Tercer Grado: Arte y Cultura Docente: Julia Maribel SANCHEZ PALOMINO

ARTES VISUALES
PREHISTORIA. Los vestigios artísticos y arquitectónicos más antiguos conocidos hasta la
fecha proceden del norte de Mesopotamia, del asentamiento proto-neolítico de Qermez Dere
en las colinas de Jebel Sinjar. Niveles arqueológicos fechados en el noveno milenio a.C. han
revelado que existieron cabañas de planta circular, con uno o dos pilares de piedra enlucidos
en yeso. Además, cuando se abandonaron estas construcciones, se colocaron sobre el suelo
calaveras humanas, hecho que indica alguna práctica ritual. Los periodos neolítico y calcolítico
del arte mesopotámico (c. 7000 a.C.-c. 3500 a.C.), anteriores a la aparición definitiva de la
escritura, se designan por el nombre de sus yacimientos arqueológicos: Hassuna, en el norte,
es una localidad donde se han hallado algunas viviendas y cerámica pintada; Sāmarrā, cuyos
diseños cerámicos abstractos y figurativos parece que tuvieron significado religioso, y Tell
Halaf, lugar en el que se realizó cerámica decorada y estatuillas de mujeres sedentes que se
interpretan como diosas de la fertilidad. Estos descubrimientos activaron el interés por la
excavación en cuevas y abrigos rocosos en busca de arte prehistórico. Algunas personas se
habían dado cuenta ya de la existencia de dibujos en las paredes, pero apenas dieron
importancia al asunto. El primer llamamiento serio en favor de la existencia del arte rupestre
paleolítico se hizo en 1880, cuando el español Marcelino de Sautuola dio a conocer sus
hallazgos en la cueva de Altamira (Cantabria). Sus opiniones fueron tratadas con escepticismo
por los arqueólogos de la época, hasta que el deslizamiento de una falla ocurrido en la cueva
de La Mouthe (Dordoña) en 1895, sacó a la luz una galería con grabados tallados en sus
paredes. Los sedimentos paleolíticos aparecidos allí confirmaron la antigüedad de las pinturas.
En 1901 se encontraron otros grabados en la cueva de Les Combarelles (Dordoña) y pinturas
en la cercana Font de Gaume. En 1902 los arqueólogos reconocieron oficialmente la existencia
del arte rupestre. Tras esto, nuevos y numerosos hallazgos se sucedieron ya de forma
continuada. Los descubrimientos todavía prosiguen; en Francia y España, incluso hoy, se
descubre un promedio de un yacimiento nuevo cada año. En fechas recientes, manifestaciones
de arte rupestre de similar cronología han aparecido en otras partes del mundo como Australia,
América y el sur de África.
TRABAJO DE TALLER: El estudiante realiza un trabajo relacionado a la pintura rupestre puede
usar collage de arena o tierras y otros elementos para lograr representar petroglifos.
El primer trabajo está realizado con arena pegada collage y detallado, el segundo es una copia
de las pinturas rupestres existentes en Toquepala.

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EDAD ANTIGUA. Arte antiguo o Arte de la Antigüedad es el arte de la Edad Antigua. La

historia del arte antiguo es la división de la historia del arte que se centra en su estudio e
interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su
explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica cuyo objeto es la cultura
material de la que las obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la encargada de su
descubrimiento y análisis contextual. Su delimitación cronológica va desde el comienzo de la
Historia (aproximadamente el IV milenio a. C. en Próximo Oriente y Egipto) hasta la caída del
Imperio romano de Occidente (siglo V). La extensión geográfica del desarrollo de las primeras
civilizaciones –definidas por la aparición de la escritura y el poder político y religioso– impone
dónde pueden localizarse (civilizaciones mediterráneas, de la India, de Extremo Oriente, de
América Precolombina y del resto de Europa y de África) y cuándo puede hablarse en cada una
de un periodo histórico (Historia) o de un periodo prehistórico (Prehistoria), que determinaría
que su producción artística fuese objeto de la historia del arte prehistórico; aunque realmente la
metodología para su estudio es en gran parte común, hay una diferencia fundamental, y es la
posibilidad de utilizar las fuentes escritas para los periodos históricos. Este recurso es
insustituible, puesto que no sólo permite la identificación en su caso de los autores o
patrocinadores de la obra artística y reconstruir el contexto en el que se produjo, sino que
posibilita la interpretación del Arte en su relación con la producción intelectual en otros ámbitos
del pensamiento, sobre todo la religión y la filosofía. De esta manera se puede efectuar una
lectura del arte que lo entienda a través la visión del mundo (Weltanschauung) o ideología
dominante en épocas y lugares tan lejanos a nosotros como las civilizaciones de la Edad
Antigua, y del que el Arte es la plasmación material y visual.
Al contrario que la civilización occidental, las civilizaciones africanas, extremo-orientales y
americanas no experimentaron la marcada discontinuidad que el arte occidental presenta entre
el arte antiguo y el arte medieval; con lo que éste último concepto no suele aplicarse a estas
civilizaciones.

