US Vogue Magazine

(Capítulo de libro) Mediante la combinación del análisis literario y de la imagen, este artículo abre una perspectiva esencialmente práctica, interdisciplinar y diacrónica sobre la reutilización y resignificación del personaje shakespeariano de Ofelia, de una parte, por el pintor Prerrafaelista John Everett Millais (1852) y, de otra, en montajes fotográficos contemporáneos realizados por Alas & Piggott (2011), McGinley (2012) y Oh Joong Seok (2013) para la revista Vogue. Por motivos obvios de extensión, y para favorecer un análisis más detallado de estas muestras contemporáneas apoyado sobre estos icónicos referentes, no se persigue una revisión exhaustiva de todas las aproximaciones a esta malograda doncella, sino plantear una medida reflexión sobre la durabilidad y mutabilidad del personaje literario y la función de la obra de Millais como mediadora entre el texto teatral y estas reencarnaciones fotográficas. Nuestro análisis explorará la transposición del medio literario al pictórico y de este último al fotográfico, con el fin de precisar si estas recurrentes rutinas de apropiación y proyección de nuevos significados han terminado diluyendo y desvirtuando las características del personaje literario o, por el contrario, contribuyen a reforzar su presencia en la mente de los espectadores actuales y a reafirmar la durabilidad de la obra de Shakespeare.

Delivered in the Feminism and Embodiment Session (chaired by Susanneh Beiber) on 1 November 2014 at the 5th Annual Feminist Art History Conference at the American University, Washington, DC (31 Oct - 2 Nov 2014). This paper considers a still under-examined work by Martha Rosler, one which Rosler produced for a live televised performance for public-access Paper Tiger Television’s ‘…Reads…’ series in December 1982, recorded as it was broadcast. The product was subsequently distributed in video format as a performance work: Martha Rosler Reads Vogue. The performance deconstructs the aspirational identifications and false class-consciousness engendered by Vogue magazine, dissecting it as an ideological vehicle tied to particular histories, producers, consumers and industries. Utilising a number of poetical / incantatory tropes, along with her usual deadpan delivery, Rosler misappropriates images from the then current and back issues of Vogue magazine. The real critical jolt, however, is...

Analisi approfondita della storia della sfilata tramite l'archivio di Vogue America, come questo abbia riportato la sfilata dalle origini della rivista (dicembre 1892) fino ad oggi (marzo 2021).

Corredata da intervista in esclusiva a Chris Moore, fotografo pioniere del reportage dalla passerella e fondatore di Catwalking.com.

