Konsumkultur

Markenwaren bilden nicht das profane ‚Andere‛ der Kultur. Vielmehr eröffnen sie der Literatur seit mehr als hundert Jahren neue poetologische Spielräume. Die Studie zeigt, wie Werke von Edmund Edel (Berlin W., 1906), Thomas Mann (Der Zauberberg, 1924), Irmgard Keun (Das kunstseidene Mädchen, 1932), Wolfgang Koeppen (Tauben im Gras, 1951) und Christian Kracht (1979, 2001) materielle, semiologische und kulturtheoretische Aspekte der Konsumkultur reflektieren und in literarische Verfahren überführen: von Warenhauskatalogen und Fetischisierungen bis zu kapitalistischen Zirkulationsprozessen und der Faszination glänzender Oberflächen. Die close readings öffnen den Blick für die kulturpoetologische Dimension literarischer Texte und für die Bedingungen von Kultur im Kapitalismus.

Die Arbeit wurde mit dem Tiburtius-Anerkennungpreis 2012 – Preis der Berliner Hochschulen ausgezeichnet (http://www.hu-berlin.de/pr/nachrichten/nr1212/nr_121210_01).

Aus den Rezensionen

“Weyands gründliche Studie im Stil des New Historicism dürfte auch dem letzten Kritiker, der Popliteratur mit ‘Geschmacksterrorismus’ assoziiert, deutlich machen: Kein Markenkult ist Zufall.  […] Der Literaturwissenschaftler kann sich nicht mehr herausreden, er muss Markenwelten genauso studieren wie klassische Mythen und Topoi.” Marc Reichwein, literaturkritik.de (05/2014)

“Björn Weyands materialreiche, mit beeindruckender Akribie erarbeitete und anschaulich verfasste Studie zur Poetik der Marke schließt eine signifikante Lücke in der literaturwissenschaftlichen Forschung zum Zusammenhang von Literatur und Ökonomie.” Annemarie Opp, Zeitschrift für Germanistik (3/2014)

In Revision etablierter kapitalismus- und konsumkritischer Perspektiven beschäftigen sich die Beiträge des Bandes mit der ästhetischen Stimulation, die seit der Mitte des 19. Jahrhunderts von der modernen Warenwelt und dem Massenkon­sum ausgeht. Zur Debatte stehen dabei der künstlerische Wert von Werbekampagnen, Lichtreklamen, Schaufensterauslagen oder Kaufhausarchitekturen ebenso wie die vielgestaltige Rhetorik des Markendiskurses und die literarische und bild­künstlerische Anverwandlung dieser Phänomene. Ergründet wird die eigentümliche Ambivalenz aus Abgestoßensein und Faszination, mit der nicht nur Individuen auf die allgegenwärtigen Verführungsangebote der Warenwelt reagieren, sondern mit der auch die Kunst in Moderne und Post­moderne die lebensweltliche Dominanz der Warenflut zu verarbeiten sucht.

Rezensionen: Das Argument 292 (2011), testcard 21 (2011).

Rund um den Kurfürstendamm lässt sich um 1900 eine neureiche Gesellschaft in komfortabel ausgestatteten Behausungen nieder. Demonstrativer Konsum gehört hier zum guten Ton. Die richtigen Möbel, das richtige Porzellan, die richtigen Reiseziele und Sommerfrischen, die richtigen Freizeitbeschäftigungen und die richtige Kunst und Literatur – alles unterliegt dem Spiel der Mode. Edmund Edel beschreibt dieses Treiben an der Oberfläche mit der soziologischen Treffsicherheit eines Georg Simmel, dem großen Denker des großstädtischen Geisteslebens, der wie Edel selbst Bewohner von Berlin W. war, und mit feinsinnigem, bösem und zugleich liebevollem Humor. Seine Satire Berlin W. Ein paar Kapitel von der Oberfläche, 1906 erstmals erschienen, eröffnet das Panorama einer im Luxus schwelgenden Gesellschaft der Jahrhundertwende und gibt Einblick in die Anfänge der modernen Konsumkultur.