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Alto relieve de la cultura Egipcia, y escultura de Praxiteles, 330?-390 a.C.

TRABAJO DE TALLER: Dibujar algunas formas de la edad antigua.
EDAD MEDIA. El arte medieval es un gran periodo de la historia del arte que cubre un
prolongado período para una enorme extensión espacial. La Edad Media -del siglo V al siglo
XV- supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye
movimientos artísticos principales y distintos períodos, artes nacionales, regionales y locales,
diferentes géneros, periodos de florecimiento a los que se ha venido en llamar renacimientos,
las obras de arte, y los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el
anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios
establecidos en régimen gremial, mientras que en los últimos siglos de la Baja Edad Media,
sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas artes,
aumentando en consideración social y preparación intelectual). Los historiadores de arte
clasifican el arte medieval en períodos y movimientos: arte paleocristiano, arte prerrománico,
románico, gótico (en Europa Occidental -la cristiandad latina-), arte bizantino (en el Imperio
bizantino -la cristiandad oriental-) y arte islámico (en el mundo islámico), con influencias
mutuas. Además cada "nación" o cultura en la Edad Media desarrollaron estilos propios
diferenciados, como el arte visigodo, el arte anglosajón o el arte vikingo. El arte medieval
incluye muchos medios de expresión a través de disciplinas artísticas, técnicas y géneros
diferentes: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados (la miniatura y la
caligrafía), frescos, pintura en tabla, mosaicos, y un largo etcétera, en el que se incluyen artes y
oficios no incluidos habitualmente en las bellas artes, como la confección de la indumentaria
medieval. El arte medieval superó la herencia artística clásica del Imperio romano a través de
su mezcla con las aportaciones del cristianismo primitivo y de la vigorosa cultura "bárbara" de
Europa del Norte para producir una notable síntesis artística. La historia de arte medieval
puede ser vista como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico,
paleocristiano y pagano.

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Mosaico del ábside de Monreale. La figura de Cristo como Pantocrátor, rodeado de la Virgen,
los ángeles y santos, ocupa el ábside de la iglesia de Monreale en Sicilia (finales del siglo XII).
El mosaico fue una demostración del intento del rey Roger de importar la gloria de Bizancio a
Sicilia como símbolo de su poder.

TALLER DE ARTE: realizar un mosaico utilizando materiales alternativos como cascara de

huevos, o papeles de color.

RENACIMIENTO.
Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa
Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las
artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como
humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento. El Renacimiento fue
fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del
hombre y del mundo. El nombre «renacimiento» se utilizó porque este movimiento retomaba
ciertos elementos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del conocimiento y
el progreso tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad dogmática establecida en la
Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser
humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval
por cierto antropocentrismo.
El historiador y artista Giorgio Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo
nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual,
fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho, el Renacimiento
rompió, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que calificó como un
estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la misma conciencia, el
movimiento renacentista se opuso al arte contemporáneo del norte de Europa. Desde una
perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una «ruptura»
con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional». Sobre el
significado del concepto de Renacimiento y sobre su cronología se ha discutido muchísimo;
generalmente, con el término «humanismo» se indica el proceso innovador, inspirado en la
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Antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del hombre en la organización de las

