El Arte Como Herramienta de Autoconocimiento y Autocrítica

TFG
EL ARTE/ LA ESCULTURA COMO

HERRAMIENTA DE AUTOCONOCIMIENTO
Y AUTOCRÍTICA.
Presentado por María Fiol Martí

Tutora: Carmen Marcos Martínez
Facultad de Bellas Artes de Sant Carlos

Grado en Bellas Artes
Curso 2015-2016
La escultura como herramienta de autoconocimiento. María Fiol. 2
RESUMEN.
El arte es capaz de sanar el alma humana. De eso trata el arteterapia, y

muchos artistas han utilizado su trabajo como Catarsis. Este proyecto defiende
esa función del arte mediante la metáfora visual: se trata de una serie de obras
escultóricas realizadas desde diferentes procedimientos (como la fundición, la
construcción en madera y metal, moldes o incluso la costura) que constituyen
“herramientas” cuya hipotética finalidad es ayudar al individuo a lidiar con
actitudes propias (como el miedo) o ajenas (el rechazo), con tal de conocerse
mejor y poner cura a este comportamiento perjudicial consigo mismo.
PALABRAS CLAVE: escultura, arteterapia, metáfora, herramienta,

individuo.
ABSTRACT.
Art is able to health human soul. That is what art therapy is about, and
a lot of artists have used their works as a Katarsis. This project defends this
function of art by a visual metaphor: it deals with a serie of sculptures which
are made with different procedures (as casting, metal and wood construction,
molds or even seam) which establish “tools” whose hypothetical purpose is to
help a person the way to deal with self-attitudes (as fear) or alien ones (as
rejection), just to know themselves better and heal this harmful behavior with
himself.
KEY WORDS: sculpture, art therapy, metaphor, tool, individual.

AGRADECIMIENTOS
En primer lugar quería agradecer el apoyo y guía de mi tutora Carmen Marcos

durante este curso en general y en este proyecto en particular. Agradecer la
influencia de personal académico de Ricardo P. Bochons, Eduard Ibáñez y Paco
P. Benavent y a mis compañeros de la facultad por las largas charlas artísticas.
Finalmente, muchas gracias a mis padres, Manuel y María por apoyarme
incondicionalmente durante toda la carrera, y a Alberto Lucas, por ayudarme a
seguir en mis momentos de flaqueza.
ÍNDICE
INTRODUCCIÓN. ............................................................................................................... 6
OBJETIVOS. ....................................................................................................................... 8
METODOLOGÍA................................................................................................................. 8
1. REFLEXIÓN TEÓRICA. .................................................................................................. 11
1.1. REFERENTES TEÓRICOS. ................................................................................ 11
1.1.1. Unos comentarios sobre el arteterapia. .............................................. 11

1.1.2. Sobre la expresión artística a través de la metáfora. ........................... 12
1.1.3. La catarsis a través de la obra artística. ............................................... 13
1.2. REFERENTES ARTÍSTICOS. ............................................................................. 15

1.2.1. Louise Bourgeois. ................................................................................. 15
1.2.1.1. Biografía. ..................................................................................... 15
1.2.1.2. Obra. ............................................................................................ 16
1.2.1.3. Relación con la obra propia. ........................................................ 17
1.2.2. Marcus Hinkel. ..................................................................................... 18
1.2.2.1. Biografía y Statement. ................................................................. 18

1.2.3. Paul Martus. ......................................................................................... 19
1.2.3.1. Biografía. ..................................................................................... 19
1.2.4. Juan Luis Moraza. ................................................................................. 21
1.2.4.1. Biografía y trayectoria. ................................................................ 21
1.2.5. Nancy Fouts.......................................................................................... 22
1.2.5.1. Introducción a la obra de Nancy Fouts. ....................................... 22
2. PRODUCCIÓN PROPIA............................................................................................ 23
2.1. EL SACABESOS. .............................................................................................. 23
2.1.1. Concepto. ............................................................................................. 23
2.1.2. Proceso................................................................................................. 23
2.2. EL MACHACAEGOS. ....................................................................................... 24

2.2.1. Concepto. ............................................................................................. 24
2.2.2. Proceso................................................................................................. 25
2.3. LA CAJA DE LOS SECRETOS. ........................................................................... 26

2.3.1. Concepto. ............................................................................................. 26
2.3.2. Proceso................................................................................................. 27
2.4. EL ELEVADOR DE MIRADAS. .......................................................................... 28

2.4.1. Concepto. ............................................................................................. 28
2.4.2. Proceso................................................................................................. 29
2.5. EL MATAMIEDOS. ......................................................................................... 30
2.5.1. Concepto. ............................................................................................. 30
2.5.2. Proceso................................................................................................. 31
CONCLUSIONES. ............................................................................................................. 31
BIBLIOGRAFÍA. ................................................................................................................ 34
ÍNDICE DE IMÁGENES. .................................................................................................... 36

INTRODUCCIÓN.
En las siguientes páginas se encuentra una reflexión sobre la función
curativa del arte. El arte como terapia se ha convertido recientemente en una
nueva línea de trabajo adoptada por los psicoterapeutas, no obstante, la
necesidad creadora del artista plástico ha obedecido siempre a una suerte de
introspección, a un proceso interior en el que el individuo se reconoce y
representa mediante una ficción. De esta forma la obra gráfica se convierte en
una expresión emocional de su creador, y la evolución de la producción de éste
estará sujeta al conocimiento de dichas emociones, que se transforman,
derivan a otras o maduran a la vez que la relación artista-pensamiento.
El análisis de esta idea y esta función de la obra artística desemboca en
un proyecto escultórico que pretende metaforizar el hecho nombrado y que da
título a este trabajo: “La escultura como herramienta de autoconocimiento y
autocrítica”. La serie de obras que se desarrollarán en las últimas páginas
obedecen a la voluntad de la autora de este trabajo de mostrar al público
cómo una obra artística puede llevar al espectador a una reflexión y una
experiencia que le sea positiva en cuanto a su calidad de vida. Se trata de
varias herramientas o prótesis cuya hipotética función es ayudar a su usuario a
lidiar con los conflictos provenientes de actitudes propias o ajenas, para
mejorar la calidad de su autoestima y dejar que el arte les dé la oportunidad de
conocerse mejor y rectificar estas conductas potencialmente nocivas para él y
sus relaciones interpersonales.
En primer lugar encontraremos un apartado llamado objetivos y otro
con el nombre metodología. El primero es una suerte de declaración de
intenciones, unas metas que alcanzar a lo largo de estas páginas que van desde
la voluntad de aprendizaje de la materia que aquí se analiza, hasta el
conocimiento de las técnicas utilizadas en la producción. El segundo señala una
pauta de trabajo. El método cualitativo se divide en dos fases el proceso
creativo: por un lado la metodología creativa, como fase de elaboración de la
idea y por otro la metodología procesual, como fase de acción, construcción de
la obra artística.
Este Trabajo Fin de Grado está estructurado en dos grandes bloques
diferenciados: por un lado, la reflexión teórica, compuesta por el análisis de
varios fragmentos de los libros “Arteterapia. Una introducción.” de Jean-Pierre
Klein, “Retórica de la Pintura” de Alberto Carrere y José Saborit y “Arte, terapia
y educación. La creación como proceso de transformación individual y
colectiva” recopilación de Nadia Collete y Ana Hernández, además de un
apartado en el que hablaremos de la Catarsis a través del arte. En esta sección
analizaremos también diversos aspectos de los artistas que han servido de
referente para este trabajo: Louise Bourgeois como máximo referente
conceptual, seguida de los diseñadores Marcus Hinkel y Paul Martus como
ejemplos formales, pese a su poca producción artística; y finalmente los
artistas Juan Luis Moraza y Nancy Fouts, que han servido de inspiración formal
pese a ser los que han ejercido la influencia más leve.
En el caso de las obras presentadas en este trabajo, podría decirse que
parten de una frustración subjetiva extrapolada a una tercera persona del
plural (los potenciales usuarios de estas herramientas). Éstas no forman parte
de una terapia, ya que no han sido guiadas por un especialista, pero sí que a
nivel personal se podría decir evidenciarían problemáticas internas que
podrían esconderse en otro tipo de obra. Cada artista crea su propio lenguaje,
pero siempre parte de un concepto concreto que evoluciona junto a la
solución plástica, y viceversa.
Tras este análisis teórico se expone la producción propia que respalda
el concepto del trabajo. El Sacabesos y el Machacaegos son dos obras que
parten de moldes de alginato de partes del cuerpo y pasan por su producción
en cera para ser piezas realizadas por un proceso de fundición artística.
Posteriormente, La Caja de los Secretos es una obra de construcción en
madera y metal cuyo contenido conceptual supera la evidencia de las dos
primeras herramientas. A estas tres obras les sucede la prótesis en resina de
poliéster llamada El Elevador de Miradas, y finalmente la obra que combina
costura y serigrafía El Matamiedos, que remite a la infancia y la inocencia para
volver a creer que estas herramientas inventadas pueden realmente ayudar al
espectador a sanar su mente y su alma.
OBJETIVOS.
OBJETIVOS GENERALES:
- Estudiar y analizar la función del arte como expresión de un

