Fabio Mauri

Il saggio è contenuto nel catalogo della mostra "Giorgio de Chirico. Ritorno al Futuro, Neometafisica e Arte Contemporanea" e propone un dialogo tra la pittura neometafisica di Giorgio de Chirico e le generazioni di artisti che, in particolare dagli anni Sessanta in poi, sono stati influenzati dalla sua opera, riconoscendolo come il maestro che ha ispirato la loro nuova visione.
La mostra mette in relazione le opere di de Chirico con tendenze dell'arte italiana e internazionale come la Pop art di Andy Warhol, Valerio Adami, Franco Angeli, Mario Ceroli, Lucio Del Pezzo, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Ezio Gribaudo, Gino Marotta, Ugo Nespolo, Concetto Pozzati, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Emilio Tadini. La mostra presenta anche un grande prosecutore della Metafisica come Fabrizio Clerici, la pittura di Renato Guttuso e di Ruggero Savinio insieme ad artisti internazionali come Henry Moore, Philip Guston, Bernd e Hilla Becher. Il percorso presenta maestri dell'arte povera come Giulio Paolini e Michelangelo Pistoletto, le visioni concettuali di Fabio Mauri, Claudio Parmiggiani, Luca Patella e Vettor Pisani, fino ad arrivare alle ombre geometriche di Giuseppe Uncini, alla fotografia di Gianfranco Gorgoni, alle sculture di Mimmo Paladino, ai dipinti di Alessandro Mendini e di Salvo, al mistero di Gino De Dominicis, ai tableaux vivants di Luigi Ontani, a protagonisti delle ultime generazioni internazionali come Juan Muñoz, Vanessa Beecroft e Francesco Vezzoli. Oltre al prestito delle opere neometafisiche della Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, la mostra presenta un'animazione digitale di Maurice Owen e Russell Richards insieme a opere di artisti contemporanei provenienti dalle collezioni della GAM di Torino e tra questi Claudio Abate, Gabriele Basilico, Luigi Ghirri, Franco Fontana, Fausto Melotti. Una piccola sezione della mostra, come un inserto prezioso, è riservata al tema della citazione e della copia, esercizio prediletto da de Chirico nella sua lunga ricerca sulla pittura dei grandi maestri e presenta un disegno originale di Michelangelo proveniente da Casa Buonarroti, insieme a disegni di de Chirico dedicati allo studio degli affreschi michelangioleschi della Volta della Cappella Sistina e a opere del famoso ciclo su Michelangelo di Tano Festa.

Nel 1958 Dorfles definiva “assenteismo estetico” l’incomprensione, spesso venata di ostilità, di gran parte delle élites culturali del suo tempo nei confronti dell’arte contemporanea, un conflitto sul quale hanno certo pesato, nel secondo dopoguerra, la condanna lukacsiana dell’avanguardia e l’irrigidimento ideologico del PCI nella diatriba astratto/figurativo, così come l’eredità del classici-smo e il rapporto conflittuale con il modernismo prima e il postmodernismo poi, vissuti in parte come un’americanizzazione del campo culturale. Il saggio ripercorre la storia di questa guerra culturale mai completamente pacificata, con attenzione particolare per il decennio che va dal 1964 - anno della prima grande retrospettiva di Duchamp in Italia - al 1975 - quando a Bologna va in scena la performance Intellettuale, chiave di volta per comprendere non solo il rapporto fra Fabio Mauri e Pasolini ma anche le posizioni (solo apparen-temente reazionarie) di quest’ultimo nei confronti dell’ “arte nuova”.

T.L. Cicciarella, Monocromo. Appunti per un regesto.
Pubblicato in: S. Troisi (a cura di), Monocromo. L’utopia del colore. p. 118-127. Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo 2009. ISBN: 9788836614639

Catalogo della mostra “Monocromo. L’utopia del colore”, a cura di Sergio Troisi. Marsala, Convento del Carmine, maggio-ottobre 2009.