realidades histórica y natural que se aplicó en los siglos XV y XVI. El Renacimiento no fue un
fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico. Su ámbito se limitó a la
cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que las novedades
renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna,
marcada por la consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron
en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la burguesía
y la afirmación del capitalismo. Sin embargo, muchos de estos fenómenos rebasan por su
magnitud y mayor extensión en el tiempo el ámbito renacentista. El paradigma de esta nueva
actitud es Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, quien dominó distintas
ramas del saber, pero del mismo modo Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro
Botticelli y Bramante fueron artistas conmovidos por la imagen de la Antigüedad y preocupados
por desarrollar nuevas técnicas escultóricas, pictóricas y arquitectónicas, así como por la
música, la poesía y la nueva sensibilidad humanística. Todo esto formó parte del renacimiento
en las artes en Italia.
LEONARDO DA VINCI. Nació en Vinci (Italia) en 1452. Hijo ilegítimo, no pudo aprender griego
y latín, idioma en el que estaban escritos los libros. Era zurdo y escribía al revés. Morirá cerca
de Amboise en 1519.

RAPHAEL SANZIO. Nace en 1483 y muere en 1520.

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MIGUEL ANGEL. Nace el 6 de marzo de 1475, y muere en Roma en 1564.

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TRABAJO DE TALLER: dibujar a los tres maestros del renacimiento.

DIBUJO ARTÍSTICO. Existen diversas definiciones acerca del dibujo, sin embargo podemos
decir que el dibujo artístico es un lenguaje gráfico, mediante leyes y una adecuada técnica,
rama de las artes visuales, que nos sirve para expresar diversas ideas, proyectos,
sentimientos, conceptos, y de alguna manera nuestra cultura, por medio de utilizar algún
instrumento, plasmando imágenes sobre un espacio, generalmente utilizando el punto y la
línea.
TRABAJO DE TALLER: Dibujar un bodegón utilizando un lápiz 2B.

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LA FIGURA HUMANA. El tratamiento del dibujo artístico de la figura humana se basa en el

canon, siendo esta medida lo que le da la proporción adecuada.
PROPORCIONES. Relación en cuanto a magnitud cantidad o grado de una cosa con respecto
a otra o de una parte con el todo. Esta correspondencia se articula y sistematiza en términos

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matemáticos, en nuestro caso, en segmentos articulados como representación o elementos de

expresión artística. Correspondencia de medida de partes entre sí y de ellas con el todo.
Proporciones estéticas: Aquellas utilizadas con fines ergonómicos o antropométricos
(arquitectura y diseño), estéticos, (arte) y representacionales.
Proporciones estéticas objetivas. Aquellas que representan elementos de la naturaleza.
Estas relaciones proporcionales se extraen directamente de la observación del hecho
natural y directo del modelo. Su aprehensión tiene un carácter intuitivo y experiencial,
vivencial.
Proporciones estéticas técnicas. Son aquellas que, extraídas o deducidas de las
proporciones estéticas objetivas se establecen como norma para ser aplicadas directamente en
la reproducción artística del cuerpo humano. Son por tanto proporciones establecidas en
relación a la representación del objeto.
Proporciones estéticas expresivas. Relaciones de magnitud marcadamente antinaturales
que se jerarquizan por el artista en función del carácter simbólico que se le otorga a la forma.
Proporción estructural. La que permite el establecimiento de relaciones simples 1: 2, 1: 8,
3:4,… fácilmente perceptibles mediante la intuición y formuladas desde las matemáticas. Se
construyen así esqueletos constructivos de configuraciones métricas, que permiten
dibujar líneas que regulan espacialmente las composiciones basadas en formas geométricas
simples, exentas o relacionadas entre sí, con el fin de facilitar su lectura intuitiva.

