V1 DGR205 Descargable Semana 2

CULTURA DEL DISEÑO
CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIOCULTURAL

DEL DISEÑO GRÁFICO
CULTURA DEL DISEÑO
CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIOCULTURAL
DEL DISEÑO GRÁFICO
Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 2

ESCUELA DE DISEÑO, ARTE Y COMUNICACIÓN
Director de Escuela / Hernán Garfias Arce
ELABORACIÓN
Experto disciplinar / Carlos Pavez Amor
Diseñador instruccional / Oscar González Cantin
VALIDACIÓN
Experto disciplinar / María José López
Jefa de diseño instruccional y multimedia / Alejandra San Juan Reyes
DISEÑO DOCUMENTO
Equipo de Diseño Instruccional AIEP

Contenido
APRENDIZAJES ESPERADOS ................................................................................................ 5

PINTURAS Y ESTILOS PICTÓRICOS ...................................................................................... 6
Las vanguardias artísticas y el diseño gráfico ...................................................................................... 6
Impresionismo ..................................................................................................................................... 6
Postimpresionismo .............................................................................................................................. 8
El fauvismo ........................................................................................................................................... 8
El expresionismo .................................................................................................................................. 8
Hitos tecnológicos de la historia del diseño ........................................................................................ 9
La imprenta y su relevancia en el desarrollo de las artes gráficas .................................................... 11
Conceptos de “vanguardia” y “modernidad” .................................................................................... 12
Vanguardia ..................................................................................................................................... 12
Modernidad ................................................................................................................................... 12
Resumen ........................................................................................................................................ 12
ARTISTAS Y MOVIMIENTOS ...............................................................................................13
Toulouse Lautrec: El cartel en la época y su trascendencia .............................................................. 13
Inicios del cartel ............................................................................................................................. 14
Surrealismo, dadaísmo, cubismo y otros movimientos..................................................................... 15
El surrealismo................................................................................................................................. 15
El dadaísmo .................................................................................................................................... 16
El cubismo ...................................................................................................................................... 17
El futurismo.................................................................................................................................... 17
“Arts & Craft”, “Art Nouveau”: exponentes y relevancia para la época ........................................... 18
Antecedentes generales del estilo internacional y la cultura pop .................................................... 21
Estilo tipográfico internacional ...................................................................................................... 21
La Escuela de Nueva York .............................................................................................................. 21
Las segundas vanguardias.............................................................................................................. 22
Ferias universales y su legado............................................................................................................ 26
Desarrollo de las escuelas de artes gráficas y diseño del siglo XX ..................................................... 27
IDEAS CLAVE ....................................................................................................................31
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS .........................................................................................31

APRENDIZAJES ESPERADOS
¿Qué aprenderás en este módulo, por unidad y por semana? Revisa la competencia asociada, los
aprendizajes esperados y lo que evaluaremos en las actividades de aprendizaje que realizarás
semana a semana.
Caracterizar escuelas y Duración: 36 horas

estilos, considerando la
Competencia
del módulo: evolución histórica y
sociocultural del diseño
gráfico.
Modalidad: Online
Aprendizaje
Identifican los orígenes históricos del diseño, considerando su influencia
esperado de
en el contexto sociocultural.
la semana
1. Distingue los estilos y tendencias del arte del siglo XIX,

considerando principales exponentes de la época y su influencia
para el diseño gráfico contemporáneo.
2. Identifica legado de las Ferias Universales en función de la
exposición de expresiones artísticas, tecnológicas y de vanguardia.
Criterios de 3. Caracteriza los hitos que fundaron el diseño en el mundo a partir
evaluación de de sus tendencias e influencias específicas.
la semana 4. Identifica a la Escuela Alemana “Bauhaus” como una pieza
fundamental en el diseño gráfico mundial, considerando sus
características conceptuales y técnicas para la creación y
producción gráfica contemporánea.
5. Establece una comunicación oral y escrita adecuada con sus
interlocutores a través de diversos medios y soportes.

PINTURAS Y ESTILOS PICTÓRICOS
Las vanguardias artísticas y el diseño gráfico
Durante las primeras décadas del siglo XX, las vanguardias artísticas crean las condiciones
conceptuales para el nuevo repertorio de formas que el diseño gráfico recogerá en adelante.
Hablamos de una disciplina que se encuentra a la búsqueda de su identidad. La adopción de las

formas abstractas (una primera revolucionaria abstracción la constituye la fotografía, con la
representación en blanco y negro de un mundo en colores), el uso psicológico del color, la
revolución de la tipografía, del collage y del fotomontaje representará no sólo la base de nuevos
repertorios lingüísticos, sino también sus bases teóricas.
Impresionismo
Durante el siglo XIX el medio por el que los artistas conseguían su aceptación era a través de los
Salones o Exposiciones Nacionales. Para un pintor, no ser parte de un salón suponía su
marginación y su fracaso.
La decisión de incluir o excluir las obras competía a los jurados formados por autoridades
académicas, cuyos criterios se basaban en las tradiciones más conservadoras y se rechazaban las
obras originales que suponían una ruptura con el arte oficial.
En 1863, en París, se organizó una exposición con las obras que el jurado no había admitido,
como una forma de contestar el estancamiento de los salones oficiales.
Los pintores impresionistas no se definían

a ellos mismos bajo este apelativo. El
término les fue impuesto de modo
peyorativo por el crítico Louis Leroy, al ver
la obra de Claude Monet “Impresión sol
naciente”, pintada en 1872 y expuesta en
el Salon des Refusés (Los rechazados) de
1874. Al día siguiente de ésta,
parafraseando el título del cuadro para
burlarse de él, Leroy bautizó el nuevo
movimiento: “Al contemplar la obra pensé
que mis anteojos estaban sucios, ¿qué
representa esta tela? ..., el cuadro no tenía
derecho ni revés..., ¡Impresión!, desde
luego produce impresión..., el papel
“Impresión sol naciente” Claude Monet
pintado en estado embrionario está más
hecho que esta marina”.

Así fue como el término "impresionismo" pasó a ser el nombre del movimiento. Provocaron un
gran escándalo. El refinado público del momento no estaba preparado para aceptar una
revolución como la que ellos proponían. Las burlas y duras críticas a que fueron sometidos los
llevarían, a posteriori, al éxito. Su máximo reconocimiento se afianza ya entrado el siglo XX.
El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Los

impresionistas más importantes fueron Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet, Auguste
Renoir, Berthe Morisot y Camille Pissarro.
Algunos años más tarde, en 1874, un grupo de pintores organizan la primera exposición
impresionista (Monet, Renoir y Pissarro, entre otros). Había empezado la pintura moderna.
El impresionismo nace como una evolución del

realismo y de la Escuela paisajística francesa de
finales del siglo XIX. Corresponde con una
transformación social; el florecimiento de la
burguesía trae sus propios usos y costumbres.
La campiña deja de ser lugar de trabajo para
convertirse en lugar de ocio y las excursiones
campestres. Es el mundo retratado por Monet y
Renoir.
Los impresionistas descubren que no existe el tema

insignificante, sino cuadros bien o mal resueltos.
Hacen una recuperación de lo banal (cotidiano)
que favorece la atención a los problemas formales
(la técnica).
Interesa la captación de lo fugaz; el agua, el humo,

aire… Son paisajes reales, no compuestos, donde
aparecen elementos como el ferrocarril y las
estaciones.
También hay escenas de ocio, bailes o tabernas.