sentimiento del artista, como algo visceral que obedece a vivencias de
cada individuo y dan forma a su trabajo.
- Mostrar el arteterapia como un método real para la curación del alma
humana: de la sanación psíquica a la física. La producción que veremos
más adelante es una metáfora de ésta.
- Mostrar que a través del arte en todas sus vertientes, se puede llegar a
una liberación personal y en conjunto.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS:
- Ampliar conocimiento sobre el arte de otros artistas relacionados con

el tema de estudio.
- Investigar diferentes disciplinas artísticas.
- Ampliar el conocimiento sobre el arteterapia y los beneficios de la
expresión plástica como método de resolución de conflictos.
- Formular un discurso teórico que apoye la producción propia.
- Solucionar problemas que acontezcan durante todo el proceso de
elaboración y materialización del proyecto.
METODOLOGÍA.
En este trabajo se contempla una metodología desde un enfoque cualitativo,

ya que se trata de un estudio que pretende analizar cuestiones subjetivas
“desde dentro”, al pertenecer la autora del estudio al ámbito artístico.
Además, la recolección de datos se concibe de manera general donde un
apartado se relaciona con otro y se complementan. Desde este enfoque, la
metodología de trabajo pasa por dos grandes fases generales:
1- Metodología creativa: esta fase contiene el proceso mental que da
forma a la idea y cómo llevarla a cabo.
2- Metodología procesual, donde se contempla la técnica y el
procedimiento a seguir para la creación de la obra.
METODOLOGÍA CREATIVA.
En una primera instancia, este proyecto no hablaba sobre el arte como

terapia, sino que se trataba simplemente de la elaboración de herramientas
mediante un método artesanal. Pero siempre nos pareció que esta idea no era
del todo afín a nuestros intereses, por lo que la idea fue evolucionando a
herramientas de lujo, herramientas inútiles, hasta las herramientas inventadas.
Una vez definido el punto de partida, al pensar en qué herramientas realizar se
empezó a pensar en una amplia variedad de éstas, hasta ver que las ideas más
satisfactorias, poéticas y con las que se sentía la artista más identificada
contenían una similitud, un punto de unión: eran herramientas que ayudaban
al usuario a enfrentarse a actitudes propias y ajenas que hacían decaer su
estado de ánimo. Éstas herramientas eran fundamentalmente el Sacabesos y el
Machacaegos.
Esta parte del procedimiento parte de una idea general (las
herramientas) a una más específica (herramientas con una función específica).
Paralelamente a estas dos obras, se construía una tercera, La Caja de
los secretos, que pretendía ser un contenedor para las herramientas y terminó
siendo una obra en sí misma gracias a que se entró ya en la fase de
documentación, donde ya con un objetivo concreto empezó la investigación
sobre el arteterapia, dotando a las obras de más carga semántica y ayudando a
la imaginación de nuevas obras que siguieran la misma línea de trabajo, sin ser
estrictamente herramientas, sino también prótesis (como El Elevador de
Miradas) o una suerte de “amuleto” (El Matamiedos).
Esta metodología creativa es, como veremos a continuación, una
prueba de lo que se explica en estas páginas: un procedimiento que pese a
parecer irracional atiende a un orden lógico. La creación de una obra define el
camino que tomará la siguiente, ya que el artista se nutre de lo aprendido
procesual y conceptualmente para, a través de una autocrítica, lograr un
resultado mejor en la siguiente pieza, además de autoanalizarse en búsqueda
de nuevas “herramientas” para las carencias de sus usuarios imaginarios.
METODOLOGÍA PROCESUAL.
En el caso de El Sacabesos y El Machacaegos, el procedimiento estaba

prácticamente marcado por la técnica: se parte de un modelo en cera y por el
procedimiento de la cascara cerámica se llega a un positivado en metal. No
obstante la producción del original en cera también coincidió, aun sin ser de
forma intencionada: se partió de moldes de alginato (de los labios y de la
mano), positivados en cera e intervenidos para crear el resto de la
herramienta.
La Caja de los Secretos es una construcción en madera y metal, por lo
que la metodología de trabajo fue diferente, y de hecho también condicionó el
resultado final y el cambio de significado de la pieza: la construcción en
madera no resultó tan satisfactoria como se esperaba y derivó a una

construcción conjunta de madera y metal, primero cortando todas las piezas
en su justa medida y estudiando su ensamble, y posteriormente construyendo
las diferentes cajas que componen la pieza.
En cuanto a El Matamiedos, se trata de una pieza con un doble
procedimiento: por un lado el trabajo serigráfico que incluye el diseño de la
ilustración, creación del fotolito en posca, emulsión e insolación de la pantalla
e impresión sobre la tela; y por otro el de costura a mano y ensamblaje de las
ilustraciones que componen la manta.
Finalmente, para El Elevador de miradas, se partió de un molde sobre
modelo vivo con vendas de escayola que terminó siendo el original, al que se le
hizo un molde con silicona de apretón con un contra molde de escayola y
posterior positivado en resina de poliéster y mecanización (lijado y pulido) de
la pieza.
1. REFLEXIÓN TEÓRICA.
1.1. REFERENTES TEÓRICOS.
1.1.1. UNOS COMENTARIOS SOBRE EL ARTETERAPIA.
El arteterapia es un recurso que utiliza la tercera persona para alejar al

individuo de sí mismo y poder detectar su frustración dentro de una ficción. De
esta manera, el sujeto se siente más libre de expresarse y puede crear
cualquier cosa sin temor al juicio ajeno. Mediante la interpretación de este
resultado, el arteterapeuta es capaz de detectar dolencias en el paciente y
tratarlas desde esa ficción.
Jean Pierre Klein describe los objetivos del arterapia como sigue: “De
alguna manera se trata de crear puestas en escena imaginarias de uno mismo,
declinaciones de la propia identidad a través de formas artísticas en un proceso
creativo que provoque progresivamente la transformación del sujeto creador,
que le atribuya un sentido, partiendo de sus dolores y sus violencias, de sus
locuras y también de sus alegrías, de la intensidad de sus ideales y la de sus
fuerzas oscuras, para hacer de todo ello el material para un desarrollo
personal. En resumen, y como se dice a menudo transformar la mierda en
abono o, de manera más adecuada, transformar los obstáculos en pruebas, en
etapas de la gesta del héroe que se apoya en las dificultades, tanto interiores
como externas, para continuar la búsqueda.”1
De esto podemos extraer que el arteterapeuta tiene la función de
acompañar al individuo en un proceso de transformación a través del arte, por
lo que deja de ser una terapia directa, sino que se suaviza usando una ficción
como intermediaria de ese cambio. El artista individual, sin intervención de un
terapeuta (y de manera inconsciente muchas de las veces) se sirve de su obra
como soporte para tratar un tema de índole personal que no sale de su
subconsciente (o su consciencia), y se nutre de esa obra y su evolución para
lidiar con ese conflicto, con ese tema, con esa frustración.
Este es el tema principal a tratar: el arte como intermediario entre el
artista y el mundo: una forma de contar su historia de manera más o menos
evidente y que sirva como precursor para la reflexión del espectador, que
interpretará la obra de forma subjetiva y decidirá qué le aporta
emocionalmente, coincidiendo o no con el artista, o incluso inspirándole un
nuevo tema que tratar. O incluso más allá de la relación artista- obra- público
algo mucho más profundo: la relación entre el artista y su propio mundo
interior, que conocerá más profundamente a través de su propia obra y hará
madurar a través de la autocrítica y la evolución plástica de la obra.
1
KLEIN, Jean Pierre. Arteterapia. Una introducción. Octaedro: Barcelona; 2009. Pág.13.
Igualmente, la función de esta nueva metodología terapéutica no lidia