CANON. Gr. Kanon regla o precepto cuerpo humano con vistas a su reproducción. En nuestro
caso; norma concreta que establece las proporciones ideales del cuerpo humano.
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Tiene siempre un carácter utilitario (ej. estatuaria monumental egipcia) Sistema de medidas tal
que tomando una parte se puede deducir el todo y a la inversa; una parte puede ser deducida
de la totalidad: regla de justa relación
El canon tiene un carácter convencional e histórico, por ese motivo evoluciona.
En él están implícitos mecanismos derivados de las economías del deseo. Citaremos sólo los
más conocidos; el egipcio, el griego desde Mirón a Zeuxis; Vitrubio, Alberti, Leonardo, Durero,
Rafael, David, Le Corbousier. El canon no sólo es utilizado para la representación del cuerpo,
sino para la construcción de todo lo que tenga que ver con él. Sus unidades, módulos, son
aceptadas en la vida diaria, siendo los objetos que se realizan con ellas cercanos a nosotros,
aprehensibles, comprensibles y útiles. Diferenciar entre canon artístico, canon natural y canon
antropométrico.
Canon antropométrico. Se construye según la media obtenida de comparar una parte de la
población.
El primer antropómetro fue Quetelet que ayudó con su metodología a confeccionar los
cánones de Langer, Schadow, Geyer, Fritsch y Rircher (7 ½).
Los cánones que articulan su modulación en las proporciones 7, 7 ½ y 8 pertenecen a este
ámbito científico. Se suele tomar como módulo la cabeza o la columna.
Canon de 7 y ½ : Estandar. +-170 cm.Tipo medio de Richer. Canon de Langer Canon de 7 y
3/4: Óptimo. +-1,75 cm. Tipo normal. Canon de Fritsch
Canon de 8: Heroico. + 1,80 cm. Tipo heróico de Richer, Geyer y Schadow.
Canon natural. El intrínseco a cada individuo derivado de su conformación única
Canon artístico. El derivado de la representación de cada momento histórico del cuerpo
humano en el arte. Este está sujeto a aspectos como la funcionalidad, la sociología o la
imaginación y define ante todo modelos y estrategias de representación.

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SIETE CABEZAS Y MEDIO.

Tipo medio rechoncho.

Hasta 170 cm
La altura del cuerpo se compone de 7 ½ cabezas = 10 caras
La envergadura (brazos abiertos) excede en media cabeza a la altura.
La segunda altura de cabeza coincide con los pezones y la tercera con el ombligo
Los brazos (ancho) miden ¾ de altura de cabeza
Las piernas 3 ¾
La columna vertebral es 2 ½ la altura del cuerpo

TRABAJO DE TALLER: dibujar en su carpeta de trabajo el canon de 71/2 cabezas.

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OCHO CABEZAS.

Más de 180 cm de altura

Canon habitual de taller hasta el siglo XX
La altura del cuerpo es de 8 cabezas = 10 y 2/3 caras
La envergadura es igual a la altura del cuerpo La parte superior puede construirse igual que en
los dos cánones anteriores (Modelo de Fritsch)
El ombligo está por debajo de la tercera altura
Los brazos (longitud) = 3 ¼ alturas
Las piernas = 4 ¼

TALLER DE ARTE: Dibujar el canon de 8 cabezas.

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Canon proporcional de Mujer y Varón en ocho cabezas, canon ideal.

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CONSTRUCCIÓN DEL RETRATO.

CONSTRUCCIÓN DE CARICATURAS
HISTORIETAS
LA PERSPECTIVA
LA COMPOSICIÓN
SIMÉTRICA
ASIMÉTRICA.
PAISAJE
PERSPECTIVA BÁSICA
LÍNEA DE HORIZONTE
PUNTO PRINCIPAL
LÍNEAS DE FUGA
LA ACUARELA
LA AGUADA
ESCULTURA
TALLA EN JABÓN
MODELADO EN PLASTILINA

TEATRO
El teatro. Géneros teatrales.
Estructura de un texto dramático.
Física: actos, cuadros, escenas.
Trama: inicio, nudo, desenlace.
Apreciación estética teatral.
Expresión corporal y expresión vocal.
La improvisación.
Drama creativo.
Recursos expresivos del actor.
Construcción de personajes.
Producción de obra.

DANZA
EL FOLKLORE
FOLKLORE DE LA COSTA
FOLKLORE DE LA SIERRA
FOLKLORE DE LA SELVA
EVOLUCIÓN DE LA DANZA
DANZA CREATIVA
ELEMENTOS DE LA DANZA
VESTUARIO
ESCENOGRAFÍA
MÚSICA
DANZA MODERNA
MENSAJE
COMUNICACIÓN CINÉTICA
MÚSICA
EXPRESIÓN.
REPRESENTACIÓN DE EMOCIONES
SENTIMIENTOS EN LA DANZA

MÚSICA
Cualidades del sonido.
Los signos de alteración.
Escala musical: cromática.
Solfeo Rítmico.
Caligrafía musical.
Compases simples.
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Técnica vocal.
El ritmo y el sonido en la evolución de la música.
El folklore.
Instrumentos musicales peruanos de origen pre- hispánicos.
Compositores locales y regionales.
La melodía: frases melódicas.
Ejecución instrumental. Ejercicios con saltío, galopa, tresillos.
Repertorio.

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