Eduardo Kac

Transforming Type examines kinetic, or moving type, in a range of fields including film, television, typographic animation, and motion graphics, with examples including film and television title sequences, television idents, advertising, interactive poetry and experimental animation. Barbara Brownie addresses different kinds of kineticism and the issues that arise when type transforms itself, challenging the boundaries between type and image. She explores the extent to which existing typography theory can be applied to kinetic media, and attempts to provide a new typology of kinetic typography, enabling readers to define and describe contemporary practice.

"This remarkable book illuminates the rapidly evolving ecosystem of typography. On the pages of this carefully researched study, letterforms come alive as creatures with deep histories and unexpected behaviors." -- Ellen Lupton, Curator, Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, USA

"Barbara Brownie's Transforming Type is an exciting and thoughtful look at typography that has been liberated from the printed page. Its range - including historical and contemporary references - is truly impressive. This book will fascinate anyone interested in the power of type and how it can be applied in new and cutting edge ways." -- Andrew Byrom, California State University, USA

In the work of Eduardo Kac, Tissue Culture & Art, Niki Sperou and Pinar Yoldas, bio art appears to participate in a philosophical framework that suggests that the critique of science can only take place outside of science, a position associated with Heidegger. Quentin Meillassoux and Ray Brassier's assertions concerning the philosophical validity of the physical and biological sciences indicate that thought and science must be recalibrated as standing on equal footing before the real. This allows for a reinterpretation of bio art as an important mode of understanding and negotiating the speculative opportunities afforded by art-science interaction.

Den genetischen Code neu schreiben, mit Gedanken Geräte steuern, das Handeln fremder Menschen vorhersagen – einige Menschheitsträume sehen in unseren Tagen ihrer Verwirklichung entgegen, so scheint es. Diese Entwicklung wird einerseits getragen von Zuversicht und Enthusiasmus angesichts der Möglichkeiten, die damit eröffnet werden. Andererseits aber rufen sie Skepsis hervor und lösen Ängste aus, sei es aus Sorge über die Folgen, sollten ihre Verheißungen eintreten, sei es aus Sorge über ein mögliches Versagen in der Praxis. Je näher solche Vorstellungen ihrer Realisierung entgegengehen, desto intensiver und kontroverser werden die Debatten darüber. Ihre Virulenz führt die aktuelle Kunst in einer beeindruckenden Fülle und Breite vor.
Die Auseinandersetzung mit den ambivalenten Möglichkeiten, Erscheinungsweisen und Auswirkungen der Technik gehört zu den zentralen gesellschaftlichen Gegebenheiten seit dem Beginn der Moderne, als im Zuge der industriellen Revolution die Mechanisierung die Arbeits- und Lebenswelten der Menschen ebenso vollständig transformierte wie sie das Bild von Stadt und Land verändert hat. Ihrer historischen und gesellschaftlichen Bedeutung entsprechend, nimmt die Frage nach dem Verhältnis des Menschen zur Technik breiten Raum in der Kunst ein. Vom industriellen über das elektronische zum heutigen digitalen Zeitalter haben Künstlerinnen und Künstler auf die Herausforderungen des technischen Fortschritts auf unterschiedlichste und vielfältige Weise reagiert.
Eine herausragende Rolle spielt in diesem Zusammenhang die Thematisierung des Janusgesichtes der Technik im Werk des Malers Franz Radziwill (1895-1983). Die Faszination für den menschlichen Erfindergeist, der sich in Formen und Funktionen der technischen Geräte und Objekte manifestiert, neue Möglichkeiten des Handelns und der Erfahrung eröffnet und zugleich zu einer völlig neuen Gestaltung der Lebenswelt führt, durchzieht sein Werk genauso wie die bedrohliche Dimension des Technischen, die zu einem Gefühl der Entfremdung von der natürlichen Lebenswelt und der Versachlichung der menschlichen Beziehungen führt.
Ausgehend vom umfangreichen Bestand an Werken Radziwills in der Kunsthalle Emden, aus eigenem Besitz und der Sammlung Claus Hüppe, schlägt die Ausstellung den Bogen von seiner Zeit bis in die unmittelbare Gegenwart. Von den Beschwörungen des technischen Fortschritts bei Radziwill bis zu aktuellen künstlerischen Positionen reflektiert sie in exemplarischer Weise die Auseinandersetzung mit drängenden Fragen, die sich aus den technischen Innovationen seit dem letzten Jahrhundert ergeben. Im historischen Vergleich demonstriert sie die Paradigmenwechsel ebenso wie die anhaltende Aktualität und Virulenz einiger schon bei Radziwill akuter Themen – von der Entwicklung industrieller Produktions-, Transport- und Kommunikationssysteme, den Auswirkungen des technischen Fortschritts für die Umwelt bis zur derzeitigen algorithmischen Verarbeitung und Vernetzung von Information und der Rekombination und Synthese von Leben.
Deutlich wird, wie Künstlerinnen und Künstler zunehmend über Reaktion und Reflexion der Prozesse hinausgehen und sich selbst Kenntnisse wissenschaftlich-technischer Innovationen aneignen und das Feld ihrer Anwendungen im Hinblick auf ihre ästhetische und gesellschaftliche Relevanz mitbestimmen.