Durante gli anni '60 e '70, la poesia e l'immagine stessa dei poeti subiscono in Italia una radicale metamorfosi. Il corpo del poeta diventa per la prima volta pienamente visibile grazie ai nuovi media (fotografia, cinema, televisione) e alla loro diffusione di massa, mentre le nuove esperienze poetiche permettono ai circoli letterari chiusi di aprirsi alle altre arti, alla ricerca di una nuova dimensione intertestuale. La trasformazione del poeta in performer fa parte di una tendenza diffusa a dissolvere i confini tra i vari media, tradizioni e contesti. La poesia - come le arti visive, il teatro, la musica, la danza, ecc. - è presente nelle riviste d'arte ed eseguita in luoghi pubblici, così come nel cinema e sugli schermi televisivi. Il saggio esamina questa trasformazione in una serie di casi esemplari in cui il corpo del poeta diventa oggetto dell'attenzione di altri artisti: Giuseppe Ungaretti e Pier Paolo Pasolini in Comizi d'amore (1964), Mario Schifano e Sandro Penna nel film sperimentale Umano non umano (1969), ancora Pasolini in una performance di Fabio Mauri (Intellettuale, 1975), e la serie di fotografie di Dino Pedrali scattate appena due giorni prima della morte di Pasolini nel 1975.
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In the course of the 60s and 70s, poetry and the very image of poets undergo a radical metamorphosis in Italy. The body of the poet becomes fully visible for the first time thanks to new media (photography, cinema, television) and their mass diffusion, while the new poetic experiences allows closed literary circles to open themselves to other arts, in search of a new intertextual dimension. The transformation of the poet into a performer is part of a widespread trend to dissolve the borders between various media, traditions, and contexts. Poetry – like the visual arts, theater, music, dance, etc. – is featured in art magazines and performed in public places, as well as in cinema and on television screens. The essay examines this transformation in a series of exemplary cases where the body of the poet becomes the object of the attention of other artists: Giuseppe Ungaretti and Pier Paolo Pasolini in Comizi d’amore (1964), Mario Schifano and Sandro Penna in the experimental film Umano non umano (1969), Pasolini again in a performance by Fabio Mauri (Intellettuale, 1975), and Dino Pedrali’s series of photographs shot just two days before Pasolini’s death in 1975.

In 1957, the Soviet Union launched the earth's  first artificial satellite, Sputnik I. The launch inaugurated the Space Age, a new frontier for both scienti c explorations and geopolitical stances in the Cold War years. The interest of Lucio Fontana and Yves Klein for the “space aesthetics” is well known, but they were not alone in their fantastic projections. The immense appeal of this new dimension of human action can be found in the works by the Roman-based artists Gastone Novelli, Achille Perilli, Giulio Turcato, Mario Schifano, Fabio Mauri. These artists respond to the suggestion of the outer space with experimental attitudes and visual strategies, paying homage to the avant-garde (Novelli and Perilli); drawing an arabesque from the  rst images of extra-vehicular activity (Schifano); inventing the moon either as a pictorial surface (Turcato) or as an inhabitable space (Mauri).

L'articolo prende in esame le Cassette e gli Schermi di Fabio Mauri realizzati al suo arrivo a Roma nel 1956, analizzandone l'apporto concettuale sulle opere, di poco successive, dei più giovani artisti che si avvicinano alle tematiche Pop all'interno della "Scuola di Piazza del Popolo".