únicamente con conflictos de índole emocional, sino también con
enfermedades mentales o trastornos derivados de situaciones traumáticas o
incluso por el paso por la pubertad. Según la recopilación de Nadia Collete y
Ana Hernández de las Primeras jornadas de Arte, terapia y educación
realizadas en la UPV en diciembre de 2001, las llamadas situaciones de crisis
(ya sean por enfermedad o por circunstancias vitales diversas) son tratadas
desde el punto de vista artístico-terapéutico poniendo a disposición del
“paciente” todo el material necesario para la realización de su trabajo artístico,
para que éste pueda crear su propia ficción y pueda acompañar al creador en
su tratamiento. De esta forma el arte sucede un método de comunicación más
eficaz y directo que el mensaje verbal, ya que a veces ni el propio individuo
entiende exactamente qué pasa, o no tiene capacidad de expresarlo (como en
casos de autismo u otras enfermedades mentales), mientras que a través de la
obra plástica se encuentra una vía de actuación para procurar la mejora hacia
un estado de más serenidad (e incluso mejora de autoestima) del “paciente”.
En este nuevo sistema de comunicación encontramos diferentes
valoraciones del gesto plástico que ayudan a la comprensión del mensaje
artístico para el terapeuta. Las elecciones de formas y colores definen
diferentes estados de ánimo, así como una buena relación con el “monitor”,
puede llevar a mejorar la sensibilidad artística, pues significa que el individuo
se siente cómodo. El análisis del grafismo es uno de los grandes recursos para
este tipo de terapias, así como las creaciones automáticas para adivinar la
relación de conciencia corporal, la creación de monstruos como “alter-ego”,
etcétera.
En definitiva, el arte aporta al individuo creador la libertad para
expresarse dentro de una ficción, lo cual resulta ser el código más claro para
hablar de emociones con el terapeuta o el espectador -siempre que éste esté
dispuesto a escuchar-.
1.1.2. SOBRE LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA A TRAVÉS DE LA METÁFORA.
La metáfora es una figura retórica que permite expresar aquello que se

pretende de manera más poética. Además, cuando se utiliza este recurso se
carga al concepto principal de nuevas connotaciones que enriquecen la
comunicación entre el emisor y el receptor, ya que el primero dota el mensaje
de mayor carga semántica, permitiendo así que el segundo entienda mejor la
reflexión que se pretende. Esto es de gran ayuda para el artista ya que puede
expresar un pensamiento complejo de forma sutil, cargando su obra de un
aura de reflexión.
En el libro “Retórica de la pintura” de Alberto Carrere y José Saborit, se
define la metáfora como un tropo pictórico que sustituye una magnitud por
otra, las cuales mantienen una relación de sustitución, semejanza o diferencia.
La metáfora por sustitución implica el intercambio de un “individuo

semiótico” por otro con el que comparte un sema similar o idéntico,
entendiendo el sema como un rasgo mínimo pertinente de significación dentro
del plano del contenido, por lo que se entiende que existe alguna semejanza
entre los elementos de la metáfora, pero evidentemente se advierten grandes
diferencias, siendo éstas más importantes que las afinidades entre ambas
ideas.
Por otro lado, en la metáfora por semejanza se habla de sentido literal
o figurado, ya que los elementos de esta transferencia de ideas constan de la
misma forma, pero con interpretaciones distintas dado el contexto. Un mismo
elemento puede ser entendido de forma literal, o figurada.
Finalmente, la metáfora por diferencia obedece a la asimilación de un término
por otro con el que comparte alguna característica pero es obviamente
diferenciable. Cuando decimos a alguien que es un bestia, no es porque una
bestia ocupe su lugar, sino porque tiene actitudes que obedecen a esta
definición.
Estas tres formas de metáfora sirven de soporte al artista para la
emisión del mensaje de manera más indirecta, sutil y subjetiva, lo cual deja
espacio al espectador para su interpretación personal y reflexión sobre la
experiencia que le ofrece la obra artística.
Podría decirse que este trabajo obedece a una relación metafórica de
semejanza, donde las piezas representan el sentido figurado de la
interpretación literal del título: “El Arte como Herramienta”.
1.1.3. LA CATARSIS A TRAVÉS DE LA OBRA ARTÍSTICA.
El Diccionario de la Real Academia Española define el término Catarsis

como: “f. Purificación, liberación o transformación interior suscitadas por una
experiencia vital profunda.” 2
De esto, y recordando lo comentado en apartados anteriores sobre el
arteterapia, podemos estar hablando de la función de la obra artística a modo
de liberación del individuo sin necesidad de la presencia de un terapeuta. El
artista parte de un concepto que le es próximo y lo transforma a medida que
se reconoce en la obra y evoluciona psicológicamente en torno a ese tema. La
transformación es constante y de doble trayectoria: por un lado, la evolución
del concepto que se rectifica y reinventa e2n la medida en que el creador se
conoce mejor y se identifica en su obra, y por otro la resolución formal de esa
idea que también evoluciona y cambia en la medida que la autocrítica entra en
juego –el artista busca una mejor expresión formal y visual, se interesa por el
tema, se fija en referentes y resuelve una obra más profunda y de mayor
interés formal-.
2
Real Academia Española. 22/06/2016 12:00 <http://dle.rae.es/?id=7v4biYD>
Con esta reflexión, se concluye que realmente con cada obra

satisfactoria para el individuo creador sucede una catarsis, una liberación del
momento en el que se encuentra, resuelve su conflicto por el camino del
autoconocimiento. Después, revisa su obra y se reinventa, y se vuelve a
embarcar en otro nuevo proyecto que va más allá del primero. De esta forma
va descubriéndose a sí mismo y evoluciona su producción volviéndola más
profunda, cargada de concepto, y puliendo su forma.
1.2. REFERENTES ARTÍSTICOS.
Los referentes artísticos definen, en gran parte, la motivación estética

y/o semántica del artista. Nutren las ideas neonatas de connotaciones, les dan
forma, las dotan de más significado y las hacen evolucionar. Por eso, en este
apartado se describen los trabajos de varios artistas que han hecho madurar la
producción que mostraré, por medio de resoluciones estéticas o conceptos.
Louise Bourgeois ha sido la gran protagonista de esta línea de trabajo
por su motivación escultórica, un gran ejemplo de la utilidad del arte como
terapia, seguida de varios referentes mayormente formales, que gracias a sus
intervenciones agregaron un pensamiento formal particular.
1.2.1. Louise Bourgeois.
“No soy lo que soy, soy lo que hago con mis manos.”3
Louise Bourgeois.
Para entender la obra de Louise Bourgeois, es necesario conocer