El presente trabajo pretende contribuir al conocimiento de las estrategias y de los modelos utilizados, tanto por las revistas Harper’s Bazaar y Vogue, como por las instituciones oficiales del régimen franquista, en el proceso de internacionalización de la alta costura española durante el espacio de tiempo que abarca de 1952 a 1975, es decir: desde la inauguración del I Festival de la Moda Española, un certamen especialmente pensado para el mercado transatlántico, hasta el fallecimiento del general Francisco Franco. El proceso de definición de la reputación internacional del País ibérico como centro de moda, orquestado en la prensa extranjera, fue una operación de carácter cultural, donde tuvieron un peso relevante la idea de hispanidad creada en la Francia del siglo XIX, por un lado, y la sedimentada aspiración aristocrática del público norteamericano, por otro. La recreación de un imaginario ad hoc, compuesto por un pasado nobiliario y un exotismo más o menos enfatizado, ha permitido establecer una analogía con el patrón desarrollado anteriormente por Italia, una nación que, pese a no acreditar un perfil internacional en materia de moda hasta pasada la Segunda Guerra Mundial, logró forjarse una sólida reputación en un lapso de tiempo relativamente corto. La investigación que hemos propuesto se focaliza especialmente en el período que va de 1962 a 1969, cuando el Ministerio de Información y Turismo inauguró una masiva campaña de promoción del diseño de moda español en los medios de comunicación norteamericanos. Por lo tanto, este estudio se reparte virtualmente en las etapas 1952-1962 y 1963-1975, marcadas por dos hechos claves: el nombramiento de Elizabeth Howell Buckley y Aline Griffith, condesa de Quintanilla y Romanones, como corresponsales en España de las ediciones estadounidenses de Harper’s Bazaar (1963) y Vogue (1964). Junto con el análisis del trabajo de Madrid editor, un cargo que entró en el organigrama de ambas publicaciones de forma casi simultánea, el objeto de esta tesis ha sido la reconstrucción de las biografías profesionales de Romanones y Buckley, realizadas recuperando documentos de archivo inéditos y comparándolos, de forma sistemática, con el material de carácter hemerográfico. Durante los años 50, pero sobre todo a partir de 1962, cuando la alta costura española empezó a tener un peso real en el fashion market estadounidense, España construyó un relato en las publicaciones internacionales que enfatizaba su naturaleza policéntrica, su legado artístico y popular, su vocación como centro de atracción turístico y, finalmente, sus embajadoras femeninas. La estrategia de proyectar una imagen de la Península como destino vacacional exótico para la clase media norteamericana de viaje por Europa, impulsada a lo largo de los años 50, fue capitalizada en la década de 1960 cuando, de forma parecida a lo aplicado diez años antes en el caso de la Alta Moda italiana, los reportajes de Harper’s Bazaar y Vogue conectaron la alta costura con las principales arquitecturas del País. Incluso la creación de un paradigma femenino concreto y “exportable”, corporeizado por las damas de la nobleza y las mujeres vinculadas al flamenco, que actuaron como embajadoras de la alta costura de Madrid y Barcelona, se implantó sobre un marco ya ampliamente codificado. Por eso, España no difundió un modelo alternativo, sino que adaptó esta praxis a su peculiar exotismo. Por último, este estudio pretende ofrecer una primera aproximación, a partir del material inédito conservado por el Archivo de la Administración General del Estado, sobre la estructura organizativa y funcional de la Comisión interministerial para la promoción de la moda española (1967), una organización de carácter estatal pionera en la gestión de todas las acciones publicitarias asociadas con la alta costura española y activa en el seguimiento de las políticas promocionales de Italia. ----------ABSTRACT---------- The aim of this paper is to contribute to the understanding of the models and strategies used by magazines such as Harper's Bazaar and Vogue as well as by official institutions of the Franco regime in order to internationalize Spanish haute couture during the period spanning from 1952 to 1975; that is, from the inauguration of the first Festival de la Moda Española (Spanish Fashion Festival), an event specifically designed for the transatlantic market, until General Francisco Franco’s death. The process of establishing the Iberian nation’s international reputation as a fashion center, aided by the foreign press, was a cultural operation in which the idea of Spain created in 19th century France, on the one hand, and the consolidated aristocratic aspirations of the American public on the other, played a significant role. The creation of an ad hoc imagery comprised of a nobiliary past and a more or less stressed exoticism, established a parallel with the pattern previously developed by Italy, a country that despite not having established an international profile in fashion until after World War II, was able to forge a solid reputation over a relatively short period of time. The proposed research is especially focused on the period from 1962 to 1969 during which time the Ministry of Information and Tourism launched a massive campaign to promote Spanish fashion design in the American media. This study is basically divided into two periods, 1952-1962 and 1963-1975, defined by two key events that marked a turning point between 1963 and 1964: the appointment of Elizabeth Howell Buckley and Aline Griffith, countess of Quintanilla and Romanones, as Spanish correspondents of the American editions of Harper's Bazaar (1963) and Vogue (1964) respectively. Along with the analysis of the work of Madrid editor, a position that entered the organizational chart of both publications almost simultaneously, the goal of this thesis is to recreate the professional biographies of Romanones and Buckley by recovering unpublished archival documents and systematically comparing them with material from periodicals and other print media. During the fifties, but especially after 1962 when Spanish haute couture began having real influence in the US fashion market, Spain built a story in international publications that emphasized its multi-centric nature, its artistic and popular heritage, its vocation as a tourist destination, and finally its female ambassadors. The strategy of projecting an image of the country as an exotic holiday destination for middle class Americans traveling through Europe promoted during the fifties was capitalized on in the 1960s when, similar to what occurred ten years earlier in the case of Italian Alta Moda (High Fashion), the articles in Harper's Bazaar and Vogue, connected haute couture with the country’s foremost architecture. Even the creation of a specific and “exportable” female paradigm, embodied by ladies of the nobility and women linked to flamenco that acted as ambassadors of haute couture in Madrid and Barcelona, was implemented on an already widely established framework. Hence, Spain did not disseminate an alternative model, instead it adapted this model to its unique exoticism. Finally, this study aims to provide a first approximation, based on unpublished material preserved by the Spanish National Archives, to the organizational and operational structure of the Inter-ministerial Committee for the promotion of Spanish fashion (1967), a pioneering state organization for the management of all advertising initiatives associated with Spanish haute couture and that was also active in tracking Italian promotional policies.