Il 31 maggio 1975, in occasione dell’inaugurazione della Galleria d’Arte Moderna di Bologna, ha luogo la performance Intellettuale di Fabio Mauri (1926-2009) con Pier Paolo Pasolini come protagonista. In cima alle scale d’ingresso del museo, contro la porta, Pasolini siede su un alto sgabello e sul suo torace, vestito con una camicia bianca, è proiettato il suo film Il Vangelo secondo Matteo. Il contributo propone una lettura dell’opera in dialogo con l’intera ricerca di Mauri e, attraverso il confronto con altre opere nonché con la categoria del ritratto, mira a individuare una prospettiva di analisi, non esaurita nella centralità fisica e simbolica di Pasolini, ma aperta verso il dialogo fra forme linguistiche diverse, come la performance e il cinema, il rapporto fra autore e opera nonché fra regista e pubblico, suggerendo la considerazione di Intellettuale come esercizio dialettico che supera la specificità del soggetto coinvolto e dunque il genere del ritratto.

Nel 1995, dopo una lunghissima chiusura, la Galleria Comunale d'arte moderna e contemporanea di Roma, è stata riaperta al pubblico nella sede provvisoria dell'ex convento di Carmelitane a Capo le Case. Il Direttore che lavorò a questa riapertura è la curatrice di questa Rassegna Lavori in corso. 10 mostre, oltre 130 artisti.  Le raccolte  ferme agli anni Quaranta, e l'esiguità dello spazio non consentivano di proporre in via Crispi un progetto per l'arte contemporanea.
L'impegno prioritario era quello di avviare i lavori per la nuova, e definitiva, sede nell'ex stabilimento della Birra Peroni. Si guardava al recupero di questo complesso come a una speranza o, da parte di molti, come a una lusinga.
I lavori  per il recupero del corpo centrale degli edifici che ospiteranno la collezione permanente, esposizioni temporanee, biblioteca, spazi multimediali, centri di studio, sala conferenze e tutti i servizi, dalla libreria alla caffetteria, si conclusero nel 1999 e subito Giovanna Bonasegale predispose il progetto per la seconda fase di ampliamento. Oggi è il MACRO.
Per riannodare da subito il legame frammentario, e ormai molto esile, tra l'Istituzione e il mondo dell'arte contemporanea, era opportuno che la Galleria, fin dalla sua riapertura in via Crispi, desse un segnale forte di presenza. Per questo il progetto espositivo "Arte contemporanea. Lavori in corso". Per far trascorrere il tempo fino all'inaugurazione della nuova sede indicando il desiderio di voltare pagina, di segnare immediatamente il territorio coinvolgendo artisti attivi a Roma; non una mappa, non un panorama, presenze. Per questo l'invito ai critici, non a curare le mostre, ma a presentare il loro stesso lavoro, quello che in mancanza di un referente pubblico, ha consentito un rapporto di continuità tra il fare arte e la sua fruizione. Non è stato facile. Il clima di scetticismo, di sfiducia a volte neppure troppo velata, si mescolava a una sorta di sdegno per i troppi anni di vuoto, di latenza dell’Istituzione. Molti sono gli artisti invitati, pochi coloro che non hanno accettato, numerosi quelli che non sono stati invitati. Ma si tratta, appunto di "Lavori in corso” che non si esauriscono con queste prime dieci mostre, ma che si alterneranno ad altre iniziative, intrecciandosi tra di loro, proponendo nuovi piani di intervento, nuovi attraversamenti.

Il percorso è affascinante, ricco di promesse e anche di incognite. Credo che si possa intraprendere soltanto e a condizione che sia un lavoro comune - ma non interscambiabile, perché ognuno dovrà giocare il suo ruolo - nel desiderio di rigore, negli accadimenti e nelle prospettive.

This article analyses a set of performances and installations created by the Italian artist Fabio Mauri (1926-2009) in connection with his theoretical writings and anchors them to the international artistic concern of the time: institutional critique. Eight of Mauri's performances from the 1970s are documented. This study centres on the first three chronologically – Che cosa è il fascismo, Esercizi spirituali and Ebrea, all dated 1971 – which better exemplify the theme on which Mauri focused throughout this period. As theoretical texts, photographs and objects reveal, these eight performances and installations all involve the critique of ideology as institution. This practice shares many similarities with institutional critique, that is, the international and systematic inquiry that aims at subverting the roles of the art market and artistic institutions. This paper offers a novel interpretation of Mauri's work as an example of institutional critique in Italy.