primero su biografía, ya que empieza a crear a partir de sus vivencias
personales y de la necesidad de liberarse de sus traumas emocionales.
1.2.1.1. Biografía.
Louise Bourgeois nace en París en 1911 hija de Joséphine Valérie
Fauriaux Bourgeois y Louis Isadore Bourgeois. Tiene una hermana mayor
llamada Henriette Marie Louise (1904), y un hermano menor, Pierre Joseph
Alexandre (1913). Esta familia cambiará varias veces de domicilio junto con su
taller de tapices hasta 1919, cuando compran una propiedad en Antony.
Después de la II Guerra Mundial, Louise interrumpe sus estudios para
cuidar a su madre, enferma de gripe española. En 1922 Loius contrata a Sadie
Gordon como profesora de inglés para sus hijos, pero se convierte en su
Fig. 1
amante y acaba viviendo periódicamente en casa de los Bourgeois. Es aquí
cuando Bourgeois empieza a desarrollar ese sentimiento de aversión hacia la
figura paterna.
En 1932 Louise ingresa en la Sorbona para estudiar cálculo y geometría
y obtiene un Baccalauréate en Filosofía de la Universidad de París. Su
disertación trata sobre Blaise Pascal e Immanuel Kant. En septiembre muere la
madre de Louise y en 1933 abandona sus estudios de matemáticas para
dedicarse al arte, graduándose en La Soborna en 1935 y continuando en la
Académie de la Grande Chaumière (1937-38) y otras como la Escuela del
3
Editorial Elba. 25/06/2016 13:00. < www.elbaeditorial.com/es/catalogo/item/louise-bourgeois-
mujer-casa>
Louvre y la École des Beaux-Arts. También estudió en talleres de artistas,

siempre tratando como tema principal la infidelidad de su padre.
Finalmente Bourgeois reniega del negocio de tapices familiar y decide
abrir una galería de litografías e impresiones. Es allí donde conoce a Robert
Goldwater, historiador del arte estadounidense con el que se casará el 12 de
septiembre de 1938.
Más tarde Bourgeois i Goldwater se mudan a Nueva York, donde
Robert imparte clases, hasta que en 1939 regresan a Francia para concretar la
adopción de su primer hijo, Michel Olivier, al que seguirán dos hijos biológicos
más: Jean-Louis Thomas Bourgeois (1940) y Alain Matthew Clement Bourgeois
(1941).
En 1951 muere el padre de Louise, y ella empieza a introducirse en el
psicoanálisis con el doctor Henry Lowenfeld hasta el 85. En 1955 se vuelve
ciudadana estadounidense, y en 1945 y 47 empieza su carrera artística con
exposiciones individuales de pintura. No será hasta 1949 cuando realice la
primera exposición de escultura, seguida de dos más en 1950 y 53, dejando de
lado las muestras individuales hasta 1964. En este año presenta un proyecto
de escultura abstracta en yeso y látex en la Stable Gallery de Nueva York.
Posteriormente fue la primera mujer en presentar una retrospectiva en el
MOMA de Nueva York.
En 2007, la Tate Modern de Londres en colaboración con la Centre
Pompidou de París, organizan una retrospectiva de Bourgeois que más tarde
viajaría al Guggenheim de Nueva York y el Hirshhorn Museum de Washington
D.C. En 2008, Sarkozy (presidente de Francia), entrega a Bourgeois la medalla a
la Legión de Honor. El 31 de mayo de 2010, fallece.
1.2.1.2. Obra.
Desde sus inicios hasta finales de los 40, Bourgeois se consagra en el
dibujo, la pintura y el grabado, pese a que Léger ya le había advertido de su
vocación de escultora. Es así cuando entre los años 1946-47 crea la serie
Femme-maison (mujer-casa), donde con pinturas y dibujos empieza a realzar la
iconografía femenina a través de imágenes en las que el cuerpo o la cabeza de
una mujer han sido sustituidos por la representación de una vivienda.
Estas representaciones tuvieron un gran impacto en el feminismo de
los años 70 ya que tratan la tradicional imagen de la mujer como ama de casa,
hasta el punto en el que lo vuelve trágico: una mujer confinada en la casa, sin
escapatoria.
En 1974 aparece su nuevo proyecto Destruction of the Father, en el
que pretende tratar la influencia de la figura paterna sobre los hijos y es, según
dice la artista, fruto del impulso que ha regido su obra desde sus inicios. El
recelo hacia su padre por la infidelidad siempre ha estado presente, y el arte es
su forma de catarsis: “Me sentí atraída por el arte porque me aislaba de las
difíciles conversaciones de la mesa donde mi padre se jactaba de lo bueno y
maravilloso que era (…) Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y
moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura, empecé a

amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera
solución escultórica. Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una
importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura” 4. La
instalación está hecha de yeso, látex, madera, tela y luces rojas, y hace que el
espectador sea público de un crimen en el que en un comedor, unos hijos han
asesinado, descuartizado y engullido a su padre.
Durante sus 80 produjo dos series de instalaciones llamadas Cells, en
las que muestra pequeñas cajas llenas de pequeños objetos o en las que se
recrean pequeñas habitaciones que invitan al espectador a entrar. En las Cells
incluye objetos esculpidos anteriormente o de gran carga sentimental.
Finalmente Bourgeois empieza a utilizar la araña como imagen central
de su arte, y en 1999 culmina con su obra más grande, Maman, una escultura
arácnida de acero y mármol de más de 9 metros de altura a la que sucedieron
6 réplicas de bronce. Se trata de una majestuosa araña que alberga huevos de
mármol en su interior. Con esta escultura realza de nuevo la figura de la mujer,
madre pero a la vez depredadora, poderosa. Esto pone de nuevo en evidencia
la admiración que siente hacia su madre, imagen de mujer industriosa y
serena, estable y racional.
Fig. 2 Fig. 3
1.2.1.3. Relación con la obra propia.

Bourgeois se convierte en referente desde el momento en que liga de
manera tan evidente su obra a sus vivencias personales, a modo de terapia. La
obviedad se encuentra más latente en afirmaciones como la comentada con la
obra Destruction of the Father, en la que no se esconde al declarar que su
primera solución escultórica fue para lidiar con las conversaciones con su
padre.
De esta manera, toda la obra de Louise Bourgeois no es más que el
intento de la artista de sanarse a sí misma. Con este fin se sirve de la retórica
4
THOS, Meyer en MAYAYO, Patricia. Louise Bourgeois. Serie Arte Hoy, 15. Nerea.
para conseguir una experiencia artística que sacie el horror que ocupa su
mente.
De la misma forma, la producción artística que presento en este
proyecto se relaciona estrechamente con la voluntad de Bourgeois, ya que
cada pieza representa una herramienta que ayuda a quien la usa a lidiar con
conflictos internos o a enfrentarse a actitudes negativas externas con las que
en la vida real tal vez no se siente capaz de tratar.
1.2.2. Marcus Hinkel.
Fig. 4
1.2.2.1. Biografía y Statement.

Marcus Hinkel (Karlsruhe, 1965), trabaja y vive con su esposa y tres
hijos en Karlsruhe.
Ya con 16 años realizó sus primeras esculturas de acero, además de
desarrollar objetos e instalaciones de iluminación. Con 21 años participó en la
exposición “Arbeiten, die sich auf dem Boden entwickeln” (“Trabajos que se
desarrollan en el terreno”), con el jurado de la Dadischer Kunstverein de
Karlsruhe. En 1989 estudió marketing y administración de empresas, que
terminó con su tesis sobre el desarrollo y comercialización internacional de un
contador para golfistas junto al profesor Werner Pepels. Éste proyecto le
convirtió en líder del mercado europeo.
Su participación temprana en el mundo del arte y el diseño, así como
sus estudios de negocios y diez años de experiencia práctica en el marketing y
comunicaciones fueron grandes precursores para que Hinkel pudiera fundar su
propia empresa en 1993: HINKEL360, agencia de publicidad de su propiedad y
gestionada por él mismo hoy en día.
Marcus Hinkel se defiende y reafirma continuamente entre diferentes
disciplinas: estrategias de marketing, publicista, diseñador y artista. Las obras
de Hinkel se pueden asignar al arte conceptual y el objeto. Por un lado,
expresa el concepto de la obra de manera metafórica, críptica, cínica, e incluso
muchas veces al límite de lo absurdo; y por otro lado su técnica impecable
expresa con precisión y claridad contenidos mayoritariamente filosóficos y

existenciales. Hinkel demuestra su desconcierto y desaprobación por aquello
funcional y técnico, abriéndose paso y reordenándose. Eso es lo que hace
especial su obra.

