Escuela de Nivel Medio Superior Centro Histórico León

Taller de Lectura y Redaccion II

Edna Edith Betancourt Chávez

Monografía (Historia del arte)

Equipo 2
Fabrizio Alvarez Fava
Roberto Carlos Chávez Vázquez
Miguel Ángel Hernández Tapia
José Salvador Pantoja Fonseca
Christian Eduardo Sánchez Hernández
Balduino Zepeda Carpio

4°H-V

27 de Marzo de 2017

1
Índice

2
Introducción

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 Era prehistórica
El arte prehistórico se ha estudiado principalmente en Europa, donde se han
encontrado en gran cantidad, por lo que se puede seguir su evolución a lo largo de
varias docenas de miles de años.
El arte paleolítico se manifestó en: objetos decorados, esculturas, grabados y el arte
parietal (en paredes) o rupestre (sobre rocas). Los objetos cumplían una función,
pero además eran decorados. Por ejemplo, los propulsores de proyectiles, armas,
pulseras, collares o instrumentos domésticos. Hay restos de grabados y pinturas
sobre plaquitas de piedra y hueso, en las que aparecen figuras de animales. Estos
también están presentes en relieves de piedra y marfil.
Destacan las estatuillas de mujeres desnudas, que pudieron estar relacionadas con
cultos a divinidades femeninas de la fecundidad, que propiciarían la continuidad de
la especie humana.
Los hallazgos de pinturas al interior de las cuevas de Altamira en España y Lascaux
en Francia, entre otros, han permitido saber que mezclaban los colores,
especialmente el rojo, negro y amarillo, con la grasa animal, y los aplicaban en las
rocas con los dedos o toscos pinceles. También sabían pintar por pulverización,
soplando a través de un hueso largo o una caña a manera de tubo.
Se cree que las representaciones de animales, hechas en color sobre las paredes
rocosas de las cuevas, tenían un fin mágico: por medio de la magia de la caza, el
hombre quería dominar las fieras peligrosas.

 Paleolítico: las más antiguas manifestaciones artísticas datan de este periodo

en el que, después de la última glaciación, hace unos 11000 años, apareció el
Homo Sapiens. Se trataba fundamentalmente de amuletos y objetos rituales,
dotados de expresividad y que mantuvieron una gran uniformidad en su
estética, durante miles de años y en lugares muy alejados entre sí.
 Revolución neolítica: se produjo entre el 7000 y el 6000 a. C. y con ella la
sedentarización, la estratificación social y la ordenación de los primeros
sistemas de creencias. En el ámbito artístico, ello dio lugar a la aparición de
representaciones humanas, tanto pictóricas como escultóricas, y a las primeras
formas de cerámica.
 Edad de los Metales: hacia el 4500 a. C. tuvo lugar el descubrimiento de las
técnicas de fundición, con lo que se iniciaba la Edad de los Metales. Junto a la
aparición en esta época de nuevos objetos decorados como espadas, cascos,
brazaletes, etc., se generó una nueva espiritualidad relacionada con el culto al
Sol y que determinó la aparición de los monumentos megalíticos. Esta edad se
divide en Edad del Cobre (4000-2000 a. C.), Edad del Bronce (2000-1000 a.
C.) y Edad del Hierro (1000-siglo III a. C.).

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El arte del Paleolítico tiene como máximas expresiones las representaciones de
animales en las paredes de las cavernas. Entre las más importantes cabe citar las
de Rouffignac, Lascaux o Niaux, en el sur de Francia, y las de Altamira,Tito Bustillo
o El Pindal, en la cornisa Cantábrica española.

Junto al denominado animalismo parietal o arte rupestre, la otra forma artística

más significativa del Paleolítico fueron las pequeñas estatuillas de figuras femeninas
sin rostro llamadas venus y relacionadas con el culto a la fertilidad. Entre ellas cabe
citar la de Willendorf, la de Laussel y la de Lespugue.

Las figuras parietales del Neolítico mantienen un acusado esquematismo respecto

de las del Paleolítico, más naturalistas.

En este periodo se consolidan las bases de la religión animista, que identifica los
fenómenos de la naturaleza con la voluntad de los espíritus o dioses. Desde el punto
de vista artístico ello dará pie a la aparición de múltiples formas de amuletos, ídolos,
símbolos sagrados y de los primeros monumentos funerarios.

Una de las aportaciones de mayor interés del Neolítico es la cerámica, con piezas
realizadas con moldes, por superposición de anillos o con un torno. La decoración
de las vasijas suele ser de diseño abstracto o muy esquemático.

Edad Antigua

Se denomina así al tiempo transcurrido entre la aparición de la escritura con las

grandes civilizaciones, hasta la caída del Imperio Romano en el año 476 de nuestra
era.

Teniendo en cuenta que las primeras escrituras son de unos 3.250 años a.C., este
período abarca aproximadamente 3.700 años, por lo que su historia es muy extensa
y rica en acontecimientos y expresiones artísticas.

El arte en la Edad Antigua puede dividirse, para su estudio, en cuatro grandes

bloques principales, de los cuales derivan todos los demás. Y ellos son: la
Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma. Entre estas grandes civilizaciones
transcurren otras más pequeñas en número, aunque no en importancia, pero que
son fruto de la influencia de las cuatro grandes mencionadas.

