Cine Y Análisis De Discurso

Dentro del amplio catálogo de películas basadas en obras de Stephen King hay un acervo limitado pero valioso de filmes que se apartan del terror/suspenso expuesto por lo paranormal para adentrarse en el drama y la exploración de personajes en situaciones extremas más realistas, aunque no por ello menos interesantes que sus contrapartes más violentas. Tal es el caso de Sueños de Fuga (The Shawshank Redemption, 1994), dirigida por Frank Darabont y basada en la novela de King "Rita Hayworth y la redención de Shawshank " , la recomendación del segmento Oktoberking para esta semana, quizá la menos terrorífica de todas en la lista, pero definitivamente un must si eres fan del cine basado en Stephen King.

Este artículo presenta un modelo de niveles narrativos del discurso cinematográfico. Se distinguen cuatro de ellos: diégesis, historia, argumento y narración. Se explica la construcción de este modelo siguiendo una película de ficción, y se pone en discusión en torno a los casos del cine documental, los videojuegos y las narrativas transmedia. La reflexión sobre esta construcción puede dar pistas para la comprensión de las relaciones intertextuales (entre películas), pragmáticas (películas con espectadores) y comerciales (películas e industria cinematográfica).
Palabras clave: narración, diégesis, documental, videojuegos, transmedia.

Abstract
This article presents a model for narrative levels of the cinematic discourse.  There are four of them: diegesis, story, plot and narration.  The construction of the model is explained thru a fiction  film, and it is put into question with the cases of documentaries, videogames and transmedia narratives. The reflections on this construction might bring clues to understand intertextual (between films), pragmatic (between  films and spectators) and comercial (between films and cinema industry) relations.
Keywords: narration, diegesis, documentary, videogames, transmedia.

Esta investigación analiza los procesos por los cuales se hace la representación de los distintos proyectos hegemónicos presentes en los personajes de la película Roma de Alfonso Cuarón (2018) a través del paradigma crítico y el análisis del film. En función de conceptos como la sociológica del espacio social, la hegemonía gramsciana, la lucha de poderes de Foucault y la teoría cinematográfica, se logra desentrañar las distintas interacciones y significaciones dentro del discurso fílmico.

El presente trabajo propone un análisis de varios fragmentos de Dolor y Gloria (Almodóvar, 2019) con la metodología del análisis textual a fin de deletrear lo referido al síntoma mayor del personaje: el atragantamiento. Este trabajo pretende dar cuenta del carácter regresivo del film y su relación con los numerosos flashbacks (en total, más de un 30% del metraje). El cuerpo del protagonista aparece convertido en síntoma, incapacitándole para amar y trabajar. A lo largo del análisis se estudia la conflictiva del protagonista para desear y sus esfuerzos para elaborar la muerte de la madre. Se traza una comparativa entre Bringing up Baby (Howard Hawks, 1938) y Dolor y Gloria a partir del análisis de la primera propuesto por González Requena donde explica la utilización de dos operadores textuales recurrentes en la filmografía almodovariana: el hueso y el tigre. El punto de llegada será el deletreo del primer deseo de Salvador Mallo, alter ego del director, Pedro Almodóvar. La principal aportación consiste en la identificación de cierto atragantamiento de lo femenino y lo materno en los personajes masculinos de la filmografía de Almodóvar; más concretamente, en el film Dolor y Gloria.

Este trabajo aborda el estatuto de la imagen cinematográfica cuando es interpelada acerca de la construcción de la otredad. Se toma el caso emblemático del cine bélico, género que, por la naturaleza conflictiva de su narración, actualiza la mirada del sujeto dando vida, al mismo tiempo, a la mirada sobre la otredad. Se analizan dos películas dirigidas por el mismo director, Brian de Palma, y que narran de la ocupación militar estadounidense en Vietnam y en Irak. Ellas son Casualities of War (1989) y Redacted (2007). A partir de la comparación enunciativa entre ciertas secuencias de las dos películas, se entreabre un espacio para una mirada indócil con la que sondear las posibilidades del dispositivo cinematográfico en tanto dispositivo constructor de identidades.

