Beatriz Pimenta Velloso

Após edições anteriores no Museu D. João VI (Provocações, 2015), Museu
Nacional de Belas Artes (Entre o Século XIX e XXI, 2016) e Museu
Histórico Nacional (Histórias Fora da Ordem, 2017), o Grupo de Pesquisa
A arte, a história e o museu em processo (CNPq/UFRJ) chega
como Projeto de Extensão da EBA/UFRJ ao Museu de História e Artes
do Estado do Rio de Janeiro, popularmente conhecido como Museu do
Ingá. O palacete, que no passado abrigou a sede do governo do Estado
do Rio de Janeiro (1904-1975), quando Niterói era a capital do Estado,
hoje guarda um conjunto de coleções, de caráter histórico e artístico, e se
apresenta como centro de referência no estudo e preservação de temas
relacionados à política e à cultura fluminenses.
INGÁJÁ, numa dimensão mais ampla, faz parte de um projeto que objetiva
reorganizar a relação entre narrativas históricas consolidadas – muitas
vezes referendadas nos espaços institucionais – e os diferentes modos
como nos relacionamos com essas memórias no presente. Em seu
âmbito mais específico, a mostra se constitui a partir do encontro entre os
ambientes do Museu do Ingá, as peças pertencentes a suas diferentes
coleções e uma série de intervenções propostas por artistas, professores
e estudantes da EBA/UFRJ, PPGAV/UFRJ e PPGCA/UFF, produzindo
fricções frente a visualidades e narrativas previamente organizadas, de
modo a reorientar as experiências propostas nos espaços do museu.

A Tese de doutorado da autora analisa a recente produção de artistas contemporâneos brasileiros pela perspectiva da experiência etnográfica. Em diferentes formas de abordagem Dias&Riedweg, Rosana Palazyan, Paula Trope e Cao Guimarães constroem seus projetos em colaboração com diferentes grupos sociais. Essa postura se aproxima da obra de Hélio Oiticica ao final dos anos 60, que foi um dos precursores da experiência com a alteridade na produção artística contemporânea.

Às vezes as palavras podem ser escondidas antes de ser ditas, cabendo ao artista, ou ao poeta, a capacidade de as revelar. São coisas difíceis, pois tratam-se de coisas de difícil acesso, apenas franqueadas pelos poetas e artistas. E estes artistas, convocados por outros artistas, se anunciam vivos pelo olhar da afinidade, pela convergência para lá do visível, pela cumplicidade assinalada. Assim se reunem os artigos deste número da revista Estúdio 23.info:eu-repo/semantics/publishedVersio

Implicação e viragem. O paradigma é cada vez mais relacional ao mesmo tempo que a criação de públicos entra dentro da esfera de ação do autor. É um dos aspectos multiformes do “educational turn” nas artes: o discurso artístico, curatorial, mediático e de gestão institucional orienta-se para uma maior interação relacional, através da convocação de novos públicos, mais visitantes, mais interação pelas redes e dispositivos móveis, mais implicação informal através de novos espaços e de novos circuitos de circulação, mais implicação formativa dos artistas na produção de discursos sobre a arte, mais ênfase na formação artística através da formação pós graduada de artistas, com novas soluções de inserção académica, como a pesquisa baseada na prática, entre muitas outras instâncias. Aqui, nesta revista, centramos aquelas instâncias de implicação, comprometimento, intervenção.info:eu-repo/semantics/publishedVersio

A partir da vídeo-performance Despacho Cultural ­– realizada pela autora em residência na Escócia –, da antropologia simétrica de Bruno Latour, do perspectivismo de Viveiros de Castro e do conceito de acumulação primitiva revisto por Silvia Federici, este texto compara o despejo dos escoceses das Highlands às políticas de imigração da atualidade.

Em 1968, o filme La hora de los Hornos, exibido especificamente em fábricas de forma clan­destina, foi um manifesto de grande repercussão do Terceiro Cinema contra o neocolonia­lismo na América Latina. Nas fábricas, a cada nova exibição, era pendurado um banner que tinha impresso o seguinte texto: “Todo espectador é um covarde ou um traidor”. Sessões de cinema cuja principal intenção era quebrar as distinções entre cineasta e público, autor e produtor, para assim criar uma esfera de ação política. Hoje, filmes políticos não são mais exibidos nas fábricas. Eles são mostrados no museu ou na galeria – no espaço da arte. Ou mesmo, em qualquer tipo de cubo branco. Como isso aconteceu?

A partir de histórias da primeira região salineira do Brasil, a artista visual Bia Martins nos incentiva a visitar paisagens que espelham diferentes modos de produção, processando em suas obras a transformação do sal em bem simbólico. Deslocando-se de um lugar após o outro, em sintonia com o mercado globalizado, vasos de cerâmica cheios de sal grosso e sacos de sal refinado, depois de rotulados, organizados e lançados através de discursos em instituições de arte, ironicamente, tornam-se mercadorias hipervalorizadas que discutem o processo de mais-valia em diferentes setores da economia.

O Surrealismo no início do século XX  assentou a pedra fundamental da cultura de massa na contemporaneidade. Com suas imagens antecipou a teoria de Walter Benjamin sobre a aura do objeto e o atual debate sobre o termo pós-modernidade. O movimento utilizou vários meios para a produção de suas obras: imagens da cultura de massa, da ciência e da história da arte atravessavam telas de pintura, cenários, figurinos, filmes, fotomontagens. Informações de origens diversas foram combinadas em obras que objetivaram principalmente apontar a proliferação dos sentidos e a dissolução da Verdade monolítica da cultura ocidental.

A estética utilizada para construir imagens, que parece ter se inspirado no método de antropólogos em suas pesquisas de campo, vou denominar: estética etnográfica. Um conceito de estética, para atender às necessidades de um mundo que se debate entre a tendência à globalização e a resistências locais, precisa reencontrar a essência do humano, agora mais do que nunca, incorporada em diferentes crenças e modos de vida.

Esse texto, que aborda teorias da percepcao, da fotografia e das artes visuais, e uma reflexao da autora sobre os procedimentos utilizados para a construcao de um projeto de instalacao. Cabeca, tronco e membros foi experimentado no galpao do programa de pos-graduacao em artes visuais da EBA – UFRJ e, posteriormente, na Fundacao Joaquim Nabuco, em Recife, atraves do projeto Rumos do Itau Cultural.

Com base na história do retrato, esta dissertação é um relato dos procedimentos para a produção de trabalhos de arte contempo-rânea. Enquanto a pesquisa fotográfica resgata a aparência da escultura simétrica da antiguidade através da atual tecnologia digital, o texto analisa como as inovações tecnológicas têm proporcionado deslocamentos conceituais em nossa cultura.