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El Renacimiento

Introducción
Situación
Contexto histórico
Contexto cultural
Contexto musical
Características de la música renacentista
Períodos de la música renacentista
La música religiosa
La música profana
La música instrumental
Formas instrumentales
Instrumentos del renacimiento
La danza renacentista
Compositores

Situación
Con el renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que
abarca los siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el
Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del mundo
cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la talla de
Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare, entre
otros, figuras que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había
ocurrido.

Contexto histórico
Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías
absolutas, terminando con el feudalismo medieval (excepto en Italia, donde
surgirán ciudades estado). Los grandes nobles y aristócratas van a ser los
mecenas de los artistas, que trabajarán en sus cortes a costa de un salario. Es
una etapa de gran desarrollo económico, mejorarán los medios de comunicación y
los transportes, lo cual facilitará la movilidad de los músicos y el intercambio y
propagación de ideas musicales.
Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la
Contrarreforma Católica serán importantes para la evolución de la música.

Contexto cultural
En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en este periodo
es el del Humanismo, que considera al hombre como el centro de todas las cosas,
dejando atrás las ideas teocentristas del medievo.
Algunas de las características culturales de esta etapa se resumen a
continuación:
 Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como
alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin la belleza y el placer de los
sentidos en sus obras.
 El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la
cultura en todos sus ámbitos.

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  El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad Media
para hablar a partir de ahora de artistas que firman sus obras.
 Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los
renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto,
van a despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte
clásico sobretodo de Grecia y Roma.

Contexto musical
Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características:
 Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas
humanistas sobre la importancia de la cultura, además de por la invención
de la imprenta, ya que ahora se empiezan a imprimir las primeras
partituras.
 Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el
espíritu humanista. Cada vez se crea más música de carácter no religioso y
en detrimento de la música sacra. Recordemos que la iglesia había
menospreciado la música instrumental, y ésta ahora experimentará un
gran desarrollo.
 Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en
complejidad, como ya lo había hecho en los últimos siglos de la Edad
Media. Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este
arte.

Características de la música Renacentista

La música del Renacimiento suena distinta a la música medieval. Esto se
debe a que se van a producir una serie de cambios, de los cuales destacamos los
siguientes:
 Desarrollo de la técnica polifónica: ya en el Ars Nova la polifonía había
alcanzado una gran complejidad; ahora en el Renacimiento el uso de
grupos de voces con diferentes timbres y tesituras se generaliza. En este
periodo podemos hablar ya de las cuatro voces que llegarán hasta nuestros
días (soprano, contralto, tenor y bajo). Dentro del ámbito polifónico
destacan dos técnicas de composición, una contrapuntística (en la que las
voces se mueven de manera independiente) y otra homofónica (en la que
las voces se mueven de manera homogénea).
 Sustitución del ritmo irregular: debido a la complejidad que ha alcanzado
la polifonía, los sistemas de notación tienen que desarrollarse en cuanto a
la métrica, por ello se abandona totalmente el ritmo libre del gregoriano
para establecer una música con medidas fijas, en la que las duraciones de
los sonidos son absolutas.
 Cambios en la armonía: los compositores van a empezar a introducir en
sus obras voces a distancias de terceras superpuestas, que en la Edad
Media no eran utilizadas. Este uso de terceras será el antecedente de los
acordes de nuestro sistema tonal actual.

Períodos de la música renacentista.

