Cinema LGBT

En el cine israelí, hay dos temáticas bastante concurridas que encuentran, en la esencia de sus relatos, un discurso común. Nos referimos, por un lado, a las películas que describen conflictos en el seno de la vida ortodoxa y, por el otro, a películas con protagonistas homosexuales. En ambos casos, nos encontramos con un común denominador que atraviesa a la mayoría de los relatos: la necesidad de libertad, de salir de entornos agobiantes y ser honestos con el deseo individual y no mantenerse presos del destino dictaminado por la familia o por el entorno. Si bien este conflicto no atañe a todas las películas que describen la vida en comunidades ortodoxas, muchas de ellas apuntan a eso, al igual que las películas que abordan conflictos ligados a la diversidad sexual de sus protagonistas. E, incluso, podemos encontrar films que narran historias dramáticas donde la libertad de estos personajes criados en entornos ortodoxos pasa, justamente, por su libertad de elección sexual.

El Perú tiene uno de los índices más altos de intolerancia en la región y las leyes de unión civil para personas del mismo sexo están lejos de ser decretadas: no es raro, por lo tanto, confirmar la baja producción de cine LGBT en suelo peruano. Es inquietante. El cine nacional, marcado por carencia de apoyo del Estado, comenzó una transición cualitativa al terminar la dictadura a fines del siglo XX. La libertad de expresión se manifestó de diversas maneras y el cine LGBT tomó marcha hacia un interés camuflado de la sociedad. Dos películas peruanas de relevancia local e internacional trataron la temática homosexual como tronco sustancial: No se lo digas a nadie (1998) de Francisco Lombardi y Contracorriente (2010) de Javier Fuentes-León. La última producción LGBT en el Perú estuvo a cargo de Carlos Ciurlizza con Sebastian (2014). Sin embargo, ¿cómo ha sido representada la homosexualidad en el cine peruano a lo largo de los años? ¿Este retrato ha evolucionado de algún modo? Esta representación parece que continúa siendo la misma como espejo de un país sumergido aún en la intolerancia y la homofobia. No obstante, existe un reconocimiento de la temática homosexual en los filmes peruanos del nuevo siglo que expone otra mirada hacia la comunidad gay; lo cual supondría algún interés socio-político hacia la producción de cine LGTB de un sector de la población que reclama la igualdad de derechos y por lo tanto debe ser tratada con mucho cuidado.

Libro co-escrito con Alejandro Melero. Editado por TECMERIN (Grupo de Investigación “Televisión-Cine: memoria, representación e industria”, Universidad Carlos III de Madrid).
Alfonso Albacete fue uno de los primeros cineastas formados por la Universidad Complutense de Madrid, la institución que, en los años ochenta, vino a ocupar el vacío académico que hasta entonces existía en nuestro país y a escuchar la demanda de tantos estudiantes que pedían una formación en los medios audiovisuales. El debut de Alfonso Albacete en los años noventa llegó después de años de experiencia en el mundo del videoarte, la publicidad y la televisión. El éxito de sus propuestas coincidió con un nuevo despertar del cine español.
Este Cuaderno Tecmerin recoge las conversaciones generosas que Alfonso ha tenido con nosotros a lo largo de varias sesiones de trabajo. En ellas, Alfonso nos habla de su vida y de su obra y visita los lugares que lo hacen tan especial dentro de nuestro panorama cinematográfico. Para empezar, el hecho de que la mayor parte de sus películas estén co-dirigidas: la primera a seis manos, las cinco siguientes a cuatro manos. Sus experiencias exitosas en un medio que es, por definición, colaborativo, son de un valor excepcional y, creemos, especialmente relevantes para los estudiantes interesados en explorar cuestiones como el trabajo con los actores, los distintos procesos de escritura del guion y su transformación en imágenes en movimiento, el trabajo de postproducción y montaje en el que tantas voces intervienen, la importantísima labor de promoción... Revisar la filmografía de Alfonso es también pasear por títulos cuyas representaciones de la diversidad sexual constituyen hitos en la historia del cine español, especialmente Más que amor, frenesí (1996) y Sobreviviré (1999). Un repaso por su obra es un recorrido por los cambios sociales que ha experimentado nuestro país en las últimas dos décadas, tan decisivas en lo referente a la diversidad sexual. Son cambios que, sin la intervención de las artes visuales, no hubiesen sido posibles.