Idea impuesta por la temática, pero más todavía
por el deseo de " limpiar de barro" los colores, de
“Mujer del parasol” Claude Monet
verlos y reproducirlos puros, y de hallar un
correctivo a la composición demasiada mecánica,
de pose, del estudio.
El color no existe ni tampoco la forma; solo es real para el pintor la relación aire-luz. De este
modo, la luz es el verdadero tema del cuadro y, por esto, repiten el mismo motivo a distintas
horas del día. Utilizan colores claros, vivos y puros que se aplican de forma yuxtapuesta para que
la mezcla se produzca en la retina. Es lo que se llama mezcla óptica.
Para traducir mejor las vibraciones de la luz prefieren la mancha pastosa y gruesa. La línea
desaparece y son la pincelada corta y rápida los valores dominantes.

Postimpresionismo
En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que, partiendo
del impresionismo, derivan hacia una pintura personal.
El postimpresionismo supone, entre otras cosas, una recuperación de la importancia del dibujo y
de la preocupación por captar no sólo la luz, sino también la expresividad de las cosas y de las
personas iluminadas.
El fauvismo
El fauvismo (en francés fauvisme) fue un movimiento pictórico

francés, caracterizado por el empleo provocativo del color. Su
nombre procede del calificativo fauve (fiera, en español), dado
por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras
presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor
de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la
pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del
color.
“Madame Matisse” de Henri Matisse

El expresionismo
Se inicia como movimiento organizado en Alemania antes de la

Primera Guerra Mundial.
El color, el dibujo y la proporción a menudo se exageraron o

distorsionaron.
Fueron dos los grupos que iniciaron el expresionismo en

Alemania:
Die Brücke (el puente) en 1905 y Der Blaue Reiter (el jinete azul)
en 1911. Die Brücke querían instalar en la obra los sentimientos
inexpresivos del artista. Der Blaue Reiter, en cambio, veían el arte
como como un objeto sin tema, donde a través de propiedades
de percepción se podían expresar sentimientos. El expresionismo
“El grito” de Edvard Munch
alemán se extendió a todas las artes; teatro, cine y literatura.
El expresionismo se rebela contra las formas estéticas convencionales además de una profunda
empatía con los marginados socialmente. En el contexto de la Primera Guerra Mundial, sienten un
gran rechazo a la autoridad militar y un profundo idealismo alimento al movimiento, el cual
postulaba un nuevo orden social que supusiese una mejora en la condición humana.

Son unos pocos jóvenes rebeldes inspirados en ideas del romanticismo germánico: la vuelta a la
naturaleza. Investigan sobre otras culturas primitivas, como el arte africano. Leen a Nietzsche.
En sus pinturas, lo importante es el espíritu de las cosas, captándolo a través de los sentidos. Por
lo tanto, es un movimiento introvertido. Crean una poética de la evasión y se aíslan. Quieren
crear un arte que cambie la sociedad que no aceptan. Quieren ser un puente que, a través del
arte, a través de ellos, llegue a la gente (concientizar a través del arte). El problema fue que era
un grupo aislado y no logran contactar con la gente.
El método es el mismo que en el fauvismo, con tonos más fríos, y se distinguen del fauvismo en
que la temática era más inquieta. Sus formas son angulosas y el trazo quebrado. Imitan al arte
africano.
Hay dos temas principales: la ciudad (plasmaban con un tono irónico la sociedad de la ciudad, el
agobio; era un tema negativo) y la naturaleza (es una naturaleza salvaje, suelen aparecer
modelos femeninas). Todo esto lo hicieron en el estudio, todo era fantasía. Principales artistas:
Emil Nolde, Ernst Ludwig Kirchner y Edvard Munch.
Hitos tecnológicos de la historia del diseño
De la producción artesanal a la industrial
Hasta mediados del siglo XVIII eran los

talleres artesanales los que producían
gran parte de las mercancías consumidas
en Europa. En estos talleres, los artesanos
controlaban el proceso de producción.
Frecuentemente, en los talleres un grupo
de artesanos se dedicaban a la
producción de una mercancía de su
principio a su fin, es decir, hacían las
mercancías en su totalidad, no existía una
profunda división del trabajo y eran ellos
los que establecían, por ejemplo, las
jornadas de trabajo. Los artesanos
producían solo un artículo sin que nadie
interviniera, de manera que conocían la
totalidad de su producto, las bases
prácticas para hacerlo, y lo vendían
directamente a sus consumidores. El
producto era usualmente exhibido por
una ventana.

Sin embargo, es en la segunda mitad del siglo XVIII, con la llegada de la Revolución Industrial,
cuando la extensión y profesionalización de la producción de bienes de consumo, así como
también la dirección de estas operaciones, tuvo un gran despegue. La Revolución Industrial estuvo
dividida en dos etapas.
En la primera Revolución Industrial (de 1750 hasta 1840, aproximadamente), la economía

basada en el trabajo manual fue reemplazada por la segunda etapa dominada por la industria y
la manufactura. Esta primera revolución se caracterizó por un cambio en los instrumentos de
trabajo de tipo artesanal por nuevas máquinas.
Este cambio se da porque, a pesar de que los rudimentarios instrumentos utilizados por los
artesanos cumplían con el objetivo para el cual fueron creados; estos, al ser manejados por
trabajadores con fuerza y velocidad limitada, limitaban también la producción. Este tipo de
manufactura no era suficiente para la demanda requerida de esa época. Es así como se requiere
un nuevo actor: la máquina. Con la llegada de estas nuevas tecnologías aparecieron las fábricas,
en donde todas las modernas máquinas se convirtieron en propiedad de un capitalista.