El Renacimiento hemos dicho que abarca los siglos XV y XVI, dentro de
este periodo podemos distinguir tres etapas:

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  Primer Renacimiento: comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido
también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña
(que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y
Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se
convertirán en los más importantes de esta época. Entre los compositores
más destacados de esta etapa podemos nombrar a Dufay, Ockeghem y Des
Prez. La mayor parte de la música de estos autores será religiosa (misas y
motetes). Durante este Primer Renacimiento será muy frecuente la técnica
compositiva denominada contrapunto imitativo, que se basa en proyectar
un tema ó motivo repetidamente entre las distintas voces.
 Alto Renacimiento: comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del
XVI. Los músicos franco-flamencos se extienden por Europa, cada
territorio acoge las novedades musicales y las adapta a su estilo
compositivo. Se crean, por lo tanto, los denominados estilos regionales. En
Italia el género que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se
desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la chanson.
 Bajo Renacimiento: se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI.
Italia se convierte en el país más importante musicalmente hablando, las
innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música profana; sin
embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se dedicarán a la
música religiosa, y son Giovanni Pierluigi da Palestrina y el español Tomás
Luis de Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la
misa. En esta época también tenemos que destacar al italiano Claudio
Monteverdi, maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho
tratados) y figura decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de
1607.

La música religiosa
Durante el Renacimiento, la Iglesia Cristiana sufre luchas internas que
acabarán con la unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con
Roma en el año 1519, ya que no comparte algunas de las formas de
comportamiento de la iglesia vaticana; va a crear así el protestantismo, que se
convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la religión mayoritaria de
Alemania. A este hecho se le conoce como la Reforma Protestante, ya que Lutero
llevará a cabo una serie de cambios, alguno de los cuales afectará a la música.
Hemos de saber que Lutero era un gran estudioso de la teoría musical.
Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes:
 Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para Lutero era
muy importante que la gente comprendiese lo que se decía en la liturgia y
que incluso pudiese participar cantando. Esto no era posible si las
celebraciones se seguían realizando en latín, debido a que era una lengua
que sólo era utilizada por la iglesia, no por el pueblo.
 Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música homofónica, ya que el
gran desarrollo al que había llegado la polifonía hacía que no se entendiese
el texto. Lutero creará una nueva forma musical: El Coral, que será el
género más importante de la iglesia protestante. Esta forma suele ser una
composición sencilla, escrita normalmente a cuatro voces, que se canta en
alemán y presenta una textura homofónica.

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 En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y
crea la Iglesia Anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, y así
acapara todo el poder político y religioso de su país. A partir de este momento, la
Iglesia Anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada Anthem, que
es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones
litúrgicas.
La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse
para tratar de arreglar los males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta
1563 se celebra “El Concilio de Trento”, en el que se tratan de establecer las
directrices de la nueva iglesia católica. Algunas de las novedades afectarán al
terreno musical, de las cuales destacamos las siguientes:
 Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para ellos es un
signo de unidad cristiana. Esta norma seguirá vigente hasta el Concilio
Vaticano II.
 Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que no era posible
entender los textos religiosos, y recordemos que la principal finalidad de la
música religiosa era la de transmitir el mensaje cristiano.
 Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son territorios sagrados
en los que sólo se debe interpretar música religiosa. Esta norma, en teoría,
hoy en día continúa vigente.
Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el
motete y la misa (forma musical compleja resultado de la unión de todas las
piezas de la liturgia), en los que se evitará la complejidad polifónica. Los
compositores principales de la iglesia católica son los italianos Giovanni Pierluigi
da Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó numerosos madrigales), y
los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.

La música vocal profana

A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional
ya que en todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal
profana va a tener un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los
“Estilos Regionales”.
Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como
generales, se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de
canciones escritas en las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en
latín como sucedía en la música religiosa. A continuación se exponen los géneros
más importantes de algunos países:
 Italia: El género más importante es el Madrigal. Se trata de una forma de
polifonía compleja escrita para cuatro o cinco voces. Normalmente es
música “a capella”, aunque se le pueden añadir algunos instrumentos. Es
música de carácter descriptivo escrita en italiano. Suele constar de cinco
frases en las que se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre los
compositores más importantes destacan: Luca Marenzio, Orlando Di Lasso
y Claudio Monteverdi.
 Francia: La forma más importante de este país es la Chanson. Es una
forma polifónica normalmente con acompañamiento instrumental.
También es descriptivo. El compositor más destacado es Clement
Janequin.
 España: El género que destaca es el Villancico, que es un género que en su
origen no tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a cuatro voces

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 de textura homofónica con estructura de estribillo-copla-estribillo. El
compositor más representativo de este tipo de música es Juan de la Encina
y se conservan muchas de estas piezas en un libro que lleva por título “El
cancionero de Palacio”. Junto con el villancico en España también habrá
otros géneros importantes como el Romance o la Ensalada.