On its release in 1998, Lukas Moodysson's film "Fucking Åmål" caused much stir, both critically and politically, especially for its portrayal of the life of typical small-town youths and in particular a lesbian schoolgirl. Moodysson was even pressurized to change the title of the film for the international market - soon rebranded as "Show me love". The film also put the small Swedish town of Åmål on the map. It had been reported that the town had been upset by its portrayal in the film - though in fact none of the final film was actually filmed there. The following essay discusses a number of issues: the critical relationship between the film and the town itself, the  policies of the town regarding both its economic development and in particular the youths of the town.

El objetivo principal de este trabajo es enfatizar y visibilizar las adaptaciones y modificaciones que han tenido lugar en el seno de la masculinidad en las décadas de los años ochenta y noventa en las producciones del cine LGTB español. De acuerdo con esto se tratará de profundizar en la manera en que la masculinidad es habitualmente representada en esta cinematografía recurriendo al binarismo formado por una masculinidad tóxica y monstruosa y otra más tolerante y sensible, encarnada por el «nuevo hombre». Este arquetipo representa una «nueva masculinidad» que se presenta a sí misma como una versión dulcificada y pacífica en comparación a su contraparte tóxica, pero que a pesar de esto continúa ostentando grandes privilegios patriarcales.

Palabras clave: masculinidad, masculinidad tóxica, cine LGTB, cine español, nuevo hombre.

Resumo: Através da utilização do conceito de olhar masculino (male gaze) formulado por Laura Mulvey, assim como outras reflexões sobre gênero e sexualidade no cinema, esse artigo se propõe a analisar o papel narrativo dedicado às mulheres no filme Me chame pelo seu nome (Luca Guadagnino, 2017), assim como as dinâmicas de gênero e as representações visuais do sexo e dos corpos manifestas na obra. Palavras-chave: olhar masculino; representação; cinema LGBT, cinema queer.

Abstract: Through the concept of the male gaze, coined by Laura Mulvey, as well as other reflections about gender and sexuality in cinema, this paper aims to analyze how women are used as narrative devices in the movie Call me by your name (Luca Guadagnino, 2017), as well as the gender dynamics and the visual representations of bodies and sex in the film.

RESUMO
Partindo de provocações da teórica e poeta negra Tatiana Nascimento (2019) sobre a impotência da culpa branca, este trabalho propõe uma reflexão ativa sobre como o desejo gay branco constrói discursos de objetificação sobre corpos racializados. Através da análise fílmica de dois curtas-metragens brasileiros recentes, o pernambucano O porteiro do dia (Fabio Leal, 2016) e o carioca Vigia (João Victor Borges, 2018), ambos dirigidos por cineastas gays brancos e com narrativas que abordam relacionamentos interraciais, interrogaremos a figura do “cafuçu” enquanto uma categoria de fetiche e fantasia homossexual. Estabelecendo um diálogo com diferentes expressões artísticas brasileiras ao longo da História, da literatura a pintura, buscaremos demonstrar como esses retratos de homens negros sexualizados configuram “imagens de controle”, como formuladas por Patricia Hill Collins (2019), que auxiliam na perpetuação de estereótipos nocivos sobre a sexualidade e masculinidade negra.

Palavras-chave: Cinema Brasileiro. Cinema LGBT. Raça. Representação. Imagens de Controle.

ABSTRACT
Based on provocations by the black theorist and poet Tatiana Nascimento (2019) about the impotence of white guilt, this work proposes an active reflection on how white gay desire constructs objectification discourses on racialized bodies. Through the filmic analysis of two recent Brazilian short films, O porteiro do dia (Fabio Leal, 2016) and Vigia (João Victor Borges, 2018), both directed by white gay filmmakers and with narratives that approach interracial relationships, we will interrogate the figure of the “cafuçu” as a category of fetish and homosexual fantasy. Establishing a dialogue with different Brazilian artistic expressions throughout history, from literature to painting, we will seek to demonstrate how these portraits of sexualized black men configure “control images”, as formulated by Patricia Hill Collins (2019), which help to perpetuate stereotypes harmful effects on black sexuality and masculinity.