Das Verhältnis von Kunst und Wissenschaft war immer vielschichtig und ist heute im Zeitalter der Technosciences überaus prekär geworden. So erstaunt es nicht, dass schon vor Jahren zahlreiche Künstler das Arbeiten im Atelier gegen das Forschen im Labor eingetauscht haben. Seither begleiten Künstler die Transformation der modernen Naturwissenschaften hin zu den Technosciences seismographisch. Oszillierend zwischen der Technisierung des Lebendigen in den Biowissenschaften und der Verlebendigung der Technik innerhalb der Erforschung des künstlichen Lebens haben sich Protagonisten der Transgenic Art und der Artificial Life Art an die Aneignung von Methoden und Verfahren der Life Sciences herangewagt und immer neue Kunstformen entworfen.

Die umfassende Aufarbeitung dieser neuen Kunstrichtungen stellt Künstler und Künstlerinnen wie Suzanne Anker, Louis Bec, Oron Catts und Ionat Zurr, Catherine Chalmers, Jaq Chartier, Kevin Clarke, Critical Art Ensemble, Joe Davis, George Gessert, Peter Gerwin Hoffmann, Eduardo Kac, Pamela Davis Kivelson, David Kremers, Steve Kurtz, William Latham, Reiner Maria Matysik, Jon McCormack, Steve Miller, Simon Penny, Jane Prophet, Marc Quinn, Oliver Ressler, Ken Rinaldo, Christa Sommerer und Laurent Mignonneau, Gary Schneider, Pam Skelton, Nell Tenhaaf, K. D. Thornton, Gail Wight und Adam Zaretsky und viele weitere Kunstprojekte umfassend vor.

This work discusses McLuhan's ideas of electrical media as the extension of human central nervous system, consciousness, and wearing all mankind as our skin. In cyberspace the traditional essence of art and the original concept of art history have disappeared; all now is part of a real-time holistic data sphere inseparable from its models of perfection and simulation. For McLuhan, the artist is the sole person able to cope with technological reality with impunity, because of his awareness of the changes in sense perception. Examples of fuzzy boundary art are explored, with a focus on new media art by Ephemeral8, MTAA, Eduardo Kac, Nam June Paik and Ezra Orion. Such artworks challenge traditional artistic conventions such as “aura”, "author", and "art object", while transforming us all to an actors in a digital mosaic of a holistic theater.

The paper aims at developing a theoretical outlook on Eduardo Kac’s Genesis, a bio-artistic operation of “perversion” of the biblical passage that establishes men’s dominion upon other living beings. The case study will be addressed through the analysis of the idea of productive iteration. Following Derrida’s reflections on the general iterability of marks and Butler’s investigation of the subversive potential of repetition, it will be shown how iteration can bring novelty into being – where such novelty occurs in a constantly renegotiated balance between chance and constraint. Finally, it will be claimed that this iterative dynamic can be regarded as a strategy of subjectivity production. These subjects, however, will be conceived in terms of sympoietic entities that are constitutively entangled with one another in relationships of mutual responsibility.

Tekst był publikowany w: Digitalne dotknięcia. Teoria w praktyce/Praktyka w teorii. Red. Piotr Zawojski. Szczecin 2010, s. 29-42.
Odwołując się do rozważań Stephena Wilsona na temat relacji zachodzących pomiędzy sztuką, nauką i technologią autor stara się zaprezentować, w jaki sposób dziś dochodzi do łączenia praktyki twórczej z aktywnością poznawczą, traktowania nauki jako praktyki estetycznej i sztuki będącej praktyką badawczą. Doskonałym wyrazem takiej strategii jest działalność Christy Sommerer i Laurenta Mignonneau, którzy twierdzą, iż w ich przypadku "aktywność artystyczna staje się aktywnością badawczą, a dzieła sztuki, które tworzymy stają się projektami badawczymi poszerzającymi i badającymi status quo tego, co jest znane i komercyjnie dostępne". Cechą charakterystyczną wielu działań w obrębie sztuki nowych mediów cyfrowych jest autoświadomość i metakrytyczna postawa zarówno wobec własnych dokonań, jak i tego, co dzieje się w szeroko rozumianej cyberkulturze.

Part 1: Mapping the Field: Categories of Kineticism Chapter 1: What is Kineticism?Chapter 2: Global v. Local Perception, and the problem with Global BiasChapter 3: Local Kineticism and Fluctuating Identity Part 2: Issues in Transforming Typography Chapter 4: Illusory Space: The Page and Screen as a Virtual EnvironmentChapter 5: Legibility and Asemisis in Fluid Typography Part 3: Case Studies Chapter 6: Fluid Branding: Channel 4 and its imitators Chapter 7: Telling Titles: The credit sequences of Kyle Cooper and his peersChapter 8: Visual Poetry Conclusion Bibliography Appendix

A fine 2016 è stato pubblicato anche in Italia il libro di Eduardo Kac, Telepresenza e Bioarte, interconnessioni in rete fra umani, conigli e robot, nella collana Mediaversi, edizioni CLUEB. A distanza di diversi anni dalla sua prima pubblicazione negli Stati Uniti (2005) questo libro, curato da Pier Luigi Capucci e Franco Torriani, rimane un importante resoconto di un percorso artistico che parte dalle telecomunicazioni per arrivare fino alla genomica.  Non si tratta di una semplice documentazione autobiografia, ma anche di un’analisi storica e critica della sua poetica inserita in un contesto internazionale fatto di relazioni e reciproche contaminazioni. Il libro Telepresenza e bioarte è una raccolta di testi che l’autore ha pubblicato negli anni del suo lavoro ed è suddiviso in tre parti principali: telecomunicazioni, dialogismi e arte in rete; arte della telepresenza e robotica; art biotech.