Abel Ferrara

"Numero 20 di “Fata Morgana” (di fatto ventunesimo fascicolo, essendoci stato un numero 0), numero speciale, numero su
"Cinema", a cui partecipano anche molti cineasti.  Questi ultimi hanno scelto, o disegnato, l’immagine di un film rappresentativo della loro idea di cinema, associandola ad un breve testo, talvolta poche parole. Numero a cui partecipano studiosi di prestigio, alcuni dei quali accompagnano la rivista fin dalla sua nascita."

Abel Ferrara è regista anomalo, onnivoro nei gusti, passionale e umorale nella realizzazione dei film. Aperto alle esperienze, privo di pregiudizio verso qualunque supporto mediatico. Abel Ferrara è un regista-artista, un menestrello della contemporaneità, un viveur appassionato ed eccessivo, un cineasta passionale e umorale, capace di alternare opere sublimi ad altre quantomeno discutibili. Mai banale, talvolta sgangherato nella forma ma rigoroso e moralmente ineccepibile nei contenuti. Un cantore della modernità metropolitana (ma non solo); un artista che usa il “genere” come contenitore di opere che si alimentano delle pagine più oscure e contraddittorie della contemporaneità. Spesso, semplicisticamente, identificato come artista maledetto, in realtà è regista che della riflessione sulla dicotomia Bene-Male e delle implicazioni e dei limiti del libero arbitrio ha fatto le colonne portanti di una filmografia morale e mai moralista. Nella sua lunga carriera ha realizzato anche videoclip, spettacoli teatrali, documentari; diretto serie tv, inventato format e abortito innumerevoli progetti per mancanza di denaro.

Regista di genere, interprete della contemporaneità, maestro del disincanto: Abel Ferrara è artefice di un percorso cinematografico personalissimo e controverso, che affonda le sue radici profonde nella carne e nello spirito di individui divorati da un’esistenza maledettamente terrena. Il libro analizza l’opera di Abel Ferrara alla luce delle più recenti evoluzioni di una poetica vicino ai grandi dubbi dell’uomo di oggi.

The Blackout (1997) y New Rose Hotel (1998) son las dos películas más complejas y arriesgadas formalmente de toda la filmografía de Abel Ferrara. Ambas abordan las relaciones entre la verdad y el recuerdo, entre la imagen real y la imagen mental. The Blackout trata el problema de la imagen que falta. Y New Rose Hotel, como mantiene Nicole Brenez, hace una extensión crítica de la misma cuestión porque la película está organizada sobre una opaca proyección de imágenes que no somos capaces de entender y que reflejan un mundo de ausencias, fragmentos y reflejos inciertos. En las imágenes de The Blackout transitan las sombras de Vértigo (1958), de Alfred Hitchcock, o Carretera perdida (Lost Highway, 1997), de David Lynch, y la atmósfera de los relatos cortos de Poe. En las de New Rose Hotel resuena la ciencia ficción cyberpunk mezclada con arquetipos noir. Su trama fragmentada y elíptica parece un precedente de la postconuidad de Boarding Gate (2007), de Olivier Assayas. Dos películas con Asia Argento en el papel de femme fatale que nos hablan de los nuevos flujos del capital en un mundo desmaterializado en donde la imagen es ubicua, virtual y fantasmática. Tanto The Blackout como New Rose Hotel nos muestran que la fuerza de la imagen fílmica se encuentra en la melancolía. La memoria ya no es algo inmutable sino volátil y la imagen fílmica nos entrega al cambio constante, recordándonos que el presente resulta de ese devenir de lo que una vez fue, ocurrió o estuvo ahí. Tanto una como otra, nos hablan de la melancolía y el duelo por un amor que ya no está pero que una vez estuvo y que se convierte en un peso infinito y doloroso para sus protagonistas, y que los obliga o bien al olvido o bien al recuerdo, las dos caras de la memoria. Si la melancolía final de New Rose Hotel se aproxima a una compulsiva y dolorosa repetición de las imágenes que funciona como prueba de la traición y como consolación de un amor perdido, el recuerdo de la imagen que falta en The Blackout se asemeja a un proceso de duelo amoroso, en donde su beneficio es el recuerdo, y el delirio y el sufrimiento su coste...»

This article is a study of aspects of the criticism, and critical methodology, of Nicole Brenez, taking her book Abel Ferrara (2007) as its primary text. Abel Ferrara was translated by Adrian Martin, who has done a great deal to champion Brenez's work in the English-speaking world. I am fully in agreement with Martin about Brenez's significance, but I find that he sometimes appears to overstate the distinctiveness of her methodology. He has written that she practices 'a mode of film criticism that calls itself figural analysis' (Martin 2015); in what follows I shall argue that, rather than representing a wholly distinct 'mode of film criticism', Brenez's work has affinities with that of critics in the tradition associated with Movie, specifically V.F. Perkins (affinities that I have not seen commented upon elsewhere). But, though both Brenez and Perkins give a central role to notions of synthesis, their critical priorities are somewhat different, and I shall also indicate some areas of divergence, which could be said to hinge around ideas of credibility and the importance of the viewer's uninterrupted immersion in the fictional world.

In this cultural study we will discuss how the cinema from the last four decades has shown the urban space dedicated to the upper classes: those are very distinctly marked spaces and the upper-lower exchange areas are strictly marked out. During late capitalism cities have been designed according to a markedly bipolar scheme, with small fenced areas reserved to the lucky elite, and large slum areas around them. The films from these years have captured this view, as this art is a diffuser of ideas among large audiences. This analysis has taken into account movies from several genres, kinds and origins: fantasy, drama, cult movies, blockbusters, Hollywood, European cinema, South American movies… The proposed part of the viewing of several movies, plus a theoretical basis of bibliographical references that sustains the discourse / En el presente estudio cultural se expondrá cómo el cine de las últimas cuatro décadas ha mostrado el espacio ciudadano dedicado a las clases altas, espacios muy marcados y con las zonas de intercambio con las otras clases estrictamente delimitadas. Durante los años del capitalismo avanzado las ciudades se han pensado según un esquema bipolar muy acentuado, con pequeñas zonas valladas dedicadas a la élite afortunada, y grandes extensiones de chabolas alrededor de ellas. El cine del periodo lo ha plasmado, al ser un arte difusor de ideas entre grandes audiencias. Para el análisis se han tenido en cuenta películas de géneros, tipos y procedencias muy variados: fantástico, drama, de culto, blockbusters, Hollywood, cine europeo, suramericano… La propuesta parte del visionado de varias películas, más una base teórica de referencias bibliográficas que sustentan el discurso.