Art Theories

Pada nalarnya, semua seni dalam pengkaryaannya menyajikan fungsi sosial, mengingat tujuan pembuatannya guna disajikan di depan tatanan penonton. Proses pembuatan suatu karya memang mungkin dilandaskan pada nilai-nilai personal, namun respon yang diharapkan untuk menanggapinya ialah respon sosial dari masyarakat. Namun memang, pengertian semacam ini sering di rekonsidirasi sebagai suatu cara pandang yang terlalu luas dan belum dispesifikasikan.
Sebagai jawaban dari pandangan semacam itu, Edmund Burke Feldman memberikan pandangan yang lebih terspesifikasi, penyempitan mengenai pandangan sosial dan fungsinya dalam proses berkarya seni,  dalam beberapa keadaan dimana: (1) Seni tersebut memberikan pengaruh pada tingkah laku individu secara kolektif, (2) Dibuat untuk ditampilkan atau digunakan oleh publik, (3) Menjelaskan aspek-aspek kolektif dalam kehidupan, yang membuat para penikmatnya merasakan partisi mereka dalam pembahasan isu tersebut.

Le manuel d'Artémidore de Daldis - Onirocriticon (La clé des songes), écrit à la fin du IIe siècle, est riche de détails concernant l'image mentale, son statut et son potentiel polysémique. L'auteur enquête pour savoir si l'image peut avoir plusieurs significations ou une seule, puis comment sa signification change en fonction des circonstances et enfin comment les différentes images peuvent avoir la même signification. L'auteur évoque ensuite les critères iconographiques, critères qui aident à mieux comprendre les relations entre les attributs et les dieux. Artémidore met en relation des symboles simples avec des thèmes plus complexes; ce même type d'associations n'est pas sans évoquer ce que nous rencontrons dans l'iconographie plastique. Cette démarche n'avait, jusqu'alors, jamais été entreprise. Les explications des images mythologiques que donne l'onirocrite ont déjà permis de comprendre mieux leur utilisation dans l'art funéraire et ont révélé leur mode de fonctionnement imaginaire (see M.T. Olszewski, Artémidore, mythologie et symbolique funéraire, Archeologia (Warsaw) 52, 2001, pp. 39-60).

Der einführende Film von Nathalie David " Gego. Gertrud Louise Goldschmidt " , welcher im Rahmen der diesjährigen von der Hamburger Kunsthalle konzipierten Ausstellung " Gego. Line as Object " entstanden ist, soll Einblick in das Leben und Werk von Gego geben. Eine weiterführende Werkbesprechung anhand des Buches "Sabiduras y otra textos de Gego" sowie des Textes " La resistencia de las sombras " (The shadows' resistance) sollen die Bedeutung der Linie als Raumphänomen für Gego aufzeichnen. Ebenfalls soll sich heraus kristallisieren, weshalb sich Gego nicht als Bildhauerin betitelte, obwohl sich ihre Arbeiten immer auf die Dreidimensionalität beziehen. Abschließend wird ihre Aussage: "Netz als Leben" interpretiert. Gego Gertrud Louise Goldschmidt (geb. 1912 Hamburg, gest. 1994 Caracas) Gego, als Gertrud Louise Goldschmidt in eine wohlhabende jüdische Hamburger Handelsfamilie hinein geboren, emigrierte 1939 nach Venezuela. Das absolvierte Architekturstudium bei Paul Bonatz in Stuttgart hatte sie stark geprägt und zeigt sich in ihren Arbeiten als Künstlerin wieder. Gego, ihr Künstlername der sich aus dem Kindersprachspiel mit ihrer jüngeren Schwester aus ihrer Kindheit ergeben hat, zusammengesetzt aus den jeweils ersten Buchstaben des Vor-und Zunamens, wird ihr künstlerisches Schaffen in Venezuela nach der Trennung von ihrem ersten Ehemann mit ihrem neuen Partner und Grafiker Gerd Leufert (1914 – 1998) an ihrer Seite voll entfalten. Einflüsse weiterer Emigranten aus Europa in Südamerika und die sich dort weiterentwickelnde Bauhausidee begleiten ihre Arbeit. Ihr Werk zeichnet sich aus durch ihre aus dem deutsch-jüdischen Hintergrund mitgebrachte Rationalität und einer sozialen Poesie durch ihr Leben in Venezuela. Nach ihrem Tod 1994 wurden handschriftliche Aufzeichnungen in ihrer Wohnung in Caracas gefunden, ihre sogenannten Sabiduras (frei übersetzt " Worte zur Weisheit "). Sie sind Teil ihrer Arbeit und zeigen wie sehr in diese immer auch philosophische Gedanken über Raum eingewebt sind. Ihre klaren Bezüge auf Maurice Merleau – Ponty, sowie auf den Vorsokratiker Anaxagoras zeigen dabei, dass es in ihrem Spiel mit den geometrischen Formen, immer auch um das Aufzeigen von Strukturverständnis als sinnliche Wahrnehmungserkenntnis ging. Ihre Reticuláreas stehen für eine umgebungseingebundene Arbeit, die ganze Räume einnehmen, aber auch wie ein überdimensionales Architekturmodell wirken. Dabei geht es Gego um die Raumwahrnehmung und zugleich die Beziehung, die zwischen Besucher und Arbeit besteht. Die Wandlung und die wechselseitige Wirkung, die sich immer wieder neu gestaltet. Ihre Reticulareas entstehen immer in sitio als ein organisch wachsender Prozess innerhalb eines Wahrnehmungsfeldes.

The essays in this collection range across literature, aesthetics, music and art, and explore such themes as the dynamics of change in eighteenth-century aesthetics; time, modernity and the picturesque; the function of graphic ornaments in eighteenth-century texts; imaginary voyages as a literary genre; the genesis of children's literature; the Italian opera and musical theory in Frances Burney's novels; Italian and British art theories; and patterns of cultural transfers and of book circulation between Britain and Italy in the eighteenth century. Collectively they epitomise the concerns and approaches of scholars working on the long eighteenth century at this challenging and exciting time. In the absence of universally agreed, overarching interpretations of the cultural history of the long eighteenth century, these papers pave the way for the ultimate emergence of such explanations.

Full text : https://id.erudit.org/iderudit/1076370ar

EN: Towards the end of the eighteenth century, the role of the senses in the aesthetic experience of garden art emerged as a topic of discussion. While some authors expressed doubt at the idea of attributing aesthetic value to any other senses than sight in the space of a garden, C. C. L. Hirschfeld was one of the first theoreticians to underline the intersensory nature of this art. This article analyzes specifically the place of hearing in Hirschfeld’s influential Theory of Garden Art (1779–1785).

FR: Vers la fin du 18e siècle, la question du rôle des sens dans l'expérience esthétique que procure l'art des jardins fit débat. Alors que certains auteurs se montrèrent réticents à l'idée d'accorder une valeur esthétique à tout autre sens que la vue dans un jardin, C. C. L. Hirschfeld fut l'un des premiers théoriciens à s'intéresser à la nature intersensorielle de cet art. Cet article examine plus spécifiquement la place de l'ouïe dans sa célèbre Théorie de l'art des jardins (1779–1785).