algunas

formas interpretadas como masculinas), placas de hueso o piedra decoradas.
Las mal llamadas “venus”

Venus = diosa del amor y la belleza clásica

Venus de Laussel (Francia), Musée d’Aquitaine.

Características:

- Esculturas femeninas con muslos, glúteos y vientre exagerado, con cabezas y

extremidades esbozadas.
- Se inscriben en formas romboidales muy harmónicas.
- Hechas en piedra, hueso y puede ser fango y madera (no conservadas).
- Restos de pintura ocre-rojo, de tejidos y ornamentos, no se presentan desnudas.

Datación y localización:

- Periodo Gravetiense: 30.000 – 20.000 años.

- Se conocen más de 200.
- Se encuentran, con un estilo similar, des de los Pirineos hasta el lago Baikal en
Siberia.
- Se han encontrado habitualmente en lugares de hábitat, no en lugares de
enterramiento o en cuevas no habitadas.
Venus de Willendorf

Aquí lo que se quería subrayar sobre todo es la idea de la fecundidad, la idea de

perpetuar la especie.

Venus de Lespugue

Hecha hace unos 26.000-24.000 años.

Marfil de mamut.

Venus del Ermitage

23.000-25.000 años.

Hecha de piedra calcaría.

Presenta ornamentos (collares, etc…) que la singularizan, en otros casos estos

elementos se añadían con artes textiles.

3.2 Arte románico. Siglos XI - XII

Tres factores claves de la tranquilidad que se respira en los reinos de Europa:

1. Tranquilidad política que hay en todos los reinos

2. Expansión del feudalismo

3. Supremacía que alcanza la iglesia como una institución y foco cultural

Aparece el fenómeno de la peregrinación. Hay grandes centros religiosos, Santiago de

Compostela, Roma, Jerusalén. Se trasladan para ver las reliquia que atesoran estos
lugares. Se tendrán que abrir vías de comunicación que le vendrá bien al románico.
Servirá para trasladar a grupos de maestros y sus ayudantes que difundirán el arte
románico. Estos maestros catapultarán el románico y tendrán unas características
idénticas en toda Europa excepto unas inquietudes locales.

Cambios en el contexto social y religioso que ayudan a entender la difusión del arte
románico

El arte románico es el primer arte “europeo”, después de la caída del Imperio Romano.
A pesar de las diferencias regionales, el arte románico tiene rasgos comunes en todos
los incipientes reinos europeos.

Esto es posible gracias a:

1. La reforma gregoriana, impulsada por el papa Gregorio VII (1073 – 1085), que
unifica la liturgia.

Si el ritual se celebra de la misma manera harán falta espacios similares, objetos

litúrgicos similares y será también más fácil el intercambio de ideas, artistas y
formas artísticas entre los diversos territorios.

2. Las vías de peregrinación, especialmente en Santiago de Compostela y Roma.

Lectura en planta muy similares:

- Planta de cruz latina.

- Tres naves en el cuerpo principal.
- Tres naves en el transepto.
- Cabecera con deambulatorio y capillas radiales.
- Tribunas y cripta.

3. La reforma cluniacense del monacato.

 Se funda en el siglo VI bajo el lema ora et labora

Tres principios básicos:

- Obediencia a un superior.
- Castidad.
- Pobreza.

Ese modelo de vida ejemplar contagia a la sociedad laica y hacia que se

vincularan a grandes abadías para conseguir la salvación eterna, la consegiian a
través de donaciones.

La orden cluniacense se funda con el impulso de Guillermo de Aquitania, en Cluny,

con la voluntad de reformar la orden benedictina y volver a la pureza de los
orígenes (s. XI).

- Austeridad.
- Independencia de las autoridades civiles.
- Dependencia exclusivamente de Roma en cuanto a las religiosas.

S. XII nueva reforma → Roberto de Molesmes, aparición del orden del Cister,
impulsada por Bernardo de Claraval.

En Cluny se vinculan o se hacen dependientes monasterios de toda Europa, esto

contribuye a cohesionar las manifestaciones artísticas.

4. La itinerancia de los maestros de obras.

Favorable repercusión en la producción artística:

Estilos regionales y Europa.

Terminología

Arte “románico:

Término utilizado por primera vez por Charles de Gerville (1818), en una carta a
Arcisse de Caumon, arqueólogo, que lo usa en su Essai sur l’architecture du moyen
âge, particulièrment en Normandie (1824).

- Por analogía con las lenguas románicas.

- Para definir todo el arte entre la caída del Imperio Romano y el Gótico.