Keywords: Brazilian cinema. LGBT cinema. Race. Representation. Control Images.

En las últimas décadas el cine LGTBI+ español ha evolucionado hacia una representación más numerosa y variada de la diferencia genérico-sexual, sin embargo, la representación de las mujeres lesbianas continúa siendo, aun hoy, muy minoritaria más aún si nos referimos a películas dirigidas por mujeres. En este texto, a través del análisis de dos obras de la directora Marta Balletbó-Coll: Costa Brava (1995) y Sévigné (2004) ahondaré en la construcción de un sujeto lésbico que rechaza ser exhibido de acuerdo a la tradicional objetualización y espectacularización patriarcal. Para ello, evidenciaré como ambos filmes presentan a personajes femeninos empoderados que basan sus relaciones en la sororidad femenina y la autoaceptación de la identidad lésbica.

Abstract
In the last decades the spanish LGBTI+ cinema has evolved toward a more numerous and varied representations of gender and sexual orientation difference. However, the visibility of lesbian women is still insuficient specially if we talk about films directed by women. In this text, through the analisis of two films of Marta Balletbó-Coll: Costa Brava (1995) and Sévigné (2004), I will deepen in the construction of a lesbian subject who rejects to be objectified and espectacularised by patriarcal society. For this purpose, I will pay attention to the way in which both narratives depict empowered feminine characters that base their relations in sorority and self-acceptance of lesbian identity.

Este artículo presenta el análisis de los sonidos contenidos en la película mexicana Estrellas solitarias (Fernando Urdapilleta, 2015) como recursos estético-narrativos del lenguaje cinematográfico utilizados para significar la transfobia; elementos sonoros que se convierten en símbolos de discriminación, violencia y muerte para el colectivo travesti, transgénero y transexual. El fenómeno se observa desde los conceptos del lenguaje sonoro cinematográfico propuestos por Samuel Larson (2010) y las nociones sobre construcción del género, discriminación, homofobia y transfobia de Judith Butler (2002, 2006, 2007), Teresa de Lauretis (1989), Óscar Guasch (2006) y Ricardo Llamas (1998). Se trata de una revisión de lo sonoro para analizar la representación fílmica de un hecho sociocultural como la transfobia.

texto publicado no catálogo ES Cineclube Diversidade (2018), organizado por Fabrício Fernandez. Uma versão revista e ampliada se encontra no livro "Exercícios do sentir, exercícios do olhar" (Ed. Cousa, 2019), com pdf disponível em https://www.academia.edu/44011534/EXERC%C3%8DCIOS_DO_OLHAR_EXERC%C3%8DCIOS_DO_SENTIR

Este estudo apresenta uma etnografia de territórios “gays” marcados por processos comunicativos, em busca de pensar nas imagens que aí se constroem das homossexualidades brasileiras. A imagem, a representação e o território são o foco dessa discussão que envolve cinema, carnaval e paradas gays, pensados enquanto produtores de cultura e não apenas um reflexo dela. O trabalho que faz parte da tese de doutorado, em produção pelo autor, lança mão de conceitos como territorialidade e comunicação marginal para pensar em espaços que tornam as relações de mesmo sexo possíveis e constroem mundos habitáveis e permitem a constituição de sujeitos.

The aesthetics of visibility politics, associated with the lesbian and gay liberation movement cinemas of the 1970s and ’80s, still drive most discussions of queer cinema in Germany. Queer has come to function primarily as an identity category and queer films tend to be only those that are either made by or represent queer people. At the time of its initial theorization, however, queer marked a challenge to the fixity of identity and suggested a beyond to existing regimes of representation. How can we incorporate this critical perspective on identity and representation into a concept of queer cinema? What kind of queer cinema pictures not simply queer lives and loves but, more importantly, those realms of abstraction beyond figuration? Relying on examples from the history of avant-garde film and video, this talk argues for the importance of aesthetic and narrative innovation to an understanding of queer cinema.