This work deals with the statute of the cinematographic image when it is questioned about the construction of otherness. The emblematic case of the war film is taken, a genre that, due to the conflictive nature of its narrative, updates the subject's gaze, giving life, at the same time, a look at otherness. We analyze two films directed by the same director, Brian de Palma, and which narrate about the US military occupation in Vietnam and in Iraq. These are Casualties of War (1989) and Redacted (2007). From the enunciative comparison between certain sequences of the two films, a space is opened for an indocile look with which to probe the possibilities of the cinematographic device as an identity- building device.

El presente trabajo consiste en un análisis cinematográfico a nivel puesta en escena de la película Las Elegidas dirigida por el cineasta tijuanense David Pablos para analizar la representación de lo abyecto según la teoría de lo perverso de Julia Kristeva y la función que este tiene sobre el sujeto femenino.

The present work consists of a cinematographic analysis at the staging level of the film Las Elegidas directed by the Tijuana filmmaker David Pablos to analyze the representation of the abject according to Julia Kristeva's theory of perversity and the function it has on the subject female.

Different disciplines have contributed to weaving a theory of psychoanalysis in the cinema: ranging from the loans from anthropology and experimental psychology, to proposals belonging to the specific sphere of film theory, such as Filmology, Text Analysis or Feminist Theory in films. In all cases, the aim is to establish a relationship between the significance structure that governs the cinema and psychology, so as to confirm that the cinema’s system of representation is modelled on our unconscious psychological apparatus, as was explained by the psychoanalyst Jacques Lacan, among others. The arrival of psychoanalysis in film thought forges the idea that considers the cinema as an auxiliary psychological device capable of making us subjects and submerging us in the emotions in play in the conflicts proposed by any audiovisual story.

La obra del cineasta ruso Serguéi Eisenstein ha determinado el rumbo de la evolución del lenguaje cinematográfico, gracias a su teoría del montaje y la construcción del plano cinematográfico. En el discurso, su obra tiene una carga política importante, pues como partidario de la revolución, Eisenstein creyó en un arte con ideales estéticos y políticos que generara conciencia de clase entre las grandes audiencias. Esa tradición puede observarse en tres países, Rusia, Cuba y México, quienes tienen una relación histórica que puede entenderse a través de esta película, en sus similitudes políticas, geográficas e ideológicas. La siguiente ponencia pretende poner en evidencia las referencias cinematográficas de la obra del cineasta soviético en la película mexicana Acorazado, a través de un estudio de elementos intertextuales basados en el modelo del investigador Lauro Zavala. Acorazado es una película importante en la actualidad del cine mexicano, gracias a sus valores cinematográficos. Palabras clave Intertexto, Política, Discurso, Cine Mexicano. Marco de referencia La revolución rusa de 1900 manifestó una lucha por ideales que iban de la mano con la producción artística. Dicha revolución tuvo sus ecos en Cuba, y particularmente en México, con el cual hubo un intercambio político y cultural.

(Resumen: Germaine Dulac es principalmente conocida por la obra La coquille et le clergyman y por su polémica colaboración con Antonin Artaud en la misma. Sin embargo, para acercarse y entender el germen de la etapa surrealista de la cineasta, es necesario saber sus motivaciones personales y su posición crítica hacia los valores y hacia el lugar que ocupaba la figura de la mujer en su época, que se vio favorecida por los movimientos artísticos y políticos del momento. Esto, no será sino la causa que le llevará a experimentar y expresarse a través de los elementos formales y narrativos del medio, el estudio del movimiento de los personajes y su relación con la escena, así como la investigación del ritmo, el énfasis en el mundo psicológico e interior, hasta llegar a la idea de cine puro. Pala-bras clave: Germaine Dulac; surrealismo; sinfonía visual; análisis fílmico; cine.