Miriam Speyer

Les Contes des fées de Marie-Catherine D’Aulnoy ont été un grand succès à la fin des années 1690. L’étude développe quelques hypothèses concernant les « recettes du succès » mobilisées par la conteuse et s’intéressera pour ce faire notamment aux vers insérés dans les contes pour souligner, dans les critères qui ont présidé à leur composition et/ou sélection, certains parallèles avec la culture populaire (et commerciale) de nos jours. Ces poésies n’étant pas, cependant, les pièces à succès du moment de publication des contes, la réflexion s’intéressera aussi à l’impression de « déjà-lu » produite par les récits pour montrer ce que les Contes de fées, et peut-être nombre d’autres productions littéraires galantes, partagent avec des services de musique à la demande comme Spotify ou YouTube.

Les Œuvres meslées de Madame de Villedieu, ouvrage en trois tomes publié chez Claude Barbin en 1674 s'inscrivent dans l'esthétique des œuvres galantes composites qui plaisent tant aux mondains dans les années 1660 et 1670. Composés à une ou à plusieurs mains, ces recueils mêlent pièces en vers, lettres et récits en prose ou en prosimètre, le sujet étant presque exclusivement l'amour.
Voir en ligne : https://madamedevilledieu.huma-num.fr/jeuneschercheurs/Speyer_collage

En ligne sur HAL : https://hal.archives-ouvertes.fr/hal-03273050.

Souvent cité comme le parangon du recueil collectif galant au XVIIe siècle, le Recueil de pièces galantes en prose et en vers, dit aussi « La Suze-Pellisson », est mal connu. L’histoire de ce recueil, continûment augmenté par des pièces reprises d’autres publications, est faite de réarrangements et de copier-coller, ce qui lui a valu le mépris de la critique moderne. La longévité de la publication (1663-1748) dément cependant les critiques : le recueil était un best-seller. Dans cet article, nous nous proposons d’interroger les pratiques de reprise et de recomposition à l’œuvre dans ce recueil qui, nous semble-t-il, sont révélatrices d’un changement de statut : forme de revue littéraire galante dans les années 1660, le recueil se mue au fil du temps en anthologie, circonscrivant le champ d’une certaine poésie galante.

En ligne : https://publications-prairial.fr/pratiques-et-formes-litteraires/index.php?id=229

Résumé :
Bien que mode de publication majeur de la poésie profane au XVIIe siècle, le recueil collectif a souvent été négligé par la critique moderne qui en a critiqué le désordre ou l’importance de l’anonymat. L’article pose la question du rôle de ces « ramas de diverses poësies » dans la canonisation de pièces ou de poètes sur le court et moyen terme. Valorisés au moment de leur publication pour la sélection de textes qu’ils proposent, certains recueils vont de plus être allégués comme sources pour l’historiographie littéraire encore naissante à la fin du siècle de Louis XIV.

Abstract :
In 17th century France, poems are often published in collections which unite various authors. This paper will scrutinize the way these collections contributed to the development of a canon of poetry. In fact, though often neglected by modern scholars, these collections were valued in their time for the poetry selection they offered their readers. Some of them will thus serve as sources in the emerging field of literary history at the end of the reign of Louis XIV.

Crédits de la page de titre :
-Gravure de la page de titre : BnF/Gallica
-Graphisme : Florence Poncet (IHRIM)
https://publications-prairial.fr/pratiques-et-formes-litteraires/index.php?id=242

En ligne : https://lentre-deux.com/index.php?b=83

Au XVIIe siècle, la poésie se publie massivement non dans des recueils d’auteur, mais dans des recueils collectifs. À partir des années 1650, ces publications intègrent de plus en plus de pièces en prose ou en prosimètre. La contiguïté des deux formes d’écriture, dans les recueils et à l’intérieur des compositions galantes, annonce le brouillage des styles : la hiérarchie entre vers et prose semble s’estomper et n’est, en fin de compte, peut-être plus qu’une question de mise en forme sur la page imprimée.

Abstract
17th century gallant poetry is often published in poetry collections. From 1655 onwards, these publications include also texts written partly or entirely in prose. The proximity of verse and prose, united in the same book, and even in the same composition results thus in their interference. The traditional hierarchy of styles fades and their difference might basically reside in their disposition on the printing page.