La imprenta y su relevancia en el desarrollo de las artes gráficas
La imprenta es uno de esos inventos que han cambiado la historia de la humanidad. Gracias a
ella, la difusión de la cultura alcanzó un desarrollo y un nivel hasta entonces inimaginables. Esto
hizo posible el acceso al conocimiento y la cultura a un gran número de la población que hasta
ese momento habían permanecido fuera de cualquier posibilidad de crecimiento y desarrollo
intelectual.
Las artes gráficas son un término que aparece luego de la invención de la imprenta, como forma
de agrupar todos los oficios que se relacionaban con la impresión tipográfica, como era la
acomodación de los tipos, la impresión, la encuadernación, el terminado y todas las variantes o
procesos adicionales que se le hacían al material impreso.
Más tarde aparece la litografía, en base a una piedra caliza. Esta revolucionó las artes gráficas,
pero, con el paso del tiempo, la piedra fue cambiada por una lámina de aluminio o de zinc.
Con la necesidad de generar impresiones

de mejor calidad aparece la pre-prensa o
fotomecánica. Esta parte del proceso de
impresión utilizaba maquinas, y cámaras
especiales para dividir el color de las
imágenes en CMYK o cian, magenta,
amarillo y negro por sus siglas en inglés
(cyan, magenta, yellow, key); el término
key, que significa llave, hace referencia a
la sobre impresión del negro para mejorar
la calidad del trabajo.
Posteriormente se produce la evolución a

la impresión offset, la cual eleva
significativamente la calidad de la
impresión al utilizar un sistema indirecto de
tres cilindros.
Más tarde se acuñaron otras formas de

impresión como la serigrafía, la
flexografía, el huecograbado o
rotograbado, entre muchos otras.

Conceptos de “vanguardia” y “modernidad”
Vanguardia
Se denomina vanguardia a la avanzada de un movimiento artístico, político o ideológico. En este
sentido, la vanguardia es algo nuevo que escapa de la tendencia dominante o tradicional y que
podría fundamentar las bases del desarrollo futuro.
La vanguardia plantea una renovación de formas y contenidos. En el caso del arte, intenta
reinventar sus bases y se enfrenta a los movimientos existentes. En un principio, la vanguardia es
minoritaria y suele generar rechazo por parte de los círculos tradicionalistas. Al pasar el tiempo,
puede convertirse ella misma en parte del sistema (perdiendo, como consecuencia, su condición
vanguardista).
Aunque las vanguardias tienen características muy distintas entre sí, se asemejan en la lucha
contra las tradiciones, la apuesta por la innovación, el ejercicio de la libertad individual y su
carácter experimental.
Modernidad
La Edad Moderna estaría situada entre la Edad Media y la Contemporánea. Pero es desde la
segunda mitad del siglo XV cuando se comienza a utilizar el concepto de Edad Media para
señalar un segundo período, ya superado, de la historia de la humanidad. El surgimiento de la
Modernidad es un lento proceso, que dura siglos; el Renacimiento, sería ese primer paso, el que
marca la separación con la época posterior.
Por Modernidad entendemos, por lo tanto, una serie de rasgos y características, que definen a
dicho periodo, y que suponen una cierta ruptura, la aparición de un nuevo clima intelectual. Hitos
históricos como el descubrimiento de América, la invención de la imprenta, el fortalecimiento de
la burguesía, la escisión de la Iglesia a partir de la Reforma impulsada por Lutero y el progresivo
distanciamiento entre poder político y poder religioso, entre razón y fe, pueden ayudarnos a
comprender el espíritu de la época moderna.
Resumen
Hemos reconocimos la diferencia entre arte y diseño, teniendo en cuenta que arte es una
manifestación individual del artista. El arte es una expresión individual que puede o no estar
conectada a la sensibilidad de una sociedad.
El arte puede definirse como las actividades o producciones del ser humano con fines estéticos o
comunicativos que representan a través de medios como la pintura, la escultura, la literatura o la
música diferentes realidades con escenas, ideas, emociones y sentimientos.
El diseño se plantea para la sociedad, busca resolver problemas y, en su mejor expresión,

conseguir una mejor calidad de vida.
Diseño es el proceso en que se forjan y determinan ideas o trabajo destinado a crear, proyectar,
coordinar, seleccionar y organizar un conjunto de elementos para producir y crear objetos, o

lenguaje visual, destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. Es también,
la materialización de aquella idea dirigida a dar respuesta útil, práctica y estética a una necesidad
concreta y mejorando la calidad de vida de las personas.
Con el nombre de vanguardias se identifican a variados movimientos artísticos innovadores que se

desarrollaron en Europa y Estados Unidos desde fines del siglo XIX y las primeras décadas del
siglo XX, y que influyen en el desarrollo de las artes del resto del mundo. Pertenecen al arte de
vanguardia movimientos como: Surrealismo, Expresionismo, Futurismo, Cubismo, Dadaísmo,
Constructivismo y Fauvismo, por mencionar algunos. Se caracterizan por la ruptura con los
modelos de belleza imperantes y el deseo de novedad y de experimentación.
El arte moderno es un término referido a la producción artística desde finales del siglo XIX hasta
aproximadamente la década del 70. En oposición al denominado arte académico, que
representaría la tradición, el arte moderno representaría la experimentación. Hay que entender,
por tanto, que el concepto de arte moderno no es cronológico, sino estético.
Como arte contemporáneo se denomina a producciones artísticas recientes o actuales, aunque

este término también se refiere al arte de la Edad Contemporánea (desde mediados del siglo
XVIII).
Finalmente, el arte postmoderno es el arte propio de la postmodernidad y corresponde a un

concepto reciente (décadas de los 70 ‐ 80). Señala una etapa de ruptura con el arte de principio
del siglo XX, por lo tanto, se caracteriza por un rechazo al arte moderno, sus lenguajes y estilos.
Frente a la idea de progreso, evolución e innovación de las vanguardias artísticas, el arte
postmoderno defiende la cultura popular y la hibridación y se caracteriza por el eclecticismo, la
fragmentación y la cita histórica.
ARTISTAS Y MOVIMIENTOS
Toulouse Lautrec: El cartel en la época y su

trascendencia
Pintor neoimpresionista. Nació en Albi en 1864. Fue miembro de

una familia aristocrática francesa. A los catorce años se rompió el
fémur izquierdo a causa de una caída y, al año siguiente, se quebró
el derecho. Sus fracturas no soldaron adecuadamente y su figura
quedó deformada. Su tronco siguió desarrollándose con
normalidad, pero sus piernas quedaron cortísimas.
Desde su niñez mostró gran afición por el dibujo, especialmente de

animales, por lo que sus padres le pusieron un profesor, René
Princeteau, quien le aconsejó inscribirse en el estudio del pintor “Moulin Rouge” de
académico León Bonnat. Más tarde, en 1883, entró en la academia Toulouse-Lautrec
privada de Cormon, donde coincide con Emile Bernard y Vincent

van Gogh. Finalmente, abandona el estudio de Cormon e instala su propio estudio en el corazón
de Montmartre, en el mismo edificio en el que trabaja Edgar Degas.
Degas será el referente más importante para Lautrec. Se sintió atraído por los mismos temas que
él, las bailarinas, los caballos, etc., pero entre ambos hay diferencias. Degas representa un
mundo mecánico, reiterativo y monótono, mientras que Lautrec pinta movimientos específicos y
fugaces, por ello, necesita una técnica rápida.
Comenzó a frecuentar los cabarets, los cafés cantantes y los burdeles de París, tomando apuntes
de amigos, artistas, bailarinas, prostitutas y cortesanos. Ese mundo turbador fue captado por
Toulouse-Lautrec a través de su aguda percepción del movimiento, por las expresiones y los
efectos de la luz, por su grafismo nervioso y por los contornos de líneas vibrantes aprendidos de
las estampas japonesas.
En 1889 se inaugura en París el Moulin Rouge. La relación del pintor con el "Moulin Rouge" será
especial al convertirse en uno de sus mejores clientes. Inmortalizó el local en numerosos carteles
en los que figuran las grandes estrellas del cabaret y del cancán, aunque las más habituales
fueron Jane Avril, Yvette Guilbert y sobre todo Louise Weber, llamada "La Goulue". Para todas
ellas realizó una fantástica serie de carteles utilizando la litografía en colores.
Inicios del cartel