Marcus Hinkel es un diseñador de éxito que ha decidido volcar sus
reflexiones filosóficas en el arte mediante la intervención sobre herramientas
cotidianas. Con cada herramienta crea una serie que esconde detrás la
evolución de un sentimiento, las fases por las que una determinada
personalidad, transformada en objeto en estos casos, lidia con un sentimiento.
Se trata de un gran referente formal para mi obra ya que introduce las
herramientas, y las dota de un significado completamente diferente, dejando a
un lado su utilidad obvia y dándoles una nueva vida como si esa herramienta
en sí misma no fuera más que la representación de un individuo determinado,
con características similares a las de la herramienta representada (duro,
cortante, trabajador, etc.), que se enfrenta a una situación, la supera y
evoluciona. En cierto modo, Hinkel muestra la evolución en el individuo y yo
pretendo dar a éste las herramientas necesarias para sobrellevar esa situación.
Además, la estética que Marcus Hinkel utiliza me parece tan directa y accesible
a todo el mundo, que da fuerza al mensaje que pretende transmitir: todos
sufrimos, nos dejamos destrozar y a partir de ese dolor evolucionamos. Esa
comunicación tan clara es una de las partes que más me gustan de la obra de
este artista, además que el uso de las herramientas me parece muy
interesante.
Fig. 5
1.2.3. Paul Martus.
1.2.3.1. Biografía.
Paul Martus es un diseñador insaciable de nuevas experiencias. Nació
en Detroit y estudió en la Universidad de Estudios creativos centrándose en la
parte de gráficos, diseño industrial y taller. Posteriormente estuvo en la
Academia de arte de Cranbrook donde se especializó en diseño 3D y consiguió
el premio CCS de fundición.
Más tarde fue a trabajar al oeste de Michigan, y cada vez más se

interesó por combinar el pensamiento del diseñador con los negocios, que
fomentó su educación en la antigua Unión Soviética y la Universidad de Arte y
diseño de Kendall, donde se especializó en Diseño y Gestión de la Innovación.
Martus ha dado clase en CCS y Kendall, donde inspira a las nuevas
generaciones a seguir sus sueños y marcar la diferencia. Ahora trabaja en
Newell Rubbermaid en Kalamazoo.

Paul Martus es principalmente diseñador, aunque tiene algunas obras
Fig. 6
en metal, que son por las que me fijé en él. En estas tres obras en concreto,
Martus hace una interpenetración entre formas humanas (concretamente de
las manos) y objetos. Este hecho le otorga mucha fuerza a sus obras y las carga
de significado.
En mi caso, en obras como el Sacabesos y el Machacaegos sobre todo,
me he sentido muy identificada ya que también he partido de la figura humana
para crear una nueva herramienta, hasta coincidir en la construcción de un
martillo partiendo de una mano, y siendo éstas obras de metal hechas en
fundición, en similitud con este artista. Además, en otras obras como el
Tapaombligos y el Elevador de Miradas, también he partido de un molde del
cuerpo, aunque se le haya dado un enfoque diferente.
Fig. 7 Fig. 8
Fig. 9
1.2.4. Juan Luis Moraza.
“Uso el lenguaje con la libertad física de quien corta, lija, rompe y deforma un
material."5
Juan Luis Moraza
1.2.4.1. Biografía y trayectoria.

Juan Luis Moraza es un escultor español nacido en Vitoria en 1960.
Actualmente combina su oficio de escultor con la docencia en la Universidad
de Vigo, siendo doctorado en Bellas Artes por la UPV-EHU, aunque haya
trabajado en otras muchas universidades. Además, funda el colectivo CVA
junto a Marisa Fernandez, con quien creará diversas obras conceptuales.
Ha realizado diversas exposiciones y ha participado y organizado
diferentes seminarios, cursos y jornadas sobre creatividad y producción
artística, además de haber publicado varios libros, ensayos, revistas
especializadas, catálogos y periódicos. Según el artículo de Bea Espejo del
Fig. 10
14/10/2014 en El Cultural, la obra de Moraza se compone de 180 obras que
tratan la dificultad de la representación, por lo que cada pieza se compone de
una paradoja tan compleja como su propia forma de hablar. No es de extrañar
entonces que su obra Anormalidad (torsiones legales) represente la
deformidad de materiales como el metacrilato de las reglas y escuadras, que
acostumbran a ser cortantes, en formas retorcidas y curvas.
Fig. 11
5
El Cultural. 20/06/2016 19:15 <http://www.elcultural.com/noticias/arte/Juan-Luis-Moraza-
Una-obra-de-arte-no-quiere-decir-nada-Mas-bien-hace-decir-pensar-sentir/6928>

Moraza es un referente principalmente formal, por sus obras que
parten de moldes de partes del cuerpo, como en la mayoría de las que aquí se
presentan, y por su juego con figuras transparentes como en la obra citada
anteriormente, Anormalidad (torsiones legales), ya que el juego de un material
transparente y el juego de luz me fue de mucha ayuda para El Elevador de
Miradas.
Además, es un ejemplo claro de un artista comprometido con su tema,
evolucionándolo y representándolo desde diferentes disciplinas y resoluciones
gráficas, siempre con la problemática implícita de la irrepresentabilidad, pero
siempre con un instinto de autoconocimiento frente a la obra, de la que se
nutre constantemente. Afirma en el artículo de el Cultural que el arte es lo que
le hace, lo cual es producto de la actitud del artista frente a la obra de la que
venimos hablando a lo largo de este proyecto.
1.2.5. Nancy Fouts.
1.2.5.1. Introducción a la obra de Nancy Fouts.

La obra de Nancy Fouts suele hablar de temas como el tiempo, la
religión, la naturaleza o simplemente el humor. La artista trabaja con objetos
cotidianos dotándolos de un nuevo significado o utilidad manipulándolos de
manera que toman un nuevo camino, una nueva vida. Peter Blake afirma por
esto que le encanta trabajar con Nancy Fouts, ya que vuelve extraordinarios a
los objetos cotidianos.
En los sesenta, Fouts fue socia cofundadora de Shirt Sleeve Studio,
diseñando discos de bandas reconocidas como Jethro Tull y Steeleye Span
entre otros. Se encuentran otros trabajos suyos en colecciones privadas por
todo el mundo, por ejemplo el Victoria & Albert Museum de Londres.
Fig. 12
Nancy Fouts es tal vez mi referente más lejana, ya que realmente sólo
unas pocas de sus obras tratan de herramientas inventadas, o porque no trata
de enfrentarse de manera evidente a ningún conflicto, pero sí que se puede
considerar que utiliza la escultura como catarsis. Ella le da una nueva vida a
todos los objetos, dotándolos de una magia especial, un nuevo significado, una
esperanza para aquellos objetos encasillados en su función cotidiana.
De esta forma puedo asegurar que, pese a que no se refleje de manera
directa en mi obra, sirve de inspiración el simple hecho de revisar sus obras. Es
una forma de evadirse un poco de la realidad, de pensar que todo es posible,
(lo que ayuda también a sanar las heridas), por lo que también es incluible en
el campo en el que pretendo basar mi obra. El arte puede sanar y ayuda en el
convencimiento de que todo es posible, porque en él mismo no hay nada que
pueda no ser nada.
2. PRODUCCIÓN PROPIA.
2.1. EL SACABESOS.
El Sacabesos.
Bronce.
10x3x3,2 cm.
2.1.1. Concepto.
La primera de las herramientas lucha contra las carencias afectivas.

