LENGUA CASTELLANA Y LITERATURA – 1.

º BACHILLERATO
PROYECTO: LA CAJA DE LAS LETRAS

EL BARROCO (SIGLO XVII)

1. SOCIEDAD Y CULTURA

El siglo XVII, el siglo del Barroco, es un ejemplo inmejorable de la relación entre cultura y contexto sociopolítico. Los
escritores barrocos expresan con frecuencia su interés por los asuntos sociales y por cuestiones políticas cruciales para
el devenir de sus países.

Se trata de un periodo en el que las malas cosechas son frecuentes y la peste azota de nuevo a Europa, junto con las
consecuencias para las grandes potencias de la guerra de los Treinta Años. Los problemas económicos se agudizan en
España. La despoblación resulta evidente, los impuestos son cada vez más altos y los precios experimentan un alza
alarmante. Es la época en la que se consagra el absolutismo del rey. La figura del monarca es la de un ser investido por
la gracia divina.

Se trata de una cultura fuertemente vigilada por las autoridades políticas y religiosas. Por el contrario, el siglo XVII
acoge a algunas de las figuras más importantes de la historia de la filosofía y de las ciencias: Galilei, Descartes, Newton,
Leibniz… Sus trabajos inician un periodo brillante del racionalismo que desembocará en la Ilustración y en la Primera
Revolución Industrial del siglo XVIII.

El Barroco español constituye uno de los episodios más apasionantes de nuestra historia. El Imperio se tambalea y, al
mismo tiempo, surgen artistas y escritores que hacen de este periodo un momento cultural de máximo esplendor:

• El ambiente cultural es esencialmente urbano. El campo experimenta una intensa despoblación que implica
el aumento del número de habitantes en las ciudades: Madrid, Sevilla, Valencia…
• Se experimenta una conciencia de crisis. Los escritores expresarán con frecuencia la decadencia del país.
• El pesimismo es el tono esencial del Barroco español, y ello pone en primera línea de la cultura dos temas
fundamentales: el paso del tiempo y la obsesión por las apariencias.
• El arte y la literatura crean obras basadas en la acumulación de técnicas derivadas de lo teatral y lo
ingenioso, que buscan maravillar a los espectadores y a los lectores.

2. LA LITERATURA BARROCA

Se ha denominado a este periodo Siglo de Oro por la abundancia de grandes figuras en el arte y la literatura. Los tres
géneros literarios tradicionales van a experimentar un desarrollo pocas veces igualado en la historia.

La poesía retoma la tradición del Renacimiento y las formas medievales con un tono más pesimista. Pretenden
sorprender a través de alusiones mitológicas y juegos de palabras (figuras retóricas). Tradicionalmente se ha clasificado
la poesía barroca en dos escuelas basadas en el estilo: el conceptismo (de Quevedo) y el culteranismo (de Góngora).

En la prosa, se pone de moda la novela picaresca con Mateo Alemán (Guzmán de Alfarache), Quevedo (Vida del
Buscón), López de Úbeda (La pícara Justina) y Vicente Espinel (Vida del escudero Marcos de Obregón). Abundan
narraciones de contenidos morales y filosóficos: Quevedo (Sueños) y Baltasar Gracián (El Criticón).

El teatro es el género que mayor evolución experimenta. Lope de Vega se presenta como el gran innovador. Logra un
teatro aplaudido por los espectadores e imitado en otros países.

3. LA POESÍA

El siglo XVII es un periodo extraordinariamente fructífero para la poesía. Del amplio número de poetas, resultan
especialmente relevantes: Lope de Vega, Luis de Góngora, Francisco de Quevedo y sor Juana Inés de la Cruz.

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LOPE DE VEGA

Félix Lope de Vega y Carpio nació en Madrid en 1562. Pronto mostró una habilidad especial para las letras, que se
tradujo en una vastísima producción. Su carácter indócil e insensato le procuró serios problemas de amoríos. Llegó a
estar desterrado por sus escritos contra la familia de Elena Osorio, en los que insinuaba que la joven era ofrecida a
pretendientes de mayor relevancia social. Ni mucho menos ella fue su única amante; hasta el punto de que, en sus
últimos años, ya siendo sacerdote, convivió con Marta de Nevares. Su vida escandalosa era tan comentada como sus
éxitos teatrales. Cuando murió en 1635, sus funerales congregaron a una multitud en las calles e iglesias de Madrid.