Nel 1958 Dorfles definiva “assenteismo estetico” l’incomprensione, spesso venata di ostilita, di gran parte delle elites culturali del suo tempo nei confronti dell’arte contemporanea, un conflitto sul quale hanno certo pesato, nel secondo dopoguerra, la condanna lukacsiana dell’avanguardia e l’irrigidimento ideologico del PCI nella diatriba astratto/figurativo, cosi come l’eredita del classici-smo e il rapporto conflittuale con il modernismo prima e il postmodernismo poi, vissuti in parte come un’americanizzazione del campo culturale. Il saggio ripercorre la storia di questa guerra culturale mai completamente pacificata, con attenzione particolare per il decennio che va dal 1964 - anno della prima grande retrospettiva di Duchamp in Italia - al 1975 - quando a Bologna va in scena la performance Intellettuale, chiave di volta per comprendere non solo il rapporto fra Fabio Mauri e Pasolini ma anche le posizioni (solo apparen-temente reazionarie) di quest’ultimo nei confronti dell’ “art...

Article publié dans «Götzendämmerung », « Crépuscules des idoles », « Fall of the idols ». Réactions littéraires, artistiques et intellectuelles à la Seconde Guerre mondiale, sous la direction de Gislinde SEYBERT, Zurich, Peter Lang Verlag, 2017.

"Idoles crépusculaires. Pour la période de dictature italienne qui est communément appelée le Ventennio, le Dieu, l'entité supérieure, serait le Fascisme, et Benito Mussolini en serait son miroir, son idole. Le 28 avril 1945 le corps de ce dernier est exposé Piazzale Loreto à Milan. L'idole est morte. Emporte-t-elle cependant avec elle le Dieu qu'elle représente ? En d'autres termes, le Fascisme survit-il à son serviteur ? L'idée n'est pas de répondre intégralement à cette question, mais bien d'y répondre à travers l'étude d'une période historique précise, marquée par la résurgence des conflits civils : les années 1970.
Au cours de ces années d'extrême tension socio-politique resurgit en Italie un vocabulaire, tant littéral que figuratif, né pendant la dictature. Nous centrerons notre étude sur la réapparition de trois notions : le Fascisme, l'antifascisme et la Résistance. Après avoir présenté les diverses acceptions et leurs significations dans les domaines politique et social, nous souhaitons observer comment la diffusion d'un vocabulaire peut avoir de fortes répercussions dans le domaine artistique, dans une idée de constante porosité entre les milieux."

30 novembre 2017 : Emilia Héry et le Studio Mauri

Atelier autour de Fabio Mauri : Che cos è il fascismo? [Qu’est-ce que le fascisme]

Une rencontre entièrement consacrée à l’œuvre de Fabio Mauri, artiste ayant caractérisé l’après-guerre avec un langage artistique particulier où se reflètent l’histoire passée et contemporaine de son pays, l’Italie des années 1960. Durant cette rencontre sera projetée l’une de ses performances les plus connues, intitulée Che cos è il fascismo?, réalisée en 1971. Après la projection certains membres du Studio Mauri ayant participé, à l’époque, à la réalisation de cette œuvre et Emilia Héry, spécialiste du travail de Mauri, offrent aux élèves l’occasion de se confronter sur les sujets abordés par l’artiste.