En ligne sur HAL : https://hal-normandie-univ.archives-ouvertes.fr/hal-01921669

À l’aube du XVIIe siècle, la poésie, dite ou chantée, est avant tout publiée dans des recueils collectifs, dont le travail bibliographique de F. Lachèvre souligne l’essor. Dans le cadre de notre thèse, consacrée aux recueils collectifs publiés entre 1597 et 1671, nous élaborons une base de données recensant toutes les pièces contenues dans ces recueils. C’est dans cette exploration quantitative qu’a émergé le statut particulier des pièces qualifiées comme «chansons», particulièrement au début du siècle. Publiée dans des recueils de chansons au XVIe siècle, cette forme est alors intégrée aux recueils de poésie et y voisine avec des pièces poétiques destinées à la lecture. Or, les chansons sont de moins en moins nombreuses dans les recueils des vingt premières années du XVIIe siècle. Plus encore, bien des pièces initialement qualifiées de « chanson » se trouvent à cette époque-là, requalifiées en « stances ». Quels indices cette évolution nous livre-t-elle sur les pratiques de la poésie chantée ? Si la chanson se compose volontiers en vers hétérométriques, quelle nouvelle lumière cette observation apporte-t-elle au sujet de l’essor des stances hétérométriques généralement attribuée à Malherbe (Fromilhague, 1954) ? L’approche quantitative permettra finalement aussi de mettre en perspective le devenir de la chanson et de la poésie chantée dans les recueils collectifs ultérieurs : constitue-t-elle une forme à part ou, au contraire, une forme poétique à part entière.

Fantasmer l’identité féminine – une certaine identité féminine – c’est ainsi que l’on peut appréhender tout un pan de la poésie occidentale depuis Pétrarque et sa Laure. En effet, les poètes pétrarquistes et néoplatonistes voient la femme comme l’incarnation de la beauté, idéale au point de pouvoir rivaliser avec les déesses gréco-romaines. Mais à la toute fin du XVIe siècle apparaît un mouvement contraire : les poètes satyriques s’insurgent pour différentes raisons contre ces courants idéalisants et en prennent le contre-pied. Au lieu de parler de « cheveux d’or » et de « lèvres vermeilles », on évoque alors des visages difformes et marqués par le temps, des corps maigres et défigurés par la maladie. Le réel le plus prosaïque envahit la poésie et c’est le corps féminin qui en devient l’espace de projection. Or, le fantasme n’en reste pas moins présent. Si la poésie amoureuse idéalisante fige la femme dans la perfection, l’imagine comme proche de la divinité, les poètes satyriques la dissèquent vers par vers. Certes, les femmes sont décrites sur un mode bien plus proche du réel et loin de toute idéalisation, mais on ne saurait pas pour autant parler de régime réaliste. Difficile en effet d’imaginer une femme dont le visage « paroist un vray cul de Reistre », dont le front « comme une crouste de pasté, / Figure une victoire tragique » et dont les « lèvres filent de la laine », une dame dont le nez « ressemble un fusil » et la bouche à « un cul de coq d’inde ».
Dans ces pièces publiées dans les recueils satyriques, les poètes se font peintres d’une femme-monstre. Dans de véritables amoncellements comparatives, des accumulations de syntagmes descriptifs, les poètes créent des visions hallucinatoires de femmes plus abominables les unes que les autres. Cascades d’invectives, les vers deviennent le lieu d’un défoulement où les fantasmes de la femme monstre semblent dotés de vertus cathartiques.
En partant de ces observations, la communication s’attacher à interroger les modalités de mise en place de ces visions fantasmagoriques. Comment les poètes créent-ils ces figures de papier ? Qu’est-ce qui sépare véritablement ces femmes fantasmées des figures féminines que peignent les poètes néoplatonistes ? Et quel est le rôle du vers dans ces créations où se déchaînent avec violence tous les fantasmes obscènes et morbides ?