Una forma casi cómica de lidiar con este fenómeno en el que un sujeto (A) se
siente abandonado afectivamente, es la utilización de esta herramienta. Ésta
consta de un mango por el que el sujeto A podría manejar el artilugio
introduciéndolo en la boca de otro sujeto (B), y que obligaría en cierto modo a
éste a posicionar la boca dispuesta a dar un beso.
La hipotética utilidad de esta herramienta busca el consuelo del sujeto.
Le da la oportunidad de tomar el control y “exigir” el afecto merecido,
El Sacabesos. enfrentándose así a su sentimiento de soledad y aprendiendo a lidiar con esa
Bronce. situación. Es un pequeño empujón para volver a confiar en las personas que le
10x3x3,2 cm. rodean.
2.1.2. Proceso.
Se trata de una pieza de bronce a la cera perdida. Esto significa que se

ha partido de un original de cera (y madera). Primero hice un molde de
alginato de los labios en postura de beso, y posteriormente modelé con cera el
cono posterior, terminado en una forma triangular que simula el hueco que
queda entre los labios al dar un beso (lo cual será la causa de que el supuesto
sujeto B quede en esa posición). Para el mango se utilizó un palillo de madera.
Se colaron dos piezas, colocadas en el árbol de colada en diagonal para
El Sacabesos.
Bronce. favorecer la entrada del metal con la gravedad, y usando como copa una forma
10x3x3,2 cm. oviforme con entrada para el metal (también en cera). Al árbol se le aplica una
capa uniforme de gomalaca y 4 capas de moloquita -dos de grano fino y dos de

grano medio- y finalmente una capa de moloquita con fibra de vidrio.
Una vez seca la última capa, se metió en el horno de descere, dónde se
fundió la cera, se carbonizó la madera, y el molde de moloquita se coció
convirtiéndose en una resistente cáscara cerámica.
La colada fue por gravedad, procedimiento que consiste en fundir el
metal directamente en la copa, que funciona a modo de crisol, y colarla por
volteo. Posteriormente se rompe la cascarilla cerámica, se corta el árbol y se
mecanizan las piezas.
El Sacabesos.
Bronce.
10x3x3,2 cm.
2.2. EL MACHACAEGOS.
Detalle de El Machacaegos.
Latón.
40x19,5x6 cm.
2.2.1. Concepto.
En la era de las tecnologías se está corrompiendo la juventud. Estamos
rodeados de redes sociales y anexos electrónicos con los que hemos
evolucionados y se han vuelto una necesidad para nosotros. Tanto es así, que
conceptos como selfie, like, hashtag, trending topic, follower, influencer, viral,
youtuber, twitstar, retweet, etcétera se han convertido en algunos de los más
utilizados en nuestro día a día, hasta el punto en que ser un influencer con
infinidad de followers, tener miles de likes en todas tus selfies, que tus
hashtags sean trending topic, que hayan retwiteado tu chiste o que tu canal de
youtube tenga enésimas subscripciones, son sinónimo de éxito para muchos
de los jóvenes de nuestra generación. Nuestras vidas acaban en la red como si
de un escaparate se tratara, y a cuantos más likes en nuestra selfie con el
hashtag #picoftheday, más se alimenta el ego del instagrammer. Puede ser
pura diversión pero, ¿qué pasa cuándo se cruza la línea, cuando te has
convertido en influencer y las grandes empresas te pagan para que en tu selfie
de hoy muestres su marca, y tu distracción es casi un trabajo, te has convertido
simplemente en un cartel publicitario, alimentando tu autoestima a golpe de
dos clicks en la pantalla?
Son muchos los casos que han denunciado, advertido a los jóvenes de
que cruzar esa línea acaba destruyéndote. Acabas haciendo de tu perfil una
ficción que debes mantener en la vida real, para seguir siendo admirado. Ya no
El Machacaegos. es un trabajo, es una mentira.
Latón. El concepto de esta herramienta-escultura es un dislike, un aviso, un
40x19,5x6 cm golpe de martillo que te devuelva al mundo cuando estás cruzando una línea
imaginaria sin percatarte. Que te devuelva a la tierra y te recuerde que eres tú
quien debe creer en ti mismo, y no todos esos followers desconocidos. Un
golpe que te haga preguntarte: ¿y si esta red social cerrara mañana? ¿Quién
sería yo?
2.2.2. Proceso.
Para la realización de esta pieza se partió de un molde de alginato de

posteriormente una parte en forma de bola de martillo, para reforzar la
imagen de martillo pese a la mano. Se unieron el positivo de la mano y el del
martillo y se hizo un agujero en el medio, por el que una vez fundida la pieza
entrará el mango de madera.
Una vez finalizado el original de cera, se prepara el árbol de colada y se
le aplican 5 capas de moloquita (dos de grano fino, dos de medio, y una con
fibra de vidrio). Tras cocer la pieza hubo que reparar algunas grietas, con más
moloquita y fibra de vidrio, y finalmente una última capa de moloquita de
El Machacaegos.
Latón. seguridad. Ya está lista para colar el latón y, una vez ha enfriado el metal,
40x19,5x6 cm romper la cáscara, quitar el árbol y mecanizar la pieza.
2.3. LA CAJA DE LOS SECRETOS.
La caja de los secretos.

Madera de palo rojo y hierro.
26x77(abierta)x27,5 cm
2.3.1. Concepto.
Este proyecto parte de la voluntad de tratar el proceso como parte de

la obra artística, orientado a un trabajo conjunto entre la asignatura de
procesos constructivos y proyectos de fundición artística. Como proyecto
compartido se pretende construir (en lo perteneciente a esta asignatura) una
caja de madera producto de las ideas de “caja de herramientas”, “joyero” e
incluso “costurero”. Por lo que en un principio, esta caja era un mero
contenedor para El Sacabesos y El Machacaegos, e incluso algunas piezas
futuras, pero tanto el proyecto como la pieza en cuestión (la caja), han sufrido
varios giros, lo que me ha llevado a un trabajo similar, pero con resultados
diferentes y de significados distintos.
En cuanto al significado, dejó de tener el fin de hablar del proceso
como parte de la obra de esa manera metalingüística, y acabó enfocado al
ámbito del arteterapia, hablando así del autoconocimiento y autocrítica del
individuo a través de la obra artística. De esta manera la pieza continuó siendo
una caja, representando un “lugar seguro” dónde alojar los secretos del artista
y las deducciones de este proceso de autoconocimiento. Es por este motivo,
además de las dificultades técnicas que se comentarán más adelante, que la
apariencia de la caja cambió junto con el proyecto- ya no se trataba de un
contenedor de herramientas con una apariencia sofisticada y con intención
estética, sino que ahora debía reflejar esa nueva connotación -debía
convertirse en un lugar seguro- y se cambiaron algunos aspectos (se añadió el
metal como material coprotagonista, se eliminaron algunos acabados,
etcétera).
Finalmente, resultó una caja que combinaba madera de palo rojo y

hierro, guardando el equilibrio, y conservando esa cierta apariencia que
recuerda a su vez a una caja de herramientas y a un costurero.
La caja de los secretos.

Madera de palo rojo y hierro.
26x52(cerrada)x27,5 cm
2.3.2. Proceso.
El primer paso fue comprar un tocón de madera de palo rojo y

cepillarlo y regruesarlo a fin de que se quedara una superficie lisa sobre la que
trabajar. Una vez preparado el tocón, corté varias láminas del tamaño mismo
de la base, de las cuales sacaría los diferentes elementos de la caja (paredes,
base, tapas. Por problemas de calibrado en la sierra de disco, tuve que hacer
varios intentos para conseguir unas maderas válidas para la caja inferior. Pero
tras varias clases de cortes y viéndome estancada en el proyecto y el material,
fue el momento de tomar decisiones, y junto con las nuevas connotaciones
que adoptaba el proyecto, resolvimos combinar la madera con plancha de
hierro, de manera que la caja inferior estará compuesta de paredes de madera
y base de hierro de 3mm, mientras que las dos cajas superiores estarán
compuestas de plancha de hierro, con la tapa de madera.
En cuanto al acabado, tras contemplar varias posibilidades (como el
pulir los cajones de metal por completo, o pavonarlos), resolvimos que el
acabado duro que dejaba el paso del milhojas sobre la soldadura era
adecuado.
Una vez conseguí todos los elementos para mi caja, sólo quedaba
tratar la madera (con una hidratación a base de aceite de linaza) y montar.
Finalmente, la caja principal (o inferior), llevará una base de hierro de 3mm.
Fragmento de La caja de los secretos.
Madera de palo rojo y hierro. (sustituible, cuando haya recursos para ello, por acero inoxidable para
26x77x27,5 cm disminuir el peso total de la pieza), que entrará longitudinalmente entre las
paredes de madera, preparadas anteriormente con una regata del mismo

grosor, y añadir unas esquineras de plancha de hierro que imiten las aristas de
las cajas secundarias (o superiores), que irán atornilladas dejando los tornillos
vistos, reforzando esa imagen de seguridad que debe inspirar la caja, casi
recordando en cierta manera a una caja fuerte.
2.4. EL ELEVADOR DE MIRADAS.
Detalle de El Elevador de Miradas.