En 1477 se reconoce la realización de un anuncio impreso en Inglaterra en manos del
comerciante e impresor William Caxton, considerado el primer impresor de Inglaterra. Luis XV, en
1762, ordena colocar muestras pegadas al muro de los establecimientos franceses anticipándose
así a la cartelera.
En 1800 también en Francia se conocen otras

acciones publicitarias en manos de Bonne Bierre de
Mars, aunque nunca con un formato mayor que la
página de un libro. La obra de Manet ‘Champfleury-
Les Chats’ anticipa también parte de lo que vendría
posteriormente utilizando formas simples y tintas
planas.
No es hasta el s. XIX en Francia cuando se empiezan a

sembrar las primeras semillas para que el cartel
termine adoptando una forma muy semejante y
cercana a como lo encontramos en la actualidad. Este
es el nacimiento del cartel moderno y se debe
principalmente a la suma de dos factores
determinantes: la aparición de la figura de Jules
Chéret (1836-1933) y las mejoras técnicas en la
impresión litográfica.
El cartel adquiere cada vez un mayor atractivo visual y

poder expresivo de la mano de Jules Chéret.
“Cartel” de Jules Chéret

Con la técnica de la litografía revoluciona la impresión con el proceso de tres colores (tricromía)
llevándola a su mayor grado de perfección. En 1858 realiza su primer diseño litográfico en color:
‘Orphée aux Enfers’. Trae una máquina con la que realiza carteles basados en diseños de
Senefelder.
Chéret inunda las calles parisinas y la figura femenina poseía en sus carteles una enorme carga
erótica. La mujer bella y estilizada es utilizada como recurso publicitario, siendo un claro
indicador del nacimiento del cartel publicitario moderno.
Así se empieza a entender el cartel como un nuevo lenguaje en el que se transmiten mensajes e
ideas de forma sencilla y directa, creando vínculos con los espectadores y haciéndoles responder
así a una serie de estímulos concretos.
La metodología implantada por Jules Chéret pronto se extendió a otros continentes obteniendo su
mayor apogeo con la corriente artística del Art Nouveau y especialmente por los pintores
franceses Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard y Alfons Mucha.
Surrealismo, dadaísmo, cubismo y otros movimientos
El surrealismo
Tomando ciertas influencias del
Dadaísmo irrumpe esta vanguardia en
los años 20, que se dejó seducir por los
postulados de Freud, donde el centro
estaba en el mundo de los sueños y el
inconsciente.
Fue André Bretón, poeta, quien con su

“manifiesto surrealista” en 1924 se
encargó de la fundación del movimiento,
estos poetas buscaron liberar a la
sociedad de sus convenciones, mediante
la experimentación y el uso de la
intuición y los sentimientos.
Fue a través de la pintura que el

La Persistencia de la Memoria, de Salvador Dalí
movimiento logró conectar con la
sociedad. Bretón y el grupo de poetas
vieron en la obra de Giorgio de Chirico
la traducción pictórica de sus ideas.

Salvador Dalí (1904-1989)
El artista catalán, famoso por su excéntrica vida, un vanguardista de espíritu, desde sus primeros
esbozos artísticos se entregó al surrealismo y se obsesionó por la ciencia, la guerra y el holocausto
nuclear.
Dalí plasmaba en sus cuadros todas sus obsesiones a las que sumaba sus delirios y antojos, por
eso a veces resulta difícil comprender algunos de sus lienzos, llenos de símbolos.
Las cosas se transforman arbitrariamente: lo duro pasa a ser blando, lo blanco se transforma en
negro, los órganos se deforman y hay un libre juego de objetos a los que se les conceden
categorías especiales.
El surrealismo y el diseño gráfico
El surrealismo le aportó al diseño una nueva variable, tanto en las temáticas como en el
tratamiento de las imágenes, en especial será un recurso del cual se valdrán la fotografía y la
Ilustración publicitaria, de libros y revistas, en otras.
El factor “sorpresa” del lenguaje surrealista está ligado a las representaciones metafóricas del
discurso del diseño gráfico.
El dadaísmo
Con un fuerte enfoque reaccionario los escritores y pintores
dadaístas estuvieron preocupados por el asombro, la protesta y lo
absurdo, a través de la libertad total buscaron manifestarse en
contra de la sociedad de comienzos de siglo.
El dadaísmo se comenzó a desarrollar espontáneamente con la

apertura del “cabaret Voltaire” en Zurich-Suiza, lugar de
encuentro para artistas, escritores, poetas y músicos. El impulsor
fue el poeta húngaro Tristan Tzara, quien en 1917 edita la revista
Dada.
“Urinario” de Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (1887-1968)
El pintor francés Marcel Duchamp se une al grupo y pasa a ser su figura más destacada en la
plástica.
Bajo la doctrina de la libertad absoluta recreó esculturas a partir de elementos diversos, por
ejemplo: montó una rueda de bicicleta sobre un banco de madera, también instaló un urinario y
pintó bigotes a una copia de la Gioconda.

El dadaísmo y el diseño gráfico
Los elementos de expresión gráfica del controvertido movimiento fueron recogidos por el diseño
gráfico.
La revolución tipográfica, el collage absurdo, el fotomontaje y el diseño de revistas especializadas

(única red de información con que contaron las ideas programáticas Dada), son algunos de los
hallazgos fundamentales para la evolución del diseño gráfico (hay quienes sostienen que esta
profesión nace realmente en estas fechas).
El cubismo
Fueron Picasso, Gris y Braque quienes se
propusieron eliminar la perspectiva y la ilusión de
profundidad, limitaron los colores a los tonos grises,
verdes y marrones para que el análisis temático de
la estructura corpórea se expresara con mayor
énfasis. Con el collage, buscaron la liberación
formal del color de su tradicional carácter
descriptivo.
Al innovar el enfoque de la composición visual, el

cubismo cambió el curso de la pintura, en primer
lugar, y la del diseño gráfico, más tarde.
Su propuesta visual se convirtió en referente para el

“Las señoritas de Avignon”, de Pablo Picasso
desarrollo de nuevos lenguajes en la plástica y el
diseño, orientándolos hacia la abstracción
geométrica.
El futurismo
El movimiento comienza en 1909 cuando el poeta
italiano Filippo Tommaso Marinetti publica su
manifiesto futurista, el cual expresaba su rechazo y
la ruptura a la tradición, mediante su admiración
por la máquina, la velocidad; la vida moderna
finalmente.
Dignifica la guerra como espacio donde la

maquinación, la energía y la deshumanización han
alcanzado las máximas metas. En su manifiesto hay
un punto que dice: “Queremos glorificar la guerra,
única higiene del mundo, el militarismo, el
patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas,
las bellas ideas que matan y el desprecio a la
Retrato de Prampolini de Filippo Marinetti
mujer”.