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La civilización mesopotámica se desarrolló entre los ríos Tigris y Eufrates, en el
Asia Menor, una zona rica y fértil, con gran provisión de agua y otros recursos
naturales que hicieron que fuera muy apreciada y codiciada.

Por el año 6.000 a.C. los sumerios construyeron la primera ciudad considerada
como tal, Uruk; sus habitantes se destacaron en la metalurgia, la administración
pública y, sobre todo, por la invención de la escritura cuneiforme.

Su arte se desarrolló a través de la cerámica, la metalurgia, la literatura y la

construcción.

La civilización egipcia es también una de las más antiguas de la humanidad, y se

desarrolló a orillas del río Nilo, en el norte del Africa, sobre el mar Mediterráneo.

Este río baña ambas orillas del territorio creando prácticamente un oásis a lo largo
de miles de kilómetros; una tierra rica y fértil que posibilitó el crecimiento de
poblaciones en toda su extensión.

Los habitantes de Egipto creían en la vida después de la muerte, por eso

momificaban a sus muertos y los enterraban en la arena; después edificaron
grandes monumentos funerarios de piedra, entre ellos los más famosos, las
pirámides de Keops, Kefrén y Mikerinos.

La capacidad de arte de los egipcios se desarrolla alrededor de lo funerario y la

gloria de los faraones. Esculturas, cerámica, la escritura jeroglífica, la arquitectura
son muestras de su desarrollo artístico.

La civilización griega, también conocida como helénica, se desarrolló en la zona

de la Península de los Balcanes, las islas del Mar Egeo y las costas de la
Península de Anatolia, en la actual Turquía. Sus antecedentes se encuentran en
las culturas cretenses y micénicas, antiguas civilizaciones de la Edad de Bronce.

Se puede decir que el concepto de Civilización Occidental se originó en la Grecia

Antigua, gracias al aporte de filósofos, historiadores, escritores, artistas y otros
grandes pensadores que conformaron lo que se denomina la Civilización Clásica
y que influenciaría posteriormente en todas las épocas de la historia de la
humanidad.

Aristóteles, Platón, Sócrates, Homero, Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes,

Eródoto, Arquímedes, el Partenon, la Iliada, la Odisea, Pericles, Troya, Esparta,
Filipo, Alejandro Magno, son todos nombres relacionados con esta gran civilización.

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Su arte se expresó a través de las grandes construcciones arquitectónicas, la
escultura, la cerámica, la orfebrería, la pintura, el teatro y la escritura.

Los romanos ocuparon toda la cuenca del Mediterráneo y llegaron muy lejos gracias
a la conquista militar.

Fueron expertos en asimilar otras civilizaciones, como la griega, de la que obtuvo el

conocimiento y la base de su propia organización civil, política y religiosa.

Vivieron en paz con los pueblos conquistados, a los que hicieron llegar los
beneficios de pertenecer al Imperio Romano toda vez que vivieran bajo sus
condiciones, que no eran tampoco muy rigurosas, en lo que se denomina la “Pax
Romana”.

El hecho de ocupar grandes extensiones de territorio posibilitó que las costumbres

de cada pueblo se mezclen con las de otros, ocurriendo el mayor traspaso de cultura
de la humanidad para su época.

Tal es así que incluso el cristianismo aprovechó la amplia infuencia territorial romana
para establecerse y sumar adeptos, generando a su vez un arte muy particular
conocido como paleocristiano.

El arte en el Imperio Romano estuvo caracterizado por las grandes construcciones

arquitectónicas, la escultura, la cerámica, la pintura al fresco, la escritura y el
mosaico.

Edad media

La Baja Edad Media fascina a mucha gente por su arte, del que se conserva una
enorme cantidad de muestras. Como todo arte, el arte medieval fue la expresión
de la mentalidad de aquella época.
Sin embargo, la sociedad medieval sufrió muchos cambios entre el siglo XI y el siglo
XIII. Estos cambios se manifestaron en el arte, originando dos estilos diferentes: el
románico y el gótico.
El románico apareció en el siglo XI en Europa Occidental, durante el apogeo del
sistema feudal: fue un estilo rural. Los estudiosos del siglo XIX le dieron el nombre
de románico pues se basó, en gran parte, en el arte de los primeros cristianos en
Roma.

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El gótico, en cambio, se originó en las ciudades. Los renacentistas lo llamaron
despectivamente gótico, pues consideraban que este arte era tan primitivo como los
godos. Hoy en día, sin embargo, el estilo gótico se ha revalorizado y se lo considera
una de las expresiones más notables del arte medieval.
Tanto el románico como el gótico fueron artes cristianos y su misión fue educar a
los fíeles. Sus artistas fueron, en gran parte, anónimos, pues en aquella época nadie
firmaba sus obras.

Un instrumento de la Iglesia

Biblias de piedra

EI arte medieval pretendía instruir al pueblo, que era analfabeto, sobre las verdades
del cristianismo. El arte se convirtió en el principal medio de propaganda de la
Iglesia. Sin embargo, el románico no logró esta finalidad: su sentido simbólico y la
forma de sus representaciones religiosas eran muy difíciles de interpretar, pues
obedecían al gusto de una minoría: la del clero y la nobleza.
Esto sucedía, por ejemplo, con imágenes como la del capitel que se ve en la
fotografía: representa la escena denominada molino místico, que indica que el
cristianismo recibió y elaboró el contenido de las escrituras antiguas. Con el gótico,
en cambio, el arte religioso dejó de ser el lenguaje misterioso de un pequeño grupo
para convertirse en un modo de expresión comprendido casi por todos.