Resina de poliéster y lazo.
40x20x12,5 cm
2.4.1. Concepto.
Son muchos los factores que pueden influir en la autoestima de una

persona. Son muchas las causas que pueden llevar a un individuo a bajar la
mirada y dejar que los demás miren por encima de su hombro, dejar que le
pisen y dirijan su vida y decisiones a su antojo.
Una persona con autoestima baja es influenciable y manipulable hasta
el punto de perder de vista su propia voluntad, sus sueños, aspiraciones,
emociones: hasta perderse de vista a sí mismo. Olvidan que el primer paso
para ser querido es quererse a uno mismo, y que si continuamente miran al
suelo, cada vez estarán más cerca de él.
La función del elevador de miradas es “obligar” a personas con este
tipo de dificultad a mirar hacia arriba y hacia adelante, recordarles que hay
miles de personas que conocer y experiencias por vivir a la verdadera altura de
sus ojos, que deben ir hacia arriba, y que bajar la mirada no es la solución a sus
problemas. Es una prótesis provisional que reenseña al cuerpo y a la mente
que ir erguido es su posición natural y la de progreso. Incómodo al principio,
El Elevador de Miradas.
Resina de poliéster y lazo. hará que su usuario sienta necesidad de sostener su cabeza sin necesidad de
40x20x12,5 cm esta prótesis y terminará por no necesitarla.
2.4.2. Proceso.
Esta obra parte de un molde con vendas de escayola del cuello, maxilar
inferior y parte del pecho de una mujer, posteriormente reforzado con más
escayola para darle grosor y cuerpo. Se le ha hecho un molde a éste negativo
utilizando silicona de apretón, y haciéndole un contra molde de escayola.
Posteriormente se ha sacado la pieza de escayola del interior y se ha rellenado
el molde con resina cristal, para darle un resultado transparente a la prótesis.
A este positivo se le ha mecanizado y hecho agujeros en los bordes para la
inserción de cintas de lazo que servirán para que la prótesis se sujete.
El Elevador de Miradas.
Resina de poliéster y lazo.
40x20x12,5 cm
2.5. EL MATAMIEDOS.
Fragmento de El Matamiedos.
Pintura serigráfica sobre tela.
113x78 cm
2.5.1. Concepto.
Durante la infancia somos vulnerables, crédulos, pero también

imaginativos y llenos de esperanza. Tenemos miedos, racionales o no. Unos
que se mantendrán a lo largo de nuestras vidas y otros que desaparecerán.
Todos hemos sentido ese miedo durante la infancia a que algo o alguien te
atrape mientras duermes, que pueda hacerte daño; la solución siempre fue
taparnos con la manta por encima de la cabeza, escondernos bajo un trozo de
tela que parece que vaya a convertirse en un escudo impenetrable. Ése es
precisamente el concepto que abarca esta obra: el Matamiedos.
Fragmento de El Matamiedos- El Fragmento de El Matamiedos- La

Payaso. pirotecnia.
Pintura serigráfica sobre tela. Pintura serigráfica sobre tela.
Se trata de una colcha de patchwork que ilustra varios de los miedos

más comunes de los niños y no tan niños, cómo si desvelara su magia, cómo si
realmente pudiera alejar a todo eso que tiene dibujado en su superficie.
Además, todos admiramos nuestros “objetos de infancia”, ¿cómo podríamos
temer de mayores a algo que vimos todos los días en nuestra manta preferida?
La idea del Matamiedos es hacernos sentir arropados de nuestros
miedos, protegidos de aquello que puede herirnos, aun cuando no estamos
bajo sus telas. Un suplemento de valentía en un objeto de infancia.
2.5.2. Proceso.
El Matamiedos se compone de retales de tela serigrafiados y cosidos

entre ellos. Todas las ilustraciones han sido diseñadas a mano y los fotolitos en
pantalla de 71 hilos y se ha serigrafiado sobre la tela. Para asegurar que la tinta
perdure sobre la tela, se ha metido en el horno hasta alcanzar los 170ºC.
patchwork.
El Matamiedos.
Pintura serigráfica sobre tela.
113x78 cm
CONCLUSIONES.
En este apartado se procede a un análisis del contenido del trabajo
junto a una reflexión sobre la resolución de éste, tanto en la parte teórica
como en la producción, ya que de cada uno se extraen nuevas enseñanzas que
se complementan.
En primer lugar, se extrae la necesidad de una revisión teórica
profunda sobre la obra artística como parte del proceso creativo, ya que ésta
enriquece el contenido formal y conceptual de la obra. Es decir, que gracias a
los estudios realizados sobre el arte como terapia, de la función liberadora de
la obra creativa y la revisión de trabajos de otros artistas que, tratando de
manera más o menos abierta el tema que les perturba, han enriquecido el
contenido conceptual de una producción escultórica. Lo aprendido sobre el
arteterapia y sus beneficios ha dado todavía más sentido a las obras tanto
propias como de otros artistas, además de que se ha extraído como esencia
primera de la creación la necesidad de expresión de un sentimiento y la
voluntad del creador de autoconocimiento a través de la obra como un “toma
y daca”, en el que el artista recibe de su pieza una revelación sobre sí mismo
que enriquecerá a la siguiente, y así sucesivamente. El ejemplo más claro de
esto en este estudio ha sido Louise Bourgeois, que concibe su obra escultórica
como una forma de liberación personal, en una ficción en la que puede
cometer todos los actos que en la vida real no, y a partir de una obra en una
miga de pan se reconoce y evoluciona a obras como Destruction of the Father
o a la defensa de la mujer, que parte de las Femme-maison para culminar con
la gran Mamam.
Además de la reflexión teórica, se reconoce la importancia de tener
claros unos objetivos y una metodología de trabajo para tener claro un camino
de producción y que ésta no pierda el sentido.
En cuanto a la producción propia, se ha partido y aprendido de
diferentes disciplinas como son la fundición artística, la reproducción en
moldes y la costura. De la primera se han obtenido a la vez enseñanzas y
curiosidad: se trata de un procedimiento minucioso en el que cada paso tiene
en cuenta a todos los siguientes; la manipulación de la cera necesita de su
conocimiento para no entorpecer el proceso, y su tratamiento define el
resultado en metal, y la construcción del árbol de colada y los baños de
moloquita requieren gran consciencia de la pieza para crearle el menor daño
posible y favorecer la entrada del metal. Realmente fascinante. La
reproducción a través de moldes es un recurso muy útil aunque tal vez no el
que más se ha disfrutado en esta producción, y por último la costura es un
trabajo muy mecánico que permite reflexionar sobre la acción a la vez que se
realiza.
Tras esta reflexión, se podría decir que se extraen como conclusiones

por un lado la importancia de la obra plástica como método de
autoconocimiento y autocrítica, a la vez que un acto liberador para el individuo
creador, y por otro la necesidad de información como enriquecimiento de la
obra y como alimento de la curiosidad del artista, que se interesa por un tema
y busca la comprensión en el trabajo de otros artistas plásticos, literarios o de
cualquier ámbito creativo.
BIBLIOGRAFÍA.
-COLLETE, Nadia y HERNÁNDEZ, Ana. Arte, terapia y educación. La creación

como proceso de transformación individual y colectiva. Universidad Politécnica
de Valencia; 2001.
-LÓPEZ FERNÁNDEZ CAO, Marián y MARTÍNEZ DÍEZ, Noemí. Arteterapia.