Engloba diversas escuelas regionales que presentan, no obstante, rasgos comunes,

derivados de la arquitectura romana y las tradiciones culturales del antiguo Imperio
romano.

Algunos rasgos generales del románico: arquitectura

Se generaliza la construcción con cubiertas de bóveda de piedra. Esto requiere:

- Paredes gruesas.
- Contrafuertes, recogen el peso de la parte superior.
- Naves laterales de medidas similares a la central, o con dos pisos, a menudo
cubiertas con bóveda de cuarto de cañón o bóveda de arista.
Planta iglesia

Planta de cruz latina.

Tres naves longitudinales.

Transepto transversal.

Cabecera con un ábside principal y otros secundarios

Otros elementos actinometría (ver los elementos internos):

- Torres en la fachada.
- Cimborios sobre el crucero.
- Portaladas esculpidas.

Algunos rasgos generales del románico: la escultura

Tímpano de la puerta de San Pedro de Moissac: Cristo en majestad y 24 ancianos del

apocalipsis y

Perspectiva jerárquica: más grande aquello más importante.

Horror vacui (horror al vacío): se llena todo el espacio disponible.

Adaptación al marco escultórico: las figuras se deforman para adaptarse al espacio.

Geometrización y síntesis formal: es más importante trasmitir una idea que imitar la
realidad.

Figuras hieráticas, rígidas e inexpresivas.

Escultura exenta

Tres temas principales:

- Madre de Dios, con el Niño, llamada Sedes Sapientiae.

- Cristo crucificado.
- Descendimiento de Cristo de la Cruz.

Características:

- Inexpresividad.
- Hieratismo.
- Frontalidad.

La pintura mural románica

Algunos rasgos generales de la pintura

Características generales:

- Linealidad.

- Colores planos, sin gradaciones tonales.

- Fondos neutros con tonos intensos para destacar las figuras.

- Hieratismo y frontalidad.

- Ausencia de perspectiva realista.

- Inscripciones.

Técnicas principales:
- Fresco: aplicación de la pintura sobre la preparación de arena de rio / calcio y
polvos de mármol cuando aún está fresca.

- Temple: sobre madera: pigmento aglutinado con huevo o cola de conejo.

San Quirze de Pedreta

Finales del siglo XI

- Santa María de Aneu

- San Pedro de Burgal

Distribuidas entre el Museo de Solsona y el MNAC.

Arrancadas en dos campañas, entre el 1919 – 1923 y el 1937.

Datadas a finales del siglo XI: se encuentran entre las más antiguas que hemos
conservado.

Intensa relación con la pintura del norte de Italia: San Vincenzo en Galliano, San Pietro
en el monte Civate.

Cierto acento “clásico”.

Programa apocalíptico y eclesiológico

Ábside principal visto desde la nave de la iglesia, reconstrucción, Museo de Solsona.

Iglesias del Valle de Boi

2 etapas:

1ª ca. 1100, San Juan de Boí

2ª ca. 1123, San Clemente de Tahull y Santa María de Tahull.

San Clemente de Tahull

Pinturas murales de San Clemente de Tahull

Autoría: Maestro de Tahull (probablemente italiano) y su taller.

Fechas: alrededor de 1123, fecha de consagración de la iglesia.

Técnica: fresco sobre muro con retoques al temple.

Localización: MNAC / restos in situ.

Programa iconográfico y estilo

“Topoiconografia”

La distribución de los temas en función del espacio del santuario.

La conca absidal

Cristo en Majestad

- Mandorla
- Alfa y omega
- Bendición
- Libro Ego sum…
- Arco de san Martín
- Bóveda

Tetramorfo
Cristo en Majestad vs Pantocrator

Autor de origen italiano y bebió de las fuentes bizantinas

Representación mayestática de Cristo inspirada, textualmente, en las visones

descritas en el libro del Apocalipsis, y, visualmente, en las representaciones de los
emperadores romanos.

Se representa la “Segunda Parusia”, la segunda venida de Cristo, en este caso para

concluir el mundo y comenzar el Juicio Final.

ALFA Y OMEGA

Apocalipsis 1, 8: yo soy el Alfa y el Omega, dice el Señor Dios, el quien es, el quien
era y el quien viene, el Dios del universo.

EGO SUM LUX MUNDI

Joan 8,12: yo soy la luz de mundo, quien me sigue no caminara a oscuras, sino que
tendrá la luz de la vida.