Lope de Vega fue el renovador del teatro español, pero igualmente es autor de una obra poética de extraordinaria
calidad. Como escritor barroco, es un poeta a menudo conceptista que intensifica el ingenio verbal para admirar al
lector. Sin embargo, su poesía es más accesible y biográfica de lo que es común en la época.

Una de las novedades de la poesía barroca es la producción de romances. Siguiendo el género medieval, durante estos
años se constituye un extenso conjunto de romances que dan lugar al Romancero nuevo y Lope no es una excepción.

Lope enlaza su poesía con sus sentimientos y sus circunstancias vitales, en especial sus amores y su arrepentimiento, al
ingresar en la Iglesia en sus últimos años. Por entonces, escribe una serie de poemas religiosos donde expresa de
manera intensa su deseo de vivir al margen de amoríos y escándalos, aunque no sabrá ser constante en su empeño.

LUIS DE GÓNGORA

Luis de Góngora y Argote nació en Córdoba en 1561. Hijo de familia acomodada, fue dirigido a la carrera eclesiástica.
Ocupó el puesto de capellán real en Madrid, aunque con frecuencia sufrió estrecheces económicas de las que se lamentó
en sus versos. Anciano y enfermo, regresó a Córdoba donde falleció en 1627.

Góngora representa en sí mismo todo un estilo, el culteranismo o gongorismo. Ya sus contemporáneos advirtieron que
su manera de componer resultaba muy personal. Fue un poeta cultista que intensificó en su poesía el gusto por los
latinismos, por el hipérbaton y su orden forzado de las palabras, por la acumulación de metáforas, y por el colorismo y
los objetos más refinados. Fue muy admirado por ello, pero igualmente criticado por ser un poeta oscuro. Sin embargo,
don Luis podía ser tan ingenioso en sus juegos de palabras como Quevedo. Por eso es igualmente un poeta conceptista,
de ingenio verbal.

Las Soledades y el Polifemo. Se trata de dos obras fundamentales de la poesía barroca de Góngora. La dificultad de su
estilo las convirtió en ejemplo de oscuridad poética. Las Soledades narran en verso la historia de un joven náufrago en
una isla. Allí asiste a unas bodas, y contempla la naturaleza y el arte de la pesca y la caza con halcones. En la Fábula de
Polifemo y Galatea, el cíclope Polifemo, un gigante de un solo ojo, se enamora de la ninfa Galatea (una diosa de las
aguas). Descubre a la joven con el pastor Acis. Ciego de celos, lo mata arrojándole una enorme piedra. Los dioses
conceden a Galatea que de la peña nazca un río donde la ninfa pueda consolarse de su dolor.

FRANCISCO DE QUEVEDO

Nació en Madrid en 1580, hijo de padres hidalgos servidores de la Corte. Estudió en las universidades e Alcalá y
Valladolid. En Italia, fue secretario del duque de Osuna, rival del conde-duque de Olivares, valido del rey. Su obra y su
figura polémica se hicieron pronto famosas, aunque terminó en prisión por asuntos políticos. Murió en Villanueva de
los Infantes (Ciudad Real) en 1645.

La obra de Quevedo es una de las cimas de la literatura en lengua castellana. Su poesía ejemplifica el ingenio conceptista
por el dominio del lenguaje. Su personalidad despertó admiración y enemistades, como su famoso enfrentamiento con
Góngora. Mantuvo relaciones igualmente problemáticas con el poder político de su tiempo.

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Su obra poética podría ordenarse en tres grandes grupos:

• Poesía moral, acerca de la brevedad y los engaños de la vida, poemas religiosos y de carácter político.
• Poesía amorosa. Quevedo fue un extraordinario poeta del amor, aunque en numerosas ocasiones se burlase
de la figura femenina. Se trata de un contraste típicamente barroco: la idealización de la amada y la burla.
• Poesía burlesca que a menudo es una sátira de oficios y situaciones.

SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ

Juana Inés de Asbaje nació cerca de la Ciudad de México en 1651. Ya desde niña manifestó una inteligencia fuera de lo
común. Cuando era muy joven todavía, provocó admiración entre los intelectuales del Virreinato por su talento y su
conocimiento de diversas disciplinas. Insistió en tomar los hábitos de monja; no deseaba casarse y encontró en la vida
monacal un ambiente propicio para continuar con sus estudios y sus quehaceres literarios. Se trataba de una vida
estricta, pero con ciertas comodidades propias de una personalidad social como la suya. Parte de la clase dominante
vio con desconfianza la obra de una mujer que, además, había tomado los hábitos. Sufrió recelos y críticas, pero su
fuerte personalidad y capacidad de razonamiento la impulsaron a continuar con su tarea intelectual. Murió en 1695 por
causa de una epidemia, aunque tuvo en vida el protagonismo de la polémica y la admiración de sus contemporáneos.