Artistas anónimos

Cuando se ve una hermosa obra de arte, lo primero que se suele preguntar es quién
la hizo. Sin embargo, nunca se conocerá a los artistas medievales, pues en aquel
entonces, las obras artísticas se hacían en grupo y no se firmaban. En la Edad
Media, los artistas y los artesanos empleados en la construcción de una iglesia se
agrupaban en comunidades llamadas logias. Las logias eran gremios artísticos bajo
la dirección de personas nombradas, generalmente, por la Iglesia. Sólo a finales del
gótico, hacia el siglo XIV el artista se desvinculó de la logia, empezó a trabajar solo
y con ello, a perder su anonimato. Entonces se convirtió en un individuo con ideas
y un estilo y un nombre propio.

El arte románico en el arte medieval

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A partir del año 1000, debido al enorme aumento de los bienes eclesiásticos los
campos europeos se llenaron de iglesias y monasterios. Estos edificios se
construyeron con un nuevo estilo, el románico, que es considerado el primer gran
arte europeo.
El estilo románico fue ideado por los monjes de Cluny para propagar el
cristianismo. El románico fue un arte monástico.
En la Edad Media, los puestos más importantes de la Iglesia se reservaban a los
nobles. El románico, que fue un arte eclesiástico, reflejaba, por tanto, la mentalidad
de los nobles feudales. Esto quiere decir que el románico fue un arte aristocrático.
Por último, como el arte románico se desarrolló durante la etapa feudal, fue también
un arte rural, pues en aquella época la mayoría de la población vivía dispersa en el
campo.

La arquitectura: fortalezas de Dios

Como el románico fue un arte cristiano, sus construcciones más características

fueron las iglesias y los monasterios. Las construcciones románicas son edificios
imponentes que reflejan el poder de la Iglesia. Se las ha llamado fortalezas de Dios,
pues son grandes, firmes y macizas como los castillos de aquella época. Otros
rasgos distintivos de la arquitectura románica fueron:
– El empleo de semicírculos en arcos y bóvedas, llamados arcos de medio punto.
– El uso de bóvedas de piedra o bóvedas de cañón, es decir, bóvedas en forma de
semicírculo, para cubrir las naves de la iglesia.
– La incorporación de torres a las fachadas.
– La construcción de muros muy gruesos y con pocas aberturas para poder sostener
el peso de las bóvedas.

La escultura y la pintura

Tanto la pintura como la escultura románica formaban parte del edificio: se

subordinan al marco arquitectónico sobre el que se apoyan. La escultura se trabajó
en piedra, y la pintura se trabajó sobre muros.
La característica fundamental de la escultura y la pintura románicas es su falta de
realismo. Sus representaciones son rígidas y con pocos detalles. Por eso resultan
inexpresivas.

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 – La escultura se concentra, sobre todo, en los portales de acceso y en los
capiteles. Los temas preferidos fueron el Juicio Final y la Pasión de Cristo. Pero
además, se ilustraron imágenes de trabajos, de la vida cotidiana, e incluso
monstruos y figuras alegóricas.
– La pintura se realizó directamente sobre los muros de las iglesias. Se trató, por
lo tanto, de frescos, donde se pintaban preferentemente las imágenes de Cristo o
de la Virgen con el niño.

La arquitectura

El principal exponente de la arquitectura gótica fue la catedral, algunas de las cuales

llegaron a sobrepasar los 40 metros. Entre las más famosas se encuentran la
catedral de Notre Dame, en París, y la de Reims, también en Francia, y la catedral
de Colonia, en Alemania.
Sin embargo, los nuevos rumbos de Occidente propiciaron la construcción de
monumentos urbanos: las lonjas, donde los mercaderes realizaban sus actividades
comerciales, y los palacios, donde vivieron los burgueses más acaudalados.
Las características fundamentales de la arquitectura gótica son:

 El empleo de un arco apuntado, el arco ojival, en ventanas y bóvedas. Estaba

compuesto de dos arcos que se cortaban formando un ángulo.
 El uso de bóvedas de crucería, formadas por dos arcos cruzados diagonalmente.
Así el peso de la bóveda se condujo por los arcos a cuatro puntos concretos, los
muros se liberaron de su función de soporte, y se los pudo perforar para colocarles
vitrales.
 La construcción de arbotantes, arcos exteriores que apuntalaban las bóvedas
para sostener mejor el edificio.
 La elevación de las naves, que le dio un aspecto muy esbelto a sus
construcciones.

 El arte del vitral

 Los vitrales góticos se hicieron con el fin de que la luz- coloreada que entraba
por las ventanas, les diera a los fieles la sensación de que en las iglesias
había, definitivamente, una presencia divina. Como muchas otras
invenciones de la Edad Media, los vitrales fueron de origen oriental. Al
parecer, fue Venecia el primer centro de la industria del vidrio en Europa. La

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 evolución del estilo gótico dio un enorme empuje a esta industria, pues pronto
surgió una mayor demanda de vidrio. A pesar de ello, el vidrio fue siempre
caro y escaso en la Edad Media.