NIMBE CRUCÍFICER

MÀNDAROLA

SOBRE EL ARCO DEL CIELO

LA TIERRA COMO ESCAMBELLO

El tetramorfo: las “cuatro formas” de visión profética a símbolo de los quatro

evangelistas
Mateo: el hombre (la genealogía humana de Cristo).

Juan: el águila (quien más se eleva, el logos).

Marco: el león (el desierto donde vive San Juan Baptista).

Lucas: el toro (el sacrificio a Dios).

La conexión de estos seres divinos con los cuatro autores de los evangelistas
canónicos (y también con Cristo) se establece los primeros siglos del cristianismo:

San Ireneo, s. II, contra los herejes.

San Jerónimo, s. IV, comentario a Ezequiel.

San Ambrosio.

Gregorio Magno.

A partir del siglo IV el “canon” de la Biblia ya está establecido y los primeros

ejemplos artísticos son del siglo V: por ejemplo, el Mausoleo de Gala Placídia
(medianos siglo V).
Volumetría por los pliegues de la vestimenta, las mejillas de Cristo rosa infantilidad

Apostolado con la Madre de Dios

La primera iglesia cristiana, los primeros fieles.

María y san juan acompañan a Cristo a la Cruz, y también lo flanquean, todo seguido,
en los Juicios Finales de época gótica, aquí aparecen en posición destacada
mostrando sus atributos:

- Cáliz: símbolo eucarístico.

- Libro: escritos bíblicos de san Juan.

Los descendimientos en Catalunya y otras escenas pasionales

Características generales:

- Grupo de esculturas de la Vall de Boí – vall d’Aran, Pallars, notablemente

homogéneas por lo que hace a su tipología, rasgos estilísticos e iconográficos.

- La representación de este tipo de grupos tiende a desparecer a lo largo del siglo

XIII en favor de calvarios monumentales.

- Los Descendimientos integran la figura de Cristo crucificado, José de Arimatea y

Nicodemo, la Virgen y san Juan evangelista y dos ladrones en sus cruces (esto
último es infrecuente en otros contextos europeos).
- La presencia de las Marías hace pensar en la existencia de conjuntos de la visita al
sepulcro de Cristo: una escena estrechamente vinculara al teatro sacro o litúrgico.

Reconstrucción virtual de lo que fue cuando se pintó.

Conjunto estático, miradas al frente, movimiento parado.

Cordero de Dios “agnus dei”

7 ojos dios llega a todo.

Jan van Eyck, Poliptico de Gante, Adoración del cordero místico.

Zurbarán, Cordero de Dios.

Dextera domini

Bendice en dirección a Abel presentando su ofrenda, un cordero (restos malmesas in

situ).
Justo al lado puesto se representa el asesinato de Abe, queda in situ.

La Vall de Boí: un territorio en disputa entre los obispos de Roda y de Urgell.

Los Erill, vasallos de la iglesia de Roda y del reí de Aragón (muchos activos en la
conquista de Barbastro, Tudela, Daroca, Calatauid…).

La villa de Tahull perteneció al Barón de Erill, vasallo del conde de Pallars-Jussà, a su

vez miembro de la corte de Alfonso I el Batallador, que entonces gobernaba la región a
la que pertenecía Maderuelo por su matrimonio con la reina Urraca de Castilla.

1140, sentencia arbitral de Roma: la Vall de Boí pasa a pertenecer a Urgell y la

abadia de Lavaix, también en disputa, en Roda. Los Erill se entierran en Lavaix.

El grupo Taüll

Algunos momentos clave en el estudio y la protección del arte medieval catalán

1907 – creación de la Junta de Museos de Barcelona.

1907 – expedición del IEC a la Vall de Aran i Boí y redacción de un estudio que se
alarga hasta el 1920. Velaba por la salvaguarda de todo el patrimonio catalán que
había diseminado en iglesias y ermitas.

1920 – 1939 – Joaquim Folch y Torres es director de los Museos de Arte de Catalunya
y secretario de la Junta de Museos.

…y su espolio

A finales del siglo XIX i inicios del XX se ha desarrollado, en Europa y los Estados
Unidos, un notable interés por el arte medieval. Los grandes museos estadounidenses
buscan, a cualquier precio, obras de arte medievales.

En Cataluña:

- La historiografía sobre la época medieval es aún incipiente, y no hay un gran

interés popular.
- Muchos obispos tienen problemas para atender las parroquias sobre su dominio,
faltan ingresos para atender a necesidades básicas.
- Monasterios y conventos afectados por las desamortizaciones han quedado
vacíos, sin protección ni custodia.