Sor Juana Inés escribió con intensidad a lo largo de casi toda su vida: textos en prosa, obras de teatro, cartas y poesía.
Compuso algunos de los poemas de amor más memorables de su época. Es posible ver en ello la expresión de los amores
a los que habría renunciado tras ingresar en el convento; sin embargo, no existen pruebas documentales concluyentes
sobre el carácter autobiográfico de sus poemas.

4. LA PROSA

A la importancia extraordinaria del Quijote se suman otras obras de especial relevancia. Quizá el fenómeno narrativo
de más éxito en la época consiste en la recuperación de los personajes y ambientes del Lazarillo de Tormes. Un grupo
numeroso de narraciones sobre pícaros recrean su apariencia de relato autobiográfico y sus ambientes realistas.

MATEO ALEMÁN, GUZMÁN DE ALFARACHE

En 1599, Mateo Alemán publica su Guzmán de Alfarache, que tendrá una continuación en 1604. Fue editado en multitud
de ocasiones y traducido muy pronto a varios idiomas. Era el libro de moda cuando Cervantes publicó la primera parte
del Quijote. Se trata de la historia que el propio personaje hace de su vida de engaños y pecados, ya arrepentido tras
haber sido condenado a galeras y perdonado por haber denunciado un plan de fuga de otros galeotes. El relato cuenta
la vida de pícaro que el personaje lleva por ciudades españolas e italianas. Hijo de padres con pocos escrúpulos, el joven
Guzmán huye de la ruina familiar para vivir como mendigo, pinche de cocina, paje de un cardenal o secretario del
embajador francés en Roma. Pronto se hace un experto en el juego y en el hurto. Recurre al disimulo para hacerse pasar
por un rico y honorable galán y termina prostituyendo a su segunda esposa. Y a pesar de ser un hombre que estudia
durante años para ser sacerdote, acaba por rendirse a la tentación del robo y la falsedad.

Sin embargo, el libro no es una mera sucesión de aventuras. Las trampas del pícaro sirven de ejemplo para las reflexiones
morales que realiza el propio personaje al inicio de cada capítulo. Son motivo de crítica el falso honor, el poder del
dinero o la inclinación al pecado. Se acepta la posibilidad del arrepentimiento verdadero, pero, en general, su visión de
la vida es pesimista como corresponde a la mentalidad barroca. Todo es engaño, falsedad y simple apariencia.

Mateo Alemán (Sevilla, 1547-México, 1614) cursó estudios de Medicina y trabajó para la Hacienda pública. Por diversos
motivos, entre ellos un encarcelamiento por deudas, conoció bien el mundo carcelario, donde pudo inspirarse para su
novela picaresca. Sus últimos años los pasó en México, como secretario de un arzobispo.

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QUEVEDO, SU OBRA EN PROSA

Francisco de Quevedo es justamente recordado como uno de nuestros mejores poetas. Pero también fue un gran
escritor en prosa, destaca: la novela picaresca el Buscón (1626) y las prosas morales.

• LA VIDA DEL BUSCÓN. Nacido de padres sin honra, como corresponde a este género de novelas, su
protagonista trata por todos los medios de ascender socialmente. No lo conseguirá. Pablos se criará en el
engaño y será él mismo un consumado pícaro. Acaba su relato autobiográfico a punto de irse a América, pero
revela que tampoco allí le irá mejor. La novela busca principalmente la comicidad, pero además plantea un
asunto que obsesionaba a su autor: el ascenso social de quien no lo merece.
• LA HORA DE TODOS. Se compone de una serie de cuadros dedicados a muy distintos personajes: el médico, el
letrado, el poeta de versos enrevesados… La Fortuna (la Hora) dará a cada uno su merecido.
• LOS SUEÑOS Y DISCURSOS. El escritor finge haber tenido sueños en los que presencia el Juicio Final y la entrada
al infierno. Como en las danzas de la muerte medievales, se lleva a cabo un tipo de juicio para criticar con
dureza los engaños y la hipocresía. Su visión resulta pesimista. Los comentarios son un prodigio de humor.