La música instrumental
Formas instrumentales:
Una de las características más importantes del Renacimiento fue el
resurgir de la música instrumental que hasta entonces había estado marginada.
Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la
laicización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por primera
vez en la historia se va a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin
que el deleite del oído. Este tipo de música evolucionará en campo profano ya que
la Iglesia continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los actos
religiosos.
Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a
difundir muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente
va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento.
Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del
Renacimiento:
 Piezas adaptadas de obras vocales: son obras que primitivamente estaban
escritas para varias voces y que serán adaptadas para poder interpretarlas
con instrumentos polifónicos como el órgano y otros instrumentos de teclado.
Destacan en este grupo formas como el ricercare o la canzona.
 Piezas basadas en la improvisación: Estas piezas podían ser de dos tipos: o
bien se improvisaba a partir de una melodía dada o se improvisaba sin ningún
tipo de referencia, inventando todo sobre la marcha. A este tipo de música
corresponden géneros como la fantasía o la toccata.
 Piezas basadas en la variación: Se trata de que el intérprete parte de un tema
sencillo que va repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo
tipo. Dentro de este grupo destacan las diferencias; éste fue el nombre que
recibió en España el tema con variaciones en el cual destacó el compositor
español Antonio de Cabezón.
 Piezas creadas para la danza: Para este tipo de música vamos a crear un
apartado especial titulado la danza renacentista.

Instrumentos del renacimiento

Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante
el Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los
compositores. Como hemos visto en el punto anterior, durante el Renacimiento se
compone mucha música instrumental, esto va a hacer que muchos instrumentos
adquieran una gran importancia.
A continuación citamos algunos de los más importantes:
Aerófonos:
 Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue
uno de los instrumentos más populares de la época. También existían las
flautas traveseras de madera.
 Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la
dulzaina) que termina en forma de U.

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  Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con
fines militares y en desfiles.
 Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble
(parecido a los oboes pero de mayor tamaño).
 Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. Es fabricado en
metal.
Cordófonos :
 La viola da gamba: es un instrumento de arco que parece una mezcla de
guitarra y violonchelo. En España recibió el nombre de vihuela de arco.
 La guitarra: se estableció en España procedente de los países árabes y
pronto se extendió por toda Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas.
 La vihuela: es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó
de gran prestigio en nuestro país de la mano de compositores como Luis de
Narváez o Luis de Milán, los cuales se especializaron en este instrumento.
 El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el
Renacimiento se convierte en uno de los más importantes.
 El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se
comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.
Para algunos de estos instrumentos de cuerda (la guitarra, la vihuela o
el laúd entre otros) se creó un sistema de notación nuevo que se llamó La
Tablatura.

Aquí podemos observar un fragmento de una tablatura renacentista. Es un

sistema de notación, aproximadamente del siglo XV, es propio de los
instrumentos de cuerda pulsada tales como le vihuela o el laúd.
En él, se representa el mástil del instrumento con sus cuerdas (en este
caso seis). Los números indican el traste que el músico debe tocar sobre la
cuerda en la que está escrito. En la parte de arriba se escribe una figura que
indica el valor que debemos dar a cada una de las notas, y debajo se escriben
anotaciones que muestran la técnica y la articulación con las que se debe
interpretar la obra.
Es un sistema sencillo que permitía a la gente que no tenía estudios
musicales iniciarse en el aprendizaje de un instrumento.
Este sistema de notación continúa vigente en la actualidad y muchas
personas aprenden hay en día a tocar instrumentos como la guitarra ayudándose
de la tablatura.