EDAD MODERNA
La edad moderna es el periodo que va desde el Descubrimiento de América hasta
la Revolución Francesa (1492 al 1789) Siglos XVI, XVII y XVIII.
El Renacimiento y el Arte Barroco son las principales corrientes artísticas de la Edad
Moderna, periodo comprendido entre el siglo XV hasta el XVIII aproximadamente.
Es precisamente a partir del Renacimiento cuando comienzan a cobrar importancia
las figuras de los artistas, Leonardo, Miguel Ángel y muchos otros comienzan a
labrarse una reputación como artista que hasta la fecha apenas tenía
reconocimiento. Repasamos las principales características de los movimientos
artísticos de la Edad Moderna.
La situación socioeconómica del siglo XVI dio lugar a cambios importantes en el
mundo del arte, el Renacimiento se ve primero superado por el Manierismo que es
una corriente que desfigura y desnaturaliza las obras de arte. Tras una breve época
en la que domina el Manierismo, se instaura en Europa el Barroco. Vamos a
presentar a continuación el contexto histórico en el cual se desarrolla esta corriente
artística y los principales puntos a tener en cuenta de su arte.

ARTE BARROCO
Características
 Las imágenes son directas, obvias y dramáticas.
 Las obras están diseñadas con el objetivo de integrar al espectador en la
escena.
 Las representaciones se muestran física y psicológicamente reales y
emocionalmente intensas.
 Ornamentación y decorados muy extravagantes.
 Contrastes entre luz y oscuridad.
 El arte barroco, a diferencia del Renacimiento que muestra las figuras de
manera individual sin juntar unas con otras, presenta las figuras muy juntas
incluso sobreponiéndose.
 La temática habitual es religiosa, martirios, visiones, conversiones…

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En general la pintura barroca es un reflejo de los cambios políticos y culturales que
están teniendo lugar en Europa en el siglo XVII. Aunque el término barroco recoge
a una gran variedad de estilos, todos ellos tienen dos características en común, un
sentido de grandeza y el interés de mostrar emociones. Estos dos rasgos se
distinguen perfectamente en la pintura barroca que a continuación procedemos a
analizar.
El arte barroco no careció de escultores, aunque no muchos fueran tan magníficos
como los del Renacimiento, si que hubo uno, Gian Lorenzo Bernini que fue digno
sucesor de Miguel Ángel. Los escultores barrocos, trabajaron principalmente
decorando las fachadas y edificios de la arquitectura barroca y realizando estatuas
para mostrar imágenes religiosas.
La escultura barroca fue la rama artística que más se extendió. Vamos a analizar a
continuación las principales características y escultores de esta corriente artística.
Características de la escultura barroca
 La escultura barroca fue principalmente utilizada para decorar las obras
arquitectónicas de este periodo, tanto interna como externamente.
 En contraposición al orden que presentan las esculturas y en general las
obras renacentistas, el barroco trabaja con composiciones menos
organizadas sin tanto orden.
 Existe un elevado expresionismo de los rostros de las estatuas tratando de
retratar sentimientos por medio de gestos, peinados, tensiones…
 Los escultores barrocos están obsesionados con lograr
imprimir movimiento a sus obras, por ello se evitan las simetrías y se
multiplican los pliegues, se emplea el contrapuesto como técnica para dotar
de movimiento a las figuras y se busca lograr contrastes lumínicos.
 La temática habitual es la religión, ángeles, mártires, santos son
habitualmente representados. En las esculturas paganas, héroes y dioses
paganos suelen aparecer.
 Se emplea el mármol y el bronce como materiales.
Etapas de la escultura barroca
Podemos dividir la escultura barroca en tres etapas principales:
Barroco temprano y alto barroco. 1600-1675
Dominados por la carrera de Bernini, el principal escultor del arte barroco. Su
magnífico “Cathedra petri” que consiste en un trono rodeado de decoración
escultural es el punto máximo en la escultura barroca y se caracteriza por su

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 extravaganza. Otra de las estatuas destacadas de Bernini es el Éxtasis de
Santa Teresa. Para saber más de Bernini,
Barroco tardío. 1675-1725
En el periodo de barroco tardío, fue Francia, y no Italia la principal fuente de
escultura barroca y el centro cultural de Europa. La obra maestra de la
arquitectura, el Palacio de Versalles fue decorado, tanto dentro de sus
estancias como sobretodo por los jardines de palacio por numerosas
estatuas de estilo barroco.
Rococó. 1725-1800
Es la fase final del arte barroco, se caracteriza por ser un arte muy dinámico
y extravagante. Muy cargado y decorado, se caracteriza también por su
dramatismo. Las obras rococó son suaves y juguetonas, la escultura de esta
corriente artística floreció en Francia y fue especialmente bien adaptado a las
estatuillas.
Escultores Barrocos:
 Gian Lorenzo Bernini
 Stefano Maderno
 Alessandro Algardi
 Pierre Puget
Esculturas Barrocas:
 El Éxtasis de Santa Teresa – Bernini
 Apolo y Dafne – Bernini
 La Tumba del Papa León XI – Algardi
 Fuente de Apolo de Versalles
 Milón de Crotona – Pierre Puget
Arquitectura barroco
El estilo arquitectónico barroco da comienzo con la construcción de Il Gesù (Iglesia
de Jesús) por Giacomo da Vignola y Giacomo Della Porta que diseñaron la planta y
la fachada respectivamente. El esquema básico que creó Della Porta en la fachada
se volvería repetitivo y frecuente en todos los países católicos y fue utilizado como
modelo por más de dos siglos.
El barroco jugó con la demanda de una arquitectura que era, por un lado más
accesible a las emociones y por otro lado, una declaración visible de la riqueza y
poder de la iglesia o de particulares que construían sus propios palacios.