Accessible en ligne sur le site du LASLAR (EA 4256): http://www.unicaen.fr/recherche/mrsh/laslar/4285

En ligne sur le site "Madame de Villedieu" : https://madamedevilledieu.univ-lyon2.fr/miriam-speyer-2016-de-l-art-du-collage-la-troisiesme-partie-des-oeuvres-meslees-1674-de-madame-de-villedieu-713128.kjsp?RH=grac25

C’est en 1674 que paraissent chez Claude Barbin les Œuvres meslées de Madame de Villedieu. Le renouveau d’intérêt pour l’œuvre de l’autrice dans les années 2000 a mené à maints travaux sur Le Portefeuille qui en constitue la première partie. Ce bref roman épistolaire a récemment connu même deux éditions critiques. Or, les Œuvres meslées continrent lors de leur publication en 1674 non pas une, mais trois parties. Si la deuxième partie, un échange de lettres en prosimètre, trouve évocation dans un certain nombre de travaux critiques, la troisième partie est presque toujours passée sous silence. Hormis l’article de mise au point bibliographique de Rudolf Harneit paru dans la RHLF (n°5, 2001, p. 1455-1462) en effet, aucun travail n’a, à notre connaissance, vu le jour qui aborderait le recueil de poésies qui constitue la troisième partie.
En partant du constat que la grande majorité de ces poésies ne sont pas, comme l’affirme Rudolf Harneit, inédites en 1674, le présent article retrace l’histoire éditoriale de cette troisième partie qui jouit, dès sa création, d’un statut quelque peu à part. Bien des indices dans cette partie, véritable collage de pièces extraites d’œuvres narratives et dramatiques publiées antérieurement, nous invitent de plus à nous interroger sur l’identité du compilateur : fut-ce Madame de Villedieu ou, au contraire, une main étrangère qui composa cette Troisiesme Partie ?

Conférence enregistrée : https://e-diffusion.uha.fr/video/3661-j1-miriam-speyer-retour-dexperience/

Au début du XXe siècle, Frédéric Lachèvre fait, dans sa Bibliographie des recueils collectifs de poésies publiés entre 1597 et 1700, l’inventaire des compilations poétiques parues tout au long du XVIIe siècle. Or, la bibliographie matérielle, quoique très précieuse, limite fortement les angles d’approche, tandis que la base de données permet, elle, de tenir compte de toute la plasticité de ce corpus hétérogène. À l’exemple des recueils collectifs de poésies du XVIIe siècle, l’intervention cherchera à présenter la genèse et les apports heuristiques de ce type d’outil numérique, tout particulièrement dans un travail de thèse, et d’en esquisser les prolongements possibles.

Conférence enregistrée : https://webtv.univ-rouen.fr/permalink/v1261b86a471al6j6udf/iframe/

En 1698 paraît à Paris, chez la Vve C. Mazuel le recueil La Nouvelle Pandore ou les femmes illustres du siècle de Louis le Grand [...] dedié aux Dames. Paru deux ans après le premier tome des Hommes illustres de Perrault, ce recueil, orchestré par Guyonnet de Vertron propose une galerie des femmes illustres du siècle de Louis XIV. Or, contrairement à l’œuvre de Perrault, la Nouvelle Pandore loue essentiellement des femmes encore en vie. Plus frappant encore, le recueil ne fait pas le portrait de ces « femmes illustres », mais leur accorde la parole : à la suite des discours académiques en faveur des femmes ou de l’égalité des sexes de son cru, Vertron réunit les poésies et lettres de ses contemporaines.
Selon le discours « du Mérite des Dames » qui ouvre le recueil, « la femme l’emporte sur l’homme par l’Éloquence » (I, 17). Les poésies et lettres de Mlle Certain, Mme Deshoulières, Mme de Salvan, Mme de Plat-Buisson, Mlle de Scudéry et d’autres vont permettre au lecteur de juger sur pièce. En tant qu’œuvre d’un historiographe du Roi, comme le précise la page de titre, la Nouvelle Pandore participe aussi à l’écriture de l’histoire et de la grandeur du règne de Louis XIV. Production inscrite dans le prolongement de la querelle des Anciens et des Modernes, elle illustre la position féministe de ces derniers. Mais la compilation se lit encore comme une illustration de son compilateur masculin. C’est cet autoproclamé « protecteur du beau sexe » (I, 461) qui orchestre les pièces poétiques, et établit la galerie des « Muses Françoises ou [...] Dames illustres de France» ou celle des «sept merveilles de la République des Lettres ». La configuration même du recueil invite dès lors à interroger la relation entre les voix des autrices et celle de celui qui les publie, Vertron...