El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo
partido ingresó Marinetti en 1919. Aunque, en 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado
por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de
la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color, la representación del movimiento
se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo. Los
pintores extraen sus temas de la cultura urbana, las máquinas, los deportes, la guerra, los
vehículos en movimiento, etc.
La letra asume en los manifiestos futuristas una entidad pictórica. Para ellos, la forma de la
tipografía debía enfatizar el contenido escrito, huyendo además de las normas establecidas por la
tradición.
A partir del manifiesto futurista, la letra se libera de la alineación clásica adoptando formas
concretas figurativas (semejantes al precedente establecido por Lewis CarroII en 1865), o bien en
alineaciones verticales, circulares, en escalera, etc.
Este tipo de propuestas quedarán integradas, a partir de entonces, cómodamente en el diseño

gráfico y en sus múltiples disciplinas.
Fortunato Depero, (1892-1960)
En 1913 su trabajo se vincula al futurismo, esto

luego de ver una copia de la revista Lacerba. En
1927 publica el libro “dinamo azari”, compilado de
sus trabajos en experimentos tipográficos, anuncios,
diseños de tapices, y otros. Este texto fue un precursor
de los “libros de artista”.
New York de Fortunato Depero
“Arts & Craft”, “Art Nouveau”: exponentes y relevancia para la época
Origen del diseño moderno
El Art Nouveau demostró que era posible inventar nuevas

formas en vez de copiarlas de la naturaleza o los modelos
históricos, hacia finales del siglo XIX los diseñadores de
todas las disciplinas buscaron nuevas formas de expresión,
el impulso de los avances tecnológicos e industriales, los
cambios sociales y culturales los llevaron a dejar el dibujo
orgánico por una expresión abstracta y reducida.
“Cartel” de Alphonse Mucha

Escuela de Glasgow
Un grupo de cuatro amigos que se formó a principios de la década de 1890 desarrolló un estilo
único que innovó adaptando los elementos curvilíneos florales hacia una composición
estructurada y rectilínea. El trabado de “los cuatro” fue de gran inspiración para varios artistas
gráficos del resto de Europa.
De Stijl (el estilo)
El nombre que adoptó el grupo fue el de una revista fundada en 1917 por el arquitecto, pintor,
diseñador y escritor holandés Theo Van Doesburg, la cual se editó hasta su muerte, en 1931.
Las estructuras reticulares, la reducción de los colores a los primarios y las composiciones
estrictamente geométricas fueron su mayor contribución, al margen de la plataforma gráfica
experimental que constituyó la propia revista (al mismo tiempo que lo hacían los constructivistas
en la URSS), y donde se pudieron ver las primeras versiones compositivas en la nueva tipografía.
Piet Mondrian (1872 – 1944)
Junto con cofundar la De Stijl, Mondrian

hace otro aporte al movimiento: plantea
en 1920 el Neoplasticismo, una doctrina
estética que se basa en una concepción
analítica de la pintura, en la búsqueda de
un arte que trascienda la realidad externa,
material, reduciéndola a formas
geométricas y colores puros para hacerla
universal.
Composición C de Piet Mondrian
Pop Art
El Pop Art surgió a mediados de 1950 en el Reino Unido y tomó cierta fuerza en Estados Unidos a
finales del mismo año. En el Reino Unido se reunieron un conjunto de artistas en el instituto de
artes contemporáneas de Londres para así crear el independent group. Dicho movimiento se
desarrolló con mayor intensidad entre 1952 y 1955 y estaba formado por pintores, arquitectos,
escritores y diversos críticos que se encontraban fascinados con la cultura americana Pop. Ellos
utilizaban elementos de la cultura de masas para poder mostrar su rechazo a la corriente artística
modernista del momento conocida como las bellas artes.

En los inicios, el Pop Art en Estados Unidos
nace también como respuesta al expresionismo
artístico. Esta reacción ocurrió porque los
principales artistas Pop consideraban que el
expresionismo abstracto era un movimiento
vació y elitista. De igual forma, la verdadera
esencia del Pop Art era la misma para el
movimiento británico y americano. El
americano buscaba mostrar la realidad de la
cultura consumista en Estados Unidos.
El arte pop, como la música pop, buscaba

utilizar imágenes populares en oposición a la
elitista cultura existente en las Bellas Artes,
separándolas de su contexto y aislándolas o
combinándolas con otras, además de resaltar
el aspecto banal o kitsch de algún elemento
cultural, a menudo a través del uso de la
ironía.
El arte pop y el minimalismo son considerados

los últimos movimientos del arte moderno y por Marilyn, de Andy Warhol
lo tanto precursores del arte postmoderno,
aunque inclusive se les llega a considerar como
los inicios más tempranos de éste.
Las características del arte pop
1. Es figurativo y realista, pero con pleno dominio de todas las técnicas aparecidas entre el
siglo anterior y los años sesenta del siglo XX.
2. Tiene como bases a las ciudades de Nueva York y Londres, por lo que pone especial
atención a lo que sucede en esas metrópolis. Por lo mismo, está enraizado en el medio
ambiente urbano, y en los aspectos especiales de éste: comics, fotos, publicidad,
Hollywood, los parques de diversiones, los medios de masas en su faceta más
sensacionalista, los artículos domésticos, las bencineras, los hot-dogs y el dinero.
3. Los motivos son no tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la
atención del público; además, las obras presentan un parecido asombroso con el modelo.
Las imágenes con que trabajan los artistas son obvias: la Gioconda, Elvis, dólares, etc., y cuándo
las imágenes no lo son, por lo menos han sido bastante publicadas, como las fotos de sillas
eléctricas, choques de autos, la bomba atómica y otras del mismo estilo. Con esto, se plasma las
constantes de interés: la fama, el glamour, la muerte, la violencia. Además, con la repetición de
imágenes, se reduce al "famoso" a un mero elemento de composición.