1920- Se empieza el plan de salvamiento de las pinturas, gracias a la implicación de la

Junta de Museos y el IEC, y con financiamiento gracias a un crédito bancario, atendida
la falta de financiamiento
Folch y Torres, se pone al presidente, Puig y Cadafalch, que prefería conservar las
pinturas en el sitio, con sus palabras:

“Considerando que, dado que los “arrancadores” aún son en Barcelona,

tenemos el deber de aprovechar la ocasión, y dejar para tiempos mejores la
buena doctrina arqueológica que quiere que las cosas se queden en el sitio por
la cual fueron hechas”.

El arte y la Guerra Civil Española – algunas cifras

5 a 10%. Patrimonio catalán destruido al inicio de la Guerra Civil, según la valoración

del historiador Josep Gudiol.

71. Camiones que cruzaron la frontera, entre el 4 y el 9 de febrero de 1939, con el

tesoro artístico nacional. En tren, a Ginebra, llegaron 22 vagones con 1845 cajas.

200. Cajas de grandes dimensiones que contenían el fondo del Museo Arqueológico
de Barcelona de camino a Agullana (Alt Empordà).

297. Número de archivos catalanes de los cuales se recogió la documentación.

568. Obras trasladas a las exposiciones de Francia.

3.3 Pintura de historia y propaganda política

Pintura española del siglo de oro español: el salón de los reinos

Terminología:

España / Corona española:

- Península Ibérica: Rosselló y Cerdaña hasta el 1659. Portugal hasta el 1668.

- Países Bajos.
- Italia: Nápoles, ducado de Milán…
- Territorios americanos.
- Norte de África.

Siglo de oro:

- Esplendor de las letras, siglos XVI – XVII.

- Esplendor de las artes plásticas, siglo XVII.
Finales del siglo XVIII – principios del siglo XIX

Creación del término i redescubrimiento de la pintura española del XVII gracias a:

Viajeros i literatos como Theophile Gautier, Prosper de Merimée…

La invasión napoleónica: 1830, creación de la Galeria Louis Philippe en el Musée du

Louvre.

Los grandes centros pictóricos del siglo XVII y los principales maestros

Valencia

Francesc Ribalta “lo catalán”, Solsona 1565 – Valencia, 1628.

Toledo

Contexto previo Escorial / El Greco:

- Juan Sánchez Cotán (Toledo 1560 – Granada 1625): formación con Blas del
Prado. 1603, ingreso como cartujo.
- Juan Bautista Maino (Pastrana 1580): viaje a Italia, profesor de dibujo de Felipe IV.
Apoyo la carrera de dos pintores: Velázquez y Alonso Cano.

Sevilla

Ciudad muy cosmopolita, comercial, con alta densidad de población.

Primera generación: Francisco Pacheco, Juan de las Roelas, Francisco Herrera el

Viejo.

Segunda generación: Diego Velázquez, Francisco Zurbarán, Bartolome Esteban

Murillo.

La corte madrileña: objetivo principal de los pintores más destacados.

Realismo vs naturalismo

Naturalismo: personajes de escenas cotidianas con trasfondo religioso.

La pintura del siglo de oro es, en general, naturalista.

Personajes humildes, de extracción popular, en muchas ocasiones, para encarnar las

figuras sagradas.

Nueva propuesta lumínica: luz indirecta exterior al cuadro, que subraya la

corporeidad de los personajes y el mensaje de la pintura.

Reducción compositiva: composiciones claras, que transmiten bien el mensaje.

Tenebrismo.

Crudeza narrativa y visual.

Temas de la pintura del siglo de oro

Religión

Historia

Retrato

Naturaleza muerta

Vanitas

Bodegón

Mitología

Francisco Pacheco establece la iconografía de la Virgen María que dice que lleva el
tocado de color azul porque representa la pureza.

Diego Velàzquez, Retrato de Incencio X, Galería Doria Pamphili, 1650. Mirada de

desconfianza, incomodidad.

“Troppo vero” (demasiado real).

In ictu oculi (llama de la vida), 1671 – 1672. Juan Valdés Leal, Hospital de la Caridad
de Sevilla. Pisando, menospreciando, los objetos que simbolizan la cultura. Seas rico,
seas pobre cuando de te llega la muerte nos iguala a todos.

Balanza donde los platillos están equilibrados y pone ni más ni menos.

Presencia de la lechuza: simboliza el reino de las sombra y de la muerte.

Reflexión de cuál ha sido tu posicionamiento de la vida.