Conocimiento interior a través de la expresión artística. Énfasis; Edición 2012.
-KLEIN, Jean-Pierre. Arteterapia. Una introducción. Octaedro: Barcelona, 2009.
-MAYAYO, Patricia. Louise Bourgeois. Serie Arte Hoy, 15. Nerea.
-CARRERE, Alberto y SABORIT, José. Retórica de la pintura. Cátedra: Madrid,

2000.
INTERNET.
- Design Martus.
http://www.designmartus.com/#home
(27 de mayo de 2016 a las 12:38)
- Elba Editorial.
http://www.elbaeditorial.com/es/catalogo/item/louise-bourgeois-mujer-
casa
(25 de junio de 2016 a las 13:00)
- El Cultural.
http://www.elcultural.com/noticias/arte/Juan-Luis-Moraza-Una-obra-de-
arte-no-quiere-decir-nada-Mas-bien-hace-decir-pensar-sentir/6928
(20 de junio de 2016 a las 19:15)
- IDSA.
http://www.idsa.org/members/paul-martus
(27 de mayo de 2016 a las 12:38)
- Marcus Hinkel.
http://www.marcushinkel.com/about2.html
(22 de mayo de 2016 a las 13:11)
- Museo Palacio de Bellas Artes.

http://museopalaciodebellasartes.gob.mx/micrositios/lb/
(4 de mayo de 2016 a las 16:30)
- Real Academia Española.

http://dle.rae.es/?id=7v4biYD
(23 de junio de 2016 a las 12:00)
- Pertwee, Anderson and Gold

http://www.pertweeandersongold.com/artists/33-nancy-fouts/biography/
(23 de mayo de 2016 a las 13:55)
- Proa Exibiciones.
http://proa.org/esp/exhibition-louise-bourgeois-vida-y-obra.php
(3 de mayo de 2016 a las 16:03)
- Wikipedia- Juan Luis Moraza.

https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Luis_Moraza
(16 de junio de 2016 a las 11:23)
- Wikipedia- Louise Bourgeois.

https://es.wikipedia.org/wiki/Louise_Bourgeois
(3 de mayo de 2016 a las 16:05)
ÍNDICE DE IMÁGENES.
- Fig. 1: Louise Bourgeois.

Imagen de: Museum of Fine Arts Boston, 22/06/2016 11:30
www.mfa.org/collections/object/louise-bourgeois-new-york-313554
- Fig. 2: Paolo Savigni- Bilbao- Maman di Louise Bourgeois.

Imagen de: Panoramio, 22/06/2016 11:45
http://www.panoramio.com/photo_explorer#view=photo&position=6
49&with_photo_id=47244162&order=date_desc&user=603375
- Fig. 3: Maman- Louise Bourgeois.

Imagen de: Art of Festivals, 22/06/2016 11:46
<https://artoffestivals.com/2013/09/19/guggenheim-museum-bilbao-
a-democratic-folly/>
- Fig. 4: Marcus Hinkel.

Imagen de: Marcus Hinkel, 23/06/2016 12:30
<http://www.marcushinkel.com>
- Fig. 5: Gepeinigte (Atormentado)- Marcus Hinkel.

Imagen de: Marcus Hinkel, 23/06/2016 12:31
<http://www.marcushinkel.com/index.html>
- Fig. 6: Paul Martus.

Imagen de: ISDA, 23/06/2016 12:32
<http://www.idsa.org/members/paul-martus>
- Fig. 7: Early Tools- Paul Martus.

Imagen de: Design Martus, 23/06/2016 12:33
<http://www.designmartus.com/#metal-work/1>
- Fig. 8: Surface-to-prayer- Paul Martus.

- Fig. 9: Hand Wrench- Paul Martus.

- Fig 10: Juan Luis Moraza.

Imagen de: El Cultural, 23/06/2016 15:00
<http://www.elcultural.com/noticias/arte/Juan-Luis-Moraza-Una-
obra-de-arte-no-quiere-decir-nada-Mas-bien-hace-decir-pensar-
sentir/6928>
- Fig. 11: Anormalidad (torsiones legales)- Juan Luis Moraza.

Imagen de: El Cultural, 23/06/2016 15:00
<http://www.elcultural.com/noticias/arte/Juan-Luis-Moraza-Una-
obra-de-arte-no-quiere-decir-nada-Mas-bien-hace-decir-pensar-
sentir/6928>
- Fig. 12: Nancy Fouts.

Imagen de: Show Studio 23/06/2016 15:01
<http://showstudio.com/contributor/nancy_fouts>

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TFG

EL ARTE/ LA ESCULTURA COMO

Presentado por María Fiol Martí

Facultad de Bellas Artes de Sant Carlos

El arte es capaz de sanar el alma humana. De eso trata el arteterapia, y

PALABRAS CLAVE: escultura, arteterapia, metáfora, herramienta,

KEY WORDS: sculpture, art therapy, metaphor, tool, individual.

En primer lugar quería agradecer el apoyo y guía de mi tutora Carmen Marcos

1.1. REFERENTES TEÓRICOS. ................................................................................ 11

1.1.1. Unos comentarios sobre el arteterapia. .............................................. 11

1.1.3. La catarsis a través de la obra artística. ............................................... 13

1.2. REFERENTES ARTÍSTICOS. ............................................................................. 15

1.2.1.1. Biografía. ..................................................................................... 15

1.2.1.2. Obra. ............................................................................................ 16

1.2.1.3. Relación con la obra propia. ........................................................ 17

1.2.2. Marcus Hinkel. ..................................................................................... 18

1.2.2.1. Biografía y Statement. ................................................................. 18

1.2.3. Paul Martus. ......................................................................................... 19

1.2.3.1. Biografía. ..................................................................................... 19

1.2.3.2. Relación con la obra propia. ........................................................ 20

1.2.4. Juan Luis Moraza. ................................................................................. 21

1.2.4.1. Biografía y trayectoria. ................................................................ 21

1.2.4.2. Relación con la obra propia. ........................................................ 22

1.2.5. Nancy Fouts.......................................................................................... 22

1.2.5.1. Introducción a la obra de Nancy Fouts. ....................................... 22

1.2.5.2. Relación con la obra propia. ........................................................ 22

2.1. EL SACABESOS. .............................................................................................. 23

2.1.1. Concepto. ............................................................................................. 23

2.2. EL MACHACAEGOS. ....................................................................................... 24

2.3. LA CAJA DE LOS SECRETOS. ........................................................................... 26

2.4. EL ELEVADOR DE MIRADAS. .......................................................................... 28

2.5. EL MATAMIEDOS. ......................................................................................... 30

2.5.1. Concepto. ............................................................................................. 30

ÍNDICE DE IMÁGENES. .................................................................................................... 36

- Estudiar y analizar la función del arte como expresión de un

- Ampliar conocimiento sobre el arte de otros artistas relacionados con

En este trabajo se contempla una metodología desde un enfoque cualitativo,

En una primera instancia, este proyecto no hablaba sobre el arte como

En el caso de El Sacabesos y El Machacaegos, el procedimiento estaba

madera no resultó tan satisfactoria como se esperaba y derivó a una

1.1. REFERENTES TEÓRICOS.

1.1.1. UNOS COMENTARIOS SOBRE EL ARTETERAPIA.

El arteterapia es un recurso que utiliza la tercera persona para alejar al

Igualmente, la función de esta nueva metodología terapéutica no lidia

1.1.2. SOBRE LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA A TRAVÉS DE LA METÁFORA.

La metáfora es una figura retórica que permite expresar aquello que se

La metáfora por sustitución implica el intercambio de un “individuo

1.1.3. LA CATARSIS A TRAVÉS DE LA OBRA ARTÍSTICA.

El Diccionario de la Real Academia Española define el término Catarsis

Con esta reflexión, se concluye que realmente con cada obra

1.2. REFERENTES ARTÍSTICOS.

Los referentes artísticos definen, en gran parte, la motivación estética

1.2.1. Louise Bourgeois.

Para entender la obra de Louise Bourgeois, es necesario conocer

Louvre y la École des Beaux-Arts. También estudió en talleres de artistas,

moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura, empecé a

1.2.1.3. Relación con la obra propia.

1.2.2. Marcus Hinkel.

1.2.2.1. Biografía y Statement.