Cine Feminista

Se hace un análisis de la película predecesora de "La seducción" de Sofía Coppola, de Don Siegel, con Clint Eastwood, en la que se estrena como actor de carácter y Geraldine Page, donde se muestra una tragedia a puerta cerrada, donde el infierno son los demás, en medio de una moral de la ambigüedad.

El libro que propone Antonella Estévez se organiza en tres tiempos. El tiempo de un prólogo, el de entrevistas a mujeres directoras de cine (ocurridas en el marco de encuentros convocados por la Universidad del Desarrollo en Chile), y el tiempo de una compilación de conversaciones que la autora y editora de este libro, llevó a cabo con mujeres que por su trayectoria y trabajo en distintos roles en el cine las considera clave para dar voz al relato coral de este volumen. Por qué filmamos lo que filmamos. Diálogos en torno a la mujer en el cine chileno remite a otro trabajo ya publicado por Estévez, en el que se abocó a filmes producidos en el período de tiempo comprendido entre 2006 y 2016 sin una pregunta dirigida, aquella vez, a la diferencia sexual.

Claudia Llosa's seminal work The Milk of Sorrow (La Teta Asustada) is a Peruvian feature from 2009 that has been widely analysed and scrutinized. It deals with very intriguing topic of trauma and self-inflicted oppression of a young indigenous woman in contemporary Peru. The task in this research was to elaborate and display how the personal trauma of the female, a victim of rape committed by the Peruvian guerrilla and paramilitary is transmitted onto her daughter and what are the consequences of that transmission. Another goal was to show case how the narrative structure of the film is overlapped by psychological narration unspoken in film, but evident to the viewer through the over amplified presence of the symbolism and through the protagonist's inner state of mind. The narrative is built upon an indigenous belief that the evil of the rapist transmits through mother's milk and that it can only be understood when a subject becomes aware of its own pre-traumatizing experience. This is exemplified by iconological and symbolic usage of the potato, which the protagonist Fausta inserts into her vagina. She does so in order to shield herself from the transmitting of the evil, but the potato inevitably becomes a trigger/safety of her traumatizing existence. The real narrative is thus border by the potato insertion and finally by the potato being removed from the protagonists genitals. Frame and montage analysis of the strategies employed by Llosa reveals that the visual and symbolic content of The Milk of Sorrow narrates the trauma in the unique way that has influenced feminist filmmakers in the Latin America to approach the taboo topics like rape and incest from different perspectives. At the same time, the trauma narrative produces ambiguity that has led the scholars to complete opposition in their analysis, and precisely this ambiguity is the raison d'être of this research.

En este artículo se revisará parte del trabajo fílmico de la cineasta afrocubana Sara Gómez Yera, con el fin de exponer argumentos que la directora formuló pocos años después de la implementación del régimen revolucionario en Cuba. Su militancia y agudeza plasmadas en sus películas, casi todas de corta y de media duración, excepto su primer y único largometraje De cierta manera (1974), manifestaron el sentir de grupos excluidos en una sociedad devenida de procesos históricos complejos. Racismo, machismo, marginación y la asimilación de una identidad revolucionaria son algunas de las categorías que se pondrán en diálogo con elementos de la producción cinematográfica de esta cineasta en aras de reflexionar sobre la relevancia de su trabajo.

RESUMEN En este trabajo se sostiene que la película Rosario Tijeras es un filme que puede considerarse feminista pues, Rosario Tijeras es una mujer empoderada que cuenta su propia historia. Lo anterior en consideración a que el empoderamiento enfocado desde el movimiento feminista y la perspectiva de género implica que las mujeres accedan en igual medida a los bienes materiales, intelectuales e ideológicos que permitan que tomen decisiones sobre sus cuerpos y sus vidas, se entiende que no en todos los casos el empoderamiento se da de manera positiva sino que puede manifestarse como con-frontación con la propia estructura social. En este sentido desempeña un papel fundamental el contexto. Rosario Tijeras vive en un contexto definido por hombres, pero durante el desarrollo de la historia va asumiendo decisiones sobre su cuerpo y sobre su vida aún a costa de su propia seguridad, convirtiéndose en una transgresora. El análisis se realiza a partir de: 1. la propuesta de Scott, quien desagrega los elementos que constituyen la identidad de género y que en este trabajo funcionan como categorías; el análisis semiótico partiendo de Cirlot y Tresidder; y 2. El análisis formal a través de la descripción de antecedentes y uso del lenguaje cinematográfico. ABSTRACT This paper argues that the film Rosario Tijeras is a film that can be seen as feminist, Rosario Tijeras is an empowered woman who tells her own story. This considering that the empowerment focused from the feminist movement and gender implies that women's access equally to the material, intellectual and ideological assets out of which to make decisions about their bodies and their lives, it is understood that no in all cases empowerment occurs positively but can manifest as confrontation with the social structure. In this sense it plays a key role context. Rosario Tijeras lives in a context defined by men, but in the course of history is taking decisions about her body and her live at the cost of their own safety, becoming a transgressor. The analysis is based on: 1. the proposal for Scott, who breaks down the elements of gender identity in this work and function as categories; semiotic analysis based on Cirlot and Tresidder; and 2. The formal through the background description and use of film language analysis.

Para forjar una genealogía en la que las mujeres puedan inscribirse en una historia que reconozca su trabajo, sus luchas y sus conquistas, es necesario cuestionar los relatos oficiales. En un trayecto en el que los cambios, porque son deseados, se vuelven posibles, María Luisa Bemberg ha logrado inventar otros mundos. Feminismo y cine son los términos de una convicción que sacude las formas aprisionadas por esa tradición patriarcal y aristocrática que rechazaba con todas sus fuerzas. Tal como describió Clara Fontana: «A la edad en que la resignación se enquista como un callo doloroso en la vida de la mayor parte de las mujeres y su resistencia se adormece bajo los efectos del ‘trato galante’ y los ‘privilegios femeninos’ ella hizo de su propia y más entrañable experiencia una creación que es a la vez un mensaje político». Aventurada, justa, impostergable, esta publicación busca amplificar las derivas de su obra. Esperamos que el horizonte abierto por este homenaje siga alentando miradas, lecturas y reflexiones.

El pasado mes de octubre murió la cineasta belga Chantal Akerman. En el momento de su muerte tenía 65 años y una extensa producción artística a sus espaldas, que consta de más de 40 películas entre largometrajes, mediometrajes y cortos, varios libros e instalaciones. Sus contribuciones al cine experimental y al cine de autor han sido extensamente recordadas, en especial después de su prematura partida.

El presente trabajo es un análisis secuencial del documental Vicios en la cocina, las papas silban, (1978) de la directora y feminista, Beatriz Mira, ex integrante del Colectivo Cine Mujer, en el que se aborda el tema del trabajo doméstico. El propósito de este trabajo consiste en trazar los vínculos entre el pensamiento feminista mexicano de la “nueva ola” en torno al trabajo doméstico y el cine documental realizado por los estudiantes del CUEC durante los años setenta.

El estudio del papel de las mujeres a lo largo de la historia del cine es centro de investigaciones tan multidisciplinares como pluriperspectivísticas. Esta investigación focaliza en la obra de dos cineastas mostrando la evolución de las mujeres durante varias décadas en contextos sociales, artísticos y políticos muy diferentes. De la mirada clásica de Ozu a la mirada revolucionaria de Yoshida, los personajes femeninos transitan las tramas cinematográficas de ambos cineastas, asentando el perfil de mujeres que abraza la renovación, entre las ruinas de la tradición de la cultura japonesa.