Breve recorrido por la filmografía de Pedro Almodóvar a propósito de la retrospectiva “Almodóvar: The Top Ten” que tuviera lugar en el Coral Gables Art Cinema de Miami. Sus películas son agrupadas atendiendo a los rasgos estilísticos y temáticos según las distintas épocas creativas del cineasta, entre ellas el diseño de personajes, el protagonismo de la mujer, la supremacía de la música en las bandas sonoras y las estéticas pop, camp y Kitsch (ostensibles en los sets, los decorados, el maquillaje y el vestuario); así como la hibridación del melodrama con el cine noir, la presentación de conflictos freudianos y sujetos queer, intertextualidad y autorreferencialidad. Un examen sintético de casi cuatro décadas de trabajo dedicado a un cine personal, sangrante, excéntrico.

Este es un artículo panorámico donde analizo brevemente las películas de temática LGBTQI, que concursaron en la 33 edición del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamercano en La Habana, entre ellas: Ausente (2010) del director argentino Marco Berger, Los tres (2011) del brasilero Nando Olival, Chamaco (2010) de Juan Carlos Cremata,  Fábula (2011) de Lester Hamlet, Lengua materna (2010) de Liliana Paolinelli, Hermafrodita (2009) del dominicano Albert Xavier; y los cortometrajes A rapel (2011) del mexicano Gian Cassini, La ducha (2010) de María José San Martín,  No quiero regresar solo (2010) del brasilero Daniel Ribeiro y El casamiento (2011) del documentalista uruguayo Aldo Garay.

The present article consists of the «lesbian vampire» film analysis in films directed by women, different from those made by men that prompted her stereotyped image. For this purpose, will be used a methodology based on LGBT+ film theories, which aims to explain the origin of this character as lesbian and bisexual women representation in cinema and to see its variation from the original male gaze in the current feminine gaze perspective.

Brazilian cinema is born out of a desire for modernity. Moving images (movies) represented the newest technological innovation. Cinematographers brought to the growing cities of Brazil an idea—and ideal—of “civilization” and contemporaneousness. At the same time, queer identities started to gain visibility. Therefore, a possible historiography of cinema is also a potential for a historiography of queer identities.

Nonetheless, as a non-Anglo country and former colony of Portugal, Brazil presents its own vicissitudes both in the history of cinema and in queer historiography. To understand dissident identities in a peripherical culture (in relation to Europe), one must comprehend the ways ideas and concepts travel. Therefore, queer and intersectionality function as traveling theories (in Edward Said’s terms) for the understanding of a Brazilian queer cinema.

A critical perspective of the term “queer” and its repercussions in other cultures where English is not the first language is imperative for one to understand groundbreaking filmmakers who have depicted queer realities and identities on the Brazilian big screen throughout the 20th century and the first decades of the 21st century.

Una riflessione sul corpo attorico, che si trova ad essere indagato nelle sue potenzialità comunicazionali ed espressive e nelle sue fluttuanti relazioni con il concetto di identità in due performances attoriche, quelle di De Niro e di Philip Saymour Hoffman in Flawless di Joel Schumacher (1999), sempre in bilico tra la ricerca della adeguata resa scenica e il rischio dell'eccesso caricaturale non voluto e del lacrimevole non programmato.
Corpo tragico e disfunzionale, quello di De Niro, corpo duale e pirandellianamente umoristico, quello di Hoffman, ma entrambi votati alla epifenomenizzazione di istanze psichiche e identitarie dal forte segno.

Español - English

Español - Esta es una entrevista con Cecilia Queiroz, cofundadora del Festival de Cine Pink Latino, el cual se propone exhibir películas latinoamericanas sobre diversidad sexual y de género, primeramente en Canadá, durante el “Pride Toronto”, y luego en itinerancia por otros países de habla hispana. En la entrevista trasciende el aspecto de la distribución de los filmes LGBT.

English - This is an interview with Cecilia Queiroz, co-founder of Pink Latino Film Festival, which aims to showcase Latin American films about sexual and gender diversity, firstly in Canada, during the "Pride Toronto", and after in other Spanish-speaking countries. In the interview transcends aspect distribution LGBT films.