La danza en el renacimiento
La danza, durante el periodo del Renacimiento va a alcanzar una gran
importancia, sobre todo entre las clases más altas, ya que en todas las
celebraciones va a estar presente. Pero además de la danza cortesana, va a existir
otra danza menos refinada y mucho más alegre, que va a ser la del pueblo llano.

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 Las danzas cortesanas estaban destinadas a ser bailadas en grandes
salones. La danza era bailada por todos los nobles que participaban en la
celebración (el aprender los bailes era obligatorio para los nobles), que iban
ataviados con sus mejores galas. Los grandes vestidos eran los que impedían
cualquier tipo de movimiento acelerado y por tanto estos bailes van a ser siempre
muy pausados y elegantes.
Al desarrollo de este tipo de música en este periodo influyó mucho la
evolución de la música instrumental, ya que buena parte de esa música era
dedicada a este género. Otro de los factores decisivos que impulsaron las danzas
fue la invención de la imprenta, ya que a partir de este momento se van a editar
los primeros libros de coreografías.
Éstas eran algunas de las principales danzas renacentistas:
 La Gallarda: es una de las principales danzas de la época. Se
interpretaba con paso saltado. Es una danza en compás ternario y paso
alegre. Normalmente se interpretaba después de la pavana.
 La Pavana: era sin duda la danza más importante de la época. Era la
que abría el baile y normalmente sólo la bailaban los organizadores del
evento. Es pausada y refinada; es un paseo de los ricos nobles para que
todo el mundo presente les admire.
 El Bransle: Era una danza que se bailaba en círculo. Los bailarines se
agarraban e iban oscilando a derecha y a izquierda sin romper el
círculo.
Además podemos mencionar otras muchas danzas: el rondel, la tarantela,
la zarabanda, la alemanda, el courante, el saltarelo, la calada, etc.

Compositores.
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los
compositores más destacados de esta etapa.
 Gabrieli, Andrea y Giovanni
 di Lasso, Orlando
 Palestrina, Giovanni Pierluigi da
 de Victoria, Tomás Luis

Andrea Gabrieli (1510-1586) y Giovani Gabrieli (1557-1612). Italia.

Familia de célebres compositores venecianos, tío y sobrino. El primero fue
Chantre de San Marcos de Venecia y discípulo de Willaert, aunque permaneció
algunos años en Verona como organista de su Catedral. Durante el resto de su
vida fue organista en San Marcos, como segundo de Claudio Merulo y después,
en sustitución de su sobrino Giovanni. Entre otras muchas obras, compuso la
música con la que su ciudad celebró la victoria de Lepanto en 1571. Escribió
especialmente música religiosa, aunque también madrigales profanos. En sus
obras queda reflejada la particular arquitectura de simetrías de la iglesia de San
Marcos, que se traduciría en coros enfrentados.
Su sobrino Giovanni fue su más ferviente admirador y siguió sus pasos,
estudiando con Orlando di Lassus. En Venecia desempeñó el cargo de primer
organista de San Marcos y fue profesor de destacados alumnos italianos y
extranjeros, como Grillo, Tadei y especialmente Heinrich Schütz, desde donde su
influencia se extendería hasta Johann Sebastian Bach.
Principales obras:
Andrea Gabrieli:

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  Canciones Sagradas (1565)
 Primer libro de Misas (1572)
 Madrigales a tres (1575)
 Primer libro de Canciones Eclesiásticas (1576)
 Salmos a David (1583)
 Coros de Edipo Rey (para la inauguración del Teatro Olímpico de Vicenza)
(1585)
Giovanni Gabrieli:
 Concerti (1587)
 Sinfonía Sagrada (1597)
 Sinfonías Sagradas (1615)

Orlando di Lasso (1532-1594). Bélgica-Francia.