Antecedentes generales del estilo internacional y la cultura pop
Estilo tipográfico internacional

Movimiento de diseño que se desarrolló en Suiza y Alemania en los años 50-60 y que también se
conoció como “Diseño Internacional Suizo”.
La característica primordial de este estilo se basa en una unidad visual que se consigue mediante
el uso de una cuadricula matemática sobre la cual se ordenaban los distintos elementos.
La claridad que consiguió el movimiento lo hizo propagarse rápidamente y permaneció por el par
de décadas siguientes en plena vigencia. Sus detractores, por el contrario, veían en esto un
“diseño uniforme”.
Las raíces del estilo tipográfico internacional se encuentran en la De Stijl, la Bauhaus y la Nueva
Tipografía de los años 20 y 30.
Probablemente, el aspecto más destacado de este movimiento está dado por la actitud de sus
precursores, quienes definieron al diseño como una actividad socialmente útil e importante y
rechazaron la expresión personal y las soluciones excéntricas. En su lugar, optaron por un enfoque
más universal y científico.
Entre las figuras que destacan del movimiento se encuentran Ernst Keller, quien en la Escuela de
Arte Aplicado de Zurich se encarga de dictar un curso profesional de diseño y tipografía. También
se encuentran dos diseñadores suizos que se formaron en la Bauhaus: Théo Ballmer y Max Bill,
ellos son el puente entre el diseño constructivista y el nuevo movimiento.
En 1950, Bill se involucra en la creación del plan de estudios del Instituto de Diseño en Ulm,
Alemania, esta escuela se concentró en dar solución a los problemas de diseño de la época la
igual como lo hizo la Bauhaus.
La Escuela de Nueva York

Luego de la primera oleada de inmigrantes provenientes de Europa, quienes aportaron el
vanguardismo de las corrientes que se generaron en el viejo continente, los estadounidenses
aportaron nuevos conceptos y miradas al diseño contemporáneo. El diseño europeo se podría
describir como más teórico y estructurado; el aporte norteamericano le dio un carácter más
intuitivo e informal.
Así como en su momento París fue el epicentro de las nuevas ideas y tendencias, el tono de gran
ciudad multicultural le dio a Nueva York ese sitial a partir de los años 40, convirtiéndose
finalmente en el gran polo cultural del siglo XX. El diseño gráfico estadounidense buscó resolver
los desafíos comunicacionales con la necesidad de expresión individual.

Paul Rand (1914 – 1996)
Comenzó su carrera a los 23 años dentro del diseño

editorial. Destacaron sus trabajos para revistas como
Esquire, donde las portadas rompían con la tradición;
influenciado por Klee, Kandinsky y los cubistas, supo
manejar la composición de línea. Utilizó el color y
espacio para sintetizar los contenidos y llevarlos a una
expresión simbólica.
Saul Bass (1920 – 1996)
Nacido en Nueva York, se

muda a California en los años
50. Con frecuencia redujo sus
diseños a una simple imagen
dominante, centrada en el
plano, lo que las hacen
Afiches de Saul Bass poseedoras de una fuerza y con Afiches de Paul Rand
un tono casi “casual”.
Las segundas vanguardias

En medio del auge de la sociedad de consumo y el capitalismo surgen tendencias en contra de
estos aspectos. La ironía y el sentido del humor aparecen en el arte de la mano del Pop Art o el
movimiento psicodélico. Por otra parte, el arte povera exalta los materiales de desecho de la
sociedad de consumo.
Pop Art
El Pop Art quería suprimir las distancias existentes entre vida y arte, reflejando con un tono irónico
al entorno de la vida cotidiana, lo popular.
Su propuesta se basa en un arte determinado, ya no por la creación en sí, sino por la idea. De
este modo, la mera selección del objeto se convierte entonces en el proceso artístico.
El uso de imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para
conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo serán una constante.
El Pop Art se relaciona con las grandes urbes, con la vida en la ciudad. Es por eso que los dos
polos del movimiento fueron Londres y Nueva York, ciudades donde hacia mediados de los 50 se
verán las primeras obras.

Vemos un arte que se esmera en recuperar objetos e imágenes pertenecientes a la cultura de
masas, haciendo uso de diversas iconografías que reflejan el materialismo y trivialidad de la
época.
Los artistas del Pop Art no intentaban realizar una interpretación de la realidad; lo que pretendían
era adueñarse de ella, incorporándola de diferentes maneras al arte.
Esta apropiación de elementos de la cultura popular se manifestó de muchas formas. Una de las
más frecuentes fue la representación de símbolos de consumo masivo, sobre todo los de la
sociedad norteamericana. Claros ejemplos de aquello son las serigrafías de Marilyn Monroe,
hechas por Andy Warhol, o los cuadros realizados por Roy Lichtenstein, donde el género del
comic se ve explotado de una manera casi abusiva.
Andy Warhol (1928 – 1987)
Andrew Warhola cursa estudios de

diseño entre 1945 y 1949. Una vez
finalizados, se traslada a Nueva York
donde renacerá bajo el nombre Andy
Warhol.
Allí se dedica a la ilustración comercial,

trabajando para Glamour, Vogue,
Seventeen, The New Yorker y Harper's
Bazaar, entre otras. El éxito no tarda en
llegar y en 1952 realiza su primera
exposición individual.
En 1960, Warhol pasa de la ilustración

comercial a la expresión artística. Pinta
los primeros óleos, utilizando como
temas los personajes de las tiras cómicas
y se sorprende al descubrir, en 1961,
que Roy Lichtenstein trabaja sobre la Andy Warhol
misma idea.
En 1962, algunos de sus temas más famosos son las sopas Campbell o los Desastres, así como
los retratos de Elvis y Marilyn, en los que experimenta con técnicas serigráficas.
En 1963 trasladó su estudio al 231 de la calle 47 Este, que empezará a ser conocido como The
Factory, la que a su vez es también su residencia. Por ella pasaron todo tipo de personajes:
estudiantes, artistas jóvenes, actores, músicos, y se convirtió en verdadero centro del mundillo
cultural de la ciudad.

Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Nació y murió en Nueva York. Se desempeñó en diversos oficios y hasta prácticamente los 40
años era un absoluto desconocido. Lichtenstein supo ver el potencial que tenía el arte gráfico
cotidiano y de las historietas.
Se cuenta que un buen día uno de sus hijos le comenta: “a que no puedes hacerlo mejor”,
mientras le mostraba una revista del Pato Donald. La primera obra que hizo tomando y
ampliando un cuadro de historieta (“Look, Mickey”, 1961) fue toda una revelación. En ese
momento su carrera de pintor dio un vuelco.
Obra de Roy Lichtenstein
En medio del auge de la sociedad de consumo y el capitalismo surgen tendencias en contra de

estos aspectos. La ironía y el sentido del humor aparecen en el arte de la mano del Pop Art, el
movimiento psicodélico. Por otra parte, se exaltan los materiales de desecho de la sociedad de
consumo en el arte povera.
En una línea diferente se va a mover el Op Art, preocupándose por lo relativo al “movimiento”; el

arte conceptual, que nace con la voluntad de intelectualizar el arte o llegar directamente al
intelecto del espectador; y el expresionismo abstracto, de utilizarlo como medio (al arte) para
exteriorizar los sentimientos del artista
Arte cinético
Es importante señalar que no todas las obras que se mueven son cinéticas, ni todas las obras
cinéticas tienen que moverse necesariamente.
A los artistas del cinético no les importaba representar el movimiento, sino les preocupaba el
movimiento por sí mismo, es decir, el movimiento real incorporado a la obra de arte.