This paper deals with photography in illustrated magazines and photobooks, and with what unfolds when photographs migrate from one media to the other. In such instances, we argue, reformatting is performed in distinctive affordances; yet such transfers also make visible the format conditions that underlie both the magazine and book media. By conducting an in-depth analysis of two exemplary photographs, by Horst P. Horst and Henri Cartier-Bresson, circulating between magazines and books, we aim to show how format markedly shapes photography in print and thus to demonstrate the work of format. In the process, matters of authoring and re-appropriating, as well as mechanisms of canonization and/or memorialization are brought to light. All contribute to structure and solidify the photographic field, as well as periodicals and books as media, in relationship to one another (and to their mediatic content). The established hierarchy of formats, in which photographs move up from magazines to...

A principios de los años 60 las ediciones norteamericanas de las revistas Harper’s Bazaar y Vogue demuestran cierto interés hacia la moda española incluyendo en su organigrama el nuevo cargo de “Madrid Editor”, desempeñado por Elizabeth H. Buckley y Aline Romanones respectivamente. En este artículo se estudia, en primer lugar, el papel de las dos publicaciones en la construcción de la reputación internacional de España como nación de la moda entre 1963 y 1976. En segundo lugar, se analiza la influencia de ambas corresponsales en este proceso, profundizando en sus biografías profesionales. A través de una labor casi de comisariado, sugiriendo a la redacción los protagonistas y los escenarios para las campañas fotográficas, ambas editoras ofrecen una mirada personal principalmente sobre el entorno sociocultural y la arquitectura de la capital española. Su intención era posicionar la ciudad de Madrid en el imaginario de las lectoras estadounidenses como un lugar inmerso en las tradiciones del pasado y, al mismo tiempo, con vocación cosmopolita.

From the early 1970s until well into the 1980s, there was a dramatic increase in the attention granted to images of perfume in the editorial photographic production of two famous U.S. fashion magazines, Vogue and Harper's Bazaar—both mainstream, well-structured publications, having established leadership in their field. The momentum of these images—staging olfactory products and visually evoking the feelings, sensations, and memories conjured up by their smell—results from new formal photographic research led, in part, to negotiate socio-cultural flux deeply destabilizing society at large and these high-end magazines in particular. The outcome is a distinguishable aesthetic. Now considered representative of the period, it ultimately proved efficient in helping to ease changes into fashion magazines, and in feeding their powerful, long-standing system of references all the while announcing the turn to an ever-expanding consumerism blooming in the 1980s. In this process, the undeniable power of attraction, and seduction of images and smell, was once more commodified, making it emblematic of an editorial visual system that is still topical today.

El artículo esboza el papel social de las revistas de moda para mujeres, desde una perspectiva foucaultiana. Desde esta mirada, los medios de comunicación podrán entenderse no sólo como un reflejo de la sociedad, sus costumbres y sus modas, sino como agentes que intervienen en su construcción, y también como el lugar desde el cual emanan conceptos queen la línea de pensamiento de la biopolítica-son aterrizados en el cuerpo. Se toma el caso de la revista Vogue para estudiar cómo un concepto de "belleza" queda relacionado íntimamente con las prácticas cotidianas de las mujeres, así como con la modificación de sus cuerpos a la que se someten para alcanzar ese concepto en ellas mismas.

22RESUMENEl artículo esboza el papel social de las revistas de moda para mujeres, desde una perspectiva foucaultiana.  Desde  esta  mirada,  los  medios  de  comunicación  podrán  entenderse  no  sólo como  un  reflejo  de  la  sociedad,  sus  costumbres  y  sus  modas,  sino  como  agentes  que intervienen en su construcción, y también como el lugar desde el cual emanan conceptos que –en la línea de pensamiento de la biopolítica–son aterrizados en el cuerpo. Se toma el caso de  la  revista  Vogue  para  estudiar  cómo  un  concepto  de  “belleza”  queda  relacionado íntimamente con las prácticascotidianas de las mujeres, así como con la modificación de sus cuerpos a la que se someten para alcanzar ese concepto en ellas mismas.