BALTASAR GRACIÁN, EL CRITICÓN

La obra y la actitud de Baltasar Gracián presentan las características fundamentales de este periodo cultural:

• Su actitud desengañada da a sus obras un fuerte sentido moralizador que advierte de las apariencias.
• Acusó la decadencia del poderío español y ello le llevó a proponer modelos de conducta a las clases
dominantes. En El héroe (1637), El político (1640) y El discreto (1646), traza los rasgos que estima más
sobresalientes en el ser humano: entre otros, el deseo de excelencia, el don de gentes o la capacidad de mando.
• Reflexionó de manera extensa sobre la literatura de su tiempo. Así, en Agudeza y arte de estilo define la idea
de concepto (equivalente a reunir en una idea objetos y elementos muy diferentes). Su mismo estilo obedece
a ese principio conceptista.

Baltasar Gracián (1601-1658) perteneció desde muy joven a la Compañía de Jesús, si bien publicó casi todas sus obras
sin la autorización de la Orden. Los continuos enfrentamientos con las autoridades jesuitas le obligaron a residir en
diferentes lugares, aunque su actividad se desarrolló principalmente en su tierra natal: Aragón. Además de sus
actividades como clérigo, enseñó Gramática y Filosofía. El Oráculo manual es uno de sus libros más accesibles. Gracián
condensa su visión de la vida en 300 párrafos que con frecuencia contienen algún aforismo.

En El criticón, el título ya indica la mirada ferozmente crítica contra las apariencias y los engaños de la vida. Andrenio
(símbolo del ser humano ingenuo criado en la naturaleza) y Critilo (más reflexivo y desconfiado) inician un viaje durante
las cuatro estaciones del año. Las estaciones simbolizan la infancia del ser humano (primavera), su juventud (verano),
la madurez (otoño) y la ancianidad (invierno). También los lugares y los periodos de tiempo son símbolos. No se trata,
por tanto, de una novela realista, y se recurre, incluso, a la fantasía y a lo monstruoso.

MARÍA DE ZAYAS, LOS DESENGAÑOS AMOROSOS

María de Zayas y Sotomayor fue autora de poemas y obras de teatro, pero destaca por sus dos colecciones de novelas
cortas: las Novelas amorosas y ejemplares (1637) y su Parte segunda del sarao y entretenimiento honroso (1647), más
conocida en la actualidad como Desengaños amorosos. En estos relatos se incluyen versos (romances, sonetos…) que
los personajes se cantan o dicen entre ellos. Se recrean pasiones amorosas, engaños y galanteos, así como situaciones
descritas en ocasiones con extrema crudeza (enfermedades, castigos…). Sus narraciones incluyen reflexiones de todo
tipo, aunque predomina el relato de los acontecimientos, poco frecuente en la época.

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Entre las reflexiones y situaciones que incluye su obra, abundan las que se refieren a la mala opinión y a las injusticias
que sufre la mujer de su época. En buena medida, María de Zayas es una precursora del pensamiento feminista.

En los Desengaños amorosos incluye la narración La inocencia castigada. En ella, un caballero se enamora de una mujer
casada, doña Inés. Una vecina saca partido: con engaño, disfraza a una conocida suya de doña Inés y consigue que
durante varias noches don Diego crea encontrarse con su enamorada. Estos encuentros traen el beneficio de los regalos
del amante. El enredo no tarda en descubrirse y la vecina es condenada. Don Diego persiste en su pasión y acude a un
encantador moro de Sevilla con el objeto de que hechice a doña Inés. Por medio de un retrato y de una vela mágica,
doña Inés acude cada noche a los aposentos del caballero bajo la influencia del encantamiento. Él se aprovecha de la
mujer durante un tiempo, pero una noche el hermano de doña Inés y el corregidor logran desenmascarar a don Diego
y al encantador. Sin embargo, ni el hermano ni el marido de doña Inés confían en la honestidad de la mujer. Encierran
a doña Inés en un cuarto en el que apenas si puede sentarse; allí pasará años de tortura cruel. Unas vecinas terminan
por oír sus lamentos y, felizmente, la liberan del cautiverio atroz e injusto.

María de Zayas y Sotomayor nació en Madrid en 1590. No se conocen demasiados datos sobre su vida, pero se sabe
que vivió en distintas ciudades extranjeras y españolas. Fue una escritora estimada en los círculos literarios madrileños,
especialmente en los más cercanos a Lope de Vega. Se cree que murió en 1661.