Llamado originalmente Roland de Lassus, fue el más importante
compositor de la escuela franco-flamenca del siglo XVI. Se crió en la ciudad de
Hainaut, siendo miembro del coro de la iglesia de San Nicolás. Siguió al virrey de
Sicilia por sus viajes por Europa, quedando impresionado por el arte italiano en
Milán, Sicilia y Nápoles.
Después se afincaría en Munich como maestro de capilla del duque de
Baviera, realizando frecuentes viajes a Alemania e Italia, y relacionándose con los
principales personajes de la época, desde el editor Adrian Le Roy a músicos de las
cortes alemanas, recibiendo condecoraciones y gratificaciones de príncipes
extranjeros. Parece que conoció a Palestrina y tuvo varios discípulos, entre ellos
Giovanni Gabrieli. En su juventud abundan las obras sobre textos profanos,
mientras que en la madurez se vuelca hacia el estilo religioso.
Principales obras:
 Primer ciclo de motetes (1556)
 Segundo ciclo de motetes (1562)
 Bicinia (1577)
 Psalmi David penitentiales (1584)
 Tricinia (1588)
 Cantiones sacreae sei vocum (1594)
 Lagrime di San Pietro (edición póstuma) (1595)
 Prophetiaes Sybillarum chromatico more (edición póstuma) (1600)
 Magnum opus musicum (edición póstuma) (1604)

Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594). Italia.

Compositor italiano de música sacra, género para el que compuso 102
misas, unos 300 motetes y 133 madrigales con textos profanos. Fue un brillante
organista que estudió con Mallapert y Lebel y quizás con Arcadelt, que
impresionaría al cardenal Giovanni María del Monte, luego papa Julio III, que lo
contrata como maestro de coro y a quien Palestrina dedica su primer libro de
misas.
Aunque trabaja como cantor de la capilla Sixtina, debe renunciar al puesto
cuando se casa por primera vez (lo hace otra vez más y tiene hijos que serán
víctimas de la peste). En 1577 el papa Gregorio XIII le encarga (junto con Aníbal
Zoilo) la corrección del repertorio gregoriano.

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 Su estilo es muy característico en el tratamiento de la prosodia de los
textos (acomodación de sílabas a notas), siempre sujeto a su propiedad de
cantable.

Principales obras:
 Primer libro de madrigales a cuatro voces (1555)
 Missa Papae Marcelli (1563 )
 Repleatur os meum (1570)
 Primera colección de madrigales espirituales (1581)
 Cánticos de Salomón (1583)
 Stabat Mater (1590)

Tomás Luis de Victoria. (1548-1611). España.

Compositor español. Fue alumno de Escobedo en Segovia y luego de
Morales. A los veinte años fue enviado a Roma con una pensión de Felipe II, para
ingresar como cantor en la capilla del Colegio Germánico que los jesuitas crean
para combatir el protestantismo. En sus trece años en la ciudad trabaja como
capellán cantor y después como maestro de capilla de San Apolinar.
La viudez de la emperatriz hace que retorne y se instale en Madrid a su
servicio, primero como maestro de capilla y luego como organista del convento de
las Descalzas Reales, gozando además de la protección del cardenal Michele
Bonelli. Su estilo sigue fielmente las pautas de la escuela romana de Palestrina,
entre el dramatismo y ascetismo. La independencia de las voces no sólo responde
a planteamientos armónicos de conjunto, sino a la propia musicalidad de la
música melódica.
Principales obras:
 Missa pro Victoria (escrita para conmemorar la batalla de San Quintín).
 Alma Redemptoris Mater.
 Missa Ave Regina coelorum.
 Missa Pange Lingua.
 Magnum mysterium.
 Vos omnes (motete).
 Missa Ave María Stella.
 Officium Hebdomadae Sanctae (1585)
 Oficium Defunctorum (1605)