“Il tema ideologico come oggetto centrale,
e storico, per l’artista (un artista visto come
intellettuale), punto di realtà fuori di lui e
interno alla cultura del tempo, mi occupa
dal 1964, come riflessione. Come lavoro dal
1970”.
Con queste parole, negli anni Ottanta, Fabio
Mauri ha riletto il suo percorso artistico e ha
associato, esplicitamente, la tematica ideologica
alle sue opere. Cosa significa considerare il
tema ideologico come oggetto della ricerca
artistica? Il percorso mentale compiuto da
Fabio Mauri nella sua lunga carriera artistica
è complesso e stratificato, non circoscrivibile
nell’ambito delle arti visive e dell’estetica,
ma più affine a una ricerca filosofica volta a
indagare la presenza dell’uomo nel mondo e
il suo rapporto con le vicende storiche.
In questa indagine rigorosa, in bilico fra
poesia e storia, l’ideologia non è intesa
solamente come impegno politico, come si è
soliti pensare, ma come categoria di pensiero
e, in quanto tale, essa subisce una costante
evoluzione parallelamente all’evolversi della
ricerca dell’artista.
Impegno politico, estetica, critica, autocritica
e memoria: gli infiniti significati della parola
ideologia, espressi in una ricerca formale
accurata ed estremamente poetica.
Mauri non è mai stato un militante
politico, è stato, piuttosto, un “soave uomo
settecentesco”, poeta, filosofo e letterato,
“sognatore della ragione”, legato con un
filo al presente e proiettato verso l’infinito;
instancabile sperimentatore, come ha
scritto lui stesso, “etc.”

“Il tema ideologico come oggetto centrale, e storico, per l’artista (un artista visto come intellettuale), punto di realtà fuori di lui e interno alla cultura del tempo, mi occupa dal 1964, come riflessione. Come lavoro dal 1970”. Con queste parole, negli anni Ottanta, Fabio Mauri ha riletto il suo percorso artistico e ha associato, esplicitamente, la tematica ideologica alle sue opere. Cosa significa considerare il tema ideologico come oggetto della ricerca artistica? Il percorso mentale compiuto da Fabio Mauri nella sua lunga carriera artistica è complesso e stratificato, non circoscrivibile nell’ambito delle arti visive e dell’estetica, ma più affine a una ricerca filosofica volta a indagare la presenza dell’uomo nel mondo e il suo rapporto con le vicende storiche. In questa indagine rigorosa, in bilico fra poesia e storia, l’ideologia non è intesa solamente come impegno politico, come si è soliti pensare, ma come categoria di pensiero e, in quanto tale, essa subisce una costante evoluzione parallelamente all’evolversi della ricerca dell’artista. Impegno politico, estetica, critica, autocritica e memoria: gli infiniti significati della parola ideologia, espressi in una ricerca formale accurata ed estremamente poetica. Mauri non è mai stato un militante politico, è stato, piuttosto, un “soave uomo settecentesco”, poeta, filosofo e letterato, “sognatore della ragione”, legato con un filo al presente e proiettato verso l’infinito; instancabile sperimentatore, come ha scritto lui stesso, “etc.”

Présentation dans le cadre du séminaire Le regard des arts contemporains sur le fascisme italien. Réinterprétations, remontages, déconstructions, CEHTA (EHESS, Paris 1, Paris 3), 17 novembre 2016.

Présentation de l’atelier du 17 novembre
Pour appréhender le gigantesque travail mémoriel mené par l’artiste italien Fabio Mauri (1926 - 2009), il faut commencer par affronter la performance Che cosa è il fascismo.
Ce qu’est le fascisme - le titre pourrait être traduit Qu’est-ce que le fascisme, mais Ce qu’est le fascisme est sans doute plus fidèle à l’approche didactique de l’artiste – est une œuvre complexe tant par sa composition incluant théâtre, musique, installation, cinéma, que par l’exigence critique qu’elle requiert de la part du spectateur. Elle reconstruit un souvenir vécu en 1938 par l’artiste alors tout juste sorti de l’enfance. Ce qu’il voit ce jour-là marque définitivement sa mémoire.
Cette séance permettra, autour du visionnage de la vidéo réalisée lors de la performance de 1993 au Musée Pecci de Prato (durée 1’08’00) prêtée très généreusement par le Studio Fabio Mauri, d’analyser quelques uns des éléments fondamentaux de la poétique de l’artiste.