5. EL TEATRO

La descomposición del Imperio español y la decadencia de la sociedad española fueron, paradójicamente, circunstancias
excelentes para favorecer el auge del teatro barroco. La comedia disimulaba los aspectos dolorosos de la sociedad,
pues su propósito era deleitar aprovechando. El teatro barroco respondía así a una doble finalidad: servir de
mecanismo de entretenimiento y exaltar los valores absolutistas de la monarquía como garantía del orden establecido.

Esta doble finalidad justifica que, al comienzo, las propuestas se centraran más en el éxito de la puesta en escena que
en su calidad literaria; de hecho, muchas de las obras representadas ni siquiera se editaron para su posterior lectura. La
irrupción de Lope de Vega va a tener unas consecuencias de gran importancia para el teatro y para la literatura. Al éxito
del teatro barroco contribuyen unos factores fundamentales:

• Lugares para la representación. Las representaciones eclesiásticas para conmemorar determinadas fiestas o
momentos de la liturgia religiosa se realizaban en las iglesias. A finales del siglo XVI los espectáculos profanos
también encontraron lugares específicos para su desarrollo: el corral de comedias, donde se representaban
obras dirigidas a un público urbano (se construyeron corrales de comedias por todo el país y se desarrolló un
reglamento que fijaba su funcionamiento, los días en los que se podía actuar y el cumplimiento de unas
normas), y el teatro mediterráneo o coliseo, para un público más elitista, como el Coliseo del Buen Retiro.
• Estructura de la obra dramática. Seguía un orden fijo formado por tres jornadas, entre las que se intercalaban
otras piezas menores. La duración de la obra era de dos horas a cuatro horas.
• La escenografía. La creación de ambientes se conseguía, por un lado, mediante las acotaciones, es decir, los
apuntes que el escritor incluía en su obra para dirigir las acciones de los personajes y marcar sus movimientos,
su tono y su vestuario; y, por otro lado, por la puesta en escena que disponía el director de la compañía.
• Los representantes. Surgen las compañías como eslabón entre los actores y los escritores. Algunos actores
tuvieron tanto éxito que les escribían papeles para ellos, como el famoso Juan Rana, protegido de nobles
o María Inés Calderón, la Calderona, célebre por sus amores con Felipe IV, de quien llegó a tener un hijo.
• El público pertenecía a todos los estratos sociales. Esto explica que el contenido de las obras intentara
satisfacer las distintas necesidades, desde lo más filosófico y erudito hasta lo más vulgar, sin olvidar lo divertido
y, por supuesto, lo sentimental. Las obras se publicitaban con carteles y pregones. Una obra podía permanecer
en cartel hasta quince días y en las localidades más pequeñas, tres o cuatro días.

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LOPE DE VEGA

Félix Lope de Vega y Carpio (1562-1635) fue un excelente poeta y, sobre todo, el autor más importante del teatro
barroco. Se le atribuyen cientos de obras. Explicó y justificó su teoría teatral en una epístola en verso, publicada en
1609, dirigida a los académicos de Madrid que cuestionaban su modelo teatral: el Arte nuevo de hacer comedias en
este tiempo o Nuevo arte de hacer comedias. La obra consta de tres partes fundamentales:

• Prólogo. Una introducción que trata de ganarse la benevolencia del público con adulaciones. En este prólogo
se disculpa por no haber seguido los preceptos clásicos y haber preferido dar gusto al público español.
• Exposición teórica. Contiene una parte de teoría clásica. A continuación, describe su nuevo arte: libertad
temática, mezcla de lo trágico y lo cómico, unidad de acción (no de espacio ni tiempo), estructura de tres actos
(planteamiento, nudo y desenlace), ausencia de tiempos muertos en la acción, lenguaje que caracterice a los
personajes, polimetría, mayor extensión de la obra y la adecuación del vestuario.
• Epílogo. Reafirma la validez del teatro que ha creado, pese a que contradiga los preceptos clásicos.

Se conservan más de cuatrocientas obras teatrales de Lope de Vega, cifra que da cuenta de la importancia de su
producción y de la cantidad de temas y argumentos trabajados. Se clasifican en tres grupos.

• Dramas del poder injusto, el honor y la virtud. Se trata de obras que plantean un abuso de poder del noble
hacia el villano. El rey se encargará de hacer justicia.