Luminismo
Es una tendencia dentro del arte cinético que se caracteriza por el cambio de color, de la
luminosidad, de la trama, etc. Se trató de una tendencia que surgió a finales de los años
cincuenta y principios de los sesenta, alcanzando su máxima notoriedad en 1967, con motivo de
la exposición "Lumiére et Mouvement" que tuvo lugar en París.
Op Art
Según el tratamiento que se hace de la luz y del color, se

podrían diferenciar dos tendencias ópticas. El op art
cinético, que opera con las posibilidades de la
modulación física de la luz y utiliza sus medios dentro de
un espacio tridimensional; y el op art estático, que lo hace
sobre la superficie bidimensional del cuadro.
El op art cinético tuvo como uno de sus creadores más

representativos a Jesús Rafael Soto, que colocó delante
del plano de vibración verticalmente rayado unos hilos
tensados de nylon o agujas de acero; el desplazamiento
del espectador produce la alteración visual.
Víctor Vasarely desarrolló el op art estático, basándose en

la vibración de colores, sobre todo de los efectos
Obra de Victor Vasarely
vibratorios que se producen en el contraste blanco/negro.
El método del tramado del color seriado, empleado por primera vez por Vasarely, desembocó en
una gran variedad de juegos con las alteraciones de tamaños de unidades superficiales de
estructuras.
En 1964, la revista Time publica un artículo sobre un grupo de artistas que pretendían crear
ilusiones ópticas en sus obras, donde se utilizó el término op-art. Después de esto, el término se
adoptó como el nombre oficial de este movimiento.
En 1965, el MoMA, en Nueva York, organizó una exposición llamada The Responsive Eye (el ojo
que responde), en el cual varios artistas representantes de este movimiento (como Victor Vasarely,
Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz)
mostraron sus obras.

Ferias universales y su legado
Exposiciones Universales
Es el nombre genérico de varias exposiciones de gran envergadura celebradas por todo el mundo
desde la segunda mitad del siglo XIX.
Las Exposiciones Universales se originaron en la tradición francesa de exposiciones nacionales,

una tradición que culminó con la exposición industrial francesa de 1844 celebrada en París. Esta
feria fue pronto seguida por otras exposiciones nacionales en la Europa continental y, finalmente,
el Reino Unido.
El precursor de estas muestras fue

François de Neufchâteau, ministro
francés del Interior, quien tras impulsar
la idea y la organización, el 19 de
septiembre de 1798 inauguró en el
parisino Campo de Marte una
exposición de productos industriales y
artesanos franceses, con la intención de
que, a partir de entonces, tuviera
carácter anual. Aunque este último
objetivo no llegará a cumplirse, sí se
seguirán organizando estas
exposiciones nacionales con una cierta
periodicidad: en 1801 y 1802, en los
jardines del Louvre; en 1806, en la explanada de la Concordia; en 1818, 1819, 1823, 1827 y
1834, en la plaza de la Concordia, y en 1839, 1848 y 1849, en los Campos Elíseos.
La primera Exposición Universal se celebró en el Palacio de Cristal en Hyde Park, Londres, Reino
Unido, en 1851, bajo el título "Gran Exposición de los Trabajos de la Industria de Todas las
Naciones". La Gran Exposición fue una idea del príncipe Alberto, esposo de la reina Victoria, y
por lo general se considera como la primera exposición internacional de productos
manufacturados. Influyó en el desarrollo de varios aspectos de la sociedad, incluyendo la
educación artística y de diseño, el comercio y las relaciones internacionales, y el turismo. Esta
exposición fue el precedente más obvio para exposiciones internacionales posteriores.
Desde su creación en 1851, el carácter de las exposiciones internacionales ha evolucionado. Tres

épocas se pueden distinguir:
• La era de la industrialización.
• La era de intercambio cultural.
• La era de la marca país.

Actualmente las Exposiciones Universales se siguen realizando cada 5 años, la muestra es una
proyección turística, comercial y cultural de los países a nivel mundial. En esta exposición cada
participante reúne lo más propio de su país para esta ocasión.
Desarrollo de las escuelas de artes gráficas y diseño del siglo XX
El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una
reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.
El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en

una misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta
fines del siglo XIX. El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística, fue un movimiento que aportó
a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal,
lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en
una misma pieza gráfica.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los
acompañaba generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, De Stijl,
Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión que
influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a
las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del
nuevo interés por la geometría, evolucionó hacia el art déco. Todos estos movimientos
aparecieron con un espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la
época. En este período también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales
los artistas y educadores mostraron sus opiniones.

Durante la década de 1930 se desarrollaron aspectos interesantes para la composición del diseño
gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental, porque muestra una reacción contra el
organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y
geométrico. Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo, el
De Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible en el desarrollo del diseño
gráfico del siglo XX. Otro elemento importante en relación a la práctica profesional fue el
creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional. Este elemento apareció, sobre
todo, en los diseños producidos por el Dada y el De Stijl.
Constructivismo ruso
Movimiento artístico surgido en Rusia en

1917, que tiene sus raíces en los
'Vkhutemas', o "Talleres Superiores
Artísticos y Técnicos del Estado" y se
desarrolló principalmente en el arte,
diseño y arquitectura rusos.
Se basa en el cubismo y estéticamente se

relaciona con la ingeniería y la
arquitectura. La Revolución Soviética
buscó nuevas formas de expresión Afiche de Aleksander Rodchenko
relacionadas con la aspiración de
suplantar el sistema capitalista por
esquemas más democráticos de
producción y distribución de bienes.
Con esta finalidad, artistas como Vladimir

Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander
Rodchenko, Vassily Kandinsky, Naum
Gabo y El Lissitzky promovieron una
estética y una aproximación al diseño que,
entre otras cosas, se asociaba a la
producción industrial y decía adiós al
ornamento complaciente.
Por tanto, sus composiciones son

construidas matemáticamente y sus
motivos no son ni objetos reales ni
fantasías libres del artista. Además, la En azul, de Vassily Kandinsky
valoración del espacio y el componente
espacio/tiempo eran fundamentales.