Das Umarbeiten und Weiternutzen von Kleidung stellte bis Mitte des 20. Jahrhunderts eine verbreitete textile Praktik dar. Von der kulturwissenschaftlichen Kleidungsforschung wurde diese Praktik bislang eher wenig beachtet oder vorrangig mit Kriegs- und Nachkriegszeiten in Verbindung gebracht. In meinem Dissertationsprojekt richte ich den Blick über solche expliziten Krisen- und Notzeiten hinaus auf Kleidungsstücke, die nach ihrer eigentlichen Herstellung umgeändert, bearbeitet oder modisch aktualisiert und damit einem „zweiten Leben“ zugeführt wurden. Dabei veränderten sich nicht nur ihre Erscheinungsformen, sondern unter Umständen auch Verwendungszusammenhänge und Bedeutungszuschreibungen. Ausgehend von einem objektbasierten Forschungsansatz werden anhand von erhaltenen historischen Kleidungsstücken, die von diesem Umgang mit Kleidung und Textilien zeugen, Fragen nach historischen Konsumpraktiken erörtert. In dem vorliegenden Beitrag, der ein frühes Stadium des Forschungsprozesses widerspiegelt, gehe ich auf die Forschungsfragen und die methodische Vorgehensweise der Studie ein.

Seit den 1970er Jahren verändern sich Museumsdiskurse zunehmend von einer Objektorientierung hin zu einer Besucherorientierung. Damit einher gehen auf bestimmte Zielgruppen zugeschnittene Angebote, spezifische Adressierungen in Richtung einer selbstbestimmten und aktiven Besucherschaft, sowie die Etablierung interaktiver Hands-On-Elemente in Ausstellungen sowie der Kontextualisierung von Exponaten mittels weiterer Affektreize wie z.B. Licht und Ton.
In einem laufenden DFG-Projekt zur ‚Dramaturgie des Museums' stellen wir uns die Frage, inwiefern eben jene Entwicklungen unter dem Aspekt der Erlebnisorientierung gefasst werden können. Die hieraus entstandene Konzeptionalisierung von Erlebnisorientierung im Museum soll zum Anlass genommen werden, den Blick in Richtung Kaufhaus und Kirche als weitere öffentlich zugängliche Räume zu werfen und dabei Analogien wie Differenzen auszumachen.
Der Fokus eben jenes Vergleichs richtet sich dabei insbesondere, wenn auch nicht ausschließlich, auf die Ästhetik der jeweiligen Sinnsysteme, die sich in spezifisch inszenierten Raumgestaltungen, Objektarrangements sowie ihrer subjektivierenden Adressierungen niederschlagen. Jene Aspekte, die sich für die Erlebnisorientierung im Museum bereits als konstitutiv erwiesen haben, sollen entsprechend auf ihre Relevanz und ihre jeweilige Ausprägung in Kaufhäusern und Kirchen hin überprüft und weiterentwickelt werden. Schließlich sucht der geplante Vortrag zu diskutieren, wie eben jene Angleichungsprozesse theoretisch rückgebunden werden können: Wie also kommt es, dass unterschiedliche Sinnlogiken ähnliche Ästhetiken herausbilden und sich damit angleichen? Zur Klärung dieser Frage sollen zwei Lesarten des zuvor diskutierten vorgeschlagen und miteinander ins Gespräch gebracht werden:
Erstens die Individualisierungsthese nach Ulrich Beck. Die Freisetzung aus traditionellen Bindungen und die damit einhergehende Heterogenisierung wie Multioptionalisierung können als Erklärungsansatz der Veränderung des Angebots sowie der Adressierungsformen innerhalb der unterschiedlichen Sinnbezirke herangezogen werden.
Zweitens soll die von Michel Foucault vorgeschlagene heuristische Folie des Dispositivs als Analyseinstrumentarium diskutiert werden und daraus folgend die Orientierung am ‚Erlebnis‘ als Netz zwischen den unterschiedlichen Sinnsystemen zu betrachten. Hier lässt sich weiter fragen, inwiefern der Begriff des Dispositivs weiterführend insofern ist, die Angleichung spezifischer Inszenierungslogiken - sowohl im Kontext Museum, wie auch in Bezug auf Kaufhäuser und Kirchen – zu erklären.
Es wird zu zeigen sein, dass eine Angleichung der Inszenierungslogiken von Kunstmuseum, Kirche und Kaufhaus insofern beobachtbar ist, als sich ein spezifischer Modus des Ästhetischen – nämlich mit einer Verbindung mit Modi der Rationalisierung, Differenzierung und Individualisierung – herausbildet und etabliert.