En Peribáñez y el comendador de Ocaña, Peribáñez y Casilda simbolizan la virtud moral y la felicidad ideal del
matrimonio, frente a la lascivia y el abuso de poder del comendador. El argumento es el siguiente: durante los
festejos de la boda de Peribáñez y Casilda, un toro hiere al comendador. Casilda lo atiende y él se encapricha
de ella. Envía a Peribáñez a una batalla para alejarlo de su esposa. Peribáñez lo sorprende cuando intenta
conquistarla y lo hiere mortalmente. El comendador asume su error antes de morir y perdona a Peribáñez. El
rey, no obstante, quiere imponer justicia y castigar a Peribáñez, pero las explicaciones que le ofrecen lo
convencen de la razón justa del villano.

Fuente Ovejuna recrea un suceso ocurrido en tiempos de los Reyes Católicos en la localidad cordobesa del
mismo nombre. En la obra, el comendador Fernán Gómez de Guzmán gobierna el pueblo sin piedad ni respeto
por sus gentes y toma a las mujeres por la fuerza cuando lo desea. Así lo hace con Laurencia, recién casada con
Frondoso. Este hecho induce a los vecinos a acabar con el tirano. Lo matan y asumen en conjunto la
responsabilidad de su muerte. Los reyes entienden las razones del pueblo y no imponen ningún castigo.

• Dramas de honra y honor conyugal. En estas obras el honor se entiende como una cualidad general, externa
al individuo y sujeta a leyes sociales, y no como una característica moral de la persona.

El castigo sin venganza es una de las obras más interesantes de Lope de Vega. Recoge el tema bíblico de la
mujer enamorada del hijo de su marido. No obstante, el enamoramiento de Federico y Casandra es anterior al
matrimonio no deseado de ella con el duque de Ferrara, padre del joven. Él es además hijo natural, con lo cual
el asunto de la vulneración del honor plantea una serie de razonamientos que impiden ser tajantes en el juicio.
Asimismo, el duque elige a Casandra para apaciguar a sus súbditos, que desean que se case y abandone su vida
de libertino. Tras la boda, el duque regresa a sus costumbres disolutas, y Casandra se refugia en su amor por
Federico. El duque descubre su relación por una carta anónima. Como no quiere reconocer el deshonor, simula
una causa política para su venganza. Ata y amordaza a Casandra y la cubre con una sábana. Después, ordena a
Federico que le dé muerte, asegurándole que se trata de un traidor que conspira contra él. Federico obedece
a su padre y el duque lo acusa entonces de haber asesinado a su madrastra por temor a perder su herencia.
Los servidores del duque matan a Federico.

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• Comedias de amor y enredo. Son obras muy apreciadas por el público, centradas en la realidad del momento
y protagonizadas por enamorados que viven situaciones en las que deben defender su sentimiento.

El perro del hortelano es una obra especial, porque en ella aparecen dos motivos muy del gusto de la época:
el amor entre personas de distinto rango económico y social, y la envidia que despierta la contemplación del
sentimiento amoroso ajeno. Diana, la condesa de Belflor, cree enamorarse de su secretario Teodoro al saber
lo contenta que se siente su criada Marcela por amarlo y ser correspondida. Es importante este punto porque
se trata de un sentimiento que no es fruto de su propia naturaleza sentimental, sino del deseo de Diana de
poseer lo que no tiene. La dama, haciendo uso de su superioridad, se interpone entre la pareja de enamorados,
pero, en cuanto ha conseguido romper la unión, pierde el interés y reconoce la imposibilidad de unirse con
alguien de un estamento inferior al suyo.

TIRSO DE MOLINA, EL BURLADOR DE SEVILLA Y CONVIDADO DE PIEDRA

La fórmula teatral de Lope de Vega fue la mejor escuela para los autores posteriores. Tirso de Molina respetó las
innovaciones lopescas e introdujo cambios:

• La claridad expositiva de sus planteamientos. La trama de sus obras está muy bien ensamblada, lo que
contribuye a dotar de verosimilitud a sus textos.
• La mejora considerable en el tratamiento de los personajes. A diferencia de Lope de Vega, Tirso de Molina
consigue ahondar en la psicología de sus caracteres.
• La precisión ideológica de sus textos. En las obras de Tirso de Molina no cabe la duda ni la discusión. Este rasgo
es positivo desde el punto de vista conservador, pero impide al espectador participar en la trama, pues ha de
aceptar lo que la obra le ofrece.
• La agudeza de su ingenio, que le permite hacer uso de la sátira por medio de un lenguaje muy rico, con
presencia abundante de los juegos de palabras propios del Barroco.
• Uno de los rasgos más importantes de su teatro es la capacidad para crear personajes femeninos desde una
postura muy moderna. En las obras de Tirso de Molina, las mujeres son auténticas heroínas y se resisten a
aceptar el papel pasivo y subordinado al varón que la sociedad les había reservado.
• La mayor profundización psicológica de los personajes le lleva a Tirso de Molina a tratar temas muy
debatidos por los teólogos del momento: la libertad, la predestinación, la salvación del alma…

Tirso de Molina, pseudónimo de fray Gabriel Téllez (1579-1648), fue un fraile y un escritor madrileño de la escuela de
Lope de Vega. Como religioso, ocupó distintos cargos importantes que lo llevaron a viajar por América. Como escritor,
fue el padre de uno de los mitos literarios con más proyección cultural: el mito de don Juan, el enamorado impenitente.
Podemos clasificar la obra de Tirso de Molina, atendiendo a su temática, en tres apartados:

• Dramas bíblicos. La materia para estos textos proviene del Antiguo y del Nuevo Testamento. En La venganza
de Tamar, es muy interesante su revisión del tema de la violación de Tamar por parte de su hermano Amón.
Tirso de Molina, además de exponer el horror de este suceso, plantea el interés oculto que mueve a Absalón a
vengar la ofensa hacia su hermana, pues está interesado en reinar y le favorece quitar de en medio al otro
hermano.
• Dramas históricos. Estas obras presentan el pasado histórico desde el punto de vista de los héroes que lo
protagonizaron. Destaca entre todas La prudencia en la mujer, obra ambientada en el medievo y cuya heroína
es María de Molina, la reina de Castilla.
• Comedias de costumbres y de intriga. Siguen la línea de Lope y exploran el lado lúdico del teatro, con enredos
y juegos que confunden al espectador y consiguen ganarse su atención. Entre las comedias de este tipo
destaca Don Gil de las calzas verdes. Tirso involucra a todos los personajes por medio de engaños y disfraces.

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El burlador de Sevilla y convidado de piedra no encaja en ninguno de los apartados anteriores y suele analizarse de
forma independiente. Tirso de Molina recoge en ella dos motivos presentes en la literatura anterior: el joven mujeriego
y la cena macabra.

El argumento de El burlador de Sevilla es una sucesión frenética de conquistas. Su acción comienza en Nápoles, donde
don Juan seduce a la duquesa Isabela; luego huye y naufraga. Encuentra refugio en una cabaña de pescadores y, con la
promesa de casamiento, se aprovecha de la pescadora Tisbea. Llega a Sevilla y se introduce en la casa de doña Ana de
Ulloa al interceptar una nota de su prometido. La mujer se da cuenta y grita; su padre, don Gonzalo de Ulloa, acude a
auxiliarla y don Juan lo mata. Huye a Dos Hermanas, un pueblo sevillano donde se va a celebrar la boda de dos
campesinos. Don Juan aleja al novio, seduce a la novia y huye de vuelta a Sevilla. El final de la obra cierra ese recorrido
de huidas con un desenlace funesto. En una iglesia, se encuentra con el sepulcro de don Gonzalo de Ulloa, presidido por
su estatua. Don Juan, sin piedad alguna, se mofa de él y lo invita a cenar. La estatua acude a la posada (como convidado
de piedra) y cita a don Juan en su capilla a la noche siguiente. Allí, lo toma de la mano y don Juan siente un fuego de
muerte. Pide confesión; sin embargo, no hay perdón para el burlador y muere sin ser confesado.

El personaje de don Juan representa el tópico de la seducción amorosa masculina que persigue sin descanso el placer
y solo lo obtiene en la novedad de cada conquista. Para don Juan no existe ni pasado ni futuro. Su acción se vive en un
presente constante, sin tiempo para la reflexión, solo engaño, posesión y huida. El espacio de la obra es variado, con
escenarios al aire libre y en lugares cerrados. También son variadas las conquistas, nobles y rústicas. El final es trágico:
en un ambiente sobrenatural, la justicia divina no quiere ser clemente con el burlador.