Résumé de la communication :

Après l’introduction des caractères romains et italiques en France sous François Ier, des emplois propres pour les deux lettres se développent. D’une part, l’italique devient la lettre de prédilection pour marquer le changement énonciatif, l’usage en mention ou la citation. De l’autre, ressenti comme plus élégant que le caractère romain, l’italique devient le caractère de la poésie. Une manière de plus pour montrer que cette « langue des dieux » se situe bien au faîte de l’hiérarchie des genres.
Au cours des années 1650 cependant, le caractère italique disparaît des recueils poétiques polygraphiques et autographiques imprimés en in-12° et in-8°. Plusieurs déplacements s’observent alors qui affectent à la fois le statut de la poésie et les mécanismes permettant de rendre hommage à un texte, son auteur ou son dédicataire. En effet, si l’italique se maintient jusqu’à l’aube du XVIIIe siècle pour l’édition de textes versifiés, ce n’est que pour des publications en grand format. Or, seuls ont l’honneur de paraître en ces éditions onéreuses des textes composés à l’honneur des grands du royaume ou à Dieu.
Pendant du dernier tiers du siècle, la mise en valeur d’une œuvre en vers est dictée par la dignité de son inspiration. L’écriture versifiée seule ne semble plus avoir de valeur intrinsèque. Il en va de même avec le prestige symbolique de la lettre italique ; au XVIIIe siècle, l’usage de celle-ci se réduira progressivement à celui qui est le sien de nos jours.

Communication lors du 16e colloque Jeunes Chercheurs CIERL-CIREM « De la parole à l’écrit : formes, fonctions et représentations de l’oralité sous l’Ancien Régime », Rimouski (Québec), 16-17 juin 2016

À paraître en 2018.


Quand « amours » rime avec « discours » : des fonctions et pouvoirs de la parole dans l'histoire sentimentale en vers.

Le début du XVII e siècle voit une explosion des fictions narratives, majoritairement à thématique amoureuse. Les personnages sont des parleurs intarissables, le discours direct, dans la tradition rhétorique de la prosopopée, étant considéré comme l'accès le plus direct à l'intériorité du personnage. Les histoires sentimentales en vers de Bertaut 1 et La Roque 2 ainsi que « Les Infortunees Amours de Meandre & d'Alize » 3 , dans la lignée des récits médiévaux, sont innervées par le discours oral. Les effets d'oralité (apostrophe des personnages, adresse au lecteur) abondent, le champ sémantique de la parole est omniprésent. Suite à cette insistance formelle et lexicale, il s'agira d'engager une réflexion sur la valeur du mot prononcé, « discours » rimant avec « amours », « bouche » avec « touche », mais « pensée » avec « offensée ». Dès lors, ce questionnement nous permettra d'interroger également la position de l'auteur, dans la mesure où l'histoire peut être considérée comme prise de parole de ce dernier. Alors que l'histoire sentimentale en prose multiplie l'insertion de formes oralement marquées (lettres, vers, dialogues), mises en évidence par la mise en page, le récit versifié occulte ces prises de parole. Le brouillage énonciatif entre l'auteur et les personnages devient possible. De plus, la distribution de la parole reflète le système manichéen des personnages. Si seuls les bons ont droit au discours direct et les paroles de l'auteur et du personnage se confondent dans la forme versifiée, quel est donc l'ethos de l'auteur qui se construit ?

Principal mode de publication imprimée de pièces poétiques inédites après les guerres de Religion, le recueil collectif offre un accès privilégié à l’évolution des pratiques et des goûts poétiques du xviie siècle. Dans une perspective diachronique, cette étude affine notre connaissance des différents courants poétiques qui se succèdent au cours de cette époque. Elle entreprend de dégager, en synchronie, les principaux traits stylistiques et métriques propres à une même période. Enfin, croisant l’histoire du livre et l’analyse sociocritique, ce travail s’intéresse au recueil en tant qu’objet commercial et aux usages que libraires, auteurs et lecteurs en font.