This  article  examines  the  social  function of  fashion  magazines  for  women,  utilizing  a Foucaultian perspective. From this point  of  view,  the media are understood  not only as  a reflection of society with its customs and fashions, but also as agents that intervene in its construction, and thus as the site from which concepts that take root in the body emanate, according to the idea of biopolitics. The case of Vogue magazine is used to demonstrate how a given concept of “beauty” is intimately linked with women’s everyday practices, at the same time as it is linked to the modification of their bodies in order to recreate the concept in their own selves.

La mode, modélisation de l’apparence, opère principalement par le biais de la séduction. Alors qu’elle est de plus en plus fréquemment interrogée dans le champ universitaire de manière transversale, cela n’a pas manqué d’être relevé, commenté et analysé par des auteurs comme Gilles Lipovetsky, qui, à la suite de Baudrillard, l’explicite à l’aide du concept de « simulacre », voire de « fantomalisation ». C’est particulièrement vrai dans le cas des photographies de mode, produites puis diffusées par des magazines spécialisés. Ces publications sont une interface où s’articule et tente de se résoudre la tension première entre tentation artistique et nécessité commerciale, à travers le désir - certes mimétique, mais désir aussi de continuer à compulser ces images séductrices. Des mensuels américains haut-de-gamme comme Vogue et Harper’s Bazaar, notre corpus, disposant à la fois de grands moyens et d’influence auprès de plusieurs millions de lecteurs, illustrent un glissement du jeu de séduction, depuis les années 1960 (période de bouleversements créatifs, sociaux mais aussi économiques), vers une fascination de plus en plus hypnotique, voire obsessionnelle.

Pour une analyse des spécificités et des fonctionnements de ce système, il faudra d’abord dégager ce qui fait son succès - et ce auprès de deux publics, les lecteurs et les annonceurs, alors que les magazines tentent de conserver leur attrait et leur pertinence dans un monde qui évolue, tout comme le(s) public(s) d’ailleurs. Il leur faut d’une part séduire en proposant des formes esthétiques cristallisant un « moment », et assorties d’un discours de la nouveauté, et d’autre part proposer un idéal qui, en raison d’impératifs économiques, est en fait inaccessible. En offrant aux lectrices un jeu de fascination et d’admiration, les magazines se posent en sublimateurs d’un consumérisme dans lequel ils peuvent conserver leur rôle d’ « intercesseurs de féminité ».

En cela et pour cela, les photographies de mode dans les magazines construisent en fait un système propre, autonome, qu’il conviendra aussi d’étudier. On observe de fait un processus d’iconisation de l’image de mode, qu’il nous faut rapprocher du Pop Art et de ses pratiques, mais aussi d’un « reportage » sur une personnalité, un corps, et bien plus sur un imaginaire qui nourrit la fascination d’actualité à l’ère de la Pop Culture. Comme dans d‘autres mouvements, le lecteur est d’ailleurs ainsi invité à participer à l’action, qui a d’autant plus d’impact qu’elle est sérielle et répétée. L’image originale est à la fois renforcée et dissoute dans ses multiples relectures. Bien plus, à travers un système d’intericonicité, les magazines créent un réseau puissant et autonome, dont le but est triple: se positionner par rapport au monde extérieur (avec tous ses événements socio-politiques), avec les lecteurs (par un processus d’identification) et, de manière inconsciente, comme des objets uniques (ce qui justifie l’existence même des supports). Ainsi, ils créent rapidement de nouveaux modèles forts sur lesquels ils peuvent ensuite s’appuyer pendant des décennies, et ce de manière très fiable à travers un réseau propre de réflexivité qui continuera à se nourrir lui-même de manière endémique.

The aim of this study is to approach from a comparative perspective the references adopted by Aline Romanones and Consuelo Crespi, Madrid and Rome Editors respectively, between 1960 and 1970 in constructing their public images. Parting from the idea of Europe ingrained in the American mind, both crafted their own image around the concepts of aristocracy, exoticism, and internationality.

Vera Lehndorff, genannt "Veruschka", eine der "Hauptdarstellerinnen" des Films "Blow-Up" (1966) von Michelangelo Antonioni berichtet über ihre damaligen Erfahrungen während der Dreharbeiten des Films, der sie über die Modewelt hinaus berühmt gemacht hat.

In the 1960s, fashion started to shift focus on the fluidity of identity. This impacted American magazines such as Vogue and Harper’s Bazaar which are the corpus of this study. In magazines of seemingly unlimited means and growing readership, feminine role- models multiplied and became strongly polarized in their photographs. Some of these figures have
been endlessly re- staged in fashion editorials from the 1960s onward (and even before that) – such as the working single girl, the femme fatale or the chic socialite – to whom was granted an enduring iconic quality. Vogue and Harper’s Bazaar represent a platform between fashion’s artistic temptation and the commercial necessities commanding their production. The emergence, repetition and dissemination of such iconic figures through their pages can thus be analysed as an avant- garde- inspired game on stereotypes, ironically detaching itself from the consumer culture that it was embracing – a stance derived from the Pop Art revolution.
The readers’ compulsive fascination for these images was in the process deeply stimulated.
Yet the new norms set by such iconic models proved anything but subversive. My purpose here is to question the making of these fashion iconic figures and to show that they inaugurated new, modern, programmatic narrative and visual discourses, in which the collaboratively constructed narrative ultimately failed to offer readers a space for negotiation.

A U.S. Vogue photographic feature was published just over 2 months after Hurricane Sandy hit the Eastern seaboard of the United States, to commemorate the work of New York City emergency responders in the wake of the disaster.  Juxtaposing fashionably clad models with responders, the feature invokes gendered and classed rhetorics of fashion, crisis, and temporality to create both a memory of the disaster, and a vision of the metropolis and its future. I draw on fashion theory, critical disaster studies, and urban geography to argue that the feature is emblematic of an emergent approach to disaster recovery and urban development under neoliberalism.

In the years of the veil’s declining popularity as a fashion accessory, the New York edition of Vogue devoted sustained attention to the garment. A series of textual meditations on its significance amounted to a minor philosophical discourse on concealment, revelation, and femininity itself. This preliminary investigation of these treatments of veiling considers its positioning vis-à-vis both the white women who were the normative subjects and imagined readers of the magazine, and orientalized women who were only spectrally present in the pages of Vogue. This paper compares the ways that veiled unknowability was figured for white women and orientalized women in the pages of the magazine, and considers the veil-as-fashion-accessory (distinct from but obliquely related to the imagined “veil-as-cultural-signifier”) as a material technology of opacity that was seen to enable a strategic positioning of white femininity in relation to power. Veiling presents a significant instance of a power-saturated relational encounter, highlighting asymmetrical points of contact between two feminine imaginaries, which hinged on questions of opacity as a conceptual analogue to feminine mystery. This reading shows that invocations of the veil frequently defaulted to translucency while remaining steeped in the language of opacity, and thus obliquely established translucency as a privileged category that allowed white bourgeois women some conceptual mobility while tying orientalized women to pure opacity.

New York Vogue published a photographic feature just over two months after Hurricane Sandy hit the Eastern seaboard of the United States, to commemorate the work of New York City emergency responders in the wake of the disaster. Juxtaposing fashionably clad models with responders, the feature invoked a gendered and classed rhetoric of fashion, crisis, and temporality to create both a memory of the disaster, and a vision of the metropolis and its future. This article draws on fashion theory, critical disaster studies, and urban geography to show that the feature is emblematic of an emergent approach to disaster recovery and urban development under neoliberalism. In particular, disaster management and recovery protocols benefit from the complex temporality of fashion, with its simultaneous deployment of past, present, and future, to sketch a possible rebuilding of New York City that benefits the transnational capitalist class for whom urban development is increasingly tailored. A close reading of the logics of class, race and gender in the photographs shows that the imagined future toward which New York’s recovery from Sandy might proceed is characterized by a contingent ‘whitening’ of people of colour as they ascend to a transnational elite, and a conception of the city as a site for gendered leisure rather than a zone of social inequalities.