Características principales:
• Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
• En su elaboración emplean materiales simples.
• Los representantes no ven sus obras como arte ni pretenden que éstas reciban ese título.
• Le dan relevancia a la técnica con la que se va a elaborar el producto y el proceso que

éste lleva.
• La funcionalidad debía de ser aplicada porque se creía importante que el arte debía de
ser algo para que la gente lo entendiera y con diferentes tipos de utilidades.
El Art Decó
El estilo post I Guerra Mundial, años

20 y 30, centrado en las formas
geométricas se denominó Art Decó.
El fin era resaltar el valor de la era
moderna, la fe en las máquinas y la
tecnología.
En este periodo entre guerras, el

diseño gráfico, de productos y la
arquitectura tomaron elementos de
influencia del Cubismo, De Stijl y la
Bauhaus, como también elementos
de culturas como la azteca, egipcia
y asiria.
A pesar del eclecticismo de sus Muchacha con guantes, de Tamara Lempicka

influencias, el Decó es sólido y
posee una clara identidad propia.
Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad, lo urbano y la maquinaria.

Su resultado: elegante, funcional y modernista.
El Art Decó era un estilo opulento y su exageración se atribuye a una reacción contra la
austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente
depresión económica y al fantasma de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el
escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida durante la 'edad del jazz’ y el Art Decó fue su
telón de fondo.

La escuela polaca (Plakat Polski)
Polonia se formó en el cruce de las culturas este-

oeste, del arte bizantino y de las vanguardias.
De esa conjunción del arte popular surgió el
cartel polaco –Plakat Polski–, que tomó la
atmósfera de ambigüedad y misterio, de los
íconos, los fuertes contornos, lo plano de las
formas y el carácter profundamente simbólico y
de las vanguardias en el tratamiento de la luz y
el color.
Ya a finales del siglo XIX, los artistas y pintores

polacos empezaron a crear carteles para vender
productos de las empresas y anunciar los
eventos culturales y sociales.
La actividad de estos pintores en la creación de

estos carteles fue el principio de lo que hoy
podríamos denominar el diseño gráfico polaco,
aunque fue durante la etapa comunista en la
que el cartel polaco adquirió la singularidad que
lo ha consagrado como uno de los más
importantes y atractivos del mundo.
Se caracteriza por poseer un carácter filosófico muy resumido, parco en su forma de expresión
hasta el límite de lo abstracto y que pretendía a la vez influir de manera amplia en la situación
social. Su carácter es esencialmente libre. Sin embrago se pueden distinguir dos aspectos
fundamentales: el uso de la metáfora y la importancia de la tipografía.
Se pueden diferenciar tres líneas de acción en la escuela polaca del cartel:
• El carácter político e ideológico y con alusiones a la reconstrucción del país devastado.
• Un sentido más expresivo y libre, más trasgresor de los esquemas de la gráfica de

publicidad.
• Más surrealista y el uso de metáforas visuales y de imágenes poéticas.
El primer artista polaco de carteles fue Tadeusz Trepkowski (1914-1956). Durante la primera
década después de la devastación de la guerra, expresó las trágicas aspiraciones y los recuerdos
que estaban profundamente fijados en el alma nacional. Involucraba la reducción de imágenes y
palabras hasta que el contenido era sublimado a su más simples presentación.

IDEAS CLAVE
Vanguardia
Avanzada de un movimiento artístico, político o ideológico. En este sentido, la

vanguardia es algo nuevo que escapa de la tendencia dominante o tradicional y
que podría fundamentar las bases del desarrollo futuro.
Modernidad
Serie de rasgos y características, que definen a dicho periodo, y que suponen una
cierta ruptura, la aparición de un nuevo clima intelectual. Hitos históricos como el
descubrimiento de América, la invención de la imprenta y el fortalecimiento de la
burguesía nos ayudan a comprender el espíritu de esta época.
Exposiciones Universales
Las Exposiciones Universales se originaron en la tradición francesa de exposiciones

nacionales, una tradición que culminó con la exposición industrial francesa de
1844 celebrada en París. Esta feria fue pronto seguida por otras exposiciones
nacionales en la Europa continental y, finalmente, el Reino Unido.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
• Julier, Guy. La cultura del diseño (2010). GG Diseño.
• Velandia, Lluvia. Historia del diseño gráfico (2009). El Cid Editor.
• Sparke, Penny. Diseño y cultura: una introducción desde 1900 a la actualidad (2011).
GG Diseño.

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CULTURA DEL DISEÑO

CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIOCULTURAL

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 2

Director de Escuela / Hernán Garfias Arce

Experto disciplinar / Carlos Pavez Amor

Diseñador instruccional / Oscar González Cantin

Experto disciplinar / María José López

Jefa de diseño instruccional y multimedia / Alejandra San Juan Reyes

Equipo de Diseño Instruccional AIEP

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 3

APRENDIZAJES ESPERADOS ................................................................................................ 5

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 4

Caracterizar escuelas y Duración: 36 horas

1. Distingue los estilos y tendencias del arte del siglo XIX,

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 5

Las vanguardias artísticas y el diseño gráfico

Hablamos de una disciplina que se encuentra a la búsqueda de su identidad. La adopción de las

Los pintores impresionistas no se definían

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 6

El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Los

El impresionismo nace como una evolución del

Los impresionistas descubren que no existe el tema

Interesa la captación de lo fugaz; el agua, el humo,

También hay escenas de ocio, bailes o tabernas.

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 7

El fauvismo (en francés fauvisme) fue un movimiento pictórico

“Madame Matisse” de Henri Matisse

Se inicia como movimiento organizado en Alemania antes de la

El color, el dibujo y la proporción a menudo se exageraron o

Fueron dos los grupos que iniciaron el expresionismo en

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 8

Hitos tecnológicos de la historia del diseño

De la producción artesanal a la industrial

Hasta mediados del siglo XVIII eran los

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 9

En la primera Revolución Industrial (de 1750 hasta 1840, aproximadamente), la economía

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 10

Con la necesidad de generar impresiones

Posteriormente se produce la evolución a

Más tarde se acuñaron otras formas de

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 11

El diseño se plantea para la sociedad, busca resolver problemas y, en su mejor expresión,

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 12

Con el nombre de vanguardias se identifican a variados movimientos artísticos innovadores que se

Como arte contemporáneo se denomina a producciones artísticas recientes o actuales, aunque

Finalmente, el arte postmoderno es el arte propio de la postmodernidad y corresponde a un

Toulouse Lautrec: El cartel en la época y su

Pintor neoimpresionista. Nació en Albi en 1864. Fue miembro de

Desde su niñez mostró gran afición por el dibujo, especialmente de

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 13

Inicios del cartel

En 1800 también en Francia se conocen otras

No es hasta el s. XIX en Francia cuando se empiezan a

El cartel adquiere cada vez un mayor atractivo visual y

Cultura del diseño / Contexto histórico y sociocultural del diseño gráfico 14

Surrealismo, dadaísmo, cubismo y otros movimientos

Fue André Bretón, poeta, quien con su