Apolo le cuenta a vulcano que su mujer le está poniendo los cuernos. En un entorno
natural que es una fragua se implanta un tema que es la mitología.

La pintura de historia

Genere circunscrito a la corona y a la aristocracia.

Temas:

- Hazañas bélicas, crónicas militares.

- Personajes históricos, galerías de retratos.
El edificio

Construido entre 1630 – 35.

El Salón de Reinos era el salón del trono del Palacio del Buen Retiro: inicialmente
concebido como residencia de recreo, se fue configurando como verdadero palacio, en
medio de un gran parque enjardinado. Llegó a ser conocido como “el gallinero” por la
inmensa jaula con pájaros que se instaló en este jardín.

1804 – 1814: el Palacio del Buen Retiro es prácticamente destruido debido a los
bombardeos a lo largo de la ocupación napoleónica. Queda el Salón de Reinos y el
Casón (antiguo salón de bailes), además de los jardines, reducidos en extensión y con
trazado y elementos muy cambiados.

El “salón de reinos” o salón dorado

Estancia rectangular construida exprofeso y decorada con un programa iconográfica

muy importante para exaltar al rey.

Promotor e ideólogo: el promotor fue el Conde-duque de Olivares, para halagar al

rey y mantener su favor. El ideólogo probablemente fue Francisco de Rioja, poeta,
erudito y bibliotecario del conde.

Autores: Zurbarán, Antoni de Pereda, J.B Maino, Diego Velázquez y otros.

Título: ciclo pictórico del Salón de Reinos o Salón Dorado.

Fecha: 1635 inauguración.

Función: programa de promoción imperial al servicio de la corona española y Felipe

IV.

Iconografía

Techo: escudos de los 24 reinos históricos de la corona.

En las paredes cortas, retratos de los monarcas pasados (Felipe III i Margarita de
Austria), presentes (Felipe IV i Isabel de Borbón) i el príncipe Baltasar Carlos.

En las paredes largas, 12 victorias militares de Felipe IV (hemos perdido 1, Eugenio

Cajés,

Sobre las puertas, 10 hazañas de Hércules.

Iconología

Representar a Felipe IV como un rey virtuoso (vinculado a Hércules), poderoso

(victorias militares) y legitimo (retratos – línea dinástica), rey, además, de una
pluralidad de reinos unidos sobre su dirección (escudos).

Según Jonathan Brown, “Un palacio para el rey”, es un programa de promoción

imperial más importante del siglo XVII.

Estos historiadores británicos vinieron a España y empezaron a consultar todos los

documentos sobre el palacio del buen retiro.

La unión de armas es un programa que formulo el conde duce que quería obligar a
todos los reinos de la corona a suministrar hombres, armamento y dinero en caso de
conflicto bélico.

Multa regna, sed una lex (muchos reinos, siguen una única ley).

Hubo lugares como en Cataluña que se negaron por completo.

El conde para ensalzar, recuperar el prestigio de su monarca hace pintar diferentes

victorias militares del ejército español.

En un momento de horas bajas el conde idea para Felipe cuarto un programa pictórico
únicamente protagonizado pro batallas militares para que quine visitara el salón de
reinos vieran a Felipe IV de otra manera y también porque Portugal se independizaba,
Catalunya se sublevaba y Francia le declaraba la guerra.

Las batallas

Eran 12 porque es un numero simbólico (12 son también los trabajos de Hércules).

Son victorias poco importantes: se dan en la década de los años 20-30 del siglo XVII,
pero pocos años después se ha girado la situación. Es el caso de la rendición de
Breda: cuando Velázquez lo pinta Breda vuelve a estar fuera del dominio español.

Fueron escogidas por el Conde-duque de Olivares en función de sus simpatías por los
comandantes que las ganaron.

Autores: Zurbaran, Antonio de Pereda, J.B Maino, V.Carducho, D.Velazquez, Felix

Castellón, Jusepe Leonardo y Eugenio Cajés.

Mensaje del Salón de Reinos

Piedad, clemencia y magnanimidad y Felipe IV.

Pero también, según otros historiadores, “espejo de virtudes” de los vasallos, un

espacio dedicado a la nobleza sustentadora de la monarquía.

Momento de grave crisis cortesana y marcada oposición de los nobles a la figura del
conde duque de Olivares.

Felipe III

Caballo en posición de corbeta, lleva el bastón de mando diciendo que es dueño y

señor de sus reinos. Dominar la montura significa dominar tus reinos.