CALDERÓN DE LA BARCA, LA VIDA ES SUEÑO

El teatro de Calderón de la Barca parte de la propuesta de Lope de Vega y hace suya la profundización psicológica de los
personajes de Tirso de Molina. Su fórmula teatral perfecciona los planteamientos anteriores, se caracteriza por:

• Orden en la estructura de la obra y en la disposición del contenido.

• Claridad en el planteamiento general, el desarrollo y la solución del conflicto.
• Sistematización de los sentimientos básicos gracias a la antítesis y situaciones dramáticas paralelas.
• Personajes agrupados jerárquicamente en torno a un personaje clave.
• Unificación de la acción y concentración dramática.
• Conflicto interior, que se manifiesta en la obra por medio de monólogos.
• Lenguaje barroco, de gran riqueza verbal y con abundancia de figuras retóricas.

Calderón de la Barca (1600-1681) nació en Madrid. Estudió con los jesuitas y en las universidades de Alcalá y Salamanca.
A los 23 años estrenó sus primeras comedias. Se dedicó toda su vida al teatro, incluso después de ordenarse sacerdote,
ya a la edad de 51 años. Su teatro comparte la excelencia con el de Lope de Vega, tanto desde el punto de vista literario
como por las posibilidades de la puesta en escena. A diferencia de Lope, Calderón llevó una vida mucho más austera,
centrado en sus creaciones y muy celoso de su intimidad. Calderón de la Barca cultivó todos los géneros. Podemos hacer
una clasificación de su obra en función de sus temas.

• Dramas religiosos y autos sacramentales. Sus personajes son simbólicos: hombre, Dios, diablo, etc.
Destacan El príncipe constante (un modelo de caballero cristiano que elige la libertad de morir por su religión)
y El gran teatro del mundo (sobre la creación del mundo y su funcionamiento).
• Dramas de honor. El honor social es ley que debe ser defendida hasta con la muerte. Destaca El alcalde de
Zalamea. En esta plantea el honor como una virtud del alma, de la que depende la dignidad de la persona.
• Dramas filosóficos. Plantean el conflicto entre la libertad y el destino, por medio de personajes trágicos cuyo
sino adverso es causa de destrucción. Destacan El mágico prodigioso, La vida es sueño y La hija del aire.

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 LENGUA CASTELLANA Y LITERATURA – 1.º BACHILLERATO
PROYECTO: LA CAJA DE LAS LETRAS

En La vida es sueño, una de las obras maestras del teatro español del Siglo de Oro, el protagonista, el príncipe
Segismundo, encadenado y encerrado en una torre sin saber por qué está allí ni qué ha hecho mal. Todas las cuestiones
que se plantea giran en torno al concepto de la libertad. El rey Basilio, su padre, lo ha encerrado desde su nacimiento
porque los astros auguraron un futuro funesto para su reino en manos del hijo. Ante los lamentos desesperados de este,
el rey decide hacer una prueba. Lo drogan, lo sacan de su encarcelamiento y lo colocan en el palacio, pero la soberbia
de Segismundo y su falta de piedad y mesura justifican que vuelva a ser encerrado. Otra vez en su prisión, razona que
aquella libertad pudo ser un sueño. Una revuelta popular lo libera de nuevo y, esta vez, Segismundo es capaz de
contener su impulso pasional.

En la obra concurren dos líneas de acción: por un lado, la historia de Segismundo; por otro, la de la joven Rosaura,
deshonrada por Astolfo. Ambas historias se cruzan cuando Segismundo se enamora de Rosaura, si bien obliga a Astolfo
a casarse con ella para restituir su honor. Las dos acciones de la obra encuentran un nexo que las relaciona: una mujer
sin honor y un futuro rey sin la formación necesaria para desempeñar su función; ambos tendrán que superar estos
escollos para poder asumir su vida con dignidad. Esto explica que sea tan importante para Rosaura que su honor se vea
resarcido y para Segismundo que su educación dé muestras de mejoría. La renuncia al amor que él siente por Rosaura
se transforma, de este modo, en una prueba de magnanimidad y generosidad, cualidades que debe tener un buen rey.
La influencia positiva que Rosaura ejerce en Segismundo es fundamental para entender este cambio en el personaje.

Se trata de una de las obras que más repercusión ha tenido en la literatura universal de todos los tiempos, tanto por su
contenido filosófico como por la belleza de su composición. El espectador ha de enfrentarse a distintas oposiciones.