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Características de la Arquitectura Barroca
 Las largas y estrechas naves son reemplazadas por estructuras más amplias
y en ocasiones circulares.
 De igual manera que en la pintura, se emplea la luz para generar emociones
sobre el espectador o visitante a la iglesia. Técnicas como el claroscuro o de
iluminación uniforme a través de grandes vidrieras.
 Se decoran los edificios interior y exteriormente de una manera muy
exagerada y opulenta para mostrar poderío y riqueza.
 Se dibujan frescos a gran escala en los techos de las estancias.
 La fachada externa se caracteriza a menudo por una proyección central
dramática. El interior es habitualmente decorado con pinturas y esculturas
religiosas.
 Se emplean efectos ilusorios como la “Trampantojo” que consiste en engañar
a los espectadores haciéndoles creer que ven algo distinto a lo que en
realidad ven. Se combinan la pintura y la arquitectura.
Arquitectos Barrocos:
 Carlo Maderno
 Pietro da Cortona
 Borromini
Edificios del arte Barroco:
 El Palacio de Versalles
 El Palacio del Hermitage de San Petersburgo
 Basílica de San Pedro del Vaticano
 Fontana di Trevi

RENACIMIENTO
Se conoce como Renacimiento, el periodo artístico que surge al final de la Edad
Media en Europa que se caracteriza por un renovado interés en aprender e imitar el
arte de las antiguas Grecia y Roma. En un contexto de estabilidad política y
creciente prosperidad tecnológica (imprenta, astronomía…) aparece un
florecimiento de la cultura. En este artículo repasamos las características más
importantes de esta corriente artística.

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El estilo de pintura, escultura, arquitectura y otras artes identificado con el nombre
de Renacimiento surgió en Italia a final del siglo XIV y alcanzó su cénit a finales del
siglo XV y principios del XVI con el trabajo de los maestros italianos Leonardo da
Vinci, Miguel Ángel o Rafael. Además de su expresión de las tradiciones greco
romanas clásicas, el arte renacentista buscó captar la experiencia de la persona y
la belleza y misterio de la naturaleza.
Durante la Edad Media, la Iglesia Cristiana tenía una gran relevancia en todas las
áreas de la vida, dominaba la enseñanza y sobre todo el arte e impulsó el románico
y el gótico cuya temática era siempre religiosa y con una función didáctica para con
los fieles. La llegada del Renacimiento coincide con la pérdida de control por parte
de la Iglesia de ciertos aspectos de la vida, en la cultura, el hombre comienza a ser
el centro y no Dios.
Los orígenes del arte del renacimiento se remontan a finales del siglo XIII y principio
del XIV en Italia cuando surge un movimiento denominado proto-
Renacimiento (1280-1400), los eruditos y artistas italianos propiciaron un nuevo
despertar de los ideales y logros de la cultura romana. Escritores como Petrarca y
Giovanni Boccaccio pusieron la vista atrás en la antigua Grecia y Roma y trataron
de revivir lenguas, valores y tradiciones intelectuales de estas culturas.
Características de la Pintura Renacentista
 Desaparece el retablo típico de la Edad Media, los cuadros aparecen de
manera individual.
 La temática es muy variada, no solo religiosa sino que aparecen temas
profanos también (mitología, retratos, hechos históricos…)
 Se crea un fondo con paisaje para dar profundidad a la escena y
encuadrarla.
 Se le da mucha importancia a la proporcionalidad y belleza de la figura
humana, algo que ya ocurría en la antigua Grecia.
 La perspectiva que en el arte de la Edad Media no se controlaba comienza
a ser dominada por los artistas creando obras con volumen y sensación de
tres dimensiones.
 Las técnicas empleadas son muy variadas, se realizan tanto pinturas al
fresco como con temple y óleo.
 Luz y color permiten acercar las obras a la realidad de la naturaleza.
 La composición está organizada de acuerdo a patrones geométricos
básicos, buscando la simetría y la compensada distribución de elementos en
la pintura.

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Principales renacentistas:
 Leonardo da Vinci

 Miguel Ángel

 Rafael Sanzio

 Sandro Botticelli

 Tiziano

 Masaccio

EDAD CONTEMPORANEA
Se considera arte contemporáneo aquel que se ha producido en nuestros días, pero
falta por definir cuando son “nuestros días, abarca desde el finales del siglo XIX
hasta la actualidad. Durante este periodo, se han desarrollado una infinidad de
corrientes artísticas, como es imposible tratarlas todas, en este artículo vamos a
realizar una pequeña introducción a cada una de ellas.
Romanticismo. 1770-1920
El romanticismo es un movimiento cultural desarrollado en Europa en cierto modo
como reacción de la Revolución Industrial que ocurrió durante este periodo, este
movimiento afectó a la filosofía, literatura, música y sobretodo al arte europeo.
Comenzó a finales del siglo XVIII y alcanzó su máximo esplendor en los primeros
años del siglo XIX, marcó el final del Barroco y fue seguido por el Realismo.
El arte romántico está centrado en las emociones, los sentimientos y los estados de
ánimo de todo tipo, incluyendo la espiritualidad, la imaginación, el misterio y el
fervor. La temática varía enormemente, los temas comunes son los paisajes, la
religión, la revolución y la belleza de la paz.
Obras:
 El Caminante sobre el Mar de Nubes – Caspar David Friedrich
 Los Fusilamientos del 3 de Mayo – Francisco de Goya
Artistas:
 Francisco de Goya