La línea del horizonte es muy baja y ponen al jinete y la montura en primer plano
compositivo para que la figura se te venga encima. Obliga al espectador a alejarse un
poco para poder percibir toda la composición del cuadro.

Margarita de Austria

Esta sentada de lado como las mujeres se sentaban. Va a marcha lenta porque es la
reina consorte.

Los pormenores del vestido (los detalles del vestido) son pintados por la gente de su
taller.

Felipe IV
“Pentimenti” (arrepentimientos, cambios en el dibujo) en las patas del caballo).

Isabel de Borbón

Reconocimiento oficial del papel de la reina consorte en el siglo XVII.

Si que empezó a intervenir en asuntos del Estado.

Lleva el bastón de mando y lleva el caballo a una marcha más acelerara.

Príncipe Baltasar Carlos

La figura iba encima de una puerta, lo único que explica por qué quizás la panza del
caballo está muy mal representada. También lleva el bastón de mando y el caballo
está en posición de corbeta.

Batallas

1. A primer término: los mandos de la batalla (capitán general)

2. A segundo término: el desarrollo de la batalla

3. Interés topográfico i retratístico

Lo importante es que los nobles se encontraran representados en esté programa

iconográfico, se ven reconocidos y alagados. Nobles ayudan a la monarquía para
recuperar la figura de Felipe IV.

Batalla de Fleurus, Bruselas (1622, G.F de Córdoba). Vicente Carducho. Madrid.

Presenta algunas deficiencias lógicas.

Rendición de Jülich (1622, general Spínola). Jusepe Leonardo. Madrid, Prado.

Composición calmada, parte posterior fila de cautivos.

Composición muy compactada en primer plano y no hay nada que altere el conjunto
en general.

Recuperación de Puerto Rico (1625, Juan de Haro). Eugenio Cajés. Madrid, Prado.

Al final representación topográfica.

La defensa de la ciudad de Cádiz, atacada por los ingleses el noviembre de 1625.

Zurbarán.
Fernando dando instrucciones al lugarteniente y por detrás tiene lugar la batalla. Falta
un alto grado de realismo porque está encima viendo la batalla desde arriba. Falta
ímpetu.

Recuperación de Bahía (1625, Fadrique Álvarez de Toledo). Juan Bautista Maino.

Tapiz done está representado el rey, conde duque de olivare y minerva. Hace que
todos los personajes se arrodillen porque han perdido la batalla y muestren pleitesía al
rey.

El cuadro dentro del cuadro en el barroco es importante porque no podía estar

omnipresente en todas partes.

Fuente literaria: inspirado en la obra de teatro de Lope de Vega: El Brasil restituido.

Georges la Tour son escenas muy antinaturales, en el barroco se buscaba la luz de

una ventana pero esta es artificial, no tiene una calidez natural..

Estaban obligados a reconocer servidumbre al Felipe IV.

Don Fabrique de Toledo presenta a los vencidos el retrato del rey Felipe IV: el retrato
recibe el homenaje, es el substituto de la persona real, tiene función de
representación.

Elementos simbólicos:

- Corona de laurel: símbolo de Apolo, símbolo de victoria.

- Rama de olivera en manos del conde-duque: símbolo de paz.
- Palma en manos de Atenea / Minerva: símbolo cristiano, de gloria.

Figuras alegóricas inspiradas en las descritas por la Iconología de Cesare Ripa

(1593): herejía (holandeses), discordia (franceses) y engaño (ingleses) .
Diego Velázquez, La rendición de Breda (1625, Guerra de los 80 años o de Flandes).

Si vamos al museo del prado a ver esta obra se queda extasiado.

Lo único que ha perdido la rendición de Breda es que ha sido disgregado de su

conjunto y ha perdido su mensaje.

Obra de teatro El sitio de Breda de Calderon de la Barca.

El teatro era una actividad muy popular y a la gente les gustaba divertirse en el teatro.

Spinola no le deja que se arrodille para que no se humille.

Cuadro correcto.
Si estas en el fragor de una batalla no se estaría de esta manera.

Llevan los sombreros esos.

Son peores pintores que el resto.

Zurbaran es mejor en pintura religiosa.

El Cristo crucificado es impecable, es fantástico.

Pintor llamado a pintar escenas religiosas.

Los trabajos de Hércules

Se añaden, en cambio, tres escenas de la biografía de Hércules, que no están entre

sus trabajos:

- La lucha con Ateneo.

- El estrecho de Gibraltar.
- Su muerte provocada por la túnica de Neso.