 Realismo. 1840-1880

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Se trata de un movimiento artístico que se opuso a los sentimientos y emociones
exageradas del Romanticismo. Los artistas y escritores comenzaron a explorar la
realidad de la vida diaria. Surgió tras el auge del Romanticismo en 1840 y fue
popular durante 40 años.
Los artistas de esta corriente trataron de representar el mundo real tal cual es.
Pintaban sobre personas y objetos de la vida diaria, sin tratar de interpretar o dar un
sentido emocional a las escenas.
Obras:
 Las Espigadoras – Jean-François Millet
 Señoritas a la orilla del Sena – Gustave Courbet
 Zorro en la Nieve – Gustave Courbet
Artistas:
 Jean-François Millet
 Gustave Courbet
 Winslow Homer
Impresionismo. 1860-1890
El Impresionismo comenzó en Francia cuando un grupo de artistas jóvenes y
talentosos decidió rebelarse contra los críticos de arte del Salón de Francia y crear
un nuevo estilo de pintura. Los impresionistas querían capturar el movimiento en el
tiempo. Los críticos dijeron que su trabajo no era más que “impresiones” de la
realidad y el nombre se quedó como Impresionismo.
El movimiento impresionista comenzó en la década de 1860 y se convirtió en
popular en los años 1870 y 1880. Los impresionistas estaban más preocupados por
el color y la luz que impregna sus cuadros que por la precisión y los detalles de los
objetos que pintaban. Habitualmente pintaban sus cuadros al aire libre y trabajan
rápidamente para capturar la luz de la escena antes de que el tiempo cambiase.
Utilizan pinceladas rápidas y a menudo colores sin mezclar para ahorrar tiempo.
Emplean ángulos visuales inusuales y temas cotidianos.
Obras:
 Impresión. Sol Naciente – Claude Monet
 Nenúfares – Claude Monet
Artistas:
 Claude Monet

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  Pierre-Auguste Renoir
Post-Impresionismo. 1885-1910
Los artistas impresionistas abrieron un nuevo mundo de arte moderno, y los
postimpresionistas quisieron ampliar esos límites. El término fue acuñado por Roger
Fry, un crítico de arte británico, para describir a los artistas que vinieron
inmediatamente después de los impresionistas. Esta corriente duró
aproximadamente desde 1885 hasta 1910 y el máximo exponente es sin duda
Vincent van Gogh aunque su obra no fue apreciada hasta después de su muerte.
Los postimpresionistas habían aprendido sobre el uso de la luz, las sombras y los
colores de los impresionistas. Quisieron añadir sus propias ideas nuevas para al
arte, comenzaron a probar nuevos temas, perspectivas y formas de expresar sus
pensamientos y emociones en el arte.
Obras:
 Noche estrellada – Vincent van Gogh
 Los Burgueses de Calais – Auguste Rodin
 La habitación de Arles – Vincent van Gogh
Artistas:
 Auguste Rodin
 Paul Gauguin
 Paul Cezanne
Fauvismo. 1904-1908
El fauvismo es una corriente artística desarrollada por Henri Matisse. Empezó a
pintar con masas brillantes de colores que se aplicaban libremente, empleaba los
colores para expresar emociones. Empleaba en ocasiones colores para rellenar
ciertos objetos que nada tenían que ver con la apariencia típica de estos objetos.
En 1905 Matisse junto a otros artistas como Maurice de Vlaminck y André Derain
exhibieron su nuevo estilo al mundo, un crítico los llamó “fauves” que significa
bestias salvajes y el nombre se quedó y dio lugar al estilo de arte
Obras:
 La Danza – Henri Matisse
 La Raya Verde – Henri Matisse
 Charing Cross Bridge – André Derain
Artistas:

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  Henri Matisse
 Maurice de Vlaminck
 André Derain
Expresionismo. 1905-1960
El movimiento expresionista surgió en Alemania de la mano de artistas que
quisieron pintar sobre la emoción, ya sea la ira, la ansiedad, el miedo o la
tranquilidad. Aunque esta no era una idea completamente nueva en el arte, si era la
primera vez que se le daba un nombre para definir un estilo. El movimiento
expresionista surgió durante la primera década del siglo XX.
El arte expresionista trató de transmitir emoción y significado en lugar de la realidad.
Cada artista tiene su propia forma de expresar sus emociones en su arte. Con el fin
de reflejar los sentimientos, los elementos retratados son a menudo distorsionados
y exagerados y los colores vivos e impactantes.
Obras:
 El Grito – Edvard Munch
 Cinco mujeres en la calle – Ernst Ludwig Kirchner
 Caballo Azul – Franz Marc
Artistas:
 Edvard Munch
 Ernst Ludwig Kirchner
 Franz Marc
Cubismo. 1908-1920
El cubismo fue un innovador movimiento artístico iniciado por Pablo Picasso y
Georges Braque. En el cubismo los artistas comenzaron a mirar los temas sobre los
que trataban de una manera nueva con el objetivo de representar las tres
dimensiones en un lienzo plano. En el cubismo los artistas dibujaban con numerosas
formas distintas y pintaban desde diferentes ángulos. El movimiento comenzó en
1908 y fue popular hasta el 1920. Podemos distinguir dos tipos de cubismo:
1. Cubismo Analítico. La primera etapa del cubismo, los artistas estudiaban el
tema y lo dividían en diferentes bloques. Cada uno de ellos se dibujaba desde
un ángulo y luego se reconstruía el cuadro para juntar todo.
2. Cubismo Sintético. La segunda etapa del cubismo introdujo la idea de
añadir en otros materiales partes del cuadro como si de un collage se tratara.

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 Los artistas así, comenzaron a emplear papel de color, periódicos y otros
materiales para representar los diferentes bloques de la obra.
Obras:
 Las Señoritas de Avignon – Pablo Picasso
 Naturaleza muerta en Mesa de Árbol – Georges Braque
 El Fumador – Juan Gris
Artistas:
 Pablo Picasso
 Georges Braque
 Juan Gris
Futurismo. 1908-1918
Movimiento de vanguardia italiano creado por Filippo Tommaso Marinetti en el año
1909, se caracteriza por un antiacademicismo total, interes por el dinamismo de la
obra y una gran influencia del cubismo.
Obras:
 Dinamismo de un ciclista – Umberto Boccioni
Artistas:
 Filippo Tommaso Marinetti
 Umberto Boccioni
 Carlo Carrá
Constructivismo. 1914-1930
El constructivismo es un movimiento artístico surgido en el Imperio de Rusia en el
año 1914, ganó reputación tras la Revolución de Octubre. Es un movimiento de
vanguardia que incorpora a la obra los conceptos de espacio y tiempo con el objetivo
de conseguir formas dinámicas.
Obras:
 Relief – Vladimir Tatlin
Artistas:
 Kasimir Malévich
 Aleksandr Ródchenko

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  Vladimir Tatlin
Surrealismo. 1924-1940
El Surrealismo comenzó como un movimiento filosófico que argumentaba que la
manera de encontrar la verdad en en el mundo era a través de la mente y los
sueños, es decir a través del subconsciente en lugar de hacer uso del pensamiento
lógico. El movimiento incluye a muchos artistas, poetas y escritores que expresaron
sus teorías en su trabajo. Este movimiento comenzó a mediados de la década de
1920 en Francia y alcanzó su punto máximo en la década de los 30.
Obras:
 Vertumnus – Giuseppe Arcimboldo
 La Persistencia de la Memoria – Salvador Dalí
Artistas:
 Salvador Dali
 Giorgio de Chirico
 Marcel Duchamp
 Joan Miró
Expresionismo Abstracto. 1948
El movimiento del arte abstracto surgió en los Estados Unidos. En su forma más
pura, el arte abstracto no tiene objeto. Es sólo líneas, formas y colores. El
movimiento del arte abstracto se llama el expresionismo abstracto, ya que, aunque
el arte no tiene objeto, siempre trata de transmitir algún tipo de emoción.
El movimiento del expresionismo abstracto se inició en la década de 1940 en la
ciudad de Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial. Aunque algunas
obras de arte abstracto habían sido pintadas con anterioridad.
La principal característica del arte abstracto es que no tiene ningún objeto
reconocible. Algunos artistas abstractos tenían teorías sobre las emociones que
fueron causadas por ciertos colores y formas. Planearon sus pinturas
aparentemente al azar hasta el último detalle.

Obras:
 No. 5, 1948 – Jackson Pollock
 Blue Poles – Jackson Pollock
Artistas:

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  Jackson Pollock
 Mark Rothko
 Piet Mondrian


Pop-Art. 1955
El Pop-Arte es una corriente artística que consiste en usar artículos comerciales e
iconos culturales como las etiquetas de productos, anuncios, y estrellas de cine. En
cierto modo, el Pop-Art fue una reacción a la gravedad del Expresionismo Abstracto
y está destinado a ser divertido. Pop Art comenzó en la década de 1950, pero se
hizo muy popular en la década de 1960. Se inició en el Reino Unido, pero se
convirtió en un verdadero movimiento de arte en la ciudad de Nueva York con
artistas como Andy Warhol y Jasper Johns.
El Arte Pop utiliza imágenes e iconos que son populares en el mundo moderno. Esto
incluye personajes famosos como las estrellas de cine y estrellas de rock, artículos
comerciales como latas de sopa y refrescos, cómics, y cualquier otro artículo que
sea popular en el mundo comercial. Hay una serie de formas en que los artistas
utilizan estos elementos para crear arte, como repitiendo el tema una y otra vez,
cambiando el color o la textura del tema, y poner diferentes elementos juntos para
hacer una foto.
Obras:
 Ocho Elvis – Andy Warhol
 Drowning Girl – Roy Lichtenstein
Artistas
 Adny Warhol
 Roy Lichtenstein
 Jasper Johns

ETAPA ACTUAL
Esta etapa del arte como su nombre lo dice abarca lo que es el arte en la actualidad,
el cual esta dividido en 2. El arte graffit y el arte virtual
Arte graffiti
Entendida como una de las expresiones de arte urbano más populares y
características de la actualidad, el graffiti no es más que un dibujo o una obra de
arte pictórica realizadas en las pares y muros de la calle. Así, el graffiti no se mueve

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o muestra dentro de círculos intelectuales o privados de arte sino que se caracteriza
por ser expuesto de manera pública para que todos lo vean y disfruten día a día. El
graffiti es por lo general anónimo y puede tener diferentes objetivos en lo que
respecta a la razón de su realización: mientras algunos son meramente artísticos,
otros son formulaciones políticas, otros de protesta y muchos otros son simples
mensajes sin mayores pretensiones. La palabra graffiti proviene del italiano y se
relaciona con la idea de grafito o de expresión gráfica. Justamente, uno de los
elementos más característicos del graffiti es que se realiza siempre de manera
gráfica y visual. Por lo general, el graffiti no sigue reglas artísticas más que la misma
libertad de expresión del autor, y es por eso que mientras algunos son realmente
complejos y verdaderas obras de arte, otros son simples frases escritas con cierta
violencia en las paredes o puertas de negocios.
Se estima que los graffitis son siempre realizados por las generaciones más jóvenes
que se encuentran opuestas al mundo conservador e institucionalizado de los
adultos. En este sentido, en muchos países el graffiti es un delito ya que es
considerado suciedad o daño de la propiedad privada. Sin embargo, en diversos
lugares el graffiti ya está integrado al tejido urbano y es considerado una verdadera
e importante forma de expresión cultural y popular.
Arte virtual
El arte que encontramos en Internet es la síntesis de las imágenes, movimientos y
escenas pertenecientes a ésta ya que no es simplemente otra forma de verla, en
realidad consiste físicamente, en algo diferente a la imagen analógica del óleo, de
la pintura e incluso de la fotografía y la televisión, ya que no es más que la
representación de un código de ceros y unos: un código binario; e ideológicamente
en toda una revolución de las ideas y las formas de hacer arte, así como tiempo
atrás, el artista aprendía a estirar el lienzo y a mezclar los colores, ahora se interesa
por programas de diseño, edición de fotografías, etc. Como afirma Giancarlo
Carbone en su artículo "el arte en la era digital", existe más distancia entre un video
de televisión y una animación digital, que entre éste mismo y una pintura
renacentista. El arte en este nuevo medio de distribución tiene muchas ventajas y
trae muchos cambios independientes de si es creada o sólo publicada por medio de
éste. En primer lugar, el internet pone el arte al alcance de un gran público y de
forma gratuita; además abre el espacio a la interacción tanto con la obra como con
el artista ya que el correo permite la comunicación con éste; y por otro lado está la
infravaloración de los derechos de autor, que, como lo hemos visto en clase son
muy abstractos, situación de la cual los artistas de la web son completamente
conscientes.

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BIBLIOGRAFIA
http://www.definicionabc.com/general/graffiti.php
http://www.encicloarte.com/edad-moderna/
https://es.slideshare.net/nerea96/arte-en-la-edad-moderna-9616269
http://www.angelfire.com/comics/net_art/que_es.html
https://profeenhistoria.com/arte/

Introducción
El arte Realista fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fue la
representación objetiva de la realidad basada en la observación de los aspectos
cotidianos que brindaba la vida de la época. Esta contemporaneidad facilitó a los
artistas un amplio campo de representación entre 1840 y 1880.
El arte cubista fue una vanguardia artística europea que surgió en el siglo XX en
Francia que cubre las artes y la literatura. Marcado por el uso de formas
geométricas, rompió con los modelos estéticos que sólo valoraban la perfección
de las formas.
El arte impresionista se considera como el movimiento que dio origen al arte
moderno. Las obras impresionistas transmiten la sensación de alegría y armonía,
debido a la presencia de los contrastes, de la luz y de la claridad de los colores,
principalmente. Cabe aclarar que el movimiento Impresionista no tiene nada que
ver con el surrealismo, como muchas veces se menciona.
El arte expresionista fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a
principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no
pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos…). Sin embargo
difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así
decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo
morboso, lo prohibido, lo obsceno…
conoceremos sobre arte abstracto que un estilo de la expresión de las artes
plásticas (pintura y escultura) principalmente, que en lugar de representar figuras
concretas y reconocibles del mundo real (como hace el arte figurativo), propone
una realidad distinta a través de un lenguaje propio e independiente de formas,
colores y líneas.

Conclusión

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El arte Realista se caracterizó por su afán de veracidad, al retratar campesinos o
trabajadores; su contemporaneidad, al sostener que el único tema válido para el
artista era el mundo coetáneo; su compromiso social, al abordar temas que hasta
entonces se habían ignorado, en estrecha conexión con la literatura y su variedad
de temas: intimistas, familiares, reuniones al aire libre, paisajes rurales y urbanos.
El arte cubista es considerado un «arte mental», donde cada aspecto de la obra
debe ser analizado y estudiado de modo individual. Cubos, cilindros y esferas son
algunas de las formas usuales en el arte cubista, que se distingue del arte
abstracto por el uso concreto de todas las formas. el Cubismo influenció otros
movimientos como el futurismo, surrealismo.
El propósito principal del arte impresionista era a romper con las técnicas
convencionales de realismo, centrándose en la impresión de la luz, los colores y
los movimientos libres de los trazos de pincel para crear efectos ópticos que
terminen las obras.
El arte expresionista viene a ser una deformación de la realidad para expresarla
de forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida
del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos,
emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.
el arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la
realidad, si se rigen por las reglas de lo aparentemente lógico, sino que se
proponen obras mucho más libres e innovadoras, cuya interpretación queda a
